Historia del arte irlandés Traductor traducir

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1. Newgrange (3300 a.C.)

Al no verse afectada por la oleada de pinturas, esculturas y tallas rupestres del Paleolítico Superior que arrasó Europa en la Edad de Piedra (40-10.000 a.C.), Irlanda recibió sus primeros visitantes en torno al 6.000 a.C. o un poco antes. Sin embargo, la verdadera historia de las bellas artes en Irlanda comienza con las tallas neolíticas en piedra descubiertas en la tumba megalítica de Newgrange, parte del complejo de Bru na Boinn en el condado de Meath. Este magnífico ejemplo de arte irlandés de la Edad de Piedra se construyó en torno a los años 3300-2900 a.C.: cinco siglos antes que la Gran Pirámide de Guiza, en Egipto, y el círculo de piedras de Stonehenge, en Inglaterra. Además de una serie de obras de arte megalítico, incluidos varios elaborados grabados en espiral, Newgrange contiene lo que los arqueólogos consideran el primer mapa registrado de la Luna.

Estos magníficos petroglifos de Newgrange y la tumba megalítica de Knowth ejemplifican una forma particularmente compleja de arquitectura ceremonial y funeraria de la Edad de Piedra tardía y se encuentran entre los ejemplos más conocidos del arte neolítico en Europa. Sin embargo, poco se sabe sobre la finalidad de estas estructuras prehistóricas y la identidad de sus constructores, salvo que su erección indica la presencia de un entorno social relativamente integrado y cohesionado. El segundo tipo moderno de necrópolis neolítica, el túmulo largo, también se encuentra en la Irlanda de la Edad de Piedra, pero su construcción es más primitiva y requiere mucha menos organización.

Arte de la Edad de Bronce y de Hierro

En el periodo posterior del arte de la Edad del Bronce en Irlanda (c. 3000-1200 a.C.) se han encontrado artefactos de la cultura Beaker (llamada así por la forma de sus vasijas de cerámica para beber), así como una serie de tumbas en forma de cuña. Además, los artesanos irlandeses desarrollaron una próspera industria metalúrgica, fabricando diversos objetos de oro, bronce y cobre.

El comercio entre Irlanda y Gran Bretaña, así como con el norte de Europa, incluyendo Alemania y los países escandinavos, se expandió enormemente durante este periodo. La Edad de Hierro en Irlanda (c. 1500-200 a.C.), caracterizada por la producción de herramientas y armas de hierro, se vio fuertemente influenciada en sus últimos siglos (a partir de c. 400 a.C.) por la llegada de los celtas, que dominaban la joyería y la herrería.

Sin embargo, sus artes y oficios pertenecen al lenguaje más complejo y curvilíneo del arte celta de Lathenia, que sustituyó a la anterior cultura de Hallstatt . Fueron estos motivos celtas -en particular las espirales celtas, los complejos entrelazados celtas y, por supuesto , las cruces celtas - los que sirvieron de inspiración para las tres siguientes grandes evoluciones del arte visual irlandés.

2. La metalistería y la escultura en piedra celtas (400 a.C.-800 d.C.)

A diferencia de Gran Bretaña y el continente, la lejanía geográfica de Irlanda impidió que Roma la colonizara. Por ello, a pesar del comercio regular con la Britania romana, el país se convirtió en un paraíso para el desarrollo continuo del arte y la artesanía celtas, que no fueron desplazados por el arte grecorromano ni destruidos en la posterior «Edad Oscura» (c. 400-800 d.C.), cuando el dominio romano en Europa fue sustituido por la anarquía bárbara. Esto condujo a la formación de una tradición ininterrumpida de cultura celta que conservó sus propias leyendas orales, históricas y mitológicas, ejemplificadas por el «Libro de las Invasiones» de Lebor Gabal Erenn.

Fue esta cultura celta, con sus tradiciones de artesanía metalúrgica y talla (véase Armería celta), la responsable del segundo gran logro del arte irlandés: una serie de excepcionales objetos de metales preciosos fabricados para clientes laicos y cristianos (véase también Arte cristiano celta), así como una serie de estructuras monumentales de piedra elaboradamente grabadas.

Véase también Arte celta en Gran Bretaña e Irlanda .

La influencia del cristianismo en el arte irlandés

En una época en la que gran parte de Europa experimentaba un estancamiento cultural causado por el caos y la incertidumbre que reinaban tras la caída de Roma y el inicio de la Edad Media, las autoridades eclesiásticas eligieron Irlanda como base potencial para la propagación del cristianismo y enviaron allí a San Patricio como misionero hacia el 450 d.C.. El éxito de Patricio y sus seguidores (San Patricio, Santa Brígida, San Enda, San Ciarán, San Columcille, etc.) condujo a la cristianización de Irlanda y, lo que es más importante, al establecimiento de una serie de monasterios que se convirtieron en centros de aprendizaje y erudición tanto en materias religiosas como profanas y prepararon el terreno para la siguiente gran fase en el desarrollo de las bellas artes irlandesas.

3. Manuscritos iluminados (c. 650-1000)

El tercer gran logro del arte irlandés fue la creación de una serie de manuscritos iluminados cada vez más magníficos , consistentes en obras bíblicas hábilmente ilustradas con paneles ricamente decorados (a veces páginas enteras «alfombradas») al estilo celta con enredos de animales o cintas, espirales, nudos, rostros humanos, animales, etc., ejecutados con la máxima precisión y a veces decorados con metales preciosos como el oro y la plata laminada.

Por ejemplo, la página con el monograma de Cristo en el Libro de Kells. Creados en los scriptoriums de monasterios como Clonmacnoise y Durrow (condado de Offaly), Clonard y Kells (condado de Meath) y muchos otros, estos magníficos ejemplos del arte monástico irlandés eran una mezcla de artesanía caligráfica cristiana y arte celta con elementos decorativos sajón-alemanes adicionales, como la tracería. Según los historiadores, se encuentran entre las mayores obras de arte medieval de Europa.

Entre los manuscritos bíblicos irlandeses más notables (ilustrados con tramas, nudos y espirales celtas) figuran El Cathach de San Columba (principios del siglo VII), El Libro de Durrow (c. 670), Los Evangelios de Lindisfarne (c. 698-700) y El Libro de Kells (c. 800). Véase también Historia de los manuscritos iluminados (600-1200). Estas obras pueden consultarse en Trinity College Library, Dublín o en la Royal Irish Academy.

Estos tesoros bíblicos alimentaron un renacimiento gradual pero significativo del arte irlandés (a veces denominado estilo hiberno-sajón o arte insular), que se extendió a través de la red monástica hasta Iona, Escocia, el norte de Inglaterra y el continente. En el siglo XII, prácticamente no había corte real en Europa occidental que no contara con un consejero cultural irlandés.

Mientras tanto, los monasterios irlandeses siguieron desempeñando un papel activo en la vida cultural del país hasta finales del siglo XII y más allá. Además de su papel como centros de piedad religiosa y arte cristiano, invirtieron mucho en la producción de iconos eclesiásticos, como los cálices antes mencionados (Derrynaflan, Ardagh), santuarios y cruces, cuya producción requería el mantenimiento de una forja y herrería muy concurridas y el empleo de numerosos artesanos.

Por último, además del scriptorium (para los manuscritos iluminados) y la forja (para la orfebrería), a partir de 750 los monasterios también sufragaron un importante programa de escultura bíblica, que sería el siguiente gran logro del arte irlandés.

4. Escultura de la cruz alta (c. 750-1150)

El cuarto gran logro del arte irlandés fue la escultura religiosa en piedra. Entre 750 y 1150, los escultores irlandeses que trabajaban en monasterios produjeron una serie de esculturas celtas de la Alta Cruz, que representan el conjunto más significativo de escultura independiente producido entre el colapso del Imperio Romano (c. 450) y el comienzo del Renacimiento italiano (c. 1450). La escultura de la Alta Cruz representa la mayor contribución escultórica de Irlanda a la historia del arte.

Las cruces anulares se dividen en dos grupos principales según el tipo de grabado y relieve. El primer grupo, que data principalmente del siglo IX, está decorado exclusivamente con ornamentos abstractos entrelazados, entrelazados de animales Ultimate La Tene y motivos de llaves y grecas. El segundo grupo consiste en cruces con escenas narrativas del Antiguo y Nuevo Testamento de la Biblia, aunque a menudo están decoradas con volutas carnosas de cuentas, como en la cruz Muiredach del siglo X en Monasterboys.

Se conservan cruces altas en muchos lugares de Irlanda, como Kilfenora en el condado de Clare, Boho y Lisnaskea en el condado de Fermanagh, Castledermot, Mun y Old Kilcullen en el condado de Kildare, Greiguenamanagh, Kilkjeran, Killamery, Kilrie y Ullard en el condado de Kilkenny; Dromiskin, Monasterboys y Termonfekin en el condado de Louth; Kells en el condado de Meath; Clones en el condado de Monaghan; Clonmacnois, Durrow y Kinnitty en el condado de Offaly; Drumcliffe en el condado de Sligo; Ahenny en el condado de Tipperary; Ardbow y Donaghmore en el condado de Tyrone; y Bealin en el condado de Westmeath.

El estancamiento del arte irlandés (c. 1200-1700)

El periodo 1200-1700 fue testigo de muchos desarrollos en Irlanda, pero de poca actividad cultural. Como resultado , el arte irlandés experimentó cinco siglos de estancamiento después de la Edad Media. Las consecuencias de este periodo «muerto», causado principalmente por las ambiciones coloniales de los colonos primero normandos, luego ingleses y más tarde escoceses, no pueden sobrestimarse. Separó a la cultura irlandesa de la influencia del arte renacentista y sumió al país en un estado de aislamiento cultural del que (quizá sólo recientemente) ha salido. En cualquier caso, después del siglo XII Irlanda no hizo ninguna contribución significativa a las bellas artes europeas que pudiera compararse con sus logros anteriores.

5. Pintura: el renacimiento del arte irlandés (1650-1830)

En este periodo se produjeron los primeros brotes verdes de renovación artística. La creciente prosperidad de principios del siglo XVIII propició la creación de una serie de nuevas instituciones culturales, como la Royal Dublin Society (fundada en 1731) y la Royal Irish Academy (fundada en 1785). Al mismo tiempo, a partir de finales del siglo XVII surgieron numerosos artistas de talento. De acuerdo con las exigencias de la época, la actividad principal era la pintura de representación, principalmente retratos y paisajes.

Este auge de las artes continuó en el siglo XIX, con la creación en 1823 de la Royal Hibernian Academy (RHA), la expansión de la Royal Dublin Society (fundada en 1731) y el Crawford College of Art, que contribuyeron a desarrollar la infraestructura de las artes visuales en Irlanda, especialmente formas como la pintura.

El retrato del siglo XVIII
La pintura irlandesa dejó su impronta por primera vez en el género del retrato, que apareció en Irlanda a finales de los siglos XVII y XVIII, unos 50 años antes de la aparición de la pintura de paisaje topográfico. Los primeros retratistas son prácticamente desconocidos, a excepción de Garrett Morphy (c. 1680-1716), que dominó el género a finales del siglo XVII, y del menos conocido Thomas Bate (c. 1690-1700).

Les siguieron Charles Jervas (1675-1739), nacido en Dublín pero residente en Gran Bretaña , destacado retratista irlandés de principios del siglo XVIII, y el influyente James Latham (1696-1747), nacido en Tipperary . James Barry (1741-1806), pintor de Cork, fue otro hábil retratista de la época, al igual que Nathaniel Hone el Viejo (1718-1784), y Hugh Douglas Hamilton (1739-1808), especializado en pasteles y lápices de colores, el miniaturista Horace Hone (1756-1825), el distinguido Martin Archer Shea (1769-1850) y William Mulready (1786-1863), natural del condado de Clare, y otros, muchos de los cuales se vieron obligados a emigrar a Inglaterra para proseguir sus carreras.

Paisajismo del siglo XVIII
Los principales paisajistas irlandeses de este periodo fueron Susanna Drury (n. 1733-70), seguida de John Butts (c. 1728-1764) y George Barrett senior (1732-1784). Entre los artistas influyentes posteriores figuran el efímero Thomas Roberts (1749-78), su hermano romántico Thomas Southall Roberts (c. 1760-1826), el maestro paisajista William Ashford (1746-1824), el pintor y grabador (1746-1824)), el dibujante y grabador James Malton (m. 1803), conocido por sus vistas de Dublín, y la familia Brocas - Henry Brocas el mayor (1762-1837) e hijos Samuel Frederick Brocas (1792-1847) y Henry Brocas el menor (1798-1873).

La influencia de la familia Brocas fue considerable, sobre todo porque dirigió la escuela de paisajismo de la RDS durante la primera mitad del siglo siguiente. (Véase también: Pintores irlandeses del siglo XVIII .)

El renacimiento del arte continuó en el siglo XIX con la fundación de la Royal Hibernian Academy (RHA) en 1823, la ampliación de las instalaciones docentes de la Royal Dublin Society (más tarde transformada en la Dublin Metropolitan School of Art y finalmente en el National College of Art and Design), y la reconstrucción (1830-1884) del Crawford College of Art .) Crawford College of Art (promovido por James Brenan y financiado por el mecenas de Cork William Horatio Crawford) contribuyeron al desarrollo de la infraestructura de las artes visuales en Irlanda, especialmente de artes como la pintura.

6. Emigración de artistas irlandeses (c. 1830-1900)

A pesar del fortalecimiento de la infraestructura artística y del sistema educativo, el arte irlandés del siglo XIX se caracterizó por una emigración constante. Esto se debía a que el mecenazgo era escaso y Londres, con su mercado mucho mayor, sus estudios de arte y su potencial profesional, seguía siendo la meca para los pintores y escultores irlandeses de talento.

Entre los artistas emigrantes se encontraban los escultores Patrick McDowell (1799-1870), John Foley (1818-1874), John Lawlor (1820-1901) y John Hughes (1865-1941), así como el acuarelista Francis Danby (1793-1861) y el pintor histórico y retratista Daniel Macleese (1806-1870). Más tarde les siguieron en Londres retratistas como John Butler Yeats (1839-1922), nacido en el condado de Down, Gerald Festus Kelly (1879-1972), de estilo académico, y William Orpen (1878-1931), que realizaron importantes contribuciones al arte victoriano en una amplia variedad de géneros.

En cambio, muchos de los paisajistas irlandeses más destacados pasaron largas temporadas en Francia, trabajando en Barbizon, cerca de Fontainebleau, o en Pont-Aven y Concarneau, en Bretaña, donde adoptaron las técnicas de pintura plein air de los impresionistas. Entre estos emigrantes «» se encontraban artistas como: Augustus Nicholas Burke (1838-1891), Frank O’Meara (1853-1888), Aloysius O’Kelly (1853-1941), Sir John Lavery (1856-1941), Stanhope Forbes (1857-1947), Henry Jones Thaddeus (1859-1929), Walter Osborne (1859-1903), Joseph Malachi Kavanagh (1856-1918), Richard Toman Moynan (1856-1906), Roderick O’Conor (1860-1940), Norman Garstin (1847-1926) y William Leach (1881-1968). Véase también: Pintura al aire libre en Irlanda .

No se trata de subestimar el talento de los artistas irlandeses nativos que permanecieron en Irlanda (o regresaron del extranjero), pero los terribles efectos de la Gran Hambruna (c. 1845-50), las continuas luchas políticas entre las instituciones artísticas de Londres y Dublín, la relativa falta de encargos en Dublín (por no hablar de Cork, Galway y Limerick) en comparación con las perspectivas comerciales de Londres y el clima de plein air en Francia, supusieron un poderoso incentivo para pintar o esculpir en el extranjero. Estaba surgiendo una escuela propia de pintura irlandesa, pero aún no había alcanzado una masa crítica, por lo que gran parte de la historia del arte irlandés del siglo XIX estuvo marcada por las salidas al extranjero. (Véase también: Artistas irlandeses del siglo XIX .)

7. El crecimiento del arte autóctono (c. 1900-40)

Poco a poco, en torno al cambio de siglo, la beneficiosa influencia de la educación, el crecimiento del mecenazgo dublinés, los esfuerzos de Hugh Lane y la influencia del movimiento de renacimiento del arte celta, Todo ello propició la aparición de una nueva generación de artistas irlandeses nativos como George «AE» Russell (1867-1935), Margaret Clark (1888-1961), Sean Keating (1889-1977), James Sinton Sleator (1889-1950), Leo Whelan (1892-1956) y Maurice McGonigal (1900-1979). Este grupo, junto con los escultores John Foley y Oliver Sheppard (1864-1941), que regresaron del exilio, los pintores Richard Toman Moynan (1856-1906), el paisajista Paul Henry, el expresionista Jack B. Yeats (1871-1957) y el retratista William Orpen (1878-1931), que regresaba regularmente para enseñar en la Escuela Metropolitana de Arte de Dublín, formaron el núcleo de un activo cuerpo de artistas locales.

A ellos hay que añadir una generación más joven de pintores irlandeses con una perspectiva internacional más amplia, como Mary Swanzy (1882-1978), Maini Jellett (1897-1944) y Evie Hawn (1894-1955), que en esta época llevaron el cubismo y otras formas de arte abstracto a Irlanda, formando en el proceso la vanguardista Sociedad de Artistas de Dublín . Más tarde se unió al grupo el brillante francófilo Louis le Brocquy (1916-2012).

El arte irlandés del siglo XX se desarrolló aún más con la creación de la Galería de Arte Moderno de Hugh Lane (1908) y la aparición de un Estado irlandés independiente a principios de la década de 1920. Sin embargo, aunque la independencia supuso un aumento del mecenazgo estatal para algunos escultores y pintores, no desencadenó un renacimiento general de las artes visuales. Hubo menos oportunidades creativas, por ejemplo, en la escultura irlandesa: John Foley (1818-1874) y más tarde Albert Power (1881-1945) y Seamus Murphy (1907-1975) se dedicaron por completo a las estatuas y bustos tradicionales de personajes destacados de la época, más que a la creatividad individual.

Las cosas no fueron mejor en las artes decorativas. Por ejemplo, en el campo de las vidrieras, a pesar de los esfuerzos creativos individuales de Harry Clarke (1889-1931), Sarah Purser (1848-43) y Evie Hawn (1894-1955), el estrecho de miras del gobierno irlandés no les prestó ninguna ayuda, llegando incluso a rechazar algunas de las mejores obras de Clarke por su excesiva «modernidad».

Además, durante las dos décadas posteriores a la independencia, el poder en el estamento artístico irlandés, sobre todo en el comité directivo de la Royal Hibernian Academy, perteneció a una falange conservadora de tradicionalistas -procedentes casi exclusivamente de artistas irlandeses nativos- que se resistieron a todos los intentos por parte de opiniones más amplias de adaptar el arte irlandés a los estilos europeos de pintura y escultura del siglo XX. Este periodo terminó con la Segunda Guerra Mundial, cuando la cuestión de la modernización pasó a primer plano.

8. Exposición irlandesa de arte vivo (1943)

Los funestos años cuarenta fueron testigos del declive no sólo creativo sino también material de las artes visuales irlandesas. No sólo escaseaba el mecenazgo, sino que la conservadora clase dirigente artística irlandesa, representada por la Royal Hibernian Academy (RHA), parecía incapaz de aceptar las tendencias artísticas europeas: fauvismo, cubismo, dadaísmo y surrealismo. Y como controlaban la composición de la exposición anual de la RHA (la principal muestra de pintores y escultores profesionales de Irlanda), podían rechazar las obras que no encajaban en su idea tradicionalista de lo que debía ser el arte, un planteamiento al que se oponían seriamente los modernistas.

Los conservadores no ignoraban la evolución europea de la pintura y la escultura, pero no les gustaba lo que veían y esperaban que pasara y el arte volviera a las tradiciones representativas del Renacimiento. Desgraciadamente, el rigor con el que impusieron este punto de vista minó su valor.

Por ejemplo, la Galería de Arte Moderno de Hugh Lane casi nunca aceptaba obras posteriores a la época de Jean Baptiste Corot (1796-1875): un cuadro de Rouault, por ejemplo, era rechazado por sacrílego y una escultura de Henry Moore por obscena. Los modernistas, en cambio, no pretendían romper con la tradición, sino trascenderla.

La lucha entre tradicionalistas y modernistas estalló en 1942 tras un flagrante ataque a la RHA por parte de Meinie Jellett, que hizo que el comité de selección rechazara «El chal español» de Louis le Brocquy y otras numerosas obras modernas.

Otra provocación fue el rechazo de la exposición de la galería dublinesa Hugh Lane «Cristo y el soldado» de Rouault en 1942. Como consecuencia, al año siguiente varios artistas dublineses (en su mayoría de clase media alta) se unieron y organizaron la Irish Exhibition of Living Art (IELA), un nuevo foro anual para pintores y escultores que discrepaban de la «miope» visión de la Royal Hibernian Academy. Su misión declarada era poner a disposición del público un estudio exhaustivo de obras significativas, independientemente de la escuela o la manera, de artistas irlandeses vivos».

Los principales organizadores de la IELA fueron Mainie Jellett (1897-1944), Evie Hawn (1894-1955), Fr Jack Hanlon (1913-1968), Nora McGuinness (1901-1980), Louis le Brocchi (n. 1916) y Margaret Clark (1888-1961). Entre sus seguidores posteriores figuran Patrick Scott (n. 1921), Tony O’Malley (1913-2003), Camilla Souter (n. 1929), Barry Cook (n. 1931), etc.

Las exposiciones de la IELA aportaron algo de vitalidad visual a un Dublín sombrío en tiempos de guerra y supusieron una alternativa bienvenida a las exposiciones más conservadoras de la RHA. Dicho esto, muchos artistas irlandeses participaron en ambas exposiciones. No obstante, cada una presentaba puntos de vista diferentes. La RHA mantenía «la tradición», mientras que la IELA estaba abierta a todas las nuevas tendencias.

No obstante, la creación de IELA no fue una revolución bolchevique. Había un pequeño número de organizaciones importantes dentro del reducido mundo artístico dublinés, como la Royal Hibernian Academy, los Amigos de las Colecciones Nacionales, la Fundación Haverty, el Comité Asesor de Arte de la Galería Municipal, la Irish Living Art Exhibition y otras. Tanto conservadores como modernistas convivían relativamente bien en los mismos comités. Además, el IELA era muy consciente de que sus objetivos serían inalcanzables sin la cooperación del National College of Art y de la dominante RHA, así como sin la buena voluntad del Director de la National Gallery y del Presidente de la RHA. Por el contrario, la aparición de la IELA debe considerarse como una afirmación de la necesidad de que Irlanda adopte una concepción más amplia del arte en lugar de definirlo únicamente por sus raíces culturales. En cierto sentido, permitió sacar el gato del agua. Ahora, por ejemplo, los artistas podían estudiar arte abstracto sin ser acusados de blasfemia. En este sentido, la IELA fue un paso decisivo en el desarrollo de la escuela irlandesa.

9. Arte irlandés contemporáneo (1943-presente)

A pesar de su amplitud de miras, el arte irlandés de las cuatro décadas de posguerra estuvo más influido por los acontecimientos económicos y políticos internos que por cualquier otra cosa del mundo artístico internacional. Los sombríos años cincuenta provocaron una mayor emigración de artistas, y la revitalización de mediados de los sesenta se desvaneció rápidamente con el inicio «de los Problemas» en el Norte, en los años setenta y ochenta, cuando la política pasó a dominar los titulares.

Sin embargo, la siguiente generación, que alcanzó la madurez a mediados de los 60, estaba más abierta a los acontecimientos internacionales. También se beneficiaron de las actividades de una serie de nuevas organizaciones artísticas irlandesas . Por ejemplo, el Arts Council (An Chomhairle Ealaion), fundado en 1951, se encargaba de la adquisición de obras de artistas irlandeses y de la concesión de becas, al igual que su organismo hermano en el norte, el Consejo para el Fomento de la Música y las Artes (CEMA), actualmente denominado Consejo de las Artes de Irlanda del Norte; la Fundación Haverty concedía premios en metálico, las Medallas de Oro Douglas Hyde del Oireachtas, los generosos Premios Carroll por obras en exposiciones del IELA y concursos abiertos en Belfast; se organizaban exposiciones en Londres y (a partir de 1967) exposiciones Rosk en el RDS.

Royal Hibernian Academy y Royal Ulster Academy han mostrado constantemente el talento de los artistas locales. La Hugh Lane Gallery (que por fin se ha convertido en una verdadera galería de arte contemporáneo), la National Gallery, el Ulster Museum of Fine Arts, y galerías de arte irlandesas pioneras , como la Dawson Gallery y la David Hendricks Gallery, dieron a conocer a artistas internacionales; pintores y escultores irlandeses fueron seleccionados para bienales en Venecia, París… y ganaron premios.

Años setenta
La tendencia de los años setenta hacia el arte posmoderno se reflejó en Irlanda en forma de cambios en la principal escuela de arte del país, la Dublin Metropolitan School of Art, conocida entonces como National College of Art and Design (NCAD) . Se introdujeron principios pedagógicos y planes de estudio más modernos y la supervisión pasó a manos de un consejo (An Brd) nombrado por el Ministro de Educación y Ciencia. Con el tiempo, la NCAD asumió un papel destacado en la promoción de las artes visuales contemporáneas, como la instalación, el vídeo, la performance y diversas formas de arte conceptual. Con ello, las artes visuales tradicionales quedaron relegadas a un segundo plano.

Al mismo tiempo, en 1973, el comité directivo de la IELA decidió delegar poderes en un comité totalmente nuevo formado por artistas jóvenes con el fin de mantener la influencia contemporánea de la organización. La artesanía irlandesa también recibió una actualización con la creación en 1971 del Crafts Council of Ireland (Consejo de Artesanía de Irlanda) .

Década de 1980
En la década de 1980, el arte irlandés había digerido gran parte de la teoría artística moderna, incluida la refutación de las nociones tradicionalistas de que un cuadro o una estatua deben tener un tema reconocible, que este tema debe presentarse de forma que no distorsione la realidad y que la belleza debe ser el objetivo.

Al mismo tiempo, la idea posmodernista de que una obra de arte permanente ya no es necesaria: igual de importante (si no más) «es la idea» subyacente. E incluso las formas tradicionales de la pintura y la escultura se estaban volviendo menos «estéticas», más didácticas y más satíricas. En resumen, mientras que en las décadas de 1920 y 1930 los artistas irlandeses de vanguardia habían luchado para que se reconocieran sus ideas vanguardistas y abstractas y los tradicionalistas controlaban el establishment artístico, ahora la situación era completamente al revés. Los vanguardistas controlaban ahora el NCAD, así como una serie de comités clave en la infraestructura de las artes y los medios de comunicación.

Otros acontecimientos de la década de 1980 incluidos: Colección Nacional de Autorretratos (1980); la formación de la Sociedad de Escultores de Irlanda (1980) (ahora Artistas Visuales de Irlanda); la fundación de Aosdana (1981), un grupo de artistas de élite en Irlanda; CIRCA (1981), la principal revista de artes visuales contemporáneas de Irlanda; Fábrica Nacional de Escultura (NSF) en Cork en 1989.

Década de 1990
La década de 1990 estuvo marcada por el auge económico «Tigre Celta», que supuso un aumento significativo del presupuesto para las artes. En 1990 se fundó el Museo Irlandés de Arte Moderno (IMMA), sucesor de la Galería Hugh Lane (más conocida como Galería Metropolitana de Arte Moderno de Dublín), y en 1997 el Ministerio de Arte creó el programa Per Cent for Art para recaudar fondos para las artes visuales en Irlanda. También se elaboraron planes para otras dos nuevas galerías, la Galería Naughton de la Universidad Queens de Belfast (terminada en 2001) y la Galería Lewis Glucksman del University College Cork (terminada en 2004). En 2005 se creó la organización «Culture Ireland» (Cultúr Na hÉireann), un organismo dedicado a la promoción del arte y la cultura irlandeses en el extranjero.

Algunas reflexiones sobre los estilos y temas del arte irlandés

No solemos analizar la música. O nos gusta su sonido o no. Pero si juzgamos un cuadro sólo por su apariencia, se nos acusa de ser (en el mejor de los casos) filisteos o (en el peor) idiotas. Tenemos que parecer especialmente entendidos, lo cual es una pena porque no lo somos. Y para demostrarlo, he aquí algunas reflexiones sobre el arte irlandés de mediados del siglo XX en adelante. Al menos nos da la oportunidad de mencionar a algunos grandes artistas.

Nunca ha habido un estilo definido en la pintura y la escultura irlandesas. Es cierto que ciertos paisajes, figuras humanas y héroes nacionales llaman regularmente la atención, pero es difícil encontrar algo en común entre (digamos) Paul Henry, Francis Bacon, William Orpen y Sean Scully. Lo más que podemos hacer es identificar ciertos enfoques y los artistas asociados a ellos.

Arte abstracto
La abstracción, un estilo artístico que cobró considerable impulso tras la formación de la IELA, es bien evidente en las obras monumentales de Sean Scully (n. 1945), la abstracción geométrica de Francis Tansey (n. 1959), Patrick Scott y Cecil King, los paisajes de Tony O’Malley (1913-2003) y Patrick Collins (1910-1994), y las naturalezas muertas de William Scott (1913-1989). En la escultura irlandesa, ejemplos de abstracción son las formas de acero inoxidable de Alexandra Weichert (1921-1995) y las obras semiabstractas de Conor Fallon (1939-2007).

Arte representacional
El representacionalismo, que durante gran parte del periodo fue su «hermano pobre», se mantiene con éxito en la obra de los artistas académicos Niccolo D’Ardia Caracciola (1941-1989) y Martin Mooney (n. 1960), los maestros de la naturaleza muerta James English (n. 1960) y otros), los maestros de la naturaleza muerta James English (n. 1946) y Mark O’Neill (n. 1963), el retratista Edward Maguire, el fotorrealista John Doherty (n. 1949) y el virtuoso de la hípica Peter Curling (n. 1955). La pintura de representación en Irlanda .

Recientemente, este arte ha cobrado nueva vida gracias a artistas contemporáneos como el retratista David Nolan (nacido en 1966), el pintor clásico Conor Walton (nacido en 1970) y los destacados pintores plein air Norman Teeling (nacido en 1944), John Morris (nacido en 1959), Paul Kelly (nacido en 1968) y Henry McGrane (nacido en 1969). En la escultura irlandesa, son ejemplos de realismo las obras contemporáneas en bronce de Rowan Gillespie (nacido en 1953).

Primitivismo
En comparación, se aprecia un enfoque más informal en las obras de Daniel O’Neill (1920-1974) y Gerard Dillon (1916-1971), que trabajaron con un lenguaje compositivo más informal, a menudo mezclando formas y composiciones ingenuas con color y comentarios.

Romanticismo
El romanticismo -llámese nostalgia, heroísmo, tragedia o lo que sea- fue un elemento importante en muchos cuadros irlandeses, inspirando a artistas tan diversos como Paul Henry, Brian Bourke (n. 1936) y John Doherty (n. 1949). Incluso los elementalistas Huey O’Donoghue (1953) y Donald Teskey (1956) me parecen románticos de corazón.

La serie «de retratos» de Louis le Brocquy con figuras del pasado histórico y literario de Irlanda eran especialmente heroicos, al igual que los cuadros de Robert Ballach sobre republicanos irlandeses.

Nacionalismo
Si el irlandismo dominó la obra de Jack B. Yeats, el nacionalismo político fue una característica clave del cuadro de Michel Farrell «Madonna of Ireland» (1977), que presentaba una imagen de una Irlanda prostituida y corrompida por la continua división y un sentimiento de servilismo cultural. Al mismo tiempo, «Distemper» se reflejaba en las obras de David Crone, Rita Duffy, Brian O’Doherty, Dermot Seymour, y en la impactante escultura de Deborah Brown y F.E. McWilliam (1909-1992).

La escultura nacional incluye el arte gaélico de Albert Power (1881-1945) y las nostálgicas figuras de Eamonn O’Doherty, así como la cantería religiosa del maestro de Cork Seamus Murphy (1907-1975).

Otros estilos
El colorismo está bellamente representado por Brian Ballard (n. 1943) y Marja Van Kampen (n. 1949); el impresionismo por Arthur Maderson (n. 1942); el surrealismo por Colin Middleton (1910-1983) y el arte pop por Robert Ballach (n. 1943). De los estilos contemporáneos, cabe destacar la obra figurativa de Graham Knattell (n. 1954) y Colin Davidson (n. 1968), uno de los mejores pintores de género irlandeses contemporáneos . Otros artistas de mediados del siglo XX también desafían la categorización, entre ellos el talentoso Basil Blackshaw (nacido en 1932).

10. El arte irlandés del siglo XXI

Con el cambio de siglo , el mercado del arte irlandés alcanzó nuevas cotas. Aunque el valor comercial de las obras de los principales artistas irlandeses había aumentado considerablemente en la década de 1990, en el nuevo milenio Francis Bacon batió el récord mundial de la obra de arte contemporáneo más cara (su «Tríptico» de 1976 se vendió por 86,3 millones de dólares en una subasta de Sothebys en Nueva York en 2008), y otros seis artistas irlandeses superaron la barrera del millón de euros:

Estos récords reflejan un sorprendente pero evidente grado de confianza en el valor del arte irlandés y aumentan significativamente el valor de mercado de artistas menos conocidos. Con Sothebys ya establecida en Dublín, así como casas de subastas locales como Adams, deVeres y Wytes y otras, la ciudad se convirtió en un importante destino para la pintura y la escultura irlandesas, que, al igual que los precios de la vivienda, parecían desafiar a la gravedad.

Al mismo tiempo, la industria del arte en la isla de Irlanda -miles de personas empleadas por dos departamentos gubernamentales, dos Consejos de las Artes, otras numerosas organizaciones y revistas gubernamentales o patrocinadas por el Estado, grupos de artistas como Aosdana y Visual Artists Ireland, y una amplia red de museos nacionales, centros de arte y galerías comerciales- siguió expandiéndose para satisfacer el aumento de la demanda.

Desgraciadamente, en 2008 «la burbuja» estalló, dejando el renacimiento cultural de Irlanda bajo una grave presión financiera causada por la reciente recesión mundial. En la actualidad, se calcula que el 83% de los artistas irlandeses siguen dependiendo de los ingresos de sus parejas, y es probable que la situación empeore con el recorte del 18,5% del actual presupuesto para las artes. A pesar de ello, con responsables artísticos a tiempo completo en casi todos los 32 condados de Irlanda, presupuestos multimillonarios y un talentoso plantel de artistas irlandeses contemporáneos, el futuro a largo plazo de las artes irlandesas no parece más halagüeño, al menos en comparación con épocas anteriores de emigración y dificultades económicas.

En cualquier caso, conviene recordar que el éxito del desarrollo de las artes visuales (en Irlanda o en cualquier otro lugar), aunque esté vinculado a la prosperidad financiera, rara vez viene determinado por ella. Puede que la dinastía de los Médicis financiara el Renacimiento italiano en Florencia, pero su dinero habría sido inútil sin el talento de Brunelleschi, Donatello, Mazaccio y otros. El futuro del arte irlandés está, pues, como siempre, en manos de sus artistas, profesores y estudiantes. ¿Conseguirán producir obras de arte relevantes que interesen al gran público? ¿Serán capaces de preservar (y ojalá mejorar) las grandes tradiciones de la pintura y la escultura occidentales?

Una cosa es cierta. Si las facultades de arte irlandesas ponen demasiado énfasis en la creatividad subjetiva «» -y las recientes exposiciones de graduados no inspiran optimismo a este respecto-, es probable que perdamos la base de habilidades esencial necesaria para producir obras de arte duraderas. El arte efímero (en el que el producto acabado se valora menos que la idea que lo sustenta) puede estar de moda en los círculos artísticos e incluso puede resonar en un público drogado por programas de televisión como «Gran Hermano», pero no tiene valor duradero. Al fin y al cabo, la cultura y la civilización no se juzgan por las ideas brillantes que tuvieron, sino por lo que dejaron tras de sí.