Cómo apreciar la escultura Traductor traducir

Al igual que la pintura, la escultura – es ante todo arte plástico, por lo que cuanto más vemos, más se familiarizan nuestros ojos con el medio y más rápido lo percibimos. Para ayudarle a aprender a apreciar la bella escultura plástica, esta página web contiene explicaciones sobre la mayoría de las principales escuelas, desde la Edad de Piedra hasta nuestros días. Contiene referencias a la estética del mecanismo, así como a escultores famosos y sus obras, con explicaciones individuales cuando procede. Sin embargo, ningún artículo académico puede compararse con una visita a una galería de esculturas, un jardín o un museo, donde se pueden recorrer las obras expuestas y estudiarlas desde distintos ángulos. Consulte nuestra lista de los mejores museos de arte. Al fin y al cabo, la escultura, a diferencia de la pintura, – es un arte tridimensional y sólo puede apreciarse adecuadamente en persona.

Cómo entender la escultura de la Edad de Piedra

La escultura prehistórica aparece por primera vez en el Paleolítico (antes del 10.000 a.C.) en forma de dos imágenes primitivas: una estatuilla de basalto conocida como Venus Berehat-Ram y una figurilla de cuarcita que conocemos como Venus Tan-Tan . Ambas han sido datadas con carbono en torno al 200.000 a.C. o antes. Desgraciadamente, ninguna de las dos parece muy realista.

Paralelamente a la sustitución de Neanderthal por humanos anatómicamente modernos como Cro-Magnon, a partir del 40.000 a.C. floreció el arte en toda Europa. Las primeras esculturas realistas – son las figurillas paleolíticas talladas en marfil del Jura suabo, que representan aves, animales y figuras teriántropas halladas en las cuevas de Hohle-Fels, Vogelherd y Hochlenstein-Stadel. Estas sencillas pero bellas obras datan de 35.000 a 30.000 a.C.

Al mismo tiempo se crea un variado surtido de pequeñas esculturas femeninas gordas conocidas como «estatuillas de Venus», que los arqueólogos han excavado desde entonces en asentamientos de la Edad de Piedra de toda Europa, desde Rusia hasta Gibraltar. Se cree que estas estatuillas se utilizaban como símbolos de fertilidad y se tallaban en diversos materiales, como hueso de mamut, ceniza de hueso, arcilla cerámica, caliza oolítica, esteatita, serpentina o roca volcánica. Además de la extrema antigüedad de estos artefactos ) Venus de Hole Fels datada entre 38 y 33000 a.C. es la talla de marfil más antigua y la escultura figurada más antigua conocida, y la inusual Venus de Dolni Vestonice 26000 a.C.. – la escultura de arcilla más antigua conocida en el mundo), lo que sorprende es la relativa similitud de estas figuras.

La pieza de arte tridimensional más inusual del Neolítico es una escultura rumana de terracota, conocida como el «Pensador de Aguas Negras» (ca. 5000 a.C.), una pequeña figura profundamente inmersa en sus pensamientos. En el Neolítico destacan el Toro de Oro de Maikop (ca. 2500 a.C.) – una notable escultura de oro creada en la región del Cáucaso Norte mediante el método de fundición a la cera perdida y la deslumbrante Bailarina de Mohenjo-Daro (ca. 2500 a.C.). AD), una obra maestra de la escultura india temprana de la cultura Harappan de la Civilización del Valle del Indo (3300-1300 AC).

Nota: Los métodos de la escultura egipcia tuvieron una gran influencia en muchos escultores griegos de la antigüedad, así como en la posterior escultura africana subsahariana.

Cuestiones y problemas de estudio

¿Por qué se originó la escultura en la Edad de Piedra? Respuesta: combinación de factores, por ejemplo: organización social; mayor seguridad (más cuevas disponibles); clima; mayor demanda de objetos simbólicos y rituales.
¿Por qué surgió la escultura de bronce en el Neolítico? Respuesta: asentamientos más seguros que permitieron la fundición y la metalurgia; mayor demanda de adornos personales y de joyas de mayor tamaño. Durante este periodo prehistórico, sigue el cambio gradual de los artefactos funcionales al «arte por el arte».

Cómo evaluar la escultura griega

La escultura griega, de forma sencilla, abarca el periodo Arcaico (ca. 750-500 a.C.), el periodo Clásico (ca. 500-323 a.C.) y el periodo Helenístico (ca. 323-100 a.C.). Explicar cómo evaluar la escultura griega requeriría toda una página web, así que aquí van unos cuantos comentarios seleccionados sobre cómo se desarrolló esta forma de arte única y a qué, por tanto, hay que prestar atención.

Los escultores griegos aprendieron muchos de los fundamentos durante la era geométrica, aunque sus estatuas figurativas siguieron siendo bastante rígidas. Las figuras solían representarse desnudas (kouros masculino ) o semidesnudas (kouros femenino ). En la época de la escultura arcaica, cuando el país se abrió a las influencias del Mar Negro, el Levante y Egipto, aprendieron a dar a sus figuras humanas una mayor fluidez y un mayor sentido de la vida. También empezaron a desarrollar «la sonrisa arcaica» junto con una articulación más realista del cuerpo. Entonces llegó el apogeo verdaderamente extraordinario de esta forma de arte.

Durante la era de la escultura clásica griega, especialmente en el siglo V a.C., la escultura experimentó un estallido de creatividad sin precedentes, ejemplificado por las obras del Partenón (447-422 a.C.). Estas innovaciones clásicas marcaron la evolución estilística de la escultura durante miles de años. La pose de la figura de pie se hizo más refinada, más realista y, en general, más natural. Otras características de las estatuas griegas clásicas incluyen un aire de calma suprema combinado con un marcado equilibrio dinámico del movimiento, creando una sensación de armonía y proporción. Entre los principales escultores griegos de la Antigüedad se encuentran Policleto (siglo V a.C.), Fidias (488-431) y Mirón. (Activo 480-444).

En el siglo IV a.C., en la segunda mitad de la era clásica, escultores como Praxíteles y Lisipo, suavizaron la forma humana, infundiéndole un aura de gracia despreocupada. Los dioses griegos de la mitología se humanizaron y sus movimientos y expresiones faciales se volvieron más elegantes. La composición y las posturas se hicieron más complejas: los miembros sobresalían en el espacio del espectador, los grupos escultóricos se disponían de forma más dinámica y los espectadores podían caminar a su alrededor y obtener una visión variada.

La época helenística fue testigo del desarrollo de dos estilos principales: el «estilo austero» tipificado por la Venus de Milos (ca. 100 a.C.), o el más dramático estilo de la Venus de Milos (ca. 100 a.C.).), o el más dramático «estilo barroco» ejemplificado por el Altar de Zeus de Pérgamo (ca. 166-166 a.C.) y el Laocoonte y sus hijos (150-50 a.C.). Para saber más, visita Escuela de escultura helenística de Pérgamo (241-133 a.C.). En la mayoría de los casos, los detalles se representaban con el máximo realismo. Los escultores del Alto Renacimiento (Miguel Ángel) y del Barroco (Bernini) estuvieron muy influidos por la escultura griega helenística, al igual que los historiadores del arte neoclásicos, como el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann (1717-1768).

Para más información sobre críticos profesionales como John Ruskin y otros, véase: Críticos y crítica de artes visuales (1750-presente).

Esculturas griegas dignas de aprecio

Discóbolo (~450 a.C.), Mirón, Museo Nacional de Roma, Roma.
Heracles Farnesio (siglo V), Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.
En el Museo Arqueológico Nacional, Zeus o Poseidón (ca. 460 a.C.), Atenas.
Amazona herida (440-30 a.C.), Museo Capitolino, Roma. De Policleto.
Museo Arqueológico Nacional - Joven de Anticitera (siglo IV), Atenas.
Apolo Sauroctonos (siglo IV), Museo Pio Clementino. Autor Praxiteles.
Columna Capitolina de Venus (350-40 a.C.), Museo Capitolino, Roma. Autor Praxíteles.
Fauno Barberini (ca. 220 a.C.), mármol, Gliptoteca, Múnich.
Galia moribunda (ca. 240 a.C.). copia en mármol, Museo Capitolino, Roma.
Nika de Samotracia (ca. 190 a.C.) mármol, Louvre, París.
Laocoonte y sus hijos (150-50 a.C.) Hagesandro / Atenodoro / Polidoro.
Toro Farnesio (150 a.C.) Apolonio de Thrall.
Copia en mármol «de las Tres Gracias» (siglo II a.C.), Louvre de París.
Venus de Milos (Afrodita de Melos) (ca. 100 a.C.). Autor Alexandros de Antioquía.

Cómo apreciar la escultura romana (c. 200 a.C. – c. 200 d.C.)

Los artistas romanos veneraban mucho a sus homólogos griegos y trataban de emularlos en cada oportunidad. Se animaba a los maestros griegos a abandonar Grecia y trabajar en Roma. A pesar de ello, la escultura romana desarrolló sus propios modos de expresión. Durante el periodo 200-50 a.C., cuando el gobierno republicano ocupaba el poder, los artistas desarrollaron un aspecto «romano» distintivo para sus estatuas y bustos retrato – un aspecto de elevado carácter moral acompañado de un sentido de sabiduría y determinación. Durante el reinado de Augusto (31 a.C. y 14 d.C.), apareció una nueva forma de idealización en el arte romano, ejemplificada por las armoniosas proporciones de las esculturas en relieve de mármol del Ara Pacis Augusta (La Paz de Augusta). La estatua de mármol de Augusto – Porta Augusta Prima – es otro ejemplo de ello: la figura de pie tiene una pose de contraposto (cambio de peso) al estilo griego y un idealismo juvenil, pero su coraza acorazada y su manto drapeado muestran un realismo estrictamente romano. De hecho, en todo el Imperio Romano, los escultores se debatían entre el idealismo y el realismo, lo que muchos historiadores del arte consideran una lucha estética crítica de la época. No obstante, cabe señalar que gran parte de toda la escultura creada en la antigua Roma eran bustos-retrato del emperador y que el motivo subyacente de casi todo el arte era glorificar la grandeza de Roma. Así pues, el idealismo pudo ser una opción teórica importante, pero en la práctica prevaleció el realismo, tanto en el motivo como en el medio.

Quizá la mayor contribución de los escultores romanos al arte, y sin duda el medio de crear un monumento público, fue el relieve histórico. La Columna de Trajano, por ejemplo, situada al norte del Foro Romano, es famosa por su magníficamente detallado bajorrelieve en espiral , que rodea 23 veces el fuste del monumento, relatando la victoria del emperador Trajano en sus guerras contra los dacios. El fuste mide 30 metros de alto y 4 de ancho, y está construido con 20 bloques macizos de mármol de Carrara, cada uno de los cuales pesa 40 toneladas. El Arco de Tito es otro bello ejemplo de relieve histórico.

Por último, es imposible apreciar la escultura romana sin mencionar el papel de los artistas romanos en la reproducción de las estatuas griegas originales, la mayoría de las cuales han desaparecido. Sin estas copias, el arte griego difícilmente habría recibido el aprecio que merece, y el Renacimiento italiano (y, por tanto, la historia del arte occidental junto con él) habría sido muy diferente.

Esculturas romanas dignas de aprecio

Augusto Prima Porta (50 a.C.), mármol, Museos Vaticanos.
Mármol Altar de la Paz (Ara Pacis) (9 a.C.), Museo Ara Pacis, Roma.
Emperador Claudio como Júpiter (41-54 d.C.) mármol, Museo Pio Clementino.
Mármol Tíber (90-140 d.C.), Louvre, París.
Mármol Columna Trajana (113 d.C.), Roma.
Mármol Hércules de Lansdowne (ca. 125 d.C.), Museo J. Paul Getty, California, EE.UU.
Centauro en la rueda de Cupido (hacia 150 d.C.) en mármol, Louvre.
Danzantes Borghese» (siglo II d.C.) en mármol «, Louvre.
Atalanta (siglo II d.C.) mármol, Louvre.
Sarcófago de batalla de Ludovisi (251 d.C.) Museo Nacional de Roma.
Basílica de San Marcos (300 d.C.) Venecia.
Cabeza colosal del emperador Constantino el Grande (324 d.C.) Museo Capitolino.

Cómo apreciar la escultura gótica (circa 1150-1300, desde 1500 en Alemania)

El arte gótico fue el primer estilo que combinó las artes de la escultura, las vidrieras y la arquitectura, especialmente en las grandes catedrales de Chartres, Amiens, Reims y Notre-Dame-de-Paris. La solidez del arte románico anterior fue sustituida por una nueva orientación de las líneas, y los altos arcos y contrafuertes del estilo gótico permitieron abrir los muros a enormes ventanales sin precedentes, llenos de hermosas pinturas translúcidas muy superiores a todo lo visto hasta entonces. De hecho, el desarrollo de la escultura gótica estuvo inextricablemente ligado a la aparición de nuevas formas en la arquitectura . Las autoridades de la Iglesia cristiana construyeron muchas catedrales góticas, cada una de las cuales debía adornarse con arte cristiano apropiado. . Externamente eran relieves esculpidos y estatuas en columnas; internamente – pila bautismal tallada, púlpitos, estatuas, esculturas en relieve. Alrededor de los portales y las puertas, los escultores esculpían grupos de apóstoles, profetas y santos, junto con miembros de la Sagrada Familia. Estilísticamente, la escultura figurativa gótica era más suave, más realista y, en general, más humana que la rígida escultura románica . Por ejemplo, el cuerpo de Cristo sobre la entrada principal de la catedral de Chartres es increíblemente flexible y real, lo que lo hace sensible y comprensible.

El estilo escultórico del Alto Gótico también se originó en Francia, desde donde se extendió a Italia, Alemania, los Países Bajos y otros lugares. Con un estilo más ornamentado, la mayoría de los escultores del gótico tardío se dedicaron más a las tumbas y monumentos privados que a la escultura arquitectónica. Véase, por ejemplo, la hilera de esculturas funerarias de la abadía de Westminster, donde los monumentos (en purbecks, bronce, alabastro y fresco) están decorados con suelos y tumbas realizados por maestros italianos del mosaico contratados por el rey Enrique III. El gótico tardío recibió un énfasis clásico en Italia, donde los escultores utilizaron modelos griegos y romanos, y un énfasis más emocional en Alemania, donde escultores como Veit Stoss y Tilman Riemenschneider se centraron en el sufrimiento de Cristo más que en las convenciones de la forma (véase, por ejemplo, Pieta Rottgen, 1300, Rheinisches Museum, Bonn). Fue también durante el periodo gótico cuando los escultores pudieron alcanzar el reconocimiento individual.

Importante escultura gótica puede verse en la catedral de Chartres (1194-1250); la catedral de Nuestra Señora de París (1163-1345); la catedral de Reims (1211-1275); la catedral de Amiens (1220-1270); la catedral de Burgos, España, que comenzó a construirse hacia 1221; la catedral de Colonia, construida en 1248 y terminada en 1880; y las catedrales de Santiago de Compostela, Magdeburgo, Tréveris, Estrasburgo, Friburgo, Naumburgo, Canterbury, Salisbury, Exeter, Winchester y Westminster, entre muchas otras.

Esculturas góticas para apreciar

Además de estudiar la gran cantidad de esculturas arquitectónicas de la catedral, también se pueden valorar los siguientes elementos.

El Juicio Final (circa 1210) Trascoro Sur, Notre Dame (París).
Fachada oeste de la catedral de Wells (circa 1230) Wells, Reino Unido.
Rayo de Gloria (después de 1242) Casa de San Esteban y San Sixto, Halberstadt.
Portada oeste de la Jube (ca. 1250) Catedral de Naumburg, Naumburg.
Púlpito de mármol (1265-8) Duomo, Siena. Nicola Pisano.
Tríptico de la Virgen Gloriosa (ca. 1290), Museo de la Edad Media, París.
Virgen de Juana de Evreux (1324-39) Plata, esmalte, oro y perlas, Louvre.
Altar de Santa María (1477-89) Iglesia de Santa María, Cracovia, Polonia. Autor Stoss.
Altar de la Santa Sangre (1504) Iglesia de San Jacobo, Rothenburg. Autor Riemenschneider.

Escultores góticos famosos

Nicola Pisano (ca. 1206-1278); Giovanni Pisano (1250-1314); Arnolfo di Cambio (ca. 1240-1310); Giovanni di Balduccio (1290-1339).); Andrea Pisano (1295-1348); Filippo Calendario (antes de 1315-1355); André Boneveu (1335-1400); Klaus Sluter (c. 1340-1406); Veit Stoss (c. 1447-1533); Tilman Riemenschneider (1460-1531). Para biografías de destacados escultores góticos, véase: Los más grandes escultores .

Cómo apreciar la escultura renacentista (ca. 1400-1600)

El arte renacentista, especialmente la escultura, se basó en un nuevo auge del respeto por el arte griego. Los escultores del Renacimiento, aunque se ocupaban principalmente de obras religiosas, estaban fuertemente inspirados por una fuerte creencia en el humanismo y la nobleza del hombre. Así, la forma humana, especialmente el desnudo masculino, era uno de sus temas favoritos. Sin embargo, para apreciar mejor la escultura renacentista italiana, hay que saber que muchos artistas italianos estaban muy influidos por la maestría, el realismo y la emotividad de las obras góticas. A pesar de ello, los escultores del Renacimiento temprano introdujeron notables mejoras: por ejemplo, infundieron a sus estatuas una emoción más profunda (véase « David Donatello»), 1440-3, Bargello, Florencia) y les infundieron nueva energía y significado. Fueron los primeros en reintroducir la estatua ecuestre . Los cinco mejores escultores del Renacimiento temprano que merece la pena estudiar – son Jacopo della Quercia (hacia 1374-1438), Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donatello (1386-1466), Antonio Pollaiuolo (1432-1498) y Andrea del Verrocchio (1435-1488). Obsérvese, en particular, el carácter vigoroso e incluso brutal de las figuras de Donatello, que también son bastante toscas y crudas. Pero véase. También: El David de Donatello . Véase también la estatua ecuestre de Bartolomeo Colleoni de Vertrocchio (1495, Campo di Santi Giovanni e Paolo, Venecia). Formado como orfebre, Pollaiuolo fue heredero del expresionismo enjuto de Donatello: véase, por ejemplo, su Hércules y Anteo (1470, Museo Nazionale del Bargello, Florencia).

La escultura del Alto Renacimiento estuvo dominada y personificada por la perfección de Miguel Ángel (1475-1564). Según el erudito historiador del arte Anthony Blunt, las obras figurativas de Miguel Ángel, como Piedad (1497-9, Basílica de San Pedro, Roma), David (1501-4, Galleria dell’Accademia, Florencia) y El esclavo moribundo (1513-16, Louvre) poseían no sólo «cualidades sobrehumanas», sino también «un sentido de sombría ansiedad que reflejaba la tragedia del destino humano». Las estatuas de mármol de Miguel Ángel, de una belleza impecable, reflejan su absoluta maestría técnica. En el desnudo masculino heroico sigue siendo el artista consumado. A los 29 años ya había realizado dos de las obras más grandes de la historia de la escultura . Otros escultores importantes del Alto Renacimiento son el veneciano Jacopo Sansovino (1486-1570) y el florentino Baccio Bandinelli (1493-1560). Al norte de los Alpes estaban representados los famosos escultores Hans Mulcher (c.1400-1467); Giorgio da Sebenico (1410-73); Michel Colomb (1430-1512); Gregor Ehrhart (c.1460-1540), y los ya mencionados Stoss y Riemenschneider. Para biografías de destacados escultores del Renacimiento, véase: Los más grandes escultores .

Otras esculturas renacentistas dignas de aprecio

San Marcos (1411) Orsanmichele, Florencia. Donatello.
Abbacum (1426), Museo de la Ópera del Duomo, Florencia. Donatello.
Puerta del Cielo (1425-52) Baptisterio de Florencia. De Lorenzo Ghiberti.
Estatua ecuestre de Gattamelata (1444-53) Siena. Donatello.
Maria Magadalina (c. 1455) Museo Nazionale del Bargello. Donatello.
La lamentación de Cristo muerto (1463) Bolonia. Niccolò dell’Arca.
Hércules y Anteo (1470) Museo Nazionale del Bargello. Antonio Pollaiuolo.
David (c.1475) Museo Nazionale del Bargello. Andrea del Verrocchio.
La incredulidad de Santo Tomás (c.1483) Orsanmichele. Andrea del Verrocchio.
Venus y Cupido (ca. 1550), Getty Museum, California. Por Jacopo Sansovino.

Cómo apreciar la escultura manierista (1530-1600)

En comparación con la armonía y el equilibrio de las obras del Alto Renacimiento, la escultura manierista era mucho más exagerada y expresiva, reflejando en cierta medida la incertidumbre de una Europa desgarrada por la división religiosa. Los diversos impulsos artísticos del manierismo quedan mejor ilustrados por Giambologna (1529-1608), cuya inmortal obra El rapto de las sabinas (1581-153, Piazza della Signora, Florencia) posee una expresividad verdaderamente asombrosa; y Benvenuto Cellini (1500-1571) – véase, por ejemplo, su El rapto de las sabinas (1581-153, Piazza della Signora, Florencia), por ejemplo, su Perseo (1545-54, Piazza della Signora, Florencia). Compárese, sin embargo, con la tranquila expresividad de la Santa Cecilia yacente de Stefano Maderno (1600, Trastevere, Roma) (1576-1636). Otros escultores manieristas dignos de estudio – son Juan de Juni (1507-1577) y Alonso Berruguete (ca. 1486-1561), que introdujeron las ideas renacentistas y manieristas en España, y Francesco Primaticcio (1504-1570), que hizo lo propio en Francia en la Escuela de Fontainebleau fundada bajo Francisco I. Sobre los mejores escultores franceses de la época véase: Jean Goujon (c. 1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prier (1536-1611) y Adrien de Vries (1560-1626).

Otras esculturas manieristas dignas de aprecio:
Entierro (1541-44), Museo de Escultura, Valladolid. Juan de Juni.
Salero de Francisco I (1543), Museo de Arte e Historia. Benvenuto Cellini.
Salón de la duquesa de Etamp (1544) Castillo de Fontainebleau. Primaticcio.
Fuente de Neptuno (1559-75) Pizza Signora. Bartolomeo Ammanati.
Mercurio (1564-80) Museo Nazionale del Bargello, Florencia. Giambologna.
Virgen María en pena y sufrimiento (1585) Louvre, París. Germain Pilon.
Mercurio y Psique (1593) Louvre, París. Adrien de Fries.
Caballo alzado (1615) Getty Museum, California. Adrien de Fries.

Cómo apreciar la escultura barroca (c. 1600-1700)

El periodo Barroco estuvo dominado por el arte religioso . La escultura barroca, parte de la campaña de propaganda de la Contrarreforma católica, fue diseñada para inspirar a los espectadores con ilustraciones de la liturgia católica y así animar a los fieles a volver a la única Iglesia verdadera. Para apreciar mejor el arte barroco, fíjese bien en las obras de Bernini (1598-1680), la mayor figura de su época. Entre sus mejores obras – Éxtasis de Santa Teresa (1647-52, Capella Cornaro, Roma); Plutón y Proserpina (1621-1616, Galleria Borghese, Roma); Apolo y Dafne (1622-1655) Galleria Borghese, Roma; y Muerte de la beata Ludovica Albertoni (1671-4, San Francesco-a-Ripa, Roma). Obsérvese cómo las figuras y los drapeados de Bernini parecen flotar en el aire y cómo trata los duros materiales de la escultura como si fueran absolutamente plásticos. Otros escultores importantes de la época barroca fueron el más sobrio Alessandro Algardi (1598-1654), favorito del papa Inocencio X, y el escultor flamenco François Duquesnoy (1594-1643), cuyas obras clásicas eran exactamente lo contrario de la tensión dinámica de Bernini. En Francia, el lenguaje estuvo bien representado por el algardiano François Girardon (1628-1715), el más libre Antoine Coysevox (1640-1720) y el menos consistente pero a veces más brillante Pierre Puget (1620-94). En España son dignos de estudio los escultores Juan Martínez Montañez (1568-1649) y Alonso Cano (Granada, 1601-1667), y en Alemania cabe destacar la obra de Andreas Schlüter (1664-1714).

Esculturas barrocas para apreciar

San Sebastián (1600) San Salvatore, Venecia. Alessandro Vittoria.
Ángel Mensaje (1608) Orvieto. Francesco Mochi.
Altar de la Virgen (1616) Iglesia de Uberlingen, Alemania. Jörg Zurn .
Santa Susanna (1633) Santa Maria di Loreto, Roma. François Ducnois.
Monumento funerario al Papa León XI (1634-44), Basílica de San Pedro, Roma. Algardi.
Éxtasis de San Felipe Neri (1638), Santa Maria in Vallicella. Algardi.
El Papa León expulsando a Atila de las puertas de Roma (1653), Catedral de San Pedro. Algardi.
María Magdalena penitente (1664) Valladolid, España. Pedro de Mena.
Apolo cortejado por las ninfas de Fetida (1666-72) Versalles. François Girardon.
Fuente de Apolo (1671), Palacio de Versalles. Jean Baptiste Touby.
Milon de Croton (1671-1682), Louvre, París. Pierre Puget.
Estatua ecuestre de Federico el Grande (1708) por Andreas Schlüter.
Plutón raptando a Proserpina (1710), Getty Museum, California. François Girardon.

Extraña escultura rococó (circa 1700-1789. La escultura rococó alemana fue el epítome de la escultura rococó alemana, con Etienne-Maurice Falcone (1716-1791), que se especializó en figuras eróticas con una falsa conexión con la escultura griega helenística. La escultura rococó alemana fue personificada por el escultor de Dresde Balthasar Permoser (1651-1732). A finales de la década de 1780, el decadente Rococó fue barrido por los ideales de la Revolución Francesa, que sentaron las bases del estilo más serio y severo del Neoclasicismo.

Cómo apreciar la escultura neoclásica (floreció hacia 1790-1830)

La escultura neoclásica volvió a hacer hincapié en las virtudes del heroísmo, el deber y la seriedad . Para entender mejor el Neoclasicismo, el eminente historiador del arte alemán Johann Winkelmann (1717-1768) afirmó que evitaba la pasión y la expresividad extremas y que, en cambio, era un modelo de noble moderación. Sin duda, el mayor y más influyente escultor del Neoclasicismo fue Antonio Canova (1757-1822), entre cuyos clientes se encontraban Napoleón Bonaparte, Catalina la Grande y el emperador austriaco Francisco II. Su escultura más famosa fue probablemente la monumental estatua desnuda de Napoleón (1802-1886) – véase el mármol original (Wellington Museum, Londres) o la copia en bronce de la Pinacoteca di Brera, Milán. Fíjese también en «Teseo y el Minotauro» (1781-1781, Victoria and Albert Museum, Londres) y en el retrato de Pauline Napoleon-Borgese como Venus (1807, Galleria Borgese, Roma).

Entre otros escultores neoclásicos dignos de mención: el retratista austriaco Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), conocido por sus bustos caricaturescos conocidos como «Cabezas de personajes» ; el realista francés Jean-Antoine Oudon (1741-1828); el despreocupado escultor francés de pequeño formato Clodion (1738-1814); y los famosos artistas ingleses Joseph Nollekens (1737-1823), John Flaxman (1755-1826) y Sir Richard Westmacott (1775-1856). Hacia finales del siglo XVIII, el escultor danés Bertel Thorvaldsen (1770-1844) se mostró digno sucesor de Canova en su veneración de las formas griegas. Sobre el desarrollo del arte volumétrico en Irlanda, véase: Escultura irlandesa: historia, escultores .

Otras esculturas neoclásicas a valorar

Venus (1773), Museo Getty, Los Ángeles. Joseph Nollekens.
Retrato de Voltaire (1781) Comédie-Française. Jean-Antoine Houdon.
Apolo coronándose (1781), Getty Museum, California. Antonio Canova.
El ahorcado (1770-83) Viena. Franz Xaver Messerschmidt.
La furia de Atham (1790) Ickworth, Reino Unido. John Flaxman.
Psique despertada por Eros (1787-93) Louvre, París. Antonio Canova.
Magdalena penitente (1796) Palazzo Bianco, Génova. Antonio Canova.
Perseo y la cabeza de Medusa (1797-1801) Museos Vaticanos. Canova.
Estatua ecuestre de José II (1795-1806) Franz Anton von Sauner.
Alejandro Magno entra en Babilonia (1812) Bertel Thorvaldsen.
Jasón con el vellocino de oro (1828) Copenhague. Bertel Thorvaldsen.
Cristo y los doce apóstoles (1838) Copenhague. Bertel Thorvaldsen.

Recursos adicionales

Cómo apreciar la escultura moderna
Apreciar el arte: Cómo apreciar el arte
Las mayores esculturas de todos los tiempos .

TIPOS DE ESCULTURA
Sobre bronce – estatuas y relieves véase: Escultura en bronce .
Sobre las formas de escultura en piedra véase: Escultura en piedra .
Sobre las piedras pentélica, de Carrara y de Pariana, véase: Escultura en mármol .
Sobre las esculturas en madera: Escultura en madera .

SIGNIFICADO DEL ARTE
Para más información sobre los distintos tipos y estilos de arte tradicional, véase : Definición de arte .