Novgorod School of Icon Painting 1 852 Traductor traducir Autor del texto original - Neil Cоllins

Introducción

Un destacado centro de Arte cristiano , la escuela de Novgorod produjo tantos pinturas de paneles de tan alta calidad, entre los siglos XII y XVI, que su producción merece clasificarse entre las mejores y más importantes en la historia de pintura de iconos . Ciertos iconos bizantinos, es cierto, como la Virgen de Vladimir (c.1131), pueden superar a cualquiera producido por la escuela de Novgorodian; pero hay muchas obras maestras individuales de Arte ruso , aunque no existen suficientes iconos bizantinos para permitirnos formar una idea justa del estándar general alcanzado por los pintores bizantinos en un período determinado. Hasta más Arte bizantino sin descubrir, la escuela de pintura de iconos de Novgorod debe ser aceptada como la más rica y prolífica. (Por favor vea también: Arte cristiano, período bizantino .)

Muchos de los productos de Novgorod se ubican junto a los mejores pintura medieval de los primitivos italianos del siglo XIV, como el Escuela de pintura de Siena , o los ejemplos consumados de la Biblia Pintura flamenca .

Icon Painting 1300-1400: Un enfoque espiritual

El enfoque fundamental del pintor de íconos es, sin embargo, distinto de lo que vemos en Occidente, y un ícono de principios del siglo XIV de Novgorod que muestra al profeta Elías indica claramente la actitud de los medievales. Artistas rusos a la pintura religiosa. Para los pintores novgorodianos se propuso encender la fe del hombre usando sus ojos como el camino hacia su mente y alma. Por lo tanto, el profeta es representado como un hombre completamente preocupado por lo espiritual, y el ícono carece deliberadamente de los adornos y refinamientos que probablemente lo hagan atractivo. En cambio, su intensidad es abrumadora. Gran parte de su fuerza se debe al fondo absolutamente simple, plano, de color rojo brillante que de alguna manera escapa a la crueldad, que de hecho logra distinción al aparecer como el reflejo de la luz feroz que ilumina los ojos inflexibles del profeta.

Icon Painting 1400-1500: mayor uso de línea y color

En el siglo XV, la espiritualidad de este enfoque permaneció tan pura e inspirada como en el siglo XIV, pero encontró expresión en una composición más fina, en un ritmo lineal fluido, en un excelente equilibrio de nuevas proporciones y en una belleza y seguridad sin igual. de color – Véase, por ejemplo, la pintura al fresco de Melquisedek (1378) de Teófanes el griego en la Catedral de la Transfiguración, en Novgorod. Estas características aparecen hoy como los mejores logros de la escuela. Están bien en primer plano en un icono que muestra el Descendimiento de la Cruz (c.1430), anteriormente en la colección Ostrukhov y ahora en el Galería Tretyakov . La pintura novgorodiana se caracteriza por un intenso alargamiento de las figuras. En este icono se puede ver en la soberbia línea de las figuras arqueadas y la elegancia de la curva del cuerpo sin vida de Cristo. Estas formas son enfatizadas por los contornos claros y rectilíneos de la gran cruz, que remacha el ojo por su tamaño, pero deja la mente libre para responder a la concepción rítmica de la escena. El fondo severamente simétrico contrarresta cualquier flexibilidad inherente a la línea curva de la misma manera que las caras inexpresivas de los dolientes colocan al sujeto central en un nivel completamente propio. Como asociados de Cristo, los dolientes permanecen conscientes de su posición única e, independientemente de su propensión al dolor demasiado humana, recurren a un autocontrol más rígido que el que se le da a la gente común. Por lo tanto, aunque experimentan dolor como cualquier laico, su sufrimiento se representa en abstracto, y se expresa mediante una agrupación y una postura prescritas, y un efecto lineal rítmico, en lugar de gestos individuales y afligidos.

La creación del ritmo

El sentido del ritmo tan característico de Novgorodian pintura ya estaba presente en el siglo XII arte religioso En Rusia. En Novgorod, sin embargo, se desarrolló considerablemente y, a partir de entonces, se convierte en un elemento fundamental de la pintura rusa. Es especialmente evidente en un icono extraordinariamente interesante que muestra una batalla librada entre los novgorodianos y los suzdales en 1170. La pintura data de la primera mitad del siglo XV y se conservó en el Museo de Novgorod. El icono está dividido horizontalmente en tres secciones, la más baja de las cuales ilustra el choque entre los dos grupos de caballeros. Aquí el realismo y el registro histórico hacen su primera aparición en la pintura de iconos, pero permanecen sujetos a la estilización más severa. Como resultado, aunque los caballeros son hombres auténticos comprometidos en la batalla, no son individuos, y la escena de la batalla es completamente irreal, y por lo tanto carece de cualquier perspectiva lineal o naturalista escorzo – en gran parte debido a su conformidad con la insistencia de estilo gótico del siglo XV en el ritmo y la simetría decorativa. En este icono, el ritmo se deriva de las curvas de los banderines ondeando, de los cuellos arqueados de los cargadores y de las cabezas inclinadas y los cascos con forma de cebolla de los jinetes, así como de sus escudos redondeados como se ve en contraste con las lanzas rectilíneas, el brazos levantados y flechas equilibradas.

Esta pintura al temple El ícono es prácticamente el único ejemplo sobreviviente de la composición decorativa rusa medieval, a diferencia de la composición tradicional bizantina, pero es un trabajo tan realizado que es difícil creer que fuera tan único en su día como lo es en este momento. Es interesante compararlo con lo prácticamente contemporáneo. Renacimiento temprano pieza de batalla La batalla de San Romano (1438-55) por Paolo Uccello . Este último nos muestra un artista italiano
preocupado por la naturaleza, el antiguo anónimo ruso absorbido por los efectos lineales; donde Uccello se propuso sugerir movimientos mediante gestos y acciones individuales, el pintor de iconos intentó expresarlo mediante composición rítmica y agrupación. Mientras los italianos se esforzaban después del retrato, los rusos, trabajando en la tradición bizantina, consideraban la forma humana como el símbolo de la caballería y la rectitud. Sin embargo, aunque cada uno de los artistas partió de puntos tan divergentes, cada uno logró resultados muy similares, ya que ambos transmiten la misma impresión clara y definida del boato de la caballería y la guerra medievales, y ambos, al subordinar el realismo a lo pintoresco, proporcionan valiosa evidencia de la importancia que la Europa del siglo XV, ya sea católica u ortodoxa, occidental u oriental, atribuye a arte decorativa . Una importancia que, en el caso de Europa occidental, explica la popularidad del Gótico internacional estilo.

Pskov y Tver

Este sentido decorativo y este agudo sentido del ritmo están igualmente marcados en las pinturas de la ciudad satélite de Novgorod, Pskov, y de sus puestos de avanzada, como Tver. Estas ciudades compartieron el ojo seguro de Novgorod para el color y tuvieron casi tanto éxito como Novgorod en combinar tonos inesperados en composiciones armoniosas y curiosamente emocionantes. En novgorodian pinturas religiosas La elección y la yuxtaposición de colores son tan atrevidos y la calidad tan luminosa que hay que verlos para imaginarlos. Una reproducción en blanco y negro, por ejemplo, no puede dar una idea de su rango y variaciones; solo puede transmitir una impresión de lo firme pero sinuoso dibujo , el delicado espíritu, el fervor religioso y el naturalismo algo ingenuo de la obra. Que estas reproducciones tengan éxito hasta ahora es una prueba de la excelente calidad de las pinturas; aun así, visto sin su color, la pintura de Novgorodian es poco mejor que un exuberante paisaje de verano visto solo a la luz de la luna.

Murales Nereditsa

Novgorodian pintura mural está impregnado con el mismo espíritu y marcado por las mismas características que los íconos. Numerosos buenos ejemplos sobrevivieron hasta la Segunda Guerra Mundial, como, por ejemplo, en la iglesia de la Asunción en Bolotovo (1362) o en la de los Estelites de San Teodoro (1370) en Novgorod, o en la iglesia del cementerio principal de Novgorod (1390). Este maravilloso florecimiento de la pintura mural fue introducido a fines del siglo XII por una serie de frescos en la Iglesia del Salvador en Nereditsa , tan notables por su fecha temprana como por su alta calidad. Las pinturas se completaron a los pocos años de la construcción de la iglesia en 1199, y su destrucción en la última guerra fue una pérdida grave. Las pinturas ocupaban todo el espacio de la pared del interior, a excepción de una franja ancha a nivel del suelo coloreada para parecerse al revestimiento de mármol. El espacio asignado a los frescos era mucho más grande de lo habitual, por lo que los artistas involucrados en el trabajo tuvieron que desarrollar nuevas escenas y ciclos para llenarlo. Como resultado, la iglesia era tan iconográficamente interesante como estimulante estéticamente.

Las escenas convencionales ocuparon los espacios prescritos por la tradición bizantina. Así apareció el Pantocrátor en la cúpula, la Virgen Orans y la Comunión de los Apóstoles en el muro este, con el Juicio Final en el muro oeste. También se incluyó un retrato del donante, el príncipe Yaroslav Vladimirovich, como se hizo a veces en Constantinopla, y con frecuencia en Serbia, Bulgaria y Chipre, aunque los ejemplos en estas áreas son en su mayoría de una fecha posterior. Las peculiaridades iconográficas de los Nereditsa pinturas al fresco son importantes, pero dado que los detalles iconográficos son más interesantes para los académicos que para los amantes del arte, aquí solo se citan cuatro casos.

Así, primero, se muestra a la Virgen llevando un medallón de Cristo en su pecho. El primer ejemplo de este tipo hasta ahora conocido es el de Belén, que data de 1169; solo se hizo habitual en Rusia, según Myasoedov, el restaurador de estas pinturas, en los siglos XIV y XV. En segundo lugar, la escena que muestra al profeta Elijah siendo alimentado por cuervos sigue una variante que se convirtió en típica del arte serbio del siglo XIV. En tercer lugar, la escena de la tierra dando sus muertos está aquí incluida en el Juicio Final . Finalmente, los populares santos rusos, Boris y Gleb, aparecen por primera vez registrados hasta ahora.

Myasoedov ha trazado siete estilos principales en estas pinturas. El estilo predominante, similar al de los murales de la antigua Ladoga, era local. Otro, que Myasoedov definió como arcaico, recuerda en sus colores más crudos y líneas de barrido los íconos del siglo IX y X en el Sinaí; un tercero, en el que se crearon efectos modelados, recuerda a los mosaicos de Santa Sofía en Salónica. La obra del puro estilo Constantinopolitano apareció al lado de un estilo oriental más pesado, recordando los frescos en la iglesia de San Jorge en Ani. También se representaba un estilo sirio aún más pesado, y la influencia occidental era evidente, especialmente en el tratamiento de algunas de las cortinas y en ciertos rostros que se parecían a algunos en los frescos de Santa Croce en Gerusalemme en Roma; otros rostros recuerdan los de las pinturas de la iglesia del Quattro Coronati , también en Roma. Por lo tanto, aparte de la influencia predominante de Novgorodian, y debe tenerse en cuenta que, excepto en un caso, todas las inscripciones en estos murales estaban en eslavo, el restaurador encontró solo algunos rastros de influencia Constantinopolitana, pero mucho de Siria, Asia Menor y el oeste. Esto deja de ser sorprendente cuando recordamos que, por un lado, el gobernante de Novgorod, la esposa del príncipe Yaroslav, Maria, era caucásica de nacimiento, y que, por otro lado, Yaroslav firmó el primer tratado de amistad de Rusia con Alemania en 1199, el mismo año para que la iglesia tiene fecha. Tal combinación de elementos extranjeros y nacionales estaba completamente de acuerdo con la práctica rusa, sin embargo, independientemente de la profusión de estilos a discernir en Nereditsa, sus frescos definitivamente presentaban una entidad única, esencialmente rusa.

Frescos en el monasterio de Mizhorski

Los frescos un poco más tempranos en la Iglesia del Salvador en el Monasterio Mizhorski en Pskov (1156) fueron menos cosmopolitas. Hasta hace muy poco se creía que Pskov no representaba más que un subgrupo de la escuela de pintura de Novgorod. Sin embargo, descubrimientos recientes han revelado diferencias considerables entre los dos. Como suele suceder en el caso de una ciudad de provincias, Pskov era mucho menos sofisticada que Novgorod, y aunque usaba los mismos ingredientes, los mezcló de una manera diferente, y la influencia de la localidad tendió a ser preponderante. Como resultado, las tendencias nativas son más evidentes en Pskov, y el enfoque espiritual es puramente ruso. Se basa en la creencia de que los santos y los hombres santos, aunque superiores a los laicos, son esencialmente humanos. Como tal, sufren dolor y felicidad como sus semejantes, y se diferencian de ellos solo en sus reacciones. Esta concepción impregna la pintura de Pskov, invirtiéndola en una intimidad y sinceridad atractivas. En el siglo XV se expresó con gran habilidad técnica. Un nuevo ritmo lineal intensificó la seriedad espiritual al imponer una severa moderación a la pose y al gesto. Sin embargo, es en Pskov, tal vez más que en cualquier otro lugar de Rusia, donde la austeridad bizantina se ve atenuada por ese humanismo que consideramos característico de Rusia, aunque aparece en el icono bizantino de la Virgen de Vladimir . Los magníficos esquemas de color de Novgorod fueron quizás tan responsables como cualquier otra cosa de la unidad y belleza de los frescos de Nereditsa. Pskov compartió este sentido del color, pero lo expresó de manera bastante diferente. Así, en Mizhorski, los rostros se modelaron en profundidad, intensa pigmentos de color , predominando el verde oliva, con reflejos que van desde el ocre al blanco, y con los ojos, la nariz y las manos delineados en marrón rojizo. Mientras que Novgorod colocó sus figuras sobre un fondo claro, preferiblemente blanco ocre ocre, Pskov prefirió colocarlas contra una de color azul intenso y brillante, y le gustaba ver los contornos verdes o amarillos pálidos de un paisaje a lo lejos. Las cortinas brillantes, como por ejemplo blanco o verde con sombras en azul pálido o en dos tonos de verde, o blanco con sombras amarillas, fueron los complementos favoritos de tales fondos.

Murales en el monasterio de Snetogorski

Un enfoque más emocional caracteriza las finas pinturas murales en el Monasterio Snetogorski cerca de Pskov , que data de 1312. Fue transmitido por una mayor diversidad de gestos y poses y por la variación de los ángulos en los que se inclinaban las cabezas de los santos. Sus rostros eran alargados y sus ojos, colocados en cavidades profundas, miraban con tal intención que los murales tenían una espiritualidad propia. Las túnicas estaban envueltas de manera más elaborada de lo que era habitual en el arte ruso, la variedad en el color fue reemplazada por la variedad en el tono, que variaba, por ejemplo, del rosa al rojo brillante al amarillo. Por otro lado, rara vez aparecían grises, violetas y azules, y en las escenas que habían sido limpiadas y restauradas antes de la última guerra no había rastro de verde. El amor esencialmente ruso por el contraste se satisfizo con el énfasis en los efectos de luz y sombra, que fue responsable de que prácticamente todos los rojos estuvieran salpicados de blanco, mientras que los tonos de carne eran muy oscuros, de un tono rojo o violeta, o casi blanco.

Grandes exponentes de la escuela de pintura de iconos de Novgorod

La riqueza y la variedad de la pintura de Novgorodian son infinitas, pero prácticamente todos los creadores de estas numerosas obras maestras han permanecido en el anonimato, y los nombres de solo las tres grandes Viejos maestros Destacan como sinónimo entre los amantes del arte ruso. En Rusia, como en Occidente, prácticamente todos los exponentes de arte cristiano medieval Eran monjes que trabajaban por la gloria de Dios y su monasterio en lugar de por la notoriedad personal. Estas artistas medievales rara vez firmaron sus pinturas de panel, y los tres hombres cuyos nombres son famosos en toda Rusia no hicieron ninguna excepción a esta práctica, pero fueron artistas de un mérito tan sobresaliente que su genio les dio fama en su propio día y renombre en el nuestro. Para más detalles, ver:

Las obras que reflejan el estilo de la escuela de pintura de Novogorod se pueden ver en algunos de los mejores museos de arte en Rusia, incluidos el Museo Vladimir y Suzdal, el Museo Novgorod, el Museo de Arte Occidental y Oriental, Kiev (también conocido como el Museo de Arte Bogdan y Varvara Khanenko) y la Galería Tretyakov.