Arte de joyería: historia, técnicas de orfebrería Traductor traducir

Contenido

El arte del orfebre
Un trabajador metalúrgico especializado
en la elaboración de oro y preciosos
Metales es conocido como orfebre.
Tradicionalmente, los orfebres tienen
También trabajó con plata, platino,
aleaciones como bronce, cobre, plomo,
y hierro, así como piedras preciosas.
Orfebrería incluye archivo,
soldadura, aserrado, fundición,
fundición, pulido de una gama de
metales preciosos, habilidades que
solía ser adquirido a través de
aprendizajes en talleres
dirigido por orfebres practicantes.
Hoy, muchos estudiantes entrenan en
Joyería Escuelas de arte dedicadas
a la orfebrería, y preciosa
Fabricación de artes metálicas. Otro
principales universidades de artes, como el
L’Ecole des Arts Decoratifs en
París, también juega un importante
Rol educativo. Famoso
los orfebres incluyen: Lorenzo
Ghiberti, Sandro Botticelli,
Luca Della Robbia, Antonio
Pollaiuolo, Del Verrocchio,
Benvenuto Cellini, Posier,
Nicholas Hilliard, René Lalique,
Gustav y Peter Carl Fabergé.

Introducción

Considerado a ser arte decorativa , la joyería es una de las categorías más antiguas de piedras preciosas metalistería . Hay muchos tipos diferentes de joyas, que incluyen: coronas, tiaras, collares, aretes, amuletos, pulseras, anillos, tachuelas, broches, torques, cadenas, alfileres de corbata, alfileres para el sombrero, horquillas, hebillas de cinturón y calzado, pulseras de tobillo y Anillos para los pies. Hecho por orfebres, así como por otros maestros artesanos como plateros, gemólogos, talladores / engastadores de diamantes y lapidarios, la joyería es apreciada tanto por sus estética y el valor de sus componentes, que generalmente incluyen oro o plata, y una variedad de piedras preciosas y semipreciosas. Tales adornos decorativos se hicieron por primera vez en tiempos prehistóricos, como lo confirman las pinturas rupestres que muestran figuras con collares y pulseras, y desde entonces se han convertido en una característica habitual de la mayoría de las culturas a lo largo de los siglos. Un tipo importante de Arte egipcio así como los más nómadas Cultura celta , la joyería era una característica del arte bizantino en la Kiev medieval, Arte africano en todo el continente oscuro, Arte oceánico a través del Pacífico y la cultura azteca e inca en las Américas. De hecho, joyas – como pintura corporal y pintura de la cara – ha sido un elemento fundamental de arte tribal por milenios Las joyas también se han utilizado para adornar armas, así como objetos ceremoniales y religiosos. Durante la era del arte moderno, movimientos como Art Nouveau y luego Arte deco , inspiró nuevas gamas de joyas decorativas, mientras que varios artistas famosos incursionaron en la joyería diseño incluyendo: Picasso, el escultor Alexander Calder, los surrealistas Meret Oppenheim y Salvador Dali, y la artista de ensamblaje Louise Nevelson. Entre los joyeros más famosos se encuentran Fabergé de Rusia, Tiffany & Co de Nueva York y René Lalique y Cartier de París.

Materiales de joyería

Uno de los mas caros tipos de arte , los componentes básicos de la joyería incluyen láminas de metal, metal fundido en un molde y alambre. El metal más utilizado es el oro, debido a su maleabilidad, ductilidad, color y valor. Las láminas de oro se pueden grabar en forma, o presionar o perforar en formas decorativas, mientras que el alambre de oro a menudo se emplea para unir joyas o hacer cadenas. Los metales preciosos menos costosos utilizados en la fabricación de joyas incluyen plata y platino, así como aleaciones como el bronce y metales no preciosos como el cobre y el acero.

Además de los metales, otros materiales utilizados en el arte de la fabricación de joyas incluyen piedras preciosas y semipreciosas. Los diamantes son tradicionalmente las gemas más apreciadas, y varían en color de amarillo a blanco azulado. Otras piedras preciosas son los rubíes (rojo), las esmeraldas (verde) y los zafiros (azul), además del topacio de crisoberilo (amarillo / verde) menos costoso (amarillo / azul) y el circón (marrón / translúcido). Las perlas, aunque de origen animal en lugar de minerales, también se consideran piedras preciosas. Las piedras semipreciosas populares utilizadas por los diseñadores de joyas incluyen: amatista (violeta / púrpura), granate (rojo oscuro), ópalo (blanco lechoso), aguamarina (azul / verde), jade (verde), lapislázuli (azul), malaquita (verde brillante). Otro material importante utilizado para crear recubrimientos es el vidrio fundido o el esmalte.

Todos estos componentes se configuran en la forma y forma deseadas mediante el uso de técnicas, realizadas con la ayuda de herramientas.

Técnicas de joyería

Las técnicas de trabajo en metal más comunes utilizadas por orfebres, plateros y lapidarios para crear joyas, incluyen fundición, corte, soldadura o soldadura y unión en frío (el uso de grapas y remaches para ensamblar piezas). Las técnicas decorativas más avanzadas incluyen gofrado, repujado, grabado, esmaltado (los tipos incluyen champlevé, cloisonné, basse taille, plique-à-jour) granulación y decoración de filigrana. Cuando se trata de cortar piedras, las gemas se pueden cortar para crear diseños incisos / grabados en las mismas piedras, o se pueden cortar (de piedras abigarradas como ónix o ágata) para hacer cameos.

Realce

Este es un proceso utilizado para crear diseños elevados o hundidos en una lámina de metal. Un tipo popular de estampado es Repoussé, una técnica en la que se forma una lámina de metal maleable martillando desde el reverso para crear un diseño en bajo relieve. Otra técnica de estampado relacionada se conoce como Chasing. Esta es la técnica opuesta al repousse, ya que si bien el repousse funciona en el reverso de la lámina metálica para crear un patrón elevado en el frente, la persecución se usa para crear diseños en el frente de la hoja al hundir la superficie del metal.

Esmaltado

La técnica tradicional del orfebre de esmaltado , que se remonta al arte romano tardío y temprano bizantino, implica el recubrimiento de metal con esmalte vítreo (esmalte de porcelana), un material hecho de vidrio fundido que se endurece hasta obtener un recubrimiento liso y duradero. El esmalte puede ser transparente, opaco o translúcido, mientras que se puede agregar una amplia gama de diferentes colores y matices al vidrio fundido mezclándolo con varios minerales, como los óxidos metálicos cobalto, hierro, neodimio, praseodimio y otros.

Champlevé

El nombre de la palabra francesa para "campo elevado", esmaltado champlevé es una técnica antigua diseñada para agregar color y brillo a las joyas de metal, en la que los canales se hunden en la superficie de un objeto de metal, se llenan de esmalte vítreo y se disparan. Cuando se enfría, la superficie del objeto se pule para crear un brillo extra. El método fue explotado por primera vez por orfebres románicos, en la ornamentación de placas, ataúdes y vasijas, como lo demuestra el tríptico Stavelot.

Tabicado

Más difícil que champlevé, Tabicado Es otro tipo de proceso de esmaltado. Mientras que champlevé crea compartimientos hundidos de esmaltes decorativos, los esmaltadores de cloisonné sueldan tiras de metal planas (o alambres de plata / oro) en la superficie del objeto metálico, creando compartimentos de paredes pequeñas (cloisons, en francés) que luego se llenan de esmalte y se calientan.

Basse-Taille

Otro método más de trabajo del esmalte, es similar al cloisonné, excepto que los pisos de los ’compartimentos’ están grabados con un diseño de bajo relieve. Los compartimentos se llenan con esmalte translúcido que permite ver el diseño a través de él. Un excelente ejemplo de la técnica es la Royal Gold Cup francesa (siglo XIV), realizada durante la época de Arte gótico internacional .

Plique-à-jour

Esta técnica de orfebrería también es similar al cloisonné, pero los compartimentos creados no tienen respaldo. (Se elimina un respaldo temporal una vez que el esmalte se ha enfriado después de ser disparado). Esto permite que la luz brille a través de los esmaltes transparentes utilizados, de la manera Vitral . Plique-à-jour es una técnica notoriamente difícil y lenta con una alta tasa de fallas.

Niel

Inventado por los egipcios y utilizado por los romanos, Niello es una técnica decorativa utilizada por orfebres y plateros en la que una mezcla negra de azufre, cobre, plata o plomo actúa como una incrustación para diseños grabados en la superficie de un objeto metálico (generalmente plata). Los objetos decorados de esta manera se conocen como nielli. La técnica alcanzó su cenit en Arte renacentista temprano , a manos del orfebre florentino Maso Finiguerra (1426-64).

Historia de la fabricación de joyas
Ver también Historia del Arte

Historia temprana

Aunque las joyas se originaron durante Cultura paleolítica , los ejemplos más antiguos que sobreviven son los excavados en la tumba real de la Reina Pu-abi en Ur, en Sumeria, que data del Tercer Milenio AEC. (Ver también: Arte mesopotámico y Escultura Mesopotámica .)

Otras piezas tempranas incluyen las tomadas de la tumba del rey Tutankamón (c. 1320 a. C.). Las joyas eran un elemento importante en Cultura minoica y después Arte griego , cuya influencia y estilos impregnaron todo el Mediterráneo oriental, especialmente durante la era de Cultura helenística – inspirador diseño de joyas en Arte etrusco (Continente italiano), así como la región del Mar Negro. Los artistas helenísticos, que lograron un dominio completo de los diseños en miniatura, fueron influenciados a su vez por Arte persa antiguo , tras la derrota del emperador Darío por Alejandro Magno.

A medida que el poder político griego disminuía (300-200 aC), La cultura celta la Tene – en particular artículos de joyería personal – comenzó a penetrar desde Europa central en Francia, Italia y Ucrania. Durante la Pax Romana , el uso de joyas se generalizó, ya que Roma se convirtió en un centro para talleres de orfebrería. En las provincias romanas de Europa occidental, se produjo un renacimiento de la artesanía celta, ejemplificada por el Corona de petrie – creado utilizando el método de repoussé durante el período 200-100 aC – y el exquisito Collar de oro más amplio (torc), creado durante el siglo I a. C.

Arte celta generalmente se refiere a las obras de los antiguos celtas, creados durante la cultura Hallstatt (c.800-450 aC) o la cultura La Tene (c.450-50 aC): más tarde Arte celta metalistería , incluida la bella Tara Broche (plata dorada con un alambre plateado tejido, decorado con intrincados celtas entrelazados), se clasifica como "arte insular" de la Gran Bretaña e Irlanda medieval. Otras obras de arte con joyas de esta era Hiberno-Sajona incluyen la eclesiástica manuscritos iluminados y tesoros como el Sutton Hoo Belt Buckle, fabricado en el siglo VII, que destaca por sus afinidades con la joyería y los patrones de estilo celta. (Ver también: Arte celta de la joyería .) Para otros ejemplos de Iluminación de manuscritos medievales que requiere ornamentación de joyas, ver: Manuscritos románicos iluminados (1000-1150) y Manuscritos góticos iluminados (1150-1350).

Se hicieron muy pocas joyas durante la Edad Media en Europa, a excepción de los artículos creados durante la era de Arte bizantino (c.500-1450), centrado en Constantinopla. En contraste con los romanos y las tribus como los celtas y los francos, los diseñadores bizantinos emplearon hojas de oro en lugar de oro macizo, y pusieron mayor énfasis en las piedras y gemas. En Kiev, durante el período c.950-1237, la orfebrería en general y el arte del cloisonné y el niello en particular fueron llevados a nuevas alturas por los orfebres bizantinos. Se puede ver una gran colección de joyas y otros objetos preciosos en el Museo de Tesoros Históricos de Ucrania, en Kiev.

Otra escuela regional influyente de metalistería románica fue la escuela de Arte mosan que creció en el valle del río Mosa en Bélgica, durante los siglos XI, XII y XIII. Centrados en el obispado de Lieja, a los orfebres de Mosan les gusta Nicolás de Verdún (c.1156–1232) y Godefroid de Claire (c.1100-73) demostró un dominio absoluto del esmaltado, incluido el champlevé y el cloisonné .

En la época del Renacimiento italiano, la fabricación de joyas en Europa había alcanzado el estatus de un arte fino .

El renacimiento (c.1400-1600)

Italia

La riqueza de la inspiración que Arte renacentista Traído a Europa al final del quattrocento (siglo XV) y al comienzo del cinquecento (siglo XVI) tuvo una profunda influencia en el arte de la joyería. La nueva estética vino de Italia, el verdadero hogar del amor por lo antiguo. Esto se refleja fielmente en las joyas de la época; y cuando uno recuerda que los talleres, el botteghe , de los orfebres eran las escuelas donde algunos de los más grandes practicantes del arte renacentista recibieron su capacitación, es fácil explicar la belleza y la calidad de las joyas producidas.

Lorenzo Ghiberti (1380-1455) había comenzado su carrera como orfebre, antes de finales del siglo XIV; después de él vino Sandro Botticelli (1445-1510) Antonio Pollaiuolo (1432-98), Luca Della Robbia (1400-1482) y Andrea del Verrocchio (1435-1488), todos entrenados como orfebres. En Alemania, Albrecht Durer (1471-1528) era hijo de un orfebre. Así es que en el arte de retrato En la mayoría de los casos, las joyas se representan con mucho cuidado y afecto y comprensión.

Las modas se extendieron desde Italia a través de Europa con mucha rapidez, y en pocos años el tema de la decoración había cambiado completamente; ninfas, sátiros y diosas olímpicas invadieron cortes y grandes mansiones principescas con su seducción pagana.

Las placas grabadas ocupan una posición de marcada importancia en medio de esta actividad exuberante. Un pintor como Hans Holbein (1497-1543) y un arquitecto del calibre de Jacques Androuet du Cerceau, no desdeñaron, crear diseños para joyas; y otros artistas en adornos, algunos de ellos también orfebres, hicieron lo mismo. Los dibujos de Virgil Solis (c.1540) de Nuremberg, de Hans Mielich (c.1570) de Munich, de Etienne Delaune (c.1560) en Francia, de Erasmus Hornick (1562) de Nuremberg dan testimonio de la existencia de lo que podría llamarse un estilo internacional, y de hecho hay similitudes tan fuertes entre las joyas de este período que a veces es casi imposible establecer con precisión su origen. El problema se vuelve aún más difícil cuando se trata de identificar al orfebre que los hizo. Los documentos contemporáneos mencionan a muchos orfebres, pero en su mayor parte no son más que nombres para nosotros. En este contexto, es de notar que ninguna joya puede identificarse definitivamente como el trabajo de Benvenuto Cellini (1500-71), considerado ahora el artista más famoso de su época en esta esfera en particular. Solo poseemos las descripciones que el maestro ha dejado en sus escritos y autobiografía. Esos muestran que Cellini le dio mucha más importancia a su lavori di minuteria , para los altares o mesas principescas en oro, que a las joyas en el sentido estricto de la palabra.

Un punto que se destaca claramente en las piezas que nos han llegado, es que las piedras preciosas desempeñaron un papel accesorio en relación con el uso de oro esmaltado. Además de esto, las piedras muestran poca variedad en el corte; las piedras de colores se cortan con frecuencia en la mesa, planas, en cabujón , redondeadas, sin facetas y pulidas. Los diamantes generalmente se cortaban como pirámides en punta , corte plano o dos d’ane redondeado (lomo de burro). Cortados de esta manera, apenas podían mostrar el fuego por el que son famosos.

Entre las piezas de joyería conservadas de esta época, las más numerosas son los enseignes , un tipo de medallón usado por los hombres en el sombrero y los colgantes que se usaban en el pecho o como el adorno central de cadenas y collares. El retrato de una mujer desconocida , del gran pintor veneciano Tintoretto (1518-94) nos da una idea de cómo se usaban.

El conjunto tradicionalmente perseguido por Ghiberti para Cosimo de ’Medici, parece ser de una fecha posterior (nota: "perseguir" es un tipo de esmaltado); El interés en la pieza consiste principalmente en la naturaleza muy escultórica del centro del medallón que representa a San Juan en el Desierto. Esta tendencia es nuevamente evidente en el conjunto que muestra a San Juan Evangelista, en el que la composición es a gran escala considerando las pequeñas dimensiones de la pieza. Otro conjunto es nada menos que un minuto bajorrelieve de oro; La escena de la batalla se maneja con temple y virtuosismo. En algunas otras obras, el esmalte ocupa un lugar más grande, cubriendo parcialmente motivos y figuras, trayendo consigo un elemento atractivo de color, pero minimizando la buena calidad de la persecución. Este es el caso del conjunto que se dice que perteneció a Don Juan de Austria, que retrata la Conversión de San Pablo; La profusión de figuras y los efectos de la perspectiva dan testimonio de una cierta torpeza de diseño.

Simplemente en virtud de su forma, los conjuntos tienden a la monotonía, pero los colgantes dan testimonio de una encantadora riqueza de la invención. En el reverso de uno, Apolo y Daphne se pueden ver en medio de una abundancia de follaje entrelazado, entre el cual las sirenas, los niños y los guerreros brincan y giran. La combinación ricamente policromática de diferentes esmaltes le da a la pieza alegría y un efecto sorprendente. Tanto los diseñadores ornamentales como los orfebres recibieron, desde la antigüedad, una fuente de inspiración de la que ambos se beneficiaron enormemente, pero las joyas que datan de las épocas griega o romana eran, en el siglo XVI, prácticamente desconocidas, y no podían servir como modelos, con la excepción de algunos cameos antiguos, atesorados durante la Edad Media, que no solo fueron coleccionados celosamente sino también imitados.

La moda de los retratos de cameo se extendió rápidamente. Además, los orfebres ofrecían a los príncipes y cabezas coronadas imágenes que no estaban grabadas, como lo habían estado los cameos; Un conjunto que muestra a Carlos V, fechado en 1520, forjado en esmalte sobre oro, es una pieza de técnica virtuosa. Con mayor frecuencia, el perfil, como el que se encuentra en las medallas, es de oro que descansa sobre un suelo de piedra dura; el de Carlos V copiado de una medalla de Leoni, se destaca contra una placa de piedra de sangre en una carcasa de lapislázuli.

Para nuestros ojos modernos, estas piezas parecen objetos de coleccionista, que, de hecho, se han convertido, en lugar de joyas hechas para ser usadas; Sin embargo, se mezclaron perfectamente con el suntuoso vestido de moda en las cortes italianas durante el siglo XVI.

El retrato de Leonor de Toledo, esposa de Cosimo de ’Medici, por Agnolo Bronzino (1503-72), revela un sabor que, aunque austero en su día, ahora parece elegante. En el suntuoso brocado del vestido, el parure [nota: un parure es un conjunto de joyas destinadas a ser usadas juntas] está compuesto casi exclusivamente de perlas, bordeando el velo transparente sobre los hombros mientras dos cadenas de perlas muy grandes rodean el cuello y caer sobre el corpiño Esta simplicidad refinada pero costosa no parece haber sido ampliamente cultivada.

Las formas más variadas y más imaginativas se encuentran entre los colgantes. A menudo se ven colgantes que representan barcos, y hacia fines del siglo XV se desarrolló un gusto por los colgantes en forma de letras del alfabeto, generalmente las iniciales de su propietario. La moda alcanzó su culminación en el siglo XVI. La lista de las joyas de la corona francesa, elaborada durante la época de Francisco I, se refiere a una en forma de ’A latina’, sin duda perteneciente a Ana de Bretaña. Enrique VIII también poseía algunos colgantes de esta naturaleza, en los cuales sus iniciales se unieron a las de la esposa particular del momento. Estas piezas, probablemente debido a su carácter intensamente personal, han desaparecido en su mayoría, pero sobreviven dos hechas para Ana de Sajonia.

Francia

En Francia, Francisco I creó formalmente las Joyas de la Corona por patente en 1530, a fin de formar un tesoro inalienable que cada rey tenía el deber de entregar a sus sucesores intactos o aumentados; Hasta la época de la Revolución, la ley se mantenía con pocas excepciones. La lista elaborada bajo el orden de Francisco I muestra una colección que aún se encuentra en etapa embrionaria, de la cual las piezas más hermosas provienen de la primera esposa del rey, Claude de France, quien las recibió de su madre, Anne de Bretaña. Se particularizan varias piedras importantes, entre ellas un gran rubí llamado Cote de Bretagne, la única pieza que posiblemente se pueda rastrear hoy en el Louvre, aunque fue recortada en el siglo XVIII en forma de dragón.

En la institución de las joyas de la corona como entidad legal, Francis I puede haber estado motivado por el deseo de conservar una herencia fabulosa, pero el factor económico no puede ser descartado a la ligera. Durante el reinado de sus sucesores, y específicamente con referencia a los gastos de las guerras religiosas, varias de las piedras sirvieron como garantía para préstamos extranjeros, particularmente de Italia. La correspondencia de Catherine de Medicis nos permite seguir los viajes de algunos de los tesoros más bellos que se dejaron como seguridad, a veces durante largos períodos, con banqueros florentinos o venecianos. Estas dificultades financieras apenas fueron aliviadas por el paroxismo del lujo que permitieron los últimos Valois. Con motivo de su matrimonio, la novia de Carlos IX, Isabel de Austria, recibió no menos de cinco joyas completas compuestas de diamantes, esmeraldas, perlas y rubíes. El retrato de Clouet de la reina da una idea muy exacta de su composición y la forma en que se vestían. Ella usa un cordón alrededor de su cabello vestido, un carcanet (collar con pedrería ) rodea su cuello, y hay un collar descansando en los hombros; En frente, el collar está enganchado al centro del busto por un colgante. A menudo, el cinturón estaba enriquecido con joyas y terminaba en una larga cadena que colgaba delante de la falda. La cadena generalmente terminaba en una joya, referida en los inventarios antiguos como patenotre o bague , una palabra que consideramos que significa anillo de dedo pero que en el siglo XVI significaba cualquier joya.

Una de las pocas joyas que se ha conservado en su montaje original, de las cuales se puede decir con certeza que perteneció a Francisco I, es un medallón que muestra a Leda y el cisne. En el reverso lleva la cifra real FF y el signo de una salamandra.

Francisco también había traído de Italia a Matteo del Nassarro, un tallador de piedra fina, que hizo varios cameos mostrando el perfil del rey. Una gran sardónice ovalada de Diane de Poitiers muestra el grado de perfección que los artesanos franceses habían alcanzado en este campo, aunque el autor de la obra sigue siendo desconocido.

Inglaterra

En Inglaterra, la corte de Enrique VIII no era menos lujosa que la de Francisco I, porque la confiscación de los monasterios le proporcionó enormes bienes, tierras y una gran cantidad de oro y piedras preciosas. Solo del santuario de Santo Tomás Becket llegaron dos cofres de tesoros, que unos seis u ocho hombres apenas podían llevar.

En la mayoría de sus retratos, por ejemplo, de Hans Holbein, el rey lleva un suntuoso collar de oro forjado, decorado con perlas y rubíes, alternativamente ovalados y cuadrados, que en su día eran famosos. Su sombrero, sus mangas y el frente de su doblete recortado están adornados con enormes rubíes colocados de manera similar. Las mejores piedras de las colecciones reales parecen haber sido guardadas para él, a pesar del hecho de que sus sucesivas esposas recibieron magníficos parures. Estos esplendores han desaparecido; pero algunas joyas más simples de su tiempo, aún conservadas, revelan una considerable variedad en el diseño. Pomos que se usaban en la cintura y diseñados para contener aromáticos son un ejemplo de esto; Según el inventario de joyas de la corona elaborado en 1500, estas bolas de almizcle estaban igualmente de moda en Francia; no menos de cuarenta y cinco están listados.

Además, algunas parures consistían casi por completo en bolas huecas que contenían perfume en forma de pasta o ámbar gris; Estos ornamentos perfumados estaban muy de moda en Francia, pero parecen haberse originado en la Edad Media. Revelan gran parte de una época en la que las reglas de higiene más elementales fueron generalmente descuidadas.

Las cubiertas de los libros se habían hecho en oro o plata desde la época bizantina. Realización de manuscritos iluminados – pero desde el Renacimiento en adelante uno los ve colgados de la cintura; uno de ellos, su mano de obra ligeramente desgastada, muestra a un lado la Serpiente de Bronce, y al reverso el Juicio de Salomón. Los temas bíblicos fueron muy apreciados en Inglaterra, aunque no se limitaron a ese país.

Un retrato de Lady Frances Sidney, pintado en la segunda mitad del siglo, demuestra hasta dónde se puede llegar a investigar sobre el vestuario; la figura sostiene un sable cuya cabeza está trabajada con joyas. Erasmus Hornick de Nuremberg publicó en 1562 algunos patrones para joyas de este tipo y algunos para asas de abanico, todos ricamente decorados.

Hacia principios del siglo XVI se fabricaron los primeros relojes portátiles; según los retratos de la época, generalmente se usaban suspendidos de la cintura. Al principio no asumieron la forma redonda muy lógica que vino después, sino que tendieron a adoptar la forma de la cruz, medallones en miniatura o la forma de relicarios; otros, actuando como si fuera un Memento Mori , afectaron la forma de la cabeza de una muerte. Estas cabezas de muerte, huesos cruzados, nudos de amor, lágrimas y otros refinamientos, como los llamaba Brantome, eran igualmente apreciados por las joyas de luto. Hay algunas piezas, en su mayoría de origen inglés, que se hicieron en forma de ataúd que se abre para mostrar un esqueleto trabajado en oro esmaltado. Estos generalmente datan de principios del siglo XVII.

Isabel I de Inglaterra aparece en sus numerosos retratos más bien como un ídolo distante y costoso, atada con el doble aura de celibato y poder. Estas semejanzas nos brindan una idea bastante exacta de sus vestidos y sus joyas, incluso si no pueden restituir ese exquisito encanto del que sus contemporáneos hablaron de manera más convincente que cuando se referían a su belleza. Aquí se encuentran el cotiere , el collar, el colgante y, al principio, el carcanet que dio paso a los enormes collares en forma de brida en los últimos años del siglo XVI y los primeros años del siglo siguiente. De su padre había heredado espléndidos rubíes y un gran zafiro que había conservado, como lo muestra el retrato en la Galería Nacional, en el escenario de Tudor Rose. La tela del vestido está salpicada de perlas, pero como una antigua factura de 1569 menciona una entrega de quinientas veinte perlas a la reina por un centavo, sabemos que no todas las perlas reales eran genuinas. Parece que se ha convertido en una costumbre establecida presentar a la reina los regalos de joyería de Año Nuevo, y los cortesanos no dejaron de cumplir con esta obligación costosa, que probablemente fue una inversión útil.

Nicholas Hilliard (1547-1619), el gran maestro de pintura de retrato en miniatura , había sido adjuntada por Elizabeth a su corte. Era un orfebre consumado y nieto de orfebres, y era parte de su deber ayudar a ejecutar las tareas destinadas al soberano o dadas por ella. La joya de Heneage es un ejemplo. Esto fue otorgado a Sir Thomas Heneage, Tesorero de la Guerra, como una ofrenda de agradecimiento por sus esfuerzos para imponer ejércitos para resistir a la Armada. Sobre un fondo de esmalte azul translúcido, el frente de la joya muestra el perfil real. El reverso muestra un arca sacudida por la tormenta acompañada de inscripciones aptas; cuando se abre, la joya revela una miniatura de la reina de Hilliard, fechada en 1580. La inclinación natural es asumir que toda la joya es obra de Hilliard, y asumir lo mismo del medallón otorgado a Sir Francis Drake, un cameo de un La cabeza de Negro con una miniatura de la reina de Hilliard en el reverso.

Entre las adquisiciones más suntuosas de Elizabeth I estaban las perlas de Mary, Queen of Scots, adquiridas a bajo precio después de la muerte de este último, que se pueden ver en el retrato de Elizabeth de Isaac Oliver, otro de los mejores de Inglaterra. pintores miniaturistas .

Emperador Carlos V

El sol nunca se puso sobre los dominios de Carlos V, Emperador de Alemania, Archiduque de Austria, Rey de España y todas sus colonias; Estas tierras se beneficiaron de la riqueza del Nuevo Mundo, de las entregas de oro y plata provenientes de las Indias que Europa se tragó con avidez. Las grandes ciudades alemanas como Augsburgo y, hacia el final del siglo, Praga, disfrutaron de una agradable reputación por el trabajo de orfebrería, como podemos ver en la lista de joyas pertenecientes a Claude, esposa de Francisco I, donde se menciona de un patenotre dorado ’de mano de obra alemana’. Sin embargo, el estilo de estas piezas pertenece a los talleres de Florencia y Venecia.

La corona imperial hecha en Praga por el orfebre holandés Jan Vermeyen, es quizás el punto culminante del trabajo del orfebre centroeuropeo. Fue hecho para Rudolph II en 1602, y pertenece con estilo al Renacimiento tardío. El esplendor de la pieza se acentúa por la importancia de las piedras con las que está adornada, lo que da una idea de los colores que ahora han desaparecido, pero que una vez fueron ordenados por los ostentosos soberanos de la época. La corona está coronada por un zafiro, y en el centro de la banda para la cabeza hay una gran piedra roja que parece ser más un granate que un rubí.

Las características claramente distinguibles se pueden atribuir a todo un grupo de joyas que datan de la segunda mitad del siglo XVI; Los monstruos marinos, los dragones y las sirenas, ejecutados con grandes perlas barrocas montadas en oro esmaltado, hacen eco del dibujo de Erasmus Hornick, que apareció en 1562. El tema tuvo un gran éxito; no todos son de fabricación alemana, pero el más famoso de ellos, la joya Canning, sí lo es. El rubí tallado en el cuerpo y el rubí en el colgante deben haberse agregado mientras la joya estaba en la India, de donde Lord Canning lo trajo de vuelta.

Los colgantes en forma de pájaros también entran en esta categoría; algunos se hicieron en Alemania, uno de los cuales tiene un reverso esmaltado al estilo de Corvinianus Sauer, un orfebre bávaro adscrito a la corte de Christian IV de Dinamarca, y algunos en España que datan del primer cuarto del siglo XVII.

España fue un centro importante para los orfebres en el siglo XVI, ya que se enriqueció más que otros países por el descubrimiento de las Américas. Un medallón que se puede atribuir a un taller español, muestra a San Jorge y el Dragón; tradicionalmente se dice que perteneció a Enrique VIII, y es uno de un grupo de piezas con las mismas características. La composición está en un fuerte relieve, esmaltada con colores vivos, rodeada de oro estriado. Aunque la austeridad del vestuario fue una extensión de la independencia del carácter español, esto no impidió que las princesas de la corte siguieran ciertas modas francesas en lo que respecta a las joyas; un retrato de Isabel de Valois, esposa de Felipe II, que fue pintada alrededor de 1560 por Alonzo Sanchez Coello, muestra a la reina adornada con un carcanet , un chaleco , un tocado y un cinturón similar a los que usaba su cuñada Elizabeth, esposa de Carlos IX.

Era del rey Luis XIV (gobernado 1643-1715)

Los orfebres renacentistas eran principalmente cazadores y esmaltadores; Incluso en las joyas más suntuosas, las piedras están consagradas y aisladas por monturas de oro que tienden a ocupar un lugar privilegiado. Alrededor de 1610-1620 hubo un cambio en el enfoque de la joya, la piedra se hizo cada vez más apreciada por su propia belleza intrínseca; se habían producido avances considerables en el corte, particularmente en lo que respecta a los diamantes. Desde los últimos años del siglo XVI llega la primera mención en los inventarios de corte en facetas, es decir, en rose ; luego, alrededor de 1640, escuchamos acerca de cortar con dieciséis superficies. El arte del orfebre estaba cediendo lugar al del joyero; los ajustes esmaltados se redujeron al mínimo y en la mayoría de los casos pasaron de moda para las piedras de valor real, aunque el esmalte todavía se usaba para decorar el reverso de las joyas.

Para otras formas de arte decorativo en Francia durante los reinados de Louis Quatorze (XIV), Louis Quinze (XV) y Louis Seize (XVI), consulte: Artes decorativas francesas (1640-1792), Muebles franceses (1640-1792) y Diseñadores franceses .

Berquen en su prefacio a Les Merveilles des Indes Orientates et Occidentales (1661) comentó sobre el cambio. El autor era un orfebre de Bruselas que había trabajado en Madrid y posteriormente se hizo famoso en París. El escribio:

sobre todo antes de esmaltar, uno debe tener cuidado de que los colores del esmalte puedan mejorar las piedras y puedan combinarlas. Los diamantes necesitan negro, las piedras de color requieren blanco y la variedad de colores.

El arte del esmaltado no fue completamente reemplazado por la nueva y creciente importancia de las piedras, y alcanzó un grado de perfección nunca antes igualado. El esmaltado de Jean Toutin de Chateaudun y de Jean Petitot, un suizo que trabajó tanto en Inglaterra como en Francia, muestra una notable delicadeza, especialmente en los retratos. La técnica champleve (esmaltado realizado con polvos vítreos en canales cortados en una base de metal) también fue un éxito. La técnica extremadamente difícil del correo electrónico en resille sur verre solo parece haber sido empleado por uno o dos artesanos entre 1619 y 1624; consiste en tomar un medallón de vidrio (generalmente azul oscuro o verde) y cortar el diseño en bajo hueco para formar la decoración, floral u otra; los huecos se llenan con una lámina de oro muy delgada, luego se inserta encima de este esmalte, utilizando varios colores, cuidando que se vitrifique a una temperatura inferior a la placa de vidrio que constituye el soporte.

El esmalte sobrevivió como un adorno para la parte posterior de las joyas, y además logró un triunfo en dos campos que, habiendo aparecido por primera vez en el siglo XVI, se pusieron de moda en el XVII: relojes y cajas en miniatura. Un reloj francés tiene un gran zafiro cabujón formando su reverso; la cubierta está compuesta de otro zafiro rodeado de piedras más pequeñas, y al ser levantada revela un interior decorado con flores, follaje y pájaros entrelazados; Tiene una fragante delicadeza de composición.

La decoración floral se hizo cada vez más naturalista y comenzó a reemplazar los arabescos estilizados y las figuras del Renacimiento. La fundación de los jardines botánicos en Francia por Henry IV se convirtió en la fuente de nueva inspiración para los artistas de la época. Entre las numerosas colecciones de grabados, la Livre des Fleurs de Francois Le Febvre y la Livre des fleurs propres pour orfevres et graveurs de Jean Vauquer (c.1680) sugirieron innumerables diseños basados ​​en este tema. La forma de vaina de guisante fue uno de los primeros motivos que se utilizaron, y se ve en el escenario y en el reverso de un cameo que muestra a Louis XIII cuando era niño.

El retrato de Susterman de Claudia de ’Medici (1625) muestra una imagen muy influenciada por la moda del follaje, y es testigo de la tendencia al naturalismo que estaba afectando las obras de joyería pura. El retrato tiene otro punto de interés para nosotros, ya que muestra en el disfraz la persistencia de la tradición de la austeridad elevada, iniciada por los Austrias y los Austrias españoles, que aún afectan a la corte italiana en esta fecha tardía.

Esta misma tradición continuó en Madrid durante todo el siglo XVII; Velázquez pintó a la reina María Anna, la sobrina y esposa de Felipe IV, alrededor de 1650, envuelta en las vastas faldas con aros que todavía están de moda allí, aunque anticuadas en Francia e Inglaterra unos veinte años antes. Sus joyas son pocas pero masivas y muy grandes; combinan perfectamente con su vestido negro y su peinado completo y apretado, tanto que uno siente que el vestido, el peinado y las joyas fueron concebidos juntos para transmitir una impresión de severidad majestuosa y elegancia sobriamente magnífica.

En Inglaterra, el rey Carlos I abandonó las suntuosas joyas de sus predecesores. Los retratos de Anthony Van Dyck muéstrenlo usando solo una perla grande en forma de pera en la oreja, que según la tradición llevaba en el andamio; Mary II se lo dio luego al primer conde de Portland cuyos descendientes aún poseen la joya.

El anillo de Henrietta Maria es otro recuerdo de los Stuarts; Está adornada con un gran diamante tallado con los brazos y la cifra. La reina también era propietaria del Espejo de Gran Bretaña que, según se decía, pertenecía a Charles the Bold, que había sido comprado por Nicholas de Sancy. Después de ofrecérselo sin éxito a Enrique IV, de Sancy finalmente lo vendió a James I de Inglaterra por la enorme suma de 600, 000 ecus.

Henrietta Maria pronto se vio obligada a empeñar sus joyas cuando dejó su reino, y el diamante Sancy fue uno de los primeros en irse. En 1647 era propiedad del duque de Epernon, y diez años después finalmente se vendió al cardenal Mazarin. Una carta dirigida a su esposo, que todavía estaba en Inglaterra, es testigo de las dificultades que experimentó la reina: "Es con la mayor dificultad que hemos recaudado dinero aquí; Los traficantes todavía están nerviosos. Han llegado noticias de Londres de que he quitado las piedras en secreto contra su voluntad, y que si alguien me prestara dinero no habría seguridad adecuada. No había nada más que mostrar la autorización que firmó.

Mazarin, el cardenal todopoderoso, fue un ávido coleccionista de pintura de bellas artes a pequeña escala escultura de bronce , escultura de mármol a gran escala , objetos de arte y joyas. Había emparejado un conjunto notable de diamantes, algunos que pertenecían a la reina Cristina de Suecia; adquirió el set comprándolos en sucesivas transacciones, utilizando fondos recaudados por medios que a menudo no eran honestos. En su lecho de muerte, el cardenal le pidió a su confesor que le aconsejara cómo hacer su testamento, y le dijeron que debía entregarle al rey todas las cosas que le pertenecían, pero distinguir entre lo que el rey le había dado y lo que había tomado. para el mismo; el moribundo respondió: "en ese caso es necesario entregar todo al rey". De hecho, el rey se negó a aceptar toda la riqueza de Mazarin, pero entre la parte que tomó fue el conjunto de dieciocho diamantes de Mazarin, y esto se convirtió en parte de las joyas de la corona.

Durante la mayor parte de su reinado, Luis XIV dirigió lo que se puede describir mejor como política de prestigio, y el efecto de las piedras preciosas desempeñó un papel muy importante en el corazón del hombre al que le gustaba ser comparado con el sol. Las joyas de la corona que había recibido en confianza de sus antepasados ​​ahora aumentaron; el rey adquirió, sucesivamente, el diamante Guise y el magnífico diamante azul llamado diamante Hope, que Tavernier había traído de la India. Más tarde, habiendo sido robado durante la Revolución, adquirió una reputación malévola ya que todos sus propietarios sucesivos, incluido Hope, murieron trágicamente. El rey también compró un zafiro grande de 132 quilates ahora en el Museo de Historia Natural , y el diamante Hortensia de más de 20 quilates ahora en el Louvre. El rey poseía no menos de cuatro parures completos, dos de los cuales eran de diamantes, uno de perlas y diamantes, y uno, para usar durante el día, compuesto de piedras de muchos colores. El más importante de estos comprendía ciento veintitrés botones, trescientos ojales, diecinueve adornos florales para las justaucorps, cuarenta y ocho botones y noventa y seis ojales para el veste, a los que debe agregarse, por supuesto, el broche de su sombrero, ligas, hebillas de zapatos, cinturón cruzado, espada y la cruz del Espíritu Santo.

La reina María Teresa, aunque no parece haber estado muy interesada en las joyas, y las princesas, especialmente la princesa heredera de Baviera y las duquesas de Borgoña y Berry, en grandes ocasiones, todas llevaban piedras de las joyas de la corona montadas especialmente para el ocasión. Dangeau describió a la duquesa de Borgoña con motivo del matrimonio del duque de Orleans (1698), como: `` un vestido de tejido plateado con flores doradas mezcladas con colores de llama y verde. La figura de la cabeza y la ropa consistía en diamantes, al igual que su collar, que comprendía las más bellas joyas de la corona. La misma princesa, que había interpretado a Athalie antes que el rey, se vio obligada a llevarla a la cama porque la ropa que había usado la noche anterior estaba cargada de piedras preciosas.

El rey continuó haciendo compras personales de joyas para su familia, especialmente para las bodas de las princesas de la sangre. Madame de Montespan recibió algunos regalos espléndidos de su amante real, entre ellos una magnífica fila de veintiuna perlas compradas en Marechale d’Estrees y valoradas, según Saint-Simon, a 500, 000 libras. Cuando Montespan cayó en desgracia, devolvió la joya al rey, que se la dio a la duquesa de Borgoña, pero a cambio ayudó al ex favorito a adquirir tierras en Oiron.

Esta muestra de esplendor obviamente provocó la imitación entre los cortesanos que continuamente cambiaban sus parures para adaptarse a la moda. Como afirma el galant Mercure: "las personas de calidad cambian la configuración de sus joyas cada dos o tres años". Los retratos muestran que la vestimenta masculina era tan suntuosa como la femenina. Para los hombres, los ornamentos principales consistían en piedras preciosas dispuestas en ojales largos y exagerados con Brandebourgs o ranas.

No pasó mucho tiempo antes de que las ranas de diamantes se extendieran a la vestimenta femenina, y se vio que Brandebourg adornaba el corpiño magníficamente como complemento de los broches en las mangas y la falda, los aretes y la sola cadena de perlas alrededor del cuello, por lo que grande que parezca que los pintores pueden haber exagerado su tamaño.

Entre los diseños de Legare se encuentran aretes de jirafa, que a veces tienen tres o incluso cinco gotas, y broches en forma de arco, más tarde conocidos como Sevignes, pero luego llamados stomachers; La asociación de cintas y lazos con las joyas iba a reaparecer continuamente durante los siglos XVIII e XIX. Ocasionalmente, estos lazos se agrupan para formar collares en lacs , una moda que seguiría siendo popular en Inglaterra y España, así como en Francia hasta el siglo XVIII.

La refulgencia de Versalles se extendió por toda Europa durante la segunda mitad del siglo XVII, excepto en Madrid y Viena, que se aferraron a sus propias tradiciones dominantes.

Carlos II y James II tomaron la moda francesa mucho más de lo que su padre había hecho. La revocación del Edicto de Nantes hizo que Francia ya no fuera segura para los protestantes, y Londres se benefició de la afluencia de orfebres hugonotes que huyeron allí para refugiarse.

La imagen de la efigie funeraria de Frances Stuart, duquesa de Richmond, es de hecho cristal de roca, pero da una idea de las magníficas joyas que Carlos II le dio a sus favoritos. En un estilo marcadamente similar, tenemos el colgante inglés u holandés montado en cristal de roca, con una miniatura de William of Orange en el reverso, trabajado en esmalte en un marco de flores y follaje entrelazado esmaltado sobre una base blanca.

La corona real de María de Módena, la esposa de James II, fue utilizada para sucesivas coronaciones por María II, la Reina Ana, la Reina Charlotte, esposa de Jorge III, y finalmente por la Reina Adelaida (1831). En cada ocasión se volvió a montar con piedras especialmente prestadas para la ceremonia, que finalmente se mantuvieron como estaban en 1831, pero el montaje no parece haber sido alterado significativamente y muestra la elegancia del siglo 17 en su pureza de mano de obra.

Joyas del siglo XVIII

Desde principios del siglo XVIII, la historia de las joyas se convierte principalmente en la historia de las piedras preciosas, su belleza derivada de su selección, su corte y la disposición de las piedras que componen la joya. Pierden su carácter objetivo, que es tan evidente en el siglo XVI, y un poco menos en el XVII, y se vuelven adornos en el sentido moderno, absolutamente necesarios para vestirse, muy sujetos a los cambios de moda; y además aparece una distinción entre joyas para el día y la noche. Esta idea se arraigó en los últimos años del siglo XVII en las reuniones de Luis XIV, las joyas diurnas en su mayoría se colocaron con piedras de colores, mientras que las de la noche fueron en su mayoría diamantes y perlas que aparecieron en su mejor momento en las bolas iluminadas con candelabros.

La explotación de las minas de Golconda, India, se abrió en el siglo XVII, y luego las minas brasileñas colocaron en el mercado diamantes más hermosos, más grandes, más numerosos y menos costosos. El Venetian Peruzzi había inventado un corte brillante alrededor de 1700 y este desarrollo se sumó al progreso ya realizado con piedras cortadas con rosas. En adelante el joyero Art º consistía en colocar piedras preciosas para obtener el máximo efecto de ellas.

Jean Bourget en su libro de diseños (1712) da muy pocos diseños para joyas porque, dice: ’es inútil en mi opinión porque las modas cambian continuamente, y además los diseños dependen más bien de la cantidad y el tamaño de las piedras con el que uno tiene que trabajar. En este campo, es París la que más que nunca lideró la moda. Con el ascenso al trono de los Borbones, incluso la corte española, tan fiel a los detalles de un traje fijado por la etiqueta, comenzó a adoptar willy-nilly el toilette francés.

Los joyeros franceses proporcionaron una serie de capitales extranjeros, y a veces se establecieron allí, y en la Europa de la Ilustración, las modas francesas se hicieron aún más influyentes.

El curso del siglo iba a mostrar una variación relativamente pequeña en la moda y requería montajes muy ligeros; Los motivos más populares, sujetos a innumerables variaciones, son el arco y las flores. A mediados de siglo, tales diseños fueron influenciados por el estilo de arte rococó , aunque los joyeros desarrollaron una forma bastante sobria del estilo y, excepto en Italia, España y Portugal, en general tendieron a mantener patrones simétricos.

Las joyas de la corona de Francia constituyeron la colección más maravillosa de todo el mundo occidental, a lo que la adquisición del regente en 1717 trajo una consagración suprema. La piedra en cuestión, con un peso de 136 quilates, fue considerada como la mejor conocida, descubierta en Golconda, cerca de Hyderabad, India, y sacada ilegalmente de contrabando. Thomas Pitt lo había comprado en 1701; había sido cortado en Londres y ofrecido a Louis XIV, quien lo consideró demasiado caro para comprar. En sus Memorias, Saint-Simon se jacta de que fue él quien persuadió al Regente, Felipe de Orleans, para que lo comprara. En cualquier caso, después de algunas negociaciones, el asunto se resolvió por dos millones de libras, pagaderas en varias cuotas. El diamante llegó a ser conocido como el diamante Regente, y Luis XV lo usó por primera vez el 21 de marzo de 1721, con motivo de la recepción de los embajadores turcos. Estaba colocado en un lazo de perlas y diamantes fijado al hombro de su abrigo de color llama, y ​​en su sombrero llevaba el diamante Sancy. Estas mismas dos joyas se encuentran nuevamente en el frente y en la cima de la corona hecha por Ronde en 1722 para la coronación del joven rey. La corona se ha conservado y restablecido con las joyas de imitación de la época; luego se consideró el cenit del arte de la joyería, uno de los primeros con configuraciones abiertas que permitían a las piedras una transparencia total y acentuaban su luminosidad. Es testigo del gusto efímero de mezclar piedras de colores, incluso hasta el grado de mezclar piedras finas con piedras semipreciosas, una característica del siglo XVIII.Estaba colocado en un lazo de perlas y diamantes fijado al hombro de su abrigo de color llama, y ​​en su sombrero llevaba el diamante Sancy. Estas mismas dos joyas se encuentran nuevamente en el frente y en la cima de la corona hecha por Ronde en 1722 para la coronación del joven rey. La corona se ha conservado y restablecido con las joyas de imitación de la época; luego se consideró el cenit del arte de la joyería, uno de los primeros con configuraciones abiertas que permitían a las piedras una transparencia total y acentuaban su luminosidad. Es testigo del gusto efímero de mezclar piedras de colores, incluso hasta el grado de mezclar piedras finas con piedras semipreciosas, una característica del siglo XVIII.Estaba colocado en un lazo de perlas y diamantes fijado al hombro de su abrigo de color llama, y ​​en su sombrero llevaba el diamante Sancy. Estas mismas dos joyas se encuentran nuevamente en el frente y en la cima de la corona hecha por Ronde en 1722 para la coronación del joven rey. La corona se ha conservado y restablecido con las joyas de imitación de la época; luego se consideró el cenit del arte de la joyería, uno de los primeros con configuraciones abiertas que permitían a las piedras una transparencia total y acentuaban su luminosidad. Es testigo del gusto efímero de mezclar piedras de colores, incluso hasta el grado de mezclar piedras finas con piedras semipreciosas, una característica del siglo XVIII.y en la cumbre de la corona hecha por Ronde en 1722 para la coronación del joven rey. La corona se ha conservado y restablecido con las joyas de imitación de la época; luego se consideró el cenit del arte de la joyería, uno de los primeros con configuraciones abiertas que permitían a las piedras una transparencia total y acentuaban su luminosidad. Es testigo del gusto efímero de mezclar piedras de colores, incluso hasta el grado de mezclar piedras finas con piedras semipreciosas, una característica del siglo XVIII.y en la cumbre de la corona hecha por Ronde en 1722 para la coronación del joven rey. La corona se ha conservado y restablecido con las joyas de imitación de la época; luego se consideró el cenit del arte de la joyería, uno de los primeros con configuraciones abiertas que permitían a las piedras una transparencia total y acentuaban su luminosidad. Es testigo del gusto efímero de mezclar piedras de colores, incluso hasta el grado de mezclar piedras finas con piedras semipreciosas, una característica del siglo XVIII.Es testigo del gusto efímero de mezclar piedras de colores, incluso hasta el grado de mezclar piedras finas con piedras semipreciosas, una característica del siglo XVIII.Es testigo del gusto efímero de mezclar piedras de colores, incluso hasta el grado de mezclar piedras finas con piedras semipreciosas, una característica del siglo XVIII.

El Golden Fleece hecho para Louis XV en 1749 es otro lujoso ejemplo de esta audaz mezcla de colores, y fue para completar el conjunto de piedras de colores que el rey heredó de Louis XIV; hoy la pieza está rota, y solo se conoce por el grabado. Consistía en el rubí de la Cote de Bretagne, recortado para la ocasión por Guay en forma de dragón, y el gran diamante azul que desde entonces ha sido cortado más pequeño y hoy se conoce como el diamante Hope; Las dos piedras muy grandes estaban rodeadas de diamantes y topacios de colores. Muy en el mismo espíritu fue el medallón del Espíritu Santo hecho por Jacquemin en 1757 para el rey. Guay cortó un gran rubí, el Huevo de Nápoles, en varios pedazos pequeños y les dio la forma de una paloma rodeada de llamas; esto estaba engastado en diamantes, algunos de los cuales fueron coloreados mediante el uso de papel de aluminio teñido insertado en la configuración detrás de la parte posterior de la piedra. Este método no era infrecuente: el inventario de Madame de Pompadour también se refiere a ’diamantes teñidos de verde’ y ’diamantes amarillos con color asistido’.

En el momento del matrimonio de Luis XV, los diamantes más bellos de las joyas de la corona fueron montados para Maria Leczinska; Los retratos de la joven reina nos dan una idea de la suntuosidad de sus parures. En general, llevaba el Sancy y el Regente en el pelo o montado y otros diamantes en un collar sujeto a la garganta por una cinta de terciopelo negro.

El adorno del gran hábito también incluía aretes, stomachers para cubrir la parte delantera del cuerpo, con forma de triángulos invertidos, fajas de cuatro partes, nudos en los hombros, aberturas para el abrigo, ganchos y ojos en las mangas, pulseras en pares, chalecos y la cola del pantalón recogía los costados y el tren de la falda sostenía sus alforjas.

El nombre de María Antonieta está asociado para siempre con el asunto del ’collar de la Reina’, un collar que, de hecho, ella nunca poseyó. Consistía en piedras muy grandes colocadas en racimos con festones caídos sobre el pecho. Los joyeros Baszanger y Bohmer recibieron la orden original de ejecutarlo para Madame du Barry, pero no se había terminado cuando Louis XV murió. Por lo tanto, se lo ofreció a María Antonieta, quien lo rechazó porque Luis XVI lo consideró demasiado caro.

En esta etapa del proceso, un intrigante entra en escena, la Comtesse de La Motte. Ella fingió ante el cardenal de Rohan, que estaba en desgracia con la reina (1784), que la reina deseaba reconciliarse con él y le daría la responsabilidad de obtener la joya para ella, desconocida para el rey. El cardenal entregó el collar a un cómplice de la aventurera, creyendo que el hombre era un enviado especial de María Antonieta. Este hombre desapareció con las piedras. Naturalmente, todo el asunto salió a la luz, y Rohan, que era culpable de nada más que de una ingenuidad increíble, fue arrestado, absuelto por el parlamento pero exiliado de la corte. La Condesa de La Motte fue azotada, marcada con un hierro al rojo vivo, y arrojada a la prisión de Salpetriere de la que, sin embargo, logró escapar.Aunque bastante inocente, la Reina salió muy mal del escándalo, y Goethe se refirió al episodio como el capítulo inicial de la Revolución Francesa.

Hay muchas joyas que se dice que pertenecieron a María Antonieta y la que parece haber sido de su propiedad es el collar de diamantes enviado por la Reina a Bruselas en 1791, y recuperado por la Duquesa de Angulema en 1798. Posteriormente pertenecía al conde de Chambord y a la princesa Massimo. Fue vendido en Londres en 1937, llevado a la India, donde fue desguazado.

Bajo los primeros reyes de la dinastía de Hannover, la corte inglesa brilló mucho menos que Versalles. A lo largo del siglo XVIII, era costumbre contratar las piedras para las festividades de coronación, y tan pronto como terminó la ceremonia, volvieron a la tienda de la que habían hecho una salida momentánea. Sin embargo, fueron contratados en gran número, si se quiere creer la descripción, dejada por Horace Walpole, de la coronación de Jorge II y la Reina Caroline (1727). Su vestido estaba tan tachonado de joyas, tan pesado y tan rígido que era incapaz de arrodillarse, y se necesitaba todo un sistema de poleas para levantar la parte inferior de la falda como la cortina de un teatro.

La reina Charlotte, esposa de George III, poseía numerosas joyas, algunas de las más bellas que había presentado Nabob de Arcot. Un retrato de ella, pintado alrededor de 1762, la muestra usando un collar compuesto de diamantes muy grandes y un stomacher compuesto completamente de diamantes, así como hileras de perlas con lazos en la cintura y los hombros y pulseras de perlas. Estos disfrutarían de una popularidad considerable y se pueden ver en numerosos retratos. Por lo general, están cerrados con cierres con miniaturas rodeadas de diamantes.

Madame de Pompadour poseía broches de este tipo, grabados en sardónix por Guay con los perfiles de Enrique IV y Luis XV, montados con esmeraldas y diamantes rosas. En una ocasión, la fragilidad del hilo de estas perlas la colocó en una situación embarazosa, el mismo día de su presentación en el Palacio de Versalles . Al quitarse los guantes para besar el dobladillo del vestido de la reina, según la etiqueta, se rompió el brazalete y sus perlas rodaron por el suelo; Madame de Pompadour, vigilada de cerca por las damas de la corte, sabía que debía permanecer impasible, y se retiró de la presencia hacia atrás, haciendo las tres reverencias habituales como si nada hubiera pasado.

Fascinado por el gran lustre de Versalles, los tribunales grandes y pequeños de Alemania entraron en una rivalidad mutua en magnificencia y refinamiento. En los deliciosos palacios rococó construidos por el rey, el landgrave y el elector, la festividad siguió a la festividad y dio pretexto para las parures, que eran apenas menos magníficas que las joyas de la corona francesa. La vanidad de los príncipes hizo que atribuyeran una gran importancia a la posesión de alguna piedra notable para ser la estrella de su colección, y esto se montaría en un entorno claramente dictado por la moda en París.

Sin embargo, estos esplendores se ven abrumados por el lujo de la corte de San Petersburgo. La Csarina Elisabeth había ordenado un broche para la capa imperial alrededor de 1750, junto con otras tres piezas finas al estilo francés. Para su coronación (1762) Catalina II ordenó una corona imperial del orfebre Posier, de origen francés. No estaba listo a tiempo, pero sus sucesores lo usaron, hasta Nicolás II. En 1772, la Emperatriz adquirió del conde Orloff, su amante, un magnífico diamante que se montó en el cetro imperial y siguió siendo uno de los mayores tesoros de Rusia.

Los relojes adoptaron la forma redonda familiar en la segunda mitad del siglo XVII, y en el siglo XVIII se fabricaron en una cantidad mucho mayor: generalmente formaban parte de una castellana. , a los que se adjuntaron la llave del reloj, el anillo del sello y, a veces, varios artículos pequeños para el inodoro, los frascos, etc. Los más lujosos están adornados con diamantes, como el hecho por los franceses para la reina Caroline Mathilda de Dinamarca (1767). joyero Fistaine. Algunos son simplemente en oro perseguido o pinchbeck, pero con mayor frecuencia son las únicas joyas de la época que llevan una decoración esmaltada y esto aumenta su interés. Muchos están decorados con escenas mitológic