Historia del arte irlandés Traductor traducir

Las 10 etapas clave

1. Newgrange (3300 a. C.)

Intocada por la ola de pinturas rupestres, esculturas y esculturas del Paleolítico superior que barrió la Edad de Piedra en Europa (40, 000-10, 000 aC), Irlanda recibió sus primeros visitantes alrededor de 6, 000 aC, o un poco antes. Pero la historia real de artes visuales en Irlanda comienza con las tallas de piedra neolíticas descubiertas en el Tumba megalítica de Newgrange , parte del complejo Bru na Boinne en el condado de Meath. Este magnífico ejemplo de Arte irlandés de la Edad de Piedra fue construido entre c.3300-2900 aC: cinco siglos antes de la Gran Pirámide de Giza en Egipto, así como el Stonehenge círculo de piedra en Inglaterra. Así como una variedad de arte megalítico , incluyendo una serie de intrincados grabados en espiral, Newgrange presenta lo que los arqueólogos creen que es el primer mapa registrado de la luna.

Estas magnificas petroglifos en Newgrange y en el Conoce la tumba megalítica ejemplifican una forma particularmente sofisticada de arquitectura ceremonial y funeraria de finales de la Edad de Piedra, y se encuentran entre los mejores ejemplos conocidos de Arte neolítico en Europa. Sin embargo, se sabe poco sobre la función precisa de estas estructuras prehistóricas o la identidad de sus constructores, excepto que su construcción sugiere un entorno social relativamente integrado y cohesivo. Un segundo tipo contemporáneo de necrópolis neolítica, la larga carretilla, también se encuentra en la Edad de Piedra Irlanda, pero su diseño es más primitivo y requiere mucha menos organización.

Arte durante la Edad del Bronce y la Edad del Hierro

Durante el siguiente período de Arte de la Edad de Bronce en Irlanda (c.3000-1200 aC), hay evidencia de artefactos de la cultura Beaker (llamada así por la forma de sus vasijas de cerámica), junto con una serie de tumbas en forma de cuña. Además, los artesanos irlandeses desarrollaron una floreciente industria del metal, diseñando una variedad de objetos de oro, bronce y cobre. Esta era también fue testigo de un crecimiento significativo en el comercio entre Irlanda y Gran Bretaña, así como en el norte de Europa, incluidos Alemania y los países nórdicos. La Edad del Hierro en Irlanda (aproximadamente 1500-200 aC), caracterizada por la producción de herramientas y armas de hierro, fue fuertemente influenciada en sus siglos finales (desde aproximadamente 400 aC en adelante) por la llegada de los celtas que eran maestros orfebres y herreros. Sin embargo, sus artes y oficios pertenecen al lenguaje más elaborado y curvilíneo de Arte celta de la Tene , que superó a la anterior Cultura Hallstatt . Eran estos diseños celtas, especialmente el Diseños en espiral celta , lo intrincado Patrones celta entrelazados y por supuesto el Cruces celtas – Eso inspiraría los próximos tres logros principales en el arte visual irlandés.

2. Carpintería celta y escultura en piedra (400 a. C. – 800 d. C.)

A diferencia de Gran Bretaña y el continente, la lejanía geográfica de Irlanda impidió la colonización de Roma. Por lo tanto, a pesar del comercio regular con Gran Bretaña romana, el país se convirtió en un refugio para el desarrollo ininterrumpido de Arte celta y artesanías, que no fueron desplazadas por el arte grecorromano, ni destruidas en las siguientes "Edades Oscuras" (c.400-800) cuando el poder romano en Europa fue reemplazado por la anarquía bárbara. Esto condujo a una tradición ininterrumpida de Cultura celta que conservaba sus propias tradiciones orales, históricas y mitológicas, como se ejemplifica en el Lebor Gabala Erenn (Libro de las invasiones) .

Fue esta cultura celta con su tradición de artesanía metalúrgica y habilidades de talla (ver Arte de armas celtas ) que fue responsable del segundo gran logro del arte irlandés: una serie de artículos excepcionales de artículos preciosos metalistería hecho para clientes seculares y cristianos (ver también Arte celta cristiano ), así como una serie de trabajos en piedra monumentales intrincadamente grabados.

Ver también: Arte celta en Gran Bretaña e Irlanda .

Impacto del cristianismo en el arte irlandés

Con gran parte de Europa experimentando un estancamiento cultural debido al caos y la incertidumbre que prevaleció después de la caída de Roma y el inicio de la Edad Media, las autoridades de la Iglesia seleccionaron a Irlanda como una base potencial para la expansión del cristianismo y alrededor de 450 CE envió a San Patricio en el papel de misionero. Su éxito, y el de sus seguidores (San Patricio, San Brígida, Santa Enda, Santa Ciariana, Santa Columcille y otros), condujo a la cristianización de Irlanda y, fundamentalmente, al establecimiento de una serie de monasterios, que actuaron como centros de aprendizaje y erudición en temas religiosos y seculares y que allanaron el camino para el próximo gran hito en el arte visual irlandés.

3. Manuscritos iluminados (c.650-1000)

El tercer gran logro del arte irlandés fue la producción de una serie de obras cada vez más magníficas. manuscritos iluminados , que consiste en intrincadamente ilustrado Arte bíblico con paneles lujosamente decorados (ocasionalmente páginas enteras de "alfombras") de animales de estilo celta o cintas entrelazadas, espirales, nudos, rostros humanos, animales y similares, todo ejecutado con la máxima precisión y a veces adornado con metales preciosos como oro y plata hoja. Ver, por ejemplo, Página del monograma de Cristo en el libro de Kells. Creado en los scriptoriums de monasterios como Clonmacnoise y Durrow (Co Offaly), Clonard y Kells (Co Meath), entre muchos otros, estos fabulosos ejemplos de Arte monástico irlandés eran una mezcla de habilidades caligráficas cristianas y obras de arte celtas, con un diseño adicional sajón / germánico, como la tracería. Los historiadores los consideran como una de las mejores obras de arte del período medieval en Europa.

Los famosos manuscritos bíblicos irlandeses (ilustrados con entrelazado celta, nudos y diseños en espiral) incluyen Cathach de San Columba (principios del siglo VII), el Libro de Durrow (c.670), el Evangelios de Lindisfarne (c.698-700), y el Libro de Kells (c.800). Ver también: Historia de los manuscritos iluminados (600-1200). Estas obras se pueden ver en Biblioteca del Trinity College de Dublín o la Real Academia Irlandesa.

Estos tesoros bíblicos dieron lugar a un renacimiento gradual pero significativo en el arte irlandés (a veces llamado estilo hiberno-sajón o arte insular), que se extendió a través de la red monástica a Iona, Escocia, el norte de Inglaterra y el continente. En el siglo XII, apenas había una corte real en Europa occidental que no tuviera un asesor irlandés en asuntos culturales.

Mientras tanto, los monasterios irlandeses continuaron desempeñando un papel activo en la vida cultural del país a fines del siglo XII y más allá. Además de su papel como centros de devoción religiosa y Arte cristiano , invirtieron significativamente en íconos eclesiásticos, como los cálices mencionados (Derrynaflan, Ardagh), santuarios y cruces procesionales, cuya producción requirió el mantenimiento de una forja ocupada y una herrería negra, y la retención de numerosos artesanos. Finalmente, además de un concurrido scriptorium (para manuscritos iluminados) y forja (para trabajos en metal precioso), desde alrededor de 750 en adelante, los monasterios también pagaron un importante programa de escultura bíblica que se convertiría en el próximo gran logro del arte irlandés.

4. Alta escultura cruzada (c.750-1150)

El cuarto gran logro del arte irlandés fue la cantería religiosa. Durante el período 750-1150, los escultores irlandeses que trabajan en los monasterios crearon una serie de Esculturas celtas de alta cruz que constituyen el cuerpo más significativo de escultura independiente producido entre el colapso del Imperio Romano (c. 450) y el comienzo del Renacimiento italiano (c. 1450). Esta escultura de la Gran Cruz representa la mayor contribución escultórica de Irlanda a la historia del arte.

Las cruces altas anilladas se dividen en dos grupos básicos, según el tipo de grabados y los trabajos de relieve que se muestran. El primer grupo, que data en gran parte del siglo IX, está decorado exclusivamente con adornos entrelazados abstractos, entrelazados de animales Ultimate La Tene, así como patrones de teclas y trastes. El segundo grupo consiste en cruces con escenas narrativas del Antiguo y Nuevo Testamento de la Biblia, aunque a menudo están adornadas con pergaminos carnosos, como en la Cruz de Muiredach del siglo X, en Monasterboice.

High Crosses sobrevive en numerosos lugares de Irlanda, incluyendo Kilfenora en el condado de Clare; Boho y Lisnaskea en el condado de Fermanagh; Castledermot, Moone y Old Kilcullen en el condado de Kildare; Graiguenamanagh, Kilkieran, Killamery, Kilree y Ullard en el condado de Kilkenny; Dromiskin, Monasterboice y Termonfeckin en el condado de Louth; Kells en el condado de Meath; Clones en el condado de Monaghan; Clonmacnois, Durrow y Kinnitty en el condado de Offaly; Drumcliffe en el condado de Sligo; Ahenny en el condado de Tipperary; Ardboe y Donaghmore en el condado de Tyrone; y Bealin en el condado de Westmeath.

El arte irlandés se estanca (c.1200-1700)

El período 1200-1700 fue testigo de una gran cantidad de historia en Irlanda, pero poca actividad cultural. Como resultado, Arte irlandés después de la Edad Media sufrió cinco siglos de estancamiento. El impacto de este período "muerto", causado principalmente por las ambiciones coloniales de los primeros colonizadores normandos, luego británicos y luego escoceses, no puede ser sobreestimado. Separó la cultura irlandesa de la influencia del arte renacentista y consignó al país a un estado de aislamiento cultural del cual (posiblemente) ha surgido recientemente. En cualquier caso, desde el siglo XII, Irlanda no ha producido más contribuciones importantes al arte visual europeo para rivalizar con sus logros anteriores.

5. Pintura: el renacimiento del arte irlandés (1650-1830)

Este período fue testigo de los primeros brotes verdes de una recuperación artística. El aumento de la prosperidad a principios del siglo XVIII condujo a la formación de una serie de nuevas instituciones culturales, como la Royal Dublin Society (comenzó en 1731) y el Real Academia Irlandesa (fundada en 1785). Mientras tanto, varios artistas talentosos comenzaron a aparecer desde finales del siglo XVII en adelante. De acuerdo con las exigencias de la época, el área principal de actividad era la pintura de bellas artes, especialmente los retratos y los paisajes.

Esta recuperación artística continuó en el siglo XIX con el establecimiento de la Real Academia Hiberna (RHA) en 1823, y la expansión de la Royal Dublin Society (fundada en 1731) y la Crawford College of Art , todo lo cual ayudó a estimular la infraestructura de bellas artes en Irlanda, especialmente para las artes visuales como la pintura.

Pintura de retrato del siglo XVIII
La pintura irlandesa se estableció por primera vez en el género del retrato, que comenzó en Irlanda a principios del siglo XVII / XVIII, unos 50 años antes del advenimiento de las pinturas de paisajes topográficos. Los primeros retratistas no fueron grabados, excepto Garret Morphy (fl.1680-1716), quien dominó el género a fines del siglo XVII, y el menos conocido Thomas Bate (fl.1690-1700). Estos fueron seguidos por el nacido en Dublín pero con sede en el Reino Unido. Charles Jervas (1675-1739), el preeminente retratista irlandés de principios del siglo XVIII, y luego el influyente nacido en Tipperary James Latham (1696-1747). El pintor de Cork James Barry (1741-1806) fue otro retratista experto de la época, al igual que Nathaniel Hone the Elder (1718-84), Hugh Douglas Hamilton (1739-1808) que se especializó en pasteles y tizas, el miniaturista Horace Hone (1756-1825), el eminente Martin Archer Shee (1769-1850) y William Mulready, nacido en el condado de Clare (1786-1863), y otros, muchos de los cuales se vieron obligados a emigrar a Inglaterra para seguir sus carreras.

Pintura de paisaje del siglo XVIII
El director Paisajistas irlandeses del período fueron Susanna Drury (fl. 1733-70), seguidos por John Butts (c.1728-1764) y George Barret, Senior (1732-84). Los artistas influyentes posteriores incluyeron al efímero Thomas Roberts (1749-78), su hermano de estilo romántico, Thomas Sautelle Roberts (c.1760-1826), el pintor paisajista maestro William Ashford (1746-1824), y el dibujante / grabador James Malton (fallecido en 1803), quien se destacó por sus puntos de vista sobre Dublín, al igual que la familia Brocas, de Henry Brocas Senior (1762-1837) y sus hijos Samuel Frederick Brocas (1792-1847) y Henry Brocas Junior (1798-1873). La influencia de la familia Brocas fue considerable, sobre todo porque efectivamente dirigieron la escuela de pintura de paisajes RDS durante la primera mitad del siglo siguiente. (Ver también: Artistas irlandeses del siglo XVIII .)

Este renacimiento artístico continuó en el siglo XIX con el establecimiento en 1823 del Real Academia Hiberna (RHA), la expansión de las instalaciones educativas de la Royal Dublin Society (luego se convirtió en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín y, en última instancia, el Colegio Nacional de Arte y Diseño), y la renovación (1830-1884) del Colegio Crawford of Art (defendido por James Brenan y financiado por el benefactor de Cork William Horatio Crawford), todo lo cual ayudó a estimular la infraestructura de bellas artes en Irlanda, especialmente para las artes visuales como la pintura.

6. Emigración de artistas irlandeses (c. 1830-1900)

A pesar de este fortalecimiento de la infraestructura artística y el sistema educativo, Arte irlandés del siglo XIX estuvo marcado por la continua emigración. Esto se debió a que el patrocinio era escaso y Londres, con su mercado de arte mucho más grande, sus estudios de arte y su potencial profesional, seguía siendo la Meca de los pintores y escultores irlandeses con talento. Entre estos artistas emigrantes, se encontraban los escultores Patrick MacDowell (1799-1870), John Foley (1818-74), John Lawlor (1820-1901) y John Hughes (1865-1941), así como el acuarelista Francis Danby (1793- 1861) y el pintor y retratista de historia Daniel Maclise (1806-70). Más tarde, fueron seguidos a Londres por retratistas como John Butler Yeats (1839-1922), nacido en el condado, el estilo académico Gerald Festus Kelly (1879-1972) y William Orpen (1878-1931), todos los cuales hicieron contribuciones importantes a Arte victoriano en una variedad de géneros En contraste, muchos pintores paisajistas irlandeses pasaron largos períodos en Francia, trabajando en Barbizon cerca de Fontainebleu, o Pont-Aven y Concarneau en Bretaña, donde absorbieron los métodos de pintura al aire libre de los impresionistas. Tales ’emigrantes’ incluyeron artistas como: Augustus Nicholas Burke (1838-91), Frank O’Meara (1853-88), Aloysius O’Kelly (1853-1941), Sir John Lavery (1856-1941), Stanhope Forbes (1857-1947), Henry Jones Thaddeus (1859-1929), Walter Osborne (1859-1903), Joseph Malachy Kavanagh (1856-1918), Richard Thoman Moynan (1856-1906), Roderic O’Conor (1860-1940), Norman Garstin (1847-1926) y William Leech (1881-1968). Ver también: Pintura Plein-Air en Irlanda .

Esto no es para subestimar el talento de los artistas indígenas irlandeses que permanecieron en Irlanda (o que regresaron del extranjero), sino el terrible trauma de la Gran Hambruna (c. 1845-50), las continuas disputas políticas entre los establecimientos de arte en Londres y Dublín, más la relativa falta de comisiones en Dublín (y mucho menos en Cork, Galway y Limerick) en comparación con la promesa comercial de Londres, y el clima al aire libre de Francia, se sumaron a un poderoso incentivo para pintar o esculpir en el extranjero. Comenzaba a surgir una escuela indígena de pintura irlandesa, pero aún no había adquirido masa crítica, por lo que en gran medida, la historia del arte irlandés durante el siglo XIX estuvo marcada por el éxodo en el extranjero. (Ver también: Artistas irlandeses del siglo XIX .)

7. El crecimiento del arte indígena (c.1900-40)

Poco a poco, alrededor del cambio de siglo, los efectos beneficiosos de la educación, junto con un aumento en el patrocinio de Dublín, los esfuerzos de Hugh Lane y el impacto de la Movimiento de renacimiento de las artes celtas , todo condujo a la aparición de una nueva generación de artistas indígenas irlandeses, como George ’AE’ Russell (1867-1935), Margaret Clarke (1888-1961), Sean Keating (1889-1977), James Sinton Sleator (1889-1950), Leo Whelan (1892-1956) y Maurice Macgonigal (1900-1979). Este grupo, junto con escultores emigrantes que regresan como John Foley y Oliver Sheppard (1864-1941), pintores como el artista de género irlandés Richard Thoman Moynan (1856-1906), el paisajista Paul Henry , el expresionista Jack B Yeats (1871-1957) y el retratista William Orpen (1878-1931), que regresó regularmente para enseñar en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín, formaron el núcleo de un cuerpo activo de artistas locales. A estos, debe agregarse una generación más joven de pintores irlandeses de mentalidad internacional, incluyendo Mary Swanzy (1882-1978), Mainie Jellett (1897-1944) y Evie Hone (1894-1955), quien introdujo el cubismo y otras formas de arte abstracto en Irlanda durante este tiempo, formando la vanguardia Sociedad de Pintores de Dublín en el proceso. Una adición posterior al grupo fue el brillante francófilo Louis le Brocquy (1916-2012).

Arte irlandés del siglo XX fue alimentado por el establecimiento de la Hugh Lane Gallery of Modern Art (1908), y con la aparición de un Estado irlandés independiente a principios de la década de 1920. Sin embargo, si la Independencia condujo a un aumento en el patrocinio del estado para algunos escultores y pintores, no logró desencadenar ningún renacimiento general en las artes visuales. Hubo menos oportunidades creativas, por ejemplo, en la escultura irlandesa: John Foley (1818-74) y más tarde Albert Power (1881-1945) y Seamus Murphy (1907-75) estaban completamente ocupados con estatuas tradicionales y bustos de personas eminentes de la época, en lugar de la creatividad individual. A las artes decorativas no les fue mejor. En el área de vidrieras, por ejemplo, a pesar de los esfuerzos creativos individuales de Harry Clarke (1889-1931), Sarah Purser (1848-43) y Evie Hone (1894-1955), el gobierno irlandés de mente estrecha proporcionó poca ayuda, llegando incluso a rechazar algunas de las mejores obras de Clarke por su excesiva ’modernidad’.

Además, en las dos décadas posteriores a la Independencia, una falange conservadora de tradicionalistas, extraída casi exclusivamente del grupo indígena de artistas irlandeses, ejerció el poder dentro del establecimiento artístico irlandés, en particular el comité de gobierno de la Real Academia Hiberna, que resistió todos los intentos. por personas de mentalidad más amplia para alinear el arte irlandés con los estilos europeos de pintura y escultura del siglo XX. Este período llegó a su fin con el advenimiento de la Segunda Guerra Mundial, que vio emerger el tema de la modernización.

8. La formación de la exposición irlandesa de arte vivo (1943)

La triste década de 1940 fue testigo de un declive creativo y material en el arte visual irlandés. No solo el patrocinio de las artes era escaso, sino que el establecimiento artístico conservador irlandés, representado por la Real Academia Hiberna (RHA), parecía incapaz de aceptar los desarrollos europeos en el arte, como el fauvismo, el cubismo, el dadaísmo y el surrealismo. Y dado que controlaron la composición de la exposición anual de RHA (el escaparate principal para pintores y escultores profesionales en Irlanda) pudieron rechazar obras que no encajaban con su concepto tradicionalista de lo que debería ser el arte, un enfoque que provocó una considerable oposición de los modernistas.

Los conservadores no ignoraban los desarrollos europeos en pintura y escultura, pero no les gustó lo que vieron y esperaban que desapareciera y que el arte volviera a las tradiciones representacionistas del Renacimiento. Desafortunadamente, la forma dura en que implementaron este punto de vista minó su valor. Por ejemplo, la Galería de Arte Moderno de Hugh Lane casi nunca aceptaría ninguna obra pintada más recientemente que la época de Jean Baptiste Corot (1796-1875): por ejemplo, rechazaron una pintura de Rouault como blasfema y una escultura de Henry Moore como obscena. Por el contrario, los modernistas buscaron no romper con lo tradicional, sino más bien ir más allá.

La batalla entre los tradicionalistas y los modernistas estalló en 1942, luego de un ataque abierto a la RHA por parte de Mainie Jellett, que hizo que su comité de selección rechazara "El chal español" de Louis le Brocquy, y muchas otras obras modernas. El rechazo de 1942 de "Cristo y el soldado" de Rouault por la Galería Hugh Lane de Dublín fue otra provocación. Como resultado, al año siguiente una serie (en gran parte) de clase media alta Artistas de Dublín se unieron y organizaron el Exposición irlandesa de arte vivo (IELA) , un nuevo foro anual para pintores y escultores que no estaban de acuerdo con la visión "parpadeante" de la Real Academia Hiberna. Su misión declarada era poner a disposición una encuesta exhaustiva del trabajo significativo, independientemente de la escuela o la manera, por artistas irlandeses vivos. "Los principales organizadores de la IELA fueron Mainie Jellett (1897-1944), Evie Hone (1894–1955), P. Jack Hanlon (1913-1968), Norah McGuinness (1901-1980), Louis le Brocquy (n. 1916) y Margaret Clarke (1888-1961). Los partidarios posteriores incluyeron a Patrick Scott (nacido en 1921), Tony O’Malley (1913-2003), Camille Souter (nacido en 1929) y Barrie Cooke (nacido en 1931), y otros.

Los espectáculos de IELA inyectaron algo de emoción visual en la monotonía de Dublín en tiempos de guerra y ofrecieron una alternativa bienvenida a las exhibiciones de RHA más conservadoras. Dicho esto, muchos artistas irlandeses exhibieron en ambos. Aun así, cada uno representaba diferentes puntos de vista. La RHA mantuvo lo que creía que era ’la tradición’ mientras que la IELA estaba abierta a cada nuevo desarrollo.

Aun así, la formación de la IELA no fue una revolución bolchevique. El mundo del arte bastante parroquial de Dublín albergaba un pequeño número de organismos importantes como la Real Academia Hiberna, los Amigos de las Colecciones Nacionales, el Fondo para la Pobreza, el Comité Asesor de Artes de la Galería Municipal, la Exposición irlandesa de arte vivo, etc. en. Y tanto conservadores como modernistas coexistieron relativamente felices en los mismos comités. Además, la IELA era muy consciente de que sus objetivos serían inalcanzables sin la cooperación del Colegio Nacional de Arte y la RHA que lo dominaba, así como la buena voluntad del Director de la Galería Nacional y el Presidente de la RHA. En cambio, el surgimiento de la IELA debería verse como una afirmación de la necesidad de que Irlanda adopte un concepto más amplio de arte, en lugar de uno definido únicamente por sus raíces culturales. En cierto modo, dejó salir al gato de la bolsa. ¡Ahora, por ejemplo, los artistas podrían explorar el arte abstracto sin ser acusados ​​de blasfemia! En este sentido, el IELA fue un paso decisivo en el desarrollo de la escuela irlandesa.

9. Arte irlandés moderno (1943-presente)

A pesar de la ampliación de su perspectiva, el arte irlandés durante las cuatro décadas de posguerra estuvo tan influenciado por los acontecimientos económicos y políticos en el país, como por cualquier cosa en el mundo del arte internacional. La monótona década de 1950 llevó a una mayor emigración de artistas, mientras que la emoción de mediados de la década de 1960 se enfrió rápidamente con el inicio de los ’Problemas’ en el Norte, durante la década de 1970 y 1980, cuando la política dominó los titulares.

Sin embargo, la próxima generación, que llegó a la madurez a mediados de la década de 1960, estaba más abierta a los desarrollos internacionales. También se estaban beneficiando de las actividades de una serie de nuevos Organizaciones de arte irlandesas llegando a la corriente. Por ejemplo, el Consejo de las Artes (An Chomhairle Ealaion) , fundada en 1951, estaba comprando obras de artistas irlandeses y distribuyendo becas, al igual que su cuerpo hermano en el Norte, el Consejo para el Fomento de la Música y las Artes (CEMA), ahora renombrado como Consejo de las Artes de Irlanda del Norte ; el Fideicomiso de la pobreza, las medallas de oro Oireachas Douglas Hyde, los generosos premios Carroll’s por obras en los espectáculos de IELA y las competencias abiertas de Belfast estaban distribuyendo recompensas financieras; hubo exhibiciones en Londres y (desde 1967) exhibiciones de Rosc en el RDS. La Real Academia Hiberniana y el Academia Real del Ulster fueron exhibiciones continuas para el talento nativo. La Galería Hugh Lane (que finalmente se convirtió en una verdadera galería de Arte Moderno), la Galería Nacional, el Museo de bellas artes del Ulster , además de innovador Galerías de arte irlandesas como Dawson y David Hendricks Gallery, estaban presentando artistas a obras internacionales; y pintores y escultores irlandeses fueron seleccionados para bienales en Venecia, París, y ganaron premios.

La revolución posmoderna

1970
La tendencia de 1970 hacia Arte posmodernista se reflejó en Irlanda por los cambios en la principal escuela de arte del país, la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín, entonces conocida como la Colegio Nacional de Arte y Diseño (NCAD) . Se introdujo un ethos y plan de estudios de enseñanza más moderno, y el control se puso en manos de una junta (An Brd) nombrada por el Ministro de Educación y Ciencia. A su debido tiempo, NCAD comenzó a asumir un papel principal en la promoción de las artes visuales contemporáneas, como la instalación, el video, el rendimiento y diversas formas de arte conceptual. En el proceso, las formas tradicionales de arte representativo fueron reemplazadas, si no marginadas.

Mientras tanto, en 1973, el comité rector de la IELA decidió entregar a un comité completamente nuevo de artistas más jóvenes para mantener el impacto contemporáneo de la organización. La industria artesanal irlandesa también recibió una actualización con el establecimiento de Consejo de Artesanía de Irlanda en 1971

1980
En la década de 1980, el arte irlandés había digerido una cantidad considerable de teoría del arte contemporáneo, entre otras cosas, su desacreditación de la noción tradicionalista de que una imagen o estatua debería tener un tema reconocible, que este tema debería presentarse de tal manera que no distorsionar la realidad y que la belleza debería ser el objetivo. También había comenzado a abrazar la idea posmoderna de que una obra de arte permanente ya no era necesaria: que la "idea" detrás de ella era igualmente (si no más) válida. E incluso las formas tradicionales de pintura y escultura se estaban volviendo menos "estéticas", más didácticas y más satíricas. En resumen, si, durante las décadas de 1920 y 1930, los artistas irlandeses con visión de futuro habían luchado para ganar la aceptación de sus ideas abstractas y vanguardistas y los tradicionalistas habían controlado el establecimiento de las artes, la situación ahora era completamente la inversa. La vanguardia ahora controlaba NCAD, junto con varios de los comités clave dentro de la infraestructura artística y los medios.

Otros desarrollos durante la década de 1980 incluyeron: el establecimiento de Colección Nacional de Autorretratos (1980); La formación de la Sociedad de Escultores de Irlanda (1980) (ahora Artistas visuales Irlanda ); la base de Aosdana (1981), el grupo de élite de practicantes creativos en Irlanda; el lanzamiento de HACIA (1981), la principal revista de artes visuales contemporáneas de Irlanda; y el fundamento de la Fábrica Nacional de Escultura (NSF) en Cork en 1989.

1990s
La década de 1990 se definió por el auge económico del "Tigre celta", que condujo a un aumento significativo en el presupuesto de las artes. los Museo irlandés de arte moderno (IMMA) se fundó en 1990, como el sucesor de la Galería Hugh Lane (más correctamente conocida como la Galería Metropolitana de Arte Moderno de Dublín), y en 1997 el Departamento de Artes instituyó Por ciento para el esquema de arte , para recaudar fondos para las artes visuales en Irlanda. También se elaboraron planes para otras dos nuevas galerías: la Galería Naughton de la Queens University Belfast (completada en 2001) y la Galería Lewis Glucksman de la University College Cork (completada en 2004). Cultura Irlanda (Cultúr Na hÉireann), el organismo que promueve el arte y la cultura irlandeses en el extranjero, se estableció en 2005.

Algunos pensamientos sobre estilos y temas de arte irlandés

No tendemos a analizar música. O nos gusta cómo suena, o no. Pero si juzgamos una pintura únicamente por su apariencia visual, se nos acusa de ser (en el mejor de los casos) filisteo o (en el peor de los casos) un idiota. Y como editor de arte, tengo que sonar extra entendido, lo que francamente es un verdadero dolor, porque no lo soy. Y para demostrarlo, aquí están algunos de mis pensamientos sobre el arte irlandés de mediados del siglo XX en adelante. Al menos me da la oportunidad de mencionar algunos artistas maravillosos.

Nunca ha habido un estilo específico de pintura o escultura irlandesa. Es cierto que ciertos paisajes, figuras humanas y héroes nacionales han atraído la atención regular, pero sería difícil encontrar algo en común entre (digamos) Paul Henry, Francis Bacon, William Orpen y Sean Scully. Lo mejor que podemos hacer es identificar ciertos enfoques y los artistas asociados con ellos.

Arte abstracto
La abstracción, un estilo de arte que ganó considerablemente en respetabilidad después de la formación de IELA, está bien ejemplificado en las obras monumentales de Sean Scully (n. 1945), la abstracción geométrica de Francis Tansey (n. 1959), Patrick Scott y Cecil King, los paisajes de Tony O’Malley (1913-2003) y Patrick Collins (1910-1994), y los bodegones de William Scott (1913-1989). En la escultura irlandesa, la abstracción se ejemplifica con las formas de acero inoxidable de Alexandra Wejchert (1921-1995) y las piezas semi-abstractas de Conor Fallon (1939-2007).

Arte representativo
El representacionalismo, el primo pobre durante gran parte del período, ha sido mantenido hábilmente en obras de los pintores académicos Niccolo D’Ardia Caracciola (1941-1989) y Martin Mooney (n. 1960), los bodegones James English (n. 1946).) y Mark O’Neill (n. 1963), el retratista Edward Maguire, el fotorrealista John Doherty (n. 1949) y el virtuoso ecuestre Peter Curling (n. 1955). Pintura representativa en Irlanda El arte ha recibido un impulso reciente gracias a artistas contemporáneos como el retratista David Nolan (n. 1966), el clásico Conor Walton (n. 1970) y los destacados pintores de plein-air Norman Teeling (n. 1944), John Morris (n..1959), Paul Kelly (nacido en 1968) y Henry McGrane (nacido en 1969). En la escultura irlandesa, el realismo se ejemplifica mejor con los bronces contemporáneos de Rowan Gillespie (b.1953).

Primitivismo
En comparación, un enfoque más informal es evidente en trabajos de Daniel O’Neill (1920-1974) y Gerard Dillon (1916-1971), que operaba en un lenguaje compositivo más informal, mezclando frecuentemente formas y composiciones naif con color y comentarios.

Romanticismo
El romance, llámelo nostalgia, heroicismo, tragedia o lo que sea, ha sido un elemento importante en una buena cantidad de pintura irlandesa, inspirando a artistas tan diversos como Paul Henry, Brian Bourke (nacido en 1936) y John Doherty (nacido en 1949). Incluso el elemental Hughie O’Donoghue (b.1953) y Donald Teskey (b.1956) me parecen románticos de corazón. Especialmente heroica fue la serie de "retratos" de Louis le Brocquy de figuras del pasado histórico y literario de Irlanda, al igual que las pinturas de republicanos irlandeses de Robert Ballagh.

Nacionalismo
Si el irlandés era una presencia dominante en el trabajo de Jack B Yeat, el nacionalismo político era una característica clave de Micheal Farrell Madonna Irlanda (1977), que presentó una visión de una prostituta Irlanda corrompida por la partición continua y un sentido de servilismo cultural. Mientras tanto, los problemas presentados en obras de David Crone, Rita Duffy, Brian O’Doherty, Dermot Seymour y la escultura de Deborah Brown y FE McWilliam (1909-1992). La escultura nacionalista abarca el arte gaélico de Albert Power (1881-1945) y las figuras nostálgicas de Eamonn O’Doherty, así como la cantería religiosa del maestro de corcho Seamus Murphy (1907-1975).

Otros estilos
El colorismo ha sido bellamente representado por Brian Ballard (n. 1943) y Marja Van Kampen (n. 1949); Impresionismo por Arthur Maderson (nacido en 1942); surrealismo de Colin Middleton (1910-1983) y Pop-Art de Robert Ballagh (nacido en 1943). Entre los estilos contemporáneos, uno debe notar el trabajo figurativo de Graham Knuttel (n. 1954) y el de Colin Davidson (n. 1968), uno de los mejores contemporáneos. Pintores de género irlandeses . Varios otros artistas de mediados del siglo XX desafían todos los intentos de categorización, entre ellos el talentoso Basil Blackshaw (nacido en 1932).

10. Arte irlandés del siglo XXI

El cambio de siglo vio la Mercado de arte irlandés elevarse a nuevas alturas. Aunque el valor comercial de los mejores artistas irlandeses había aumentado significativamente durante la década de 1990, el nuevo Millennium vio Francis Bacon batir el récord mundial de la obra de arte contemporánea más cara (su Triptych, 1976, se vendió por $ 86.3 millones en Sothebys New York, en 2008), mientras que otros seis pintores irlandeses rompieron la barrera del millón de euros:

Estos registros reflejaron un sorprendente pero inconfundible grado de confianza en el valor del arte irlandés, y dieron un impulso considerable al valor de mercado de artistas menos famosos. Con Sotheby’s ya establecida en Dublín, junto con casas de subastas indígenas como Adams, deVeres y Wytes, y otras, la ciudad se convirtió en un lugar importante para la venta de pintura y escultura irlandesa, que, al igual que los precios de las casas, parecía desafiar la gravedad. (Para obtener más detalles sobre las obras de arte de mayor precio, consulte: Pinturas irlandesas más caras .)

Al mismo tiempo, la industria de las artes en la isla de Irlanda, con miles de empleados repartidos en dos departamentos gubernamentales, dos Consejos de las Artes, numerosos organismos y revistas estatales o patrocinados por el estado, grupos de artistas como Aosdana y Visual Artists Ireland y una gran red de museos nacionales, centros de arte y galerías comerciales, continuaron expandiéndose para satisfacer la creciente demanda.

Desafortunadamente, en 2008, la burbuja estalló, dejando el renacimiento cultural de Irlanda bajo una fuerte presión financiera a raíz de la reciente recesión mundial. En la actualidad, se estima que el 83 por ciento de los practicantes creativos irlandeses siguen dependiendo de los ingresos de sus socios, y es probable que la situación empeore en vista del recorte del 18.5 por ciento en el presupuesto de arte actual. Aun así, con oficiales artísticos a tiempo completo en casi todos los 32 condados de Irlanda, un presupuesto multimillonario en euros y un grupo talentoso de artistas irlandeses contemporáneos , el futuro a largo plazo del arte irlandés difícilmente podría ser más brillante, al menos en comparación con épocas anteriores de emigración y lucha financiera.

En cualquier caso, vale la pena recordar que el desarrollo exitoso del arte visual (en Irlanda o en otros lugares), aunque relacionado con la prosperidad financiera, rara vez se define por él. La dinastía de la familia Medici pudo haber financiado el Renacimiento italiano en Florencia, pero su dinero habría sido inútil sin los talentos nativos de Brunelleschi , Donatello , Masaccio y otros. Entonces, el futuro del arte irlandés está, como siempre, en manos de sus artistas, maestros y alumnos. ¿Tendrán éxito en la creación de obras de arte relevantes que interesen al público en general? ¿Serán capaces de mantener (y con suerte mejorar) las grandes tradiciones de la pintura y la escultura occidentales? Sólo el tiempo dirá.

Una cosa es segura. Si las universidades de arte irlandesas otorgan demasiada importancia a la "creatividad" subjetiva, y los recientes programas de posgrado no son tranquilizadores a este respecto, es probable que perdamos la base de habilidades necesarias para crear obras de arte duraderas. El arte efímero (que otorga menos valor al producto terminado que la idea detrás de él) puede ser de alta moda en los círculos artísticos, e incluso puede resonar con un público engañado por programas de televisión como "Gran Hermano", pero no tiene un valor duradero. Después de todo, las culturas y civilizaciones no son juzgadas por las ideas brillantes que pudieron haber tenido, sino por lo que dejan atrás.