Pintura española: historia, características Traductor traducir

La grandeza de España en la pintura se manifiesta en un selecto grupo de artistas que sobresalieron tanto por encima de sus compañeros que ocuparon la cúspide del arte europeo. Se trata de El Greco (1541-1614), Diego Velázquez (1599-1660) y Francisco de Goya (1746-1828). Se puede encontrar cierta semejanza entre su prominencia y la de Rembrandt en Holanda y Rubens en los Países Bajos españoles, aunque en los Países Bajos, tanto en el norte como en el sur, no sólo hubo un mayor número de Viejos Maestros menores y más artistas que mostraron una mayor originalidad a un nivel sobresaliente, sino también una línea de evolución más coherente.

Es posible infravalorar a artistas españoles como Ribera y Zurbarán en comparación con el trío claramente superior, pero el curso del arte español es quebrado y fluctuante, salvo por los tremendos logros de unos pocos individuos. Si buscamos la causa raíz en la historia temprana, debemos remontarnos a la época en que la mayor parte de la Península Ibérica estaba bajo el dominio de los invasores musulmanes. En 1100, recordemos, los moros aún ocupaban dos tercios de la región.

Poco a poco, las regiones cristianas recuperaron poco a poco el terreno y fueron plantando iglesias y su mensaje visual en un barrio tras otro. En Cataluña, las obras que aún se conservan en los museos de Barcelona transmiten la fuerza de este cristianismo activo en pinturas de majestuoso estilo románico.

España no se unió como país hasta finales del siglo XV. Los reinos de Castilla y Aragón se unieron en 1479 bajo Fernando e Isabel. En 1492, los moros fueron expulsados de su última cabeza de playa, Granada. Como resultado de la larga y prolongada lucha, la expansión del territorio español fue lenta y desigual. La provincia de Cataluña, la primera en liberarse de la ocupación musulmana, tuvo una ventaja en los contactos con Francia e Italia durante el periodo gótico de los siglos XIII y XIV, que se refleja ligeramente en la obra de Ferrer Bassa (c. 1290-1348).

En las iglesias góticas de España, con la ampliación de las ventanas en detrimento del espacio de las paredes, lo que provocó la atrofia de la pintura mural, se crearon enormes retablos con paneles pintados en un estilo que recordaba a la escuela sienesa de pintura, por artistas como los hermanos Pedro y Jaime Serra y Luis Borraza (m. 1424).

El siglo XV trajo la influencia de la gran escuela de pintura flamenca, anunciada por la visita de Jan van Eyck, quien, como Rubens en épocas posteriores, combinó las funciones de diplomático y pintor. La influencia flamenca en los pintores renacentistas españoles es claramente visible en «Santo Domingo de Silos» (Prado) de Bartolomé Bermejo (activo 1474-95). Pero el contacto con el arte italiano del Renacimiento, tan fructífero en otros lugares, fue limitado. Una excepción fue Pedro Berruguete (1450-1504), que trabajó en Urbino al mismo tiempo que Piero della Francesca (1420-1492). Su sentido de la forma se agudizó en esta atmósfera inspiradora, pero abandonó Urbino tras la muerte del duque Federigo en 1482, y el compromiso -y algún conflicto- entre la provincianizada manera flamenca y las lecciones de Umbría es evidente en su obra posterior.

Siglo XVI: el arte religioso de El Greco

En el siglo XVI, cuando España se había convertido en una potencia mundial con vastas posesiones y fuentes de riqueza en el Nuevo Mundo, además de posesiones repartidas por toda Europa, cabía esperar que surgiera una vigorosa escuela nacional de pintura que cambiara el carácter algo tentativo o imitativo que la pintura de España había mostrado hasta entonces. Sin embargo, no fue así. Durante la mayor parte del siglo XVI la pintura permaneció sin espíritu. Tanto el emperador Carlos V como su hijo Felipe II de España fueron mecenas de las artes, pero los grandes venecianos, especialmente Tiziano, atrajeron su mayor interés. Felipe también apreciaba las fantasías de Jerónimo Bosch (1450-1516), aunque el alto clero español sospechaba herejía en estas extrañas pinturas procedentes de los Países Bajos.

Los retratos recibieron cierto estímulo, pero fue el pintor de la corte internacional Antonis More (1519-1576) de Utrecht -o Antonio Moro, como se le conocía en España-, un maestro flamenco de estilo calcado al de Tiziano, a quien Felipe II envió a Inglaterra para pintar un retrato de María Tudor.

Felipe, sin embargo, tuvo dos pintores de corte españoles, Alonso Sánchez Coelho (c. 1531-1388), que formó su estilo sobre la base del estilo de Moreau, y su alumno, Juan Pantoja de la Cruz (1551-1608), que le sucedió. Dignos, con un elemento de primor ceremonial acentuado por la atención a los ricos detalles de sus ropajes, sus retratos dan alguna indicación de lo que Velázquez conseguiría más tarde.

Pero el siglo XVI no fue sólo la época del esplendor material de España, sino también la de la gran batalla de creencias religiosas en la que se vio envuelta bajo el gobierno de un monarca que era un fanático implacable. La causa de este fanatismo y de la crueldad y opresión que engendró hay que buscarla en la lucha secular contra los musulmanes en España. Los reyes españoles, que se consideraban a sí mismos los campeones y principales baluartes del cristianismo, no veían en la oposición protestante a la Iglesia católica más que las acciones de unos infieles tan malos como los moros, a los que había que tratar con la misma crueldad.

El fervor de la fe religiosa aún no había encontrado una fuerte expresión en las imágenes del arte cristiano creadas según las estrictas reglas de la Iglesia. No hay una explosión perceptible de profunda emoción en las obras de Luis de Morales (c. 1500-86), aunque su sutil piedad, en un estilo adaptado de los pintores flamencos que posiblemente trabajaban en Sevilla, le ha valido el título de «divino». Pero tras el «divino Morales» se produce un fenómeno insólito e imprevisible: la aparición de El Greco . En sus pinturas religiosas se enciende y estalla en llamas extáticas toda la intensidad del sentimiento religioso en España.

Resulta paradójico que un artista que transmite tanto español haya nacido en Creta. Y, además, es extraño que quien se formó en el estilo bizantino de aquella isla griega tuviera inculcadas las lecciones del Alto Renacimiento, aprendidas de Tiziano y Tintoretto en Venecia. Podía pasar por un maestro veneciano cuando llegó a España con unos 36 años. Pero a través de las obras de los 37 años siguientes, pasados principalmente en Toledo, se hace inseparable de la historia de la pintura española.

En Toledo, centro español de la Contrarreforma, sede de la temida Inquisición y de todas las pasiones de la fe, el arte religioso que produjo en su enorme estudio, iluminado por altas y estrechas ventanas, se convirtió en una aspiración a lo sublime, una exaltación febril de santos y mártires, dramas del alma expresados en figuras alargadas, tranquilos carmines, azules verdosos y amarillos.

Su mejor obra, «El entierro del conde de Orgaz», pintada hacia 1586-88 para la iglesia de Santo Tomé de Toledo, aúna el movimiento y el espacio celestes con la austeridad estática de los dolientes, una serie de iconos tal y como uno podría imaginárselos, aunque cada rostro barbado contiene su propio indicio de la violencia interior de los sentimientos mantenidos bajo estricto control. Para sus otras obras maestras, véanse La desnudez de Cristo (El Espolio) (1577); Vista de Toledo (1595-1600); Cristo expulsando a los mercaderes del templo (1600); Retrato de un cardenal (1600); Retrato de Félix Hortensio Paravicino (c. 1605).

Siglo XVII: Ribera y Velázquez

Aunque El Greco tuvo el suficiente éxito y respeto en su época como para ser copiado e imitado por sus seguidores en Toledo, como Luis Tristán (1586-1624) y otros, se avecinaba una nueva fase de la pintura española, al igual que una nueva fase de la historia de España. El dominio español había prácticamente terminado con la derrota de la Armada española en 1588, la escisión de los Países Bajos septentrionales y la muerte de Felipe II en 1598. Felipe III, su hijo en terceras nupcias, dejó la administración del país en manos del duque de Lerma, quien, impresionante como aparece en el retrato ecuestre de Rubens ahora en el Prado, despilfarró el dinero público y arrastró a España a la inútil miseria de la Guerra de los Treinta Años.

La decadencia política y económica puede ser una lenta decadencia durante la cual el arte alcanza a menudo su nivel más alto, aunque no hay conexión necesaria entre ambas, excepto en el fomento del arte y la literatura por parte de aquellos más inclinados a ellos que a la política. El arte del Barroco español del siglo XVII refleja a su manera la reacción paneuropea contra el Manierismo del siglo XVI.

Un sentido de la realidad que el Manierismo no ofrecía, una proyección de luces y sombras que transmitía un mensaje con fuerza urgente, era universal. Así lo aprendieron los pintores españoles del Barroco para crear un esplendor sombrío en el que pudiera discernirse el estado de ánimo nacional. El genio de la época inclinó a los artistas hacia el realismo o el naturalismo en el arte religioso, sustituyendo las figuras idealizadas por modelos campesinos encorvados y tipos proletarios, y representando inexorablemente la agonía del martirio con truculentos detalles.

Estos rasgos se encuentran en Italia en las obras de Caravaggio, cuya influencia fue de gran alcance. Pero Francisco Ribalta (1565-1628), nacido en Solsona, Cataluña, aunque vinculado principalmente a Valencia, ya había cultivado el estilo tenebrismo antes de que Caravaggio iniciara su carrera.

Jucepe Ribera (1591-1652) estaba en edad de apreciar ambos estilos. Es posible que estudiara con Ribalta, pero a los 25 años ya se había establecido en Nápoles, donde llegó a ser considerado el principal seguidor de Caravaggio. Trabajó para los virreyes españoles en Nápoles, y sus cuadros fueron enviados a España para la corte real. Tal vez por este motivo, y para confirmar su patriotismo, solía añadir a su firma el nombre de su ciudad natal «Jativa» o de una ciudad vecina «Valencia».

En 1600, la colonia española de Nápoles era la segunda ciudad más grande de Europa (después de París) y un importante centro de la Contrarreforma, incluidas las artes. (Tras dos visitas de Caravaggio (1606, 1609-10) se convirtió en centro del caravaggismo. Véase Pintura en Nápoles (1600-1700).

Ribera representó el martirio con sombría fruición. Al igual que Caravaggio, creó un violento dramatismo a partir del contraste entre la luz y la espesa sombra. Su realismo era evidente no sólo en el tormento religioso, sino también en temas cotidianos que incluían la idea de sufrimiento o fealdad. Un ejemplo es su pintura de un erizo de dientes cojos y rotos en una fingida pose militar, El muchacho con el pie entumecido (1642, Louvre, París), una obra destacada de sus últimos años.

Al igual que el realista buscaba en la masa tipos para incluir en la composición religiosa, Ribera parece haber elegido a un mendigo napolitano para cumplir las funciones del gran hombre de la antigüedad clásica. El Arquímedes del Prado es un genial bribón vestido con una prenda de muchos remiendos, toscamente drapeada con cordeles sobre su pecho desnudo y, a juzgar por la expresión de su rostro, compartiendo la broma irónica del artista. Aunque ausente de España, es evidente que Ribera influyó mucho con sus cuadros en la difusión del lenguaje del caravaggismo, muy distinto del emocionalismo rapsódico del barroco .

Un artista cercano a la grandeza es Francisco Zurbarán (1598-1664). De niño trabajó en el taller del pintor sevillano Juan de las Roelas (c. 1560-1625), que introdujo en la pintura sevillana tendencias realistas en oposición al manierismo entonces imperante tomado de Roma.

Instalado en Sevilla, Zurbarán tuvo un éxito temprano: iglesias y monasterios le colmaron de encargos de pinturas piadosas y devotas. En la madurez, sin embargo, su popularidad decayó. El estilo ligero de la pintura barroca, popularizado por el joven Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), introdujo una religiosidad sentimental que contrastaba con su género realista, al que Zurbarán no supo adaptarse.

Su originalidad es un descubrimiento relativamente moderno. Las sombrías sombras de Ribera y de la escuela napolitana le ayudaron a retratar lo sombrío de la meditación monástica. A diferencia de El Greco, representó a un santo o a un monje dedicado a la meditación y no a visiones celestiales. Transmitió la psicología de las personas piadosas que contemplan la muerte según los preceptos jesuitas. Su visión realista también le permitió crear naturalezas muertas, en las que la contemplación de la sustancia material tiene casi tanta intensidad como un ejercicio religioso.

En este contexto sevillano aparece por primera vez Diego Rodríguez de Silva y Velázquez . Una serie de conexiones con sus contemporáneos le permitieron ver las cosas con realismo. Compartió un entusiasmo general por Caravaggio, o al menos por las implicaciones de su estilo. Su estudio de las naturalezas muertas era tan intenso como el de Zurbarán, amigo de juventud. Cada surco de la jarra de sus «Aguadores en Sevilla» (c. 1618-22, Apsley House, Londres) está dibujado con tanto cuidado como un retratista podría dibujar las arrugas de un rostro humano.

Al estilo de Ribera, dotó a sus personajes contemporáneos con los nombres de antiguas luminarias: el filósofo Menipo, el fabulista Esopo. Tampoco dudó en retratar a los tristes grotescos y enanos de la corte de Felipe IV con tanto realismo como Ribera retrató al niño lascivo. Los Bodegones o «cuadros de cocina» de sus primeros años en Sevilla le sitúan junto a Caravaggio, y sus primeros cuadros religiosos son paralelos a los de Zurbarán; pero a partir de cierto momento deja de parecerse a los demás y se vuelve totalmente individual en su estilo.

Con pocas excepciones - véase El Cristo crucificado (1632, Prado) - los temas religiosos dejaron de ocuparle (quizá no del todo a pesar de un realista absorbido por los asuntos humanos) después de ser nombrado pintor de corte de Felipe IV.

A partir de entonces el retrato se convirtió en su principal tarea profesional, pero muestra una notable variedad de temas. Fue único entre los pintores de la España religiosa en dedicarse a la pintura mitológica, aunque, como Rembrandt, con sentimientos anti-idealistas. Su primera composición que atrajo la atención de la corte fue Triunfo de Baco (1628, Prado), también conocido como Dopers . La alusión clásica, sin embargo, no era más que un pretexto para un cuadro tan vívido como jamás se pintó de un grupo de campesinos españoles.

La mitología sancionó la representación de una figura masculina desnuda, una rareza en el arte español, a excepción de la forma encorvada y demacrada de Cristo en la cruz. Forja de Vulcano (1630) y Marte (1639-41), ambos en el Prado, fueron temas que permitieron a Velázquez hacer justicia a la figura masculina, pero más puramente admirable es la Venus de Rokeby (1647-51, National Gallery, Londres), tan poco mitificada como los Daneses de Rembrandt.

El misterio del espacio y la relación de los objetos le ocupa en Las Meninas (1656, Prado), uno de los mejores retratos, donde el artista ante su gran lienzo se mira a sí mismo pintando en su lienzo, mientras el rey y la reina que miran por encima de su hombro se reflejan en un espejo en el extremo opuesto de la habitación.

Un tema complejo se desarrolla también en la acción variada «Tejedoras de tapices» (Las Hilanderas) (1659, Prado). Entre sus mejores ejemplos de pintura histórica se encuentra «La rendición de Breda» (Las Lanzas) (1635, Prado), que representa una de las efímeras victorias de España en su batalla perdida con las provincias rebeldes de los Países Bajos y muestra a Justino de Nassau entregando las llaves de la ciudad al comandante español Spínola en 1625. El cuadro, pintado unos diez años después de este acontecimiento, es famoso no sólo por su diseño, sino también por el amistoso intercambio de cortesías expresado en el comportamiento de vencedor y vencido, en el que algo de la propia magnanimidad mental de Velázquez puede haber coloreado la transmisión del acontecimiento. Magnanimidad que mostró con igual cortesía a sus espectadores, ya fueran el enano de la corte, el bufón idiota, la infanta o el propio rey melancólico.

Velázquez pudo conocer personalmente a Rubens y estudiar las obras de los maestros renacentistas durante sus dos visitas a Italia, sin desviarse un ápice de un estilo pictórico enteramente suyo. En sus obras de madurez ya no es suya la oscuridad de la sombra que golpea al observador.

En sus obras de madurez ya no es la oscuridad de la sombra lo que impacta al observador, sino el color, utilizado con infinita direccionalidad en pinceladas brillantes compensadas por un gris plateado. Lo que en los retratos de Sánchez Coelho era una mera imitación del estampado de un rico vestido se convierte en una vibración cromática de azules, rosas y grises en los retratos barrocos de Velázquez de la segunda esposa de Felipe IV, Mariana de Austria, y de la infanta Margarita . En ellos y en dos pequeñas vistas de los jardines de la Villa Médicis, fruto de su segunda visita a Italia, deja entrever lo que más tarde se convertiría en el método del Impresionismo.

Las últimas y mejores pinturas barrocas fueron las de Velázquez, que no dejó tras de sí ninguna influencia significativa en la pintura española. Su alumno y yerno Juan Bautista del Mazo (c. 1612-1667) le copió de forma superficial, lo que en el pasado ha provocado algunas atribuciones erróneas al propio Velázquez. Juan Pareja (c. 1606-70), criado de Velázquez, también le imitó. Pero en el siglo XVIII el arte español sufrió otro periodo de decadencia, aunque la prosperidad volvió al país durante un tiempo, durante un periodo de reacción pacífica tras las guerras en las que se perdía una posesión tras otra.

Siglo XVIII: Goya es un artista popular

Los pintores de la corte de Felipe V (1683-1746), primer rey de España de la dinastía borbónica, eran franceses (Ranck, Ouasset, Van Loo). Su hijo Fernando VI (1713-1759) favoreció a los artistas italianos (Amiconi, Giacinto). Durante mucho tiempo faltaron talentos locales, con la excepción de Luis Meléndez (1716-1780), que continuó hábilmente la tradición española de los bodegones de Zurbarán, y de Sánchez Cotán (1560-1627). A continuación se produce de nuevo un fenómeno insólito e imprevisible en la persona de Francisco de Goya (1746-1828).

En la época de Goya, España estaba experimentando un dramático cambio de fortuna. El despotismo benévolo de Carlos III, que sucedió a Fernando VI y gobernó de 1759 a 1788, trajo estabilidad económica. La imprudencia de Carlos IV, sucesor de Carlos III, acabó con la prosperidad y abrió el camino a la invasión de Napoleón y los horrores que ésta conllevó.

A mayor escala, los cambios que tuvieron lugar antes de la Revolución Francesa y en el periodo posterior afectaron a toda Europa. Ningún gran artista ha pasado por esta angustiosa época sin reflejar en alguna medida sus tormentas y tensiones. Goya es un ejemplo dramático de ello.

Si El Greco era un artista de la iglesia y Velázquez de la corte, Goya se diferenciaba de ellos en que era un artista del pueblo. Hay un contraste asombroso entre él y Velázquez. Este último era esencialmente un gran caballero como Rubens, llevaba una vida de tranquilidad aristocrática en el Escorial, pintaba en la fresca penumbra de una habitación protegida de la luz del sol del exterior, no le inquietaban los acontecimientos del mundo exterior, y quizás estaba aún más alejado de los problemas nacionales de España por ser hijo de padre portugués.

Goya, hijo de un artesano español de pueblo, Josef Goya, maestro dorador en Fuentetodos, en Aragón, tuvo experiencias muy diversas y fue tan sensible a los acontecimientos que su obra es toda una historia de una época de violencia. El último resplandor de la alegría rococó del Antiguo Régimen se refleja en pinturas destinadas a ser copiadas en tapices, que representan escenas de la vida y el ocio españoles con un toque del estilo decorativo y teatral de Tiépolo. Pero la Revolución Francesa le hizo crítico con la corte y el clero, y aunque en la madurez fue pintor de corte primero de Carlos III y luego de Carlos IV, la corriente revolucionaria permaneció en su pensamiento, expresada críticamente en su dibujo y aguafuerte .

Amargado por la sordera tras una enfermedad a los cincuenta años, sintió aún más agudamente el salvajismo de la guerra y la ocupación, de las que dio su inmortal testimonio. Dado que Carlos IV y su hijo Fernando habían invitado de hecho a los franceses a tomar el poder en sus manos sometiendo sus disputas al arbitraje de Napoleón, no es de extrañar que Napoleón sustituyera a ambos por el candidato de su propia familia, José, ni que los retratos que Goya hace de ellos den la impresión de imbecilidad, despiadadamente caricaturizada.

«Rembrandt, Velázquez y la naturaleza» - así resumió el propio Goya las fuentes de su inspiración. Reminiscencias del claroscuro de Rembrandt se encuentran en las sombras de sus Escenas de la cárcel ; la influencia de Velázquez en los exquisitos tonos grises del retrato póstumo (Prado) de su cuñado, el pintor Francisco Bayeu . Representando un lomo y una cabeza de carnero en el mostrador de la carnicería, Goya eligió un tema tan poco convencional para un bodegón como el Toro degollado de Rembrandt «.

Su devoción por «la naturaleza» puede verse como un interés por la vida humana en todos sus aspectos más que por la pintura de paisaje, pero «la naturaleza» también tenía un significado especial para él. Los objetos que vemos no tienen contornos fijos. Al abandonar los contornos en sus cuadros, anticipó un momento cardinal de la técnica impresionista.

En otros aspectos, se asoció con el arte francés del siglo XIX o se vio influido por él. Los inquietantes grupos que pintó en los últimos años de su vida con el Expresionismo, tal vez causados por su sordera, le relacionan con Honoré Daumier (1808-1879). El tres de mayo de 1808 incitó a Édouard Manet (1832-1883) a pintar la ejecución del emperador Maximiliano en una composición similar. En comparación, Goya tiene la ventaja de transmitir la conmoción vivida directamente, en lugar de tener, como Manet, que representar el acontecimiento histórico desde una distancia lejana. Su pintura mitológica fue especialmente imaginativa: véase por ejemplo Coloso (1808-12, Prado, Madrid) y el espeluznante Saturno devorando a su hijo (1821, Prado, Madrid).

Siglos XIX y XX

En el siglo XIX, después de Goya, el arte en España volvía a ser un campo sin labrar, y hasta el cambio de siglo no apareció el evocador «impresionismo a la luz del sol» del pintor catalán Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923). Pero el siglo XX fue testigo de otro extraordinario desarrollo tras un largo paréntesis, esta vez en un contexto internacional.

La figura más importante de la pintura española del siglo XX es Pablo Picasso (1881-1973). Al igual que Goya, gran parte de la obra de Picasso es biográfica, aunque pasó la mayor parte de su vida en Francia. Se le conoce sobre todo por ser el inventor del Cubismo (con Georges Braque), quizá el más influyente de todos los movimientos del arte moderno, así como por imágenes tan icónicas como: «Les Demoiselles d’Avignon» (1907, Museo de Arte Moderno de Nueva York) y «Guernica» (1937, Reina Sofía, Madrid), fue un artista muy influyente y prolífico en una gran variedad de campos.

Después de 1940, sin embargo, su obra no volvió a recuperar su antiguo esplendor. Junto con Picasso y Braque en el movimiento cubista parisino del periodo 1910-20, fue» un artista muy influyente. 1910-20 fue Juan Gris (1887-1927), (nacido José Victoriano González), quien se convirtió en el principal teórico del cubismo, al que introdujo el collage y el color vivo. Murió joven de asma cardíaca. Seis años más joven que Gris, el barcelonés Juan Miró (1893-1983) se decantó primero por el surrealismo, en el que introdujo una serie de fascinantes pinturas abstractas de fantasía y más tarde biomórficas . Aunque ocasionalmente realizó obras representativas, se concentró en el arte abstracto. Experimentando casi hasta el final de su vida, produjo una notable serie de pinturas monocromas azules (1961, Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Pompidou, París).

Quizá el pintor español más inusual del siglo XX fue Salvador Dalí (1904-1989), un clasicista convertido en surrealista que inventó el impresionante concepto «de paranoia crítica» para explicar el automatismo en la pintura. Conocido por sus extrañas y alucinantes imágenes, Dalí también trabajó en muchos otros medios, incluido el cine. A pesar de su larga vida, nunca fue capaz de mejorar sus pinturas de los años treinta.

Antoni Tapies (n. 1923) es el pintor español más destacado de la posguerra. Tras su fascinación por el surrealismo, siguiendo a Joan Miró y Paul Klee, empezó a trabajar con materiales mixtos, desarrollando un estilo Materia pictórica . En 1958 recibió el premio de pintura del Festival Internacional Carnegie de Pittsburgh y el premio UNESCO de la Bienal de Venecia.

Otros escultores y pintores españoles notables

Alonso Berruguete (c. 1486-1561)
Destacado pintor y escultor español del periodo manierista.

Juan de Juni (1507-1577)
Artista francés que trabajó en España; acreditado como Alonso Berruguete.

Juan Martínez Montañez (c. 1568-1649)
Gran escultor barroco español, conocido por sus tallas religiosas en madera.

Alonso Cano (1601-1667)
Pintor español, apodado «el Miguel Ángel español» por su versatilidad.

Los más grandes cuadros de artistas españoles

Juan de Juanes (Vicente Juan Masip) (1510-1579)
Destacado pintor valenciano de finales del siglo XVI. Conocido por su estilo italiano de pintura con un sesgo neerlandés.
La Última Cena (c. 1560) Prado, Madrid.

El Greco (Domenikos Theotokopoulos) (1541-1614)
Trinidad (1577-9) Prado.
Entierro del Conde de Orgaz (1586) Iglesia de Santo Tomé, Toledo.
Retrato de un Cardenal (1600) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
Vista de Toledo (1610) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.

Juan Sánchez Cotán (1560-1627)
Nacido en la provincia de La Mancha, Cotán se especializó en bodegones ultrarrealistas.
Bodegón con caza (c. 1602) Art Institute of Chicago.

Francisco Ribalta (1565-1628)
Su realismo transformó el Barroco español y allanó el camino a Velázquez, Ribera y Zurbarán. Fue su mayor obra maestra.
Cristo abrazando a San Bernardo (1625-27) Prado.

Jucepe de Ribera (1591-1652)
Retrato de Arquímedes (1630) Prado.
Santísima Trinidad (1635) Prado.
San Pablo Ermitaño (1640) Prado.
Muchacho con pie de palo (1642) Louvre, París.

Francisco de Zurbarán (1598-1664)
Cristo en la Cruz (1627) Art Institute of Chicago.
Inmaculada Concepción (1630-35) Prado.
Bodegón con naranjas y limones (1633) Fondazione Contini-Bonacossi.

Diego Velázquez (1599-1660)
Fragua del Volcán (1630) Prado.
Cristo en la Cruz (1632) Prado.
Rendición de Breda (Las Lanzas) (c. 1635) Prado.
Retrato del Papa Inocencio X (1650) Galleria Doria Pamphili, Roma.
Las Meninas (1656) Prado.

Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682)
Joven mendigo (1645) Louvre, París.
Adoración de los pastores (1646-50) Hermitage, San Petersburgo.
Virgen del Rosario (1649) Prado, Madrid.
Aparición del Niño Jesús a San Antonio de Padua (1656) Catedral de Sevilla.
Niña y su Dueña (1670) National Gallery of Art, Washington.
Inmaculada Concepción Escorial (1678) Museo del Prado, Madrid.

Francisco Goya (1746-1828)
Maya Desnuda (Maya de Nuda) (1800) Prado.
Retrato de Carlos IV y su familia (1800) Prado.
Coloso (1810) Prado.
Tres de mayo de 1808 (1814) Prado.
Saturno devorando a su hijo (1823) Prado.
Serie de la Invención (pinturas, 1793)
Serie de los Caprichos (aguafuertes, 1799)
Serie de los Desastres de la Guerra (aguatintas, 1812-15)
Serie de las Pinturas Negras (14 frescos, 1820-23)

Mariano Fortuny i Carbó (1838-1874)
Destacado pintor catalán del siglo XIX, que trabajó principalmente en Italia y alcanzó fama internacional gracias a ésta y otras obras.
La Vicaria (Boda española) (1870) Museo de Arte Moderno de Barcelona.
Desnudo en la playa de Portici (1874) Prado.

Ramon Casas (1866-1932)
Junto con Santiago Rusinol, el artista catalán Casas fue una de las principales figuras del movimiento modernista catalán (c. 1888-1911).
Chica en un bar (1892) Museo de la Abadía, Montserrat, España.

Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923)
Influido por Velázquez y Goya, el pintor español Sorolla alcanzó fama internacional por su realismo social antes de adoptar un estilo más impresionista.
Triste herencia (1899) Caja de Ahorros de Valencia.

Ignacio Zuloaga (1870-1945)
Tras interesarse por el impresionismo en París a principios de la década de 1890, regresó a España, donde se inspiró en la riqueza de matices y la indumentaria tradicional de Andalucía.
Condesa Mathieu de Noailles (1913) Museo de Bellas Artes de Bilbao.

Pablo Picasso (1881-1973)
La Vie (Vida) (1903) Cleveland Museum of Art.
Desnudo azul (c. 1904) Museo Picasso, Barcelona.
Muchacho con pipa (1905) Colección particular.
Muchacha con camisa (1905) Colección Tate, Londres.
Retrato de Gertrude Stein (1906) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
Demoiselles de Avignon (1907) Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Retrato de Ambroise Vollard (1909-10) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
Mujer de blanco (1923) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
Desnudo, hojas verdes y busto (1932) Colección particular.
Guernica (1937) Museo del Prado, Madrid.
Mujer llorando (1937) Tate Modern Gallery, Londres.

José Solana (1886-1945)
Nacido en Madrid y educado en la Academia, Solana participó en el movimiento «Generación 1898».
«Payasos» (1919) Museo Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Juan Gris (1887-1927) principal teórico del cubismo.
Retrato de Pablo Picasso (1912) Art Institute of Chicago.
Paisaje en Keret (1913) Moderna Museet, Estocolmo.

Juan Miró (1893-1983)
La granja (1921-2) National Gallery of Art, Washington, D.C.
Llegada de Arlequín (1924-5) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York.
Perro ladrando a la luna (1926) Museo de Arte Moderno de Filadelfia.
Mujer (1934) Colección privada.

Salvador Dalí (1904-1989)
Permanencia de la memoria (1931) Museo de Arte Moderno.
Construcción blanda con judías hervidas (1936) Museo de Arte de Filadelfia.
Tentación de San Antonio (1946), Museos Reales, Bruselas.
Desintegración de la persistencia de la memoria (1952-4) Museo Salvador Dalí, San Petersburgo, Florida, Estados Unidos.

Antoni Tapies (n.1923)
Blanco y naranja (1967) Colección privada.

Manolo Migliares (n.1926-1972)
Uno de los fundadores del grupo vanguardista «El Paso» («Paso»), también estuvo relacionado con los informales. Conocido sobre todo por sus collages en los que utilizaba arena, trozos de periódico, madera y textiles.
Pintura 150 (1961) Tate Collection, Liverpool.

Colecciones de arte español

Obras de maestros españoles pueden verse en muchos de los mejores museos de arte del mundo, en particular en los siguientes:

Museu Nacional de Arte de Catalunya, Barcelona (MNAC)
El Museu Nacional de Arte de Catalunya se inauguró en 1995 y reúne los fondos del antiguo Museu de Arte de Catalunya y del Museo de Arte Moderno. Entre los pintores y escultores catalanes españoles representados figuran: Santiago Rusinol, Pau Gargallo, Antonio Gaudí, Ramon Casas, Isidre Nonel y muchos otros.

Museo Picasso, Barcelona
La galería fue fundada en 1963 por iniciativa de Jamie Sabartes, amigo íntimo de Picasso, y posee una de las colecciones de arte más extensas (3.500 objetos) de Pablo Picasso.

Bilbao Guggenheim
Conocido por su diseño arquitectónico posmoderno, el museo está especializado en formas de arte contemporáneo que incluyen instalaciones, vídeo y cine, así como pintura, escultura y ensamblaje.

Museo del Prado, Madrid
Alberga la mejor colección de pintura española del mundo, con obras maestras de El Greco, Murillo, Ribera, Zurbarán y otros antiguos maestros españoles. Entre las principales exposiciones se encuentran «Las Meninas» de Velázquez; y «Desnudo Maya» de Goya.

Reina Sofía, Madrid
El Museo Nacional de Arte del Siglo XX en España, que alberga importantes colecciones de dos de los más grandes artistas del siglo XX, Pablo Picasso y Salvador Dalí, incluida la famosa pintura antibélica Guernica . Otros artistas representados son Juan Gris, Joan Miró, Eduardo Chillida, Antoni Tapies y otros.