Cómo apreciar la escultura Traductor traducir
Recursos adicionales
Serie de educación artística
Este ensayo sobre escultura.
agradecimiento, escrito por
nuestro editor Neil Collins, es
diseñado para estudiantes
y escuelas de arte como parte
de nuestra serie en curso sobre
educación en bellas artes.
Apreciación artística
Como pintar escultura es ante todo un arte visual , por lo tanto, cuanto más vemos, más se familiarizan nuestros ojos con el medio y más rápida es nuestra apreciación. Para ayudarlo a aprender (o enseñar a los estudiantes) cómo apreciar lo maravilloso arte plástico de escultura, esta página web contiene explicaciones de la mayoría de las principales escuelas, desde la Edad de Piedra hasta nuestros días. Incluye referencias a la estética del movimiento y a importantes escultores y sus obras, con explicaciones individuales cuando corresponda. Sin embargo, ningún artículo educativo puede compararse con una visita a una galería de esculturas, un jardín o un museo, donde puede caminar por las exhibiciones y estudiarlas desde diferentes ángulos. Así que mira nuestra lista de mejores museos de arte . Después de todo, la escultura, a diferencia de la pintura, es un arte tridimensional, y solo se puede apreciar adecuadamente en la carne.
Cómo apreciar la escultura de la Edad de Piedra
Escultura prehistórica aparece por primera vez en la era paleolítica (hasta 10.000 a. C.), en forma de dos efigies primitivas: la figura basáltica conocida como Venus de Berekhat Ram y la figura de cuarcita que conocemos como Venus de Tan-Tan . Ambos han sido fechados con carbono hasta 200, 000 a. C. o antes. Desafortunadamente, ninguno se ve muy realista.
Coincidiendo con el reemplazo del Hombre de Neandertal por humanos anatómicamente modernos como el Hombre de Cro-Magnon , desde 40, 000 a. C. en adelante, el arte florece en toda Europa. Las primeras esculturas realistas son el paleolítico tallas de marfil del Jura de Suabia – con pájaros, animales y figuras terciantrópicas, descubiertas en las cuevas de Hohle Fels, Vogelherd y Hohlenstein-Stadel. Estas obras simples pero hermosas datan de 35, 000-30, 000 AEC.
Al mismo tiempo, una gran variedad de esculturas pequeñas, obesas y con forma de mujer, conocidas como " estatuillas de venus ", que los arqueólogos han desenterrado en los sitios de asentamiento de la Edad de Piedra en toda Europa, desde Rusia hasta Gibraltar. Se cree que se utilizaron como símbolos de fertilidad y se tallaron de una variedad de materiales que incluyen hueso de mamut, ceniza de hueso, arcilla cerámica, oolítico. piedra caliza, esteatita, serpentina o roca volcánica, estas figuras de Venus se han ubicado en sitios de toda Europa, desde Rusia hasta España. Además de la extrema vejez de estos artefactos (el Venus de Hohle Fels [38-33, 000 AEC] es el más temprano talla de marfil y la escultura figurativa más antigua conocida, mientras que la extraordinaria Venus de Dolni Vestonice [26, 000 BCE] es la escultura de arcilla más antigua conocida en el mundo), lo más extraordinario es la relativa similitud de estas figuras.
De la era de Arte neolítico , la pieza más extraordinaria del arte tridimensional es la rumana escultura de terracota conocido como el Pensador de Cernavoda (c.5, 000 AEC), una pequeña figura que se encuentra sumida en sus pensamientos. Los aspectos más destacados de la era neolítica incluyen el Maikop Gold Bull (c.2500 a. C.), una maravillosa escultura de oro realizada en la región del Cáucaso del Norte utilizando el método de fundición de cera perdida; y la deslumbrante bailarina de Mohenjo-Daro (hacia 2500 a. C.), una obra maestra de principios Escultura india de la cultura Harappan de la la civilización del valle del Indo (3, 300-1300 a. C.).
Nota: Técnicas de Escultura egipcia fueron muy influyentes en muchos escultores griegos de la antigüedad, y también más tarde Escultura africana del África subsahariana.
Preguntas / problemas de estudio
Cómo apreciar la escultura griega
Escultura griega hecha simple abarca el período arcaico (c.750-500 a. C.), el período clásico (c.500-323 a. C.) y el período helenístico (c.323-100 a. C.). Explicar cómo evaluar la escultura griega consumiría un sitio web completo, por lo que aquí hay algunos comentarios seleccionados sobre cómo se desarrolló esta forma de arte única y, por lo tanto, qué observar.
Los escultores griegos aprendieron muchos de los conceptos básicos durante la era geométrica, aunque sus estatuas figurativas permanecieron bastante rígidas. Las figuras se representaban típicamente desnudas (los kouros masculinos) o semidesnudas (las kore femeninas). Durante la era de Escultura arcaica A medida que el país se abrió a las influencias del Mar Negro, el Levante y Egipto, aprendieron a infundir a sus figuras humanas con una mayor fluidez y un mayor sentido de la vida. Además, comenzaron a desarrollar la "sonrisa arcaica", junto con una articulación más realista del cuerpo. Luego vino un clímax verdaderamente extraordinario.
Durante la era de Escultura Clásica Griega , notablemente en el siglo V a. C., la escultura griega experimentó un aumento sin precedentes en la creatividad, ejemplificada por las obras en el Partenón (447-422 aC). Estas innovaciones clásicas dieron forma a la evolución estilística de la escultura durante miles de años. La postura de la figura de pie se volvió más sutil, más realista y, en general, mucho más naturalista. Otras características de las estatuas griegas clásicas incluyen, un aire de suprema calma, junto con un notable equilibrio dinámico de movimiento, produciendo un gran sentido de armonía y proporción. Los principales escultores clásicos de la antigua Grecia incluyeron Polykleitos (Siglo V a. C.), Fidias (488-431) y Myron (Activo 480-444).
Durante el siglo IV a. C., la segunda parte de la era clásica, escultores como Praxiteles y Lisipo suavizó la forma humana, mientras la imbuía de un aura de gracia indiferente. Los dioses griegos de la mitología fueron humanizados, mientras que sus movimientos y expresiones se hicieron más elegantes. La composición y el diseño se hicieron más complejos: las extremidades sobresalen en el espacio del espectador, los grupos escultóricos se organizan de manera más dinámica, mientras que los espectadores pueden caminar alrededor de ellos y obtener una variedad de vistas.
La era helenística fue testigo del desarrollo de dos estilos básicos: el estilo "severo", tipificado por el Venus de Milo (c.100 a. C.) o el estilo "barroco" más dramático, ejemplificado por el Altar Zeus de Pérgamo (c.166-56 a. C.) y Laocoon y sus hijos (150-50 a. C.) Para más información, vea el Escuela de escultura helenística de Pergamene (241-133 a. C.). En la mayoría de los casos, los detalles se representaron con un realismo extremo. Los escultores de la época del Alto Renacimiento (Miguel Ángel) y la era barroca (Bernini) estarían fuertemente influenciados por Escultura griega helenística , como lo harían los críticos de arte neoclásicos como el historiador alemán Johann Joachim Winckelmann (1717-68).
Para más información sobre críticos profesionales, como John Ruskin y otros, ver: Críticos de arte: crítica de las artes visuales (1750-presente).
Esculturas griegas para evaluar
Cómo apreciar la escultura romana (c.200 BCE – c.200 CE)
Los artistas romanos quedaron muy intimidados por sus contrapartes griegas y trataron de imitarlos en cada oportunidad. Se animó a los maestros artesanos griegos a abandonar Grecia y trabajar en Roma. Aún así, Escultura romana desarrolló sus propios modos de expresión. Durante el período 200-50 a. C., cuando el gobierno republicano dominó, los artistas desarrollaron un aspecto particularmente "romano" en sus estatuas y bustos de retratos – Una mirada de gran carácter moral, acompañada de un sentido de sabiduría y determinación. Durante el reinado de Augusto (31 a. C. a 14 d. C.) apareció una nueva forma de idealización en el arte romano, ejemplificada en las armoniosas proporciones de las esculturas en relieve de mármol en el Ara Pacis Augustae . La estatua de mármol de Augusto, el Augusto Prima Porta , es otro ejemplo: la figura de pie tiene la pose de contrapposto (cambio de peso) de estilo griego y el idealismo juvenil, pero su peto blindado y sus cortinas de capa muestran un realismo estrictamente romano. De hecho, durante la duración del imperio romano, los escultores se debatieron entre el idealismo y el realismo, que según muchos historiadores del arte fue la lucha estética crítica de la época. Sin embargo, vale la pena señalar que, con mucho, la mayor parte de todas las esculturas producidas en la Antigua Roma eran bustos de retratos del Emperador, y que la razón principal de casi todo el arte era glorificar la majestad de Roma. Por lo tanto, el idealismo puede haber sido una opción teórica importante, pero en la práctica el realismo gobernó, tanto en el motivo como en el medio.
Quizás la mayor contribución individual de los escultores romanos al arte de la escultura, y ciertamente el medio del monumento público, fue el alivio histórico. Columna de Trajano , por ejemplo, ubicado al norte del Foro Romano, es famoso por sus magníficos y detallados baches en espiral escultura en relieve , que gira alrededor del eje del monumento 23 veces, narrando la victoria del emperador Trajano en las Guerras de Dacia. El pozo en sí tiene 30 metros de alto y 4 metros de ancho, y está construido con 20 bloques macizos de mármol de carrara, cada uno con un peso de 40 toneladas. El Arco de Tito es otro maravilloso ejemplo del género histórico en relieve.
Finalmente, ninguna apreciación de la escultura romana estaría completa sin mencionar el papel de los artistas romanos en la reproducción de las estatuas griegas originales, la mayoría de las cuales han desaparecido. Sin estas copias, Arte griego difícilmente habría recibido la apreciación que merecía, y el Renacimiento italiano (y, por lo tanto, la historia del arte occidental junto con él) habría sido muy diferente.
Esculturas romanas para evaluar
Cómo apreciar la escultura gótica (c.1150-1300) (hasta c.1500 Alemania)
Arte gótico Fue el primer estilo en integrar las artes de la escultura, las vidrieras y la arquitectura, especialmente en las grandes catedrales de Chartres, Amiens, Reims y Notre Dame de Paris. La solidez de lo anterior Arte románico fue reemplazado por un nuevo enfoque en la línea, y los altos arcos y contrafuertes de Gothic permitieron la apertura de paredes para ventanas enormes sin precedentes llenas de imágenes bellamente translúcidas, superando con creces cualquier cosa que se haya visto hasta ahora. Y de hecho, el desarrollo de Scupture gótico estaba inextricablemente vinculado al surgimiento de nuevas formas en arquitectura . Las autoridades de la Iglesia Cristiana estaban construyendo muchos Catedrales góticas , todo lo cual necesitaba ser decorado con el apropiado Arte cristiano . Externamente, esto implicaba relieves escultóricos y estatuas de columnas; internamente, significaba fuentes talladas, púlpitos, estatuas, esculturas en relieve). Alrededor de los portales y las puertas, los escultores cincelaron grupos de apóstoles, profetas y santos, junto con miembros de la Sagrada Familia. Estilísticamente, la escultura gótica figurativa era más suave, más realista y, en general, más humana que la rígida. Escultura románica . Por ejemplo, el cuerpo de Cristo sobre la puerta principal de la catedral de Chartres es increíblemente flexible y real, lo que lo hace parecer sensible y perdonador.
La altura estilo gótico La escultura también comenzó en Francia desde donde irradiaba a Italia, Alemania, los Países Bajos y otros lugares. Utilizando un estilo más florido, la mayoría de los escultores del gótico tardío se aplicaron no a esculturas arquitectónicas sino a tumbas y monumentos privados. Vea, por ejemplo, la gama de esculturas funerarias en la Abadía de Westminster, donde los monumentos (en purbeck, bronce, alabastro y piedra caliza) se ven realzados por los pisos y las tumbas ejecutados por mosaicos italianos reclutados por el rey Enrique III. El idioma del gótico tardío recibió un énfasis clásico en Italia, donde los escultores usaron modelos griegos / romanos, y un énfasis más emocional en Alemania, donde a los escultores les gusta Veit Stoss y Tilman Riemenschneider se centró en el sufrimiento de Cristo en lugar de las convenciones de la forma (véase, por ejemplo, Rottgen Pieta , 1300, Rheinisches Landesmuseum, Bonn). Además, vale la pena señalar que fue durante la era gótica que los escultores lograron el reconocimiento individual.
Importante escultura gótica se puede ver en Catedral de Chartres (1194-1250); Catedral de Notre-Dame de París (1163-1345); Catedral de Reims (1211-1275); Catedral de Amiens (1220-1270); Catedral de Burgos España, comenzada alrededor de 1221; Catedral de Colonia comenzó en 1248 pero no se completó hasta 1880; así como las catedrales de Santiago de Compostela, Magdeburgo, Trier, Estrasburgo, Friburgo, Naumburg, Canterbury, Salisbury, Exeter, Winchester y la Abadía de Westminster, entre muchas otras.
Esculturas góticas para evaluar
Además de estudiar la gran cantidad de escultura arquitectónica de la catedral, también se pueden apreciar los siguientes elementos.
Escultores góticos famosos
Nicola Pisano (c.1206-1278); Giovanni Pisano (c.1250-1314); Arnolfo di Cambio (c.1240–1310); Giovanni di Balduccio (c. 1290–1339); Andrea Pisano (1295-1348); Filippo Calendario (anterior a 1315-1355); Andre Beauneveu (c.1335-1400); Claus Sluter (c.1340-1406); Veit Stoss (c.1447-1533); Tilman Riemenschneider (1460-1531). Para biografías de importantes escultores góticos, ver: Grandes escultores .
Cómo apreciar la escultura renacentista (c.1400-1600)
Arte renacentista , especialmente la escultura, se basó en una nueva oleada de respeto por el arte griego. Aunque consiste en gran parte de obras religiosas, Escultores renacentistas fueron inspirados en gran medida por una fuerte creencia en el humanismo y la nobleza del hombre. Así, la forma humana, particularmente la Desnudo masculino , fue un tema favorito. Para apreciar mejor Escultura renacentista italiana Sin embargo, uno debe ser consciente de que muchos artistas italianos fueron fuertemente influenciados por la artesanía, el realismo y el emocionalismo de las obras góticas. Aun así, los escultores del Renacimiento temprano lograron mejoras notables: por ejemplo, infundieron sus estatuas con una emoción más profunda (ver David de Donatello, 1440-3, Museo Nazionale del Bargello, Florencia) y les dieron nueva energía y pensamiento. Fueron los primeros en reintroducir el estatua ecuestre . Los cinco mejores escultores del Renacimiento temprano para estudiar son: Jacopo della Quercia (c.1374-1438), Lorenzo Ghiberti (1378-1455) Donatello (1386-1466), Antonio Pollaiuolo (1432-98), y Andrea del Verrocchio (1435-88). En particular, busque la naturaleza vigorosa, incluso brutal , de las figuras de Donatello, que también son bastante rudas e incipientes. Pero vea también: David por Donatello . Ver también la estatua ecuestre de Verolcchio de Bartolomeo Colleoni (1495, Campo di Santi Giovanni e Paolo, Venecia). Pollaiuolo, entrenado en orfebrería, era el heredero del expresionismo duro de Donatello: ver, por ejemplo, sus Heracles y Antaeus (1470, Museo Nazionale del Bargello, Florencia).
Escultura durante el Alto renacimiento fue dominado y personificado por Miguel Ángel (1475-1564). Según el erudito historiador del arte Anthony Blunt, las obras figurativas de Miguel Ángel como Piedad (1497-9, Basílica de San Pedro , Roma), David (1501-4, Galleria dell’Accademia, Florencia) y Dying Slave (1513-16, Louvre) no solo poseían una "cualidad sobrehumana" sino también "un sentimiento de inquietud sombría… [reflejando] el tragedia del destino humano ". Las estatuas de mármol de Miguel Ángel tienen una belleza impecable, lo que refleja su dominio técnico absoluto. En el medio del heroico desnudo masculino, sigue siendo el mejor artista. Vale la pena señalar que cuando llegó a los 29 años de edad, ya había creado dos de las mejores obras en el historia de la escultura . Otros talladores de piedra importantes del Alto Renacimiento incluyen el veneciano Jacopo Sansovino (1486-1570) y el florentino Baccio Bandinelli (1493-1560). Al norte de los Alpes, se incluyeron importantes escultores: Hans Multscher (1400-67); Giorgio da Sebenico (1410-73); Michel Colombe (c. 1430-1512); Gregor Erhart (c.1460-1540), así como Stoss y Riemenschneider, mencionados anteriormente. Para biografías de importantes escultores del Renacimiento, ver: Grandes escultores .
Otras esculturas renacentistas para evaluar
Cómo apreciar la escultura manierista (1530-1600)
En comparación con la armonía y el equilibrio de las obras del Alto Renacimiento, la escultura manierista era mucho más exagerada y expresiva, reflejando en cierta medida la incertidumbre de una Europa atormentada por la división religiosa. Los diferentes impulsos artísticos de Manierismo están mejor ejemplificados por Giambologna (1529-1608), cuyo trabajo inmortal La violación de las sabinas (1581-3, Piazza della Signora, Florencia) tiene una expresividad verdaderamente asombrosa; y por Benvenuto Cellini (1500-71) – ver, por ejemplo, su Perseo (1545-54, Piazza della Signora, Florencia). Sin embargo, compare la expresividad silenciosa de la reclinada Santa Cecilia (1600, Trastevere, Roma) por Stefano Maderno (1576-1636). Otros escultores manieristas que vale la pena estudiar son Juan de Juni (1507-1577) y Alonso Berruguete (c.1486-1561) que introdujo ideas renacentistas y manieristas en España, y Francesco Primaticcio (1504-1570) que hizo lo mismo por Francia en el Escuela Fontainebleau establecido bajo Francisco I. Para los mejores escultores franceses de la época, ver: Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prieur (1536-1611) y Adriaen de Vries (1560-1626). Para biografías de importantes escultores manieristas, ver: Grandes escultores .
Cómo apreciar la escultura barroca (c.1600-1700)
La era barroca estuvo dominada por arte religioso . Parte de la campaña de propaganda de la Contrarreforma católica, Escultura barroca fue diseñado para inspirar a los espectadores con ilustraciones de la liturgia católica, y así alentar a los fieles a regresar a la única Iglesia verdadera. Para apreciar mejor Arte barroco , mira de cerca el trabajo de Bernini (1598-1680), el máximo exponente de su época. Entre sus mejores obras están The Éxtasis de santa teresa (1647-52, Capella Cornaro, Roma); Plutón y Proserpina (1621-2, Galleria Borghese, Roma); Apolo y Dafne (1622-5) Galleria Borghese, Roma; y Muerte del beato Ludovica Albertoni (1671-4, San Francesco a Ripa, Roma). Observe cómo las figuras y cortinas de Bernini parecen flotar en el aire, y cómo trata los materiales inflexibles de la escultura como si fueran completamente maleables. Otro importante Escultores barrocos incluido el más restringido Alessandro Algardi (1598-1654), favorito del papa Inocencio X, y del escultor flamenco Francois Duquesnoy (1594-1643), cuyas obras clásicas fueron la antítesis completa de la intensidad dinámica de Bernini. En Francia, la expresión idiomática estuvo bien representada por el tipo Algardi Francois Girardon (1628-1715), el más fluido Antoine Coysevox (1640-1720), y el menos consistente pero ocasionalmente más brillante Pierre Puget (1620-94). En España, los escultores que vale la pena estudiar incluyen Juan Martines Montanes (1568-1649) y Alonso Cano (Granada, 1601-67), mientras que en Alemania, eche un vistazo a las obras de Andreas Schluter (1664-1714).
Esculturas barrocas para evaluar
La escultura rococó caprichosa (1700-1789) vino y se fue, ejemplificada por Guillaume Coustou (1677-1746), Jean-Baptiste Pigalle (1714-85), un favorito de Madame de Pompadour, y su principal rival Etienne-Maurice Falconet (1716-91) que se especializó en figuras eróticas con un vínculo un tanto espurio con la escultura griega helenística. La escultura rococó alemana fue personificada por el escultor de Dresde Balthazar Permoser (1651-1732). A fines de la década de 1780, el decadente rococó fue arrastrado por los ideales de la Revolución Francesa que preparó el escenario para el estilo más serio y severo del neoclasicismo.
Cómo apreciar la escultura neoclásica (florecido c.1790-1830)
Escultura neoclásica volvió a enfatizar las virtudes del heroicismo, el deber y la seriedad . Para apreciar mejor el neoclasicismo, tenga en cuenta que el eminente historiador de arte alemán Johann Winckelmann (1717-68) declaró que evitaba las pasiones extremas y la expresividad y, en cambio, era un modelo de noble moderación. Sin duda, el escultor neoclásico más grande e influyente fue Antonio Canova (1757-1822), cuyos clientes incluyeron a Napoleón Bonaparte, Catalina la Grande y el emperador austríaco Francisco II. Su escultura más famosa fue probablemente su monumental estatua desnuda de Napoleón (1802-6): vea el mármol original (Museo de Wellington, Londres) o la copia de bronce en Brera, Milán. Observe también de cerca a Teseo y el Minotauro (1781-3, Museo Victoria & Albert, Londres), y su retrato Pauline Napoleon / Borghese como Venus (1807, Galería Borghese, Roma).
Otro Escultores neoclásicos vale la pena evaluar, incluye: el retratista austriaco Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), conocido por sus bustos de caricatura conocidos como "Jefes de personajes"; el realista francés Jean-Antoine Houdon (1741-1828); el alegre escultor francés a pequeña escala Clodion (1738-1814); así como los importantes artistas ingleses Joseph Nollekens (1737-1823), John Flaxman (1755-1826) y Sir Richard Westmacott (1775-1856). Hacia finales del siglo XVIII, el escultor danés. Bertel Thorwaldsen (1770-1844) demostró ser un digno sucesor de Canova, en su reverencia por las formas griegas. Para conocer la agitación del arte tridimensional en Irlanda, ver: Escultura irlandesa: historia, escultores .
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