Arte renacentista en Roma bajo los papas Traductor traducir

Durante la Edad Media (c. 500-1100), Europa se estancó y el Papa occidental de Roma se vio eclipsado por su homólogo oriental bizantino de Constantinopla. Incluso cuando Europa comenzó a recuperarse a partir del año 800, el papado occidental dependía en gran medida del poder secular del emperador francés Carlomagno y, posteriormente, de los emperadores alemanes. Sólo después de que el concilio ecuménico eligiera pontífice a Martín V en 1417, en los primeros años del Renacimiento, éste y los papas posteriores pudieron dedicarse a restaurar y fortalecer el prestigio papal de Roma.

En ese momento (1417), el Papa no sólo era el gobernante espiritual, sino también el temporal de millones de personas, y esta doble autoridad provocaría muchos conflictos en el siglo XV. El Papa no sólo era el administrador de la Iglesia romana, sino también el gobernante de numerosos territorios. Bolonia, Perugia, Urbino, Ferrara y Siena eran sólo algunas de las ciudades italianas bajo jurisdicción papal. Algunas eran gobernadas en nombre del Papa por arzobispos, otras por nobles locales y otras por parientes del Papa de turno.

El florecimiento del arte renacentista en Florencia en el siglo XV ) quatrocento) fue la preocupación y la envidia de muchas otras ciudades italianas, especialmente Roma. El liderazgo florentino durante el primer Renacimiento confirió a la ciudad un halo de autoridad incuestionable. (Véase más sobre Renacimiento florentino). Con el paso del tiempo, Martín y sus sucesores tuvieron claro que una forma de restaurar el prestigio del papado era hacer de Roma el nuevo centro del Renacimiento italiano embelleciéndola con una magnífica arquitectura, escultura y pintura . Esto es exactamente lo que hicieron.

Desarrollo temprano

Dos grandes maestros antiguos del Renacimiento - Rafael y Miguel Ángel están particularmente asociados a la historia del mecenazgo papal. (Véase también Escultores del Renacimiento) Trece papas fueron elegidos en vida, tres de ellos miembros de la familia Médicis. A pesar de las diferencias de carácter y estilo de comportamiento, prácticamente todos los papas se guiaron por un objetivo primordial: fortalecer el papado mediante el ejercicio del poder personal. Mediante la sabiduría, la diplomacia y el engaño, crearon una autoridad a tener en cuenta, y Roma volvió a convertirse en el centro espiritual y cultural del mundo cristiano. En el arte, el Renacimiento utilizó formas del arte griego, especialmente la escultura griega clásica , y el arte romano y la arquitectura.

Entre los grandes papas del Renacimiento, Eneas Silvio Piccolomini (1458-64), que adoptó el nombre de Pío II, fue uno de los primeros en darse cuenta de la importancia de conservar y difundir el saber antiguo. El fresco, pintado por Bernardino Pinturicchio (c. 1454-1513) a principios del siglo XVI, celebra la vida y los logros humanistas de Pío II, a quien representa como un joven arrodillado listo para ser coronado con el laurel del poeta. En ninguna parte de esta obra del Alto Renacimiento, completamente secularizada, se menciona siquiera la filiación religiosa o eclesiástica del pontífice.

Pío II fue sucedido por Francesco della Rovere, que reinó como Sixto IV (1471-84). Este hombre astuto y despiadado había bendecido el complot de los Pazzi para asesinar a los hermanos Médicis durante sus primeros años como papa. Sin embargo, fue un enérgico e inteligente mecenas de las artes e inició un importante programa de construcción en el Vaticano, sede administrativa y residencial del papado. Quizá la obra más famosa encargada por Sixto IV fue la Capilla Sixtina.

El edificio se diseñó originalmente como sede de cónclaves religiosos oficiales y refugio del Papa. En nuestro siglo, la Capilla Sixtina acogió recientemente el histórico encuentro entre el Papa Pablo y el arzobispo de Canterbury.

El papa Sixto IV (1471-84)

Durante el pontificado de Sixto IV (1471-84) aumentó mucho la actividad artística en Roma. Su mecenazgo del arte cristiano atrajo no sólo a pintores, escultores y arquitectos, sino también a numerosos poetas y eruditos clásicos. Decidido a hacer de la ciudad un centro de cultura y arte que pudiera rivalizar con la Florencia de Lorenzo de Médicis, Sixto animó a artistas como el florentino Melozzo da Forli a abandonar su ciudad natal y trabajar en las iglesias de Roma. En una de las muchas obras que Melozzo creó en Roma -«La fundación de la Biblioteca Vaticana por Sixto IV»- glorificó uno de los mayores logros del mecenas de Sixto.

Además, Sixto IV invitó a varios artistas a decorar la Capilla Sixtina. Entre ellos se encontraban Perugino (1450-1523), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Luca Signorelli (1450-1523) y Botticelli (1445-1510). Por ejemplo, el fresco de Perugino «Cristo entregando las llaves a San Pedro» (1482).

Sin duda, el Papa era extremadamente sensible a los juicios de la historia y quería ser recordado como un humanista devoto que apoyó generosamente el arte y la literatura. El fresco de Melozzo y la pintura al fresco, que muestra la característica predilección florentina por las figuras tridimensionales que ocupan un espacio racional y coherente, representan a un papa astuto y ambicioso sentado en una estrecha cámara con rica decoración clásica. Cuatro de sus sobrinos y un quinto clérigo están presentes; entre los parientes destaca el cardenal arrodillado Giuliano dell’a Rovere, que daría aún más lustre al Vaticano durante el pontificado de Julio II.

Tras la muerte de Sixto en 1484, le sucedió Giovanni Cibo, que reinó como Inocencio VIII (1484-92). Aunque el programa de construcción de Sixto fue continuado por Inocencio VIII y su sucesor Alejandro VI (1492-1503), cuyo reinado coincidió con el inicio del Alto Renacimiento, el entusiasmo que había caracterizado la actividad anterior decayó. Además, durante este periodo Italia se vio asolada por una agitación política en la que los papas se vieron necesariamente implicados como gobernantes temporales. Sólo con la elección de Julio II en 1503, Roma suplantó realmente a Florencia como centro artístico de la península y de toda Europa. Fue entonces cuando pasó a llamarse madre di belle arti («madre de las bellas artes»).

Los mejores artistas del mundo
Para una lista de los 10 mejores pintores/escultores, véase: Los mejores artistas de todos los tiempos .
Lista de las 300 mejores obras al óleo, acuarela véase: Los mejores cuadros de todos los tiempos .
Las 100 mejores obras de escultura véase: Escultores más famosos .

Papa Julio II (1503-13)

El pontificado del papa Julio II duró sólo diez años, pero fue uno de los más memorables, al menos en la historia del arte . Durante estos diez agotadores años, Roma fue testigo de los logros más poderosos de la mente y el espíritu humanos, posibles gracias a un rígido control político. Julio fue llamado «el Papa guerrero», pues parecía disfrutar luchando y a menudo aparecía con armadura al frente de su ejército. Estaba familiarizado con los problemas del papado desde la época de su tío como papa y estaba decidido a reforzar su poder.

A diferencia de muchos de sus predecesores, Julio rara vez distribuyó la fortuna y el prestigio del papado entre los miembros de su familia; lo que adquiría lo entregaba a la Iglesia con orgullo y majestad. Su carácter, aún más extravagante que el de Sixto, combinaba rasgos aparentemente opuestos: crueldad y refinamiento.

Sus guerras e intrigas se equilibraron con el desarrollo de la educación y la fundación de los Museos Vaticanos . Julio fue otro ejemplo de hombre completo del Renacimiento, que se sentía a gusto tanto a caballo como en un estudio repleto de libros.

Más que ningún otro Papa, fue el responsable de devolver a Roma su antiguo esplendor y prestigio. Tenía un plan maestro para unificar la península itálica y hacer de Roma el centro político no sólo de Italia, sino de toda Europa. No era un sueño vano en su época, ya que el continente europeo seguía unido por una única fe religiosa, y el carácter multinacional «de la Iglesia universal» hacía del Papa un candidato lógico para el liderazgo político.

En su afán por hacer de Roma la capital cultural del mundo, Julio exigió y recibió la dedicada ayuda de los más talentosos artistas y arquitectos de su tiempo. Uno a uno fueron llegando a Roma desde lejanas ciudades italianas. Rafael -probablemente el mayor representante de la pintura del Alto Renacimiento vino a decorar los aposentos papales en el Vaticano con frescos que glorificaban los intereses teológicos y humanísticos del papa. (Véase Las estancias de Rafael: el Vaticano).

Miguel Ángel fue huésped involuntario de Julio mientras éste, durante cuatro años de agónico trabajo, realizaba el fresco «Génesis» (con la icónica representación «Creación de Adán»). - parte de los majestuosos frescos de la Capilla Sixtina y trabajar en una gran tumba de mármol para asegurar la memoria del Papa. Donato Bramante (c. 1444-1514), el arquitecto más importante de la época, fue llamado desde Milán para crear un plan para la reconstrucción de la antigua Basílica de San Pedro, que se estaba desmoronando y existía desde los primeros tiempos de la cristiandad. Véase: Arquitectura renacentista .

Julio pretendía que este edificio superara en grandeza a los monumentos de la antigua Roma y anunciara así el advenimiento de una época aún más grandiosa. En 1506 puso la primera piedra de San Pedro, ese gran símbolo arquitectónico del poder y la universalidad del papado, pero pasaron más de ciento cincuenta años antes de que se completara todo el proyecto. Durante este tiempo no dejaron de llegar a Roma arquitectos de talento: Antonio da Sangallo, Miguel Ángel, cuya majestuosa cúpula se eleva sobre la basílica, Carlo Maderna, Gian Lorenzo Bernini, que diseñó la impresionante columnata que ciñe la plaza frente a San Pedro. Julio también encargó a Rafael una pintura decorativa - «Madonna Sixtina» (1513-14) - para su tumba. Sin embargo, la obra se utilizó finalmente como retablo para el altar mayor de la iglesia benedictina de San Sixto de Piacenza.

En septiembre de 1512, dieciocho años después de la expulsión de su familia de Florencia bajo Girolamo Savonarola (1452-1498), Julio apoyó a Giovanni, Giulio y Giuliano de’ Medici en su regreso a su ciudad natal y en la restauración del control de su familia sobre el gobierno. Seis meses más tarde, el papa guerrero murió, y el cardenal Giovanni Medici ascendió al trono como papa León X. De este modo, la asombrosa familia Médicis salió del exilio y de una relativa oscuridad para controlar los dos principales centros de la actividad política y cultural italiana.

Para una lista cronológica de pintores y escultores activos en el arte italiano durante este periodo, véanse: Artistas del Renacimiento temprano y Artistas del Renacimiento alto .

El papa León X (1513-21)

León X tenía sólo treinta y siete años cuando se convirtió en Vicario de Cristo, y se dice que comentó al ser elegido: "Ya que Dios nos ha dado el papado, disfrutemos de él". Lo que ciertamente hizo durante los ocho años de su reinado activo (1513-21). Julio II puso el listón muy alto en el mecenazgo de las artes, pero el hijo de Lorenzo el Magnífico no estaba dispuesto a pasar a la sombra. Apoyó a poetas, filósofos, eruditos clásicos y músicos.

Continuando la tradición familiar establecida por su bisabuelo Cosme y la tradición papal establecida por Sixto IV, León envió eruditos por todo el mundo para comprar y prestar manuscritos antiguos para las crecientes colecciones vaticanas. Al igual que Sixto y Julio, apoyó los programas de construcción. Cada vez se necesitaban más para acomodar a las multitudes que acudían a la próspera Roma desde las ciudades de provincia.

El pintor favorito de León era Rafael, quien, además de su divino «Retrato de Baldassare Castiglione» (1514-15, Louvre), nos regaló un hermoso retrato de este sorprendente Papa. En el cuadro «del Papa León X con los cardenales Giulio de Medici y Luigi de Rossi» (1518, Palacio Pitti, Florencia) vemos al Papa tal como era en 1518, a sus cuarenta y tres años. Leo, un hombre delgado que amaba la buena comida y la bebida tanto como sus manuscritos, está sentado a una mesa sobre la que descansa un libro iluminado que está leyendo. El cuadro se caracteriza por una clara elaboración de diversas texturas y superficies. También ofrece una sutil visión de las relaciones personales de las personas representadas.

Resulta especialmente admirable el modo en que Rafael subraya caprichosamente el estado de alerta de las tres figuras, especialmente del cardenal Giulio, a la derecha, que pronto se convertirá en el papa Clemente VII. Él y el otro cardenal casi parecen vigilar al Papa. Aunque el cardenal Médicis es la mano derecha «del Papa y está muy cerca de él, Rafael no permite que ninguna de las figuras pase de ser una sombra secundaria, mientras que el corpulento León domina el cuadro. Ese mismo año, el cardenal Giulio de Médicis encargó a Rafael un retablo «La Transfiguración» para la catedral francesa de Narbona.

Julio II y León X gastaron sumas astronómicas para reavivar la grandeza y el prestigio de Roma. Sólo la construcción de la basílica de San Pedro provocó una crisis financiera. En la Iglesia se inició una revuelta contra los excesos papales, que tuvo poderosas repercusiones en toda Europa, especialmente en Alemania.

Una forma de obtener fondos para reponer las arcas vaticanas, que se agotaban rápidamente, era mediante la venta de indulgencias, es decir, la absolución de los pecados sujetos al castigo purgatorial. Fue en Alemania donde el monje agustino Martín Lutero se pronunció por primera vez contra esta vieja costumbre. Para más información sobre esta revuelta y el arte que produjo, véanse Arte protestante de la Reforma del norte de Europa y Arte católico de la Contrarreforma de Italia y España.

Roma se debilita por los gastos excesivos del Papa

Debido a su alto precio, el momento de la supremacía papal fue breve. Aunque el sucesor de León, el papa neerlandés Adriano VI, reaccionó con dureza ante la moral relajada y el gasto imprudente de sus predecesores, el daño principal ya estaba hecho. El cambiante clima político y económico de la época también contribuyó a debilitar los viejos lazos.

Una década después de la muerte de León, muchos príncipes señoriales rompieron sus lazos temporales y espirituales con el papado, y millones de almas abandonaron la Iglesia romana. En 1527, durante el pontificado de Giulio de’ Medici, el papa Clemente VII (1523-34), entre cuyos artistas favoritos figuraban Miguel Ángel (1475-1564), Benvenuto Cellini (1500-1571) y Sebastiano del Piombo (1485-1547), la edad de oro del poder y el mecenazgo papales se vio cruelmente interrumpida. Las tropas de Carlos V, rey de España, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico y supuestamente fiel hijo de la Iglesia, invadieron la ciudad y la despojaron de muchos de sus famosos tesoros.

Entre los soldados mercenarios que lucharon a sueldo en los ejércitos imperiales de Carlos había muchos fervientes seguidores de la doctrina de Lutero. Consideraban las magníficas iglesias romanas, repletas de esculturas renacentistas, como templos de idolatría y trataban de profanarlas y destruirlas. El Papa y algunos seguidores huyeron a la cercana fortaleza de Castel Sant’Angelo para asistir impotentes a la destrucción de la ciudad.

El saqueo de Roma tuvo un efecto aleccionador sobre el papado e importantes consecuencias para el arte renacentista romano. Tras la invasión extranjera, pintores, escultores y arquitectos huyeron de la ciudad junto con el resto de sus habitantes. Muchos de ellos buscaron trabajo en Venecia o en otros lugares; algunos abandonaron Italia y viajaron a las cortes de Francia o Austria, llevándose consigo los logros del arte italiano de principios del siglo XVI.

Para más información sobre la pintura y la escultura al norte de los Alpes, en Alemania y Holanda, véase Renacimiento septentrional . Para una lista de artistas, véase Artistas del Renacimiento septentrional .

El papa Pablo III (1534-49)

A pesar de la agitación en Roma, el nuevo pontífice, Pablo III (1534-49), encontró rápidamente puntos en común con Carlos V y volvió a nombrar a Miguel Ángel «arquitecto, escultor y pintor jefe del Palacio Apostólico», encargándole que repintara la pared de la Capilla Sixtina con un fresco que representara el Juicio Final. El trabajo en este magnífico ejemplo de pintura manierista llevó a Miguel Ángel cinco años (1536-41) e incluye algunas de las figuras más elocuentes del arte occidental.

En contraste con la relativa calma y seguridad del fresco del techo del Génesis, el cuadro «El Juicio Final» es mucho más tenso, reflejo de la incertidumbre de la época, y fue la primera obra importante en Roma asociada al estilo del manierismo, que perduró hasta la época del barroco a finales del siglo XVI. (El Concilio Tridentino de 1545 ordenó posteriormente al discípulo de Miguel Ángel, Daniele da Volterra, que ocultara la desnudez de las figuras).

Miguel Ángel recibió varios encargos arquitectónicos más, en particular para la basílica de San Pedro y la reconstrucción del Capitolio. Su diseño para la cúpula de la catedral de San Pedro (realizado en gran parte tras su muerte) rivalizaría con el diseño de Brunelleschi para la cúpula de la catedral de Florencia. Para la escultura manierista del Renacimiento tardío, véase: Stefano Maderno (1576-1636).

Para más detalles sobre pigmentos colorantes, utilizados por los artistas del Renacimiento en Roma para pintar al fresco, al temple y al óleo, véase: Paleta de colores del Renacimiento . Para una visión general del colorismo, véase: El color en la pintura .

Contrarreforma

Cuando el papado se recuperó por fin de la conmoción de la Reforma -la revolución religiosa que acompañó al ataque contra la autoridad mundana de la Iglesia-, intentó rápidamente recuperar el terreno perdido organizando la Contrarreforma, su propio movimiento de reforma dentro de la Iglesia romana.

Con la creación de la Compañía de Jesús, u Orden de los Jesuitas, por el antiguo soldado Ignacio de Loyola en 1534 y la convocatoria del Concilio Tridentino en 1545 para revisar el dogma religioso, la Iglesia adoptó una postura militante y recuperó gran parte de su influencia. Sin embargo, pasó casi otro siglo antes de que Roma volviera a desempeñar un papel dominante en el arte italiano.