Arte de joyería: historia, técnicas de orfebrería Traductor traducir

Considerada un arte decorativo, la joyería es una de las categorías más antiguas de productos de metales preciosos . Existen muchos tipos de joyas: coronas, diademas, collares, pendientes, amuletos, pulseras, anillos, tachuelas, broches, anillos, cadenas, alfileres de corbata, pasadores de sombrero, pinzas para el pelo, hebillas de cinturones y zapatos, tobilleras y anillos para los dedos de los pies.

Las joyas son fabricadas por orfebres y otros artesanos, como plateros, gemólogos, talladores de diamantes y facetadores, y se valoran tanto por su estética como por el valor de sus componentes, que suelen incluir oro o plata y diversas piedras preciosas y semipreciosas.

Este tipo de joyería decorativa apareció por primera vez en la prehistoria -como demuestran las pinturas rupestres que representan figuras con collares y brazaletes- y desde entonces se ha convertido en un elemento familiar de la mayoría de las culturas a lo largo de los siglos. Como tipo importante del arte egipcio, así como de la más nómada cultura celta, la joyería fue característica del arte bizantino en la Kiev medieval, del arte africano en todo el continente negro, del arte oceánico en el Pacífico, y de la cultura azteca e inca en América.

La joyería, al igual que la pintura corporal y la pintura facial, ha sido un elemento fundamental del arte tribal durante miles de años. La joyería también se utilizaba para decorar armas y objetos ceremoniales y religiosos. En la era del arte moderno, movimientos como el Art Nouveau y más tarde el Art Déco inspiraron nuevas series de joyas decorativas, y varios artistas famosos se dedicaron al diseño de joyas, entre ellos: Picasso, el escultor Alexander Calder, los surrealistas Meret Oppenheim y Salvador Dalí, y la artista del assemblage Louise Nevelson. Entre los joyeros más famosos están la rusa Fabergé, la neoyorquina Tiffany & Co, y las parisinas René Lalique y Cartier.

Materiales de joyería

Es una de las formas de arte más caras, los principales componentes de la joyería son la chapa, el metal fundido en molde y el alambre. El metal más utilizado es el oro, por su maleabilidad, ductilidad, color y coste. Las láminas de oro se pueden repujar en moldes, prensar o perforar en formas decorativas, y el alambre de oro se utiliza a menudo para unir joyas o hacer cadenas. Otros metales preciosos menos caros utilizados en joyería son la plata y el platino, así como aleaciones como el bronce y metales no preciosos como el cobre y el acero.

Además de los metales, en joyería se utilizan piedras preciosas y semipreciosas. Los diamantes son tradicionalmente las piedras preciosas más apreciadas, y su color varía del amarillo al blanco azulado. Otras piedras preciosas son el rubí (rojo), la esmeralda (verde) y el zafiro (azul), así como los menos caros crisoberilo (amarillo o verde), topacio (amarillo o azul) y circón (marrón o transparente).

Las perlas, aunque son de origen animal y no mineral, también se consideran piedras preciosas. Las piedras semipreciosas más utilizadas por los joyeros son la amatista (violeta, púrpura), el granate (rojo oscuro), el ópalo (blanco lechoso), la aguamarina (verde azulado), el jade (verde), el lapislázuli (azul) y la malaquita (verde brillante).

Otro material importante utilizado para crear revestimientos es el vidrio fundido o esmalte.

Todos estos componentes se moldean en la forma deseada mediante una técnica realizada con herramientas.

Técnicas de joyería

Las técnicas metalúrgicas más comunes utilizadas por los joyeros, plateros y cortadores para crear joyas incluyen la fundición, el corte, la soldadura y la unión en frío (utilizando grapas y remaches para ensamblar las piezas). Otras técnicas decorativas más sofisticadas son el repujado, el repoussé, el grabado, el esmaltado (champlevé, cloisonné, basse taille, plique-à-jour), el granulado y la filigrana.

En lo que se refiere a la cantería, las piedras preciosas pueden tallarse para crear motivos tallados y grabados en las propias piedras, o pueden tallarse (a partir de piedras multicolores como el ónice o el ágata) para hacer camafeos.

Grabado en relieve

Es un proceso utilizado para crear diseños en relieve o rebajados en una lámina de metal. Un tipo popular de repujado es el repoussé, una técnica en la que se da forma a una lámina de metal flexible mediante golpes de martillo en el reverso para crear un dibujo en relieve. Otra técnica de gofrado relacionada se conoce como repujado. Esta técnica es la opuesta al repujado, ya que mientras que el repujado trabaja en el reverso de una chapa metálica para crear un dibujo en relieve en la cara, el gofrado se utiliza para crear un dibujo en la cara de la chapa perforando la superficie del metal.

Esmaltado

La técnica tradicional de los joyeros del esmaltado, que se remonta al arte romano tardío y bizantino temprano, consiste en recubrir el metal con esmalte vítreo (esmalte de porcelana), un material hecho de vidrio fundido que se endurece para formar una capa suave y duradera. El esmalte puede ser transparente, opaco o translúcido, y se puede añadir una amplia gama de colores y tonos diferentes al vidrio fundido mezclándolo con diversos minerales, como óxidos de metales -cobalto, hierro, neodimio, praseodimio y otros-.

Champlevé

Llamado así por la palabra francesa que significa «campo elevado», el esmaltado Champlevé es una técnica antigua diseñada para añadir color y brillo a la joyería de metal, mediante la cual se hunden depresiones en la superficie de un objeto de metal, se rellenan con esmalte vítreo y se cuecen. Una vez enfriada, la superficie del objeto se pule para darle más brillo. Este método fue explotado plenamente por primera vez por los joyeros románicos para la ornamentación de placas, arquetas y vasijas, como ejemplifica el tríptico de Stavelot.

Esmalte cloisonné

Más complejo que el champlevé, el esmaltado cloisonné es otro tipo de esmaltado. Mientras que el champlevé crea secciones empotradas de esmalte decorativo, el esmaltado cloisonné consiste en soldar tiras planas de metal (por ejemplo, alambre de plata u oro) a la superficie de un objeto metálico, creando minisecciones (cloisons, en francés) que luego se rellenan con esmalte y se cuecen.

Basse-Taille

Otro método de trabajo con esmalte, es similar al esmalte cloisonné, salvo que se graba un motivo en bajo relieve en la parte inferior «de los compartimentos». A continuación, los compartimentos se rellenan con esmalte translúcido a través del cual puede verse el motivo. Un excelente ejemplo de esta técnica es una copa de oro real francesa (siglo XIV) realizada durante la época del arte gótico internacional .

Plique-à-jour

Esta técnica de joyería también es similar al cloisonné, pero los compartimentos creados no tienen soporte. (El soporte temporal se retira cuando el esmalte se enfría tras la cocción). Esto permite que la luz brille a través del esmalte transparente, como en las vidrieras. El plique-à-jour es una técnica muy difícil y lenta, con un alto porcentaje de fallos.

Tinta

Inventado por los egipcios y utilizado por los romanos, el nielado es una técnica decorativa utilizada por joyeros y plateros en la que una mezcla negra de azufre, cobre, plata o plomo actúa como incrustación de diseños grabados en la superficie de un objeto metálico (normalmente plata). Los objetos decorados de este modo se conocen como nieli. Esta técnica alcanzó su apogeo en el arte del Renacimiento temprano, en manos del joyero florentino Maso Finiguerra (1426-1464).

Historia de la joyería
Véase también Historia del arte

Historia antigua

Aunque las primeras joyas datan del Paleolítico, los ejemplos más antiguos que se conservan son los recuperados de la tumba real de la reina Pu-abi en Ur, Sumeria, que datan del tercer milenio a.C. (véase también Mesoamérica). (Véase también Arte mesopotámico y Escultura mesopotámica)

Otras obras tempranas incluyen piezas de la tumba del rey Tutankhamón (c. 1320 a.C.). La joyería fue un elemento importante de la cultura minoica y, más tarde, del arte griego , cuyas influencias y estilos se extendieron por todo el Mediterráneo oriental -especialmente durante la época helenística -, inspirando el diseño de joyas en el arte etrusco (la actual Italia continental) y en la región del Mar Negro. Los artistas helenísticos que llegaron a dominar la pintura en miniatura se vieron influidos a su vez por el arte persa antiguo, tras la derrota del emperador Darío por Alejandro Magno.

A medida que el poder político griego decaía (300-200 a.C.), la cultura celta letona -especialmente los objetos de adorno personal- comenzó a penetrar desde Europa central hacia Francia, Italia y la Rusia moderna.

Durante la Pax Romana, el uso de joyas se generalizó al convertirse Roma en un centro de talleres de joyería. En las provincias romanas de Europa occidental se produjo un renacimiento de la artesanía celta, ejemplificado por la corona Petrie, creada por el método repoussé entre 200-100 a.C., y el exquisito collar de oro Broiter (torc) creado en el siglo I a.C.

El arte celta suele referirse a obras celtas antiguas creadas durante el periodo de la cultura de Hallstatt (c. 800-450 a.C.) o la cultura latina (c. 450-50 a.C.).) El arte celta posterior en metal, incluido el hermoso broche de Tara (plata dorada con alambre de plata tricotado decorado por todas partes con intrincados tejidos celtas), pertenece a la categoría «del arte insular» de la Gran Bretaña e Irlanda altomedievales. Otras obras de arte adornadas con abalorios de esta época hiberno-sajona incluyen manuscritos iluminados de iglesias , y tesoros como una hebilla de cinturón de Sutton Hoo, fabricada en el siglo VII, que destaca por su afinidad con joyas y motivos de estilo celta. (Véase también: Joyería celta) Para otros ejemplos de manuscritos medievales iluminados con ornamentación de joyas, véanse: Manuscritos románicos iluminados (1000-1150) y Manuscritos góticos iluminados (1150-1350).

Durante la Edad Media se fabricaron muy pocas joyas en Europa, excepto las producidas durante la era del Arte Bizantino (c. 500-1450), cuyo centro fue Constantinopla. A diferencia de los romanos y tribus como los celtas y los francos, los diseñadores bizantinos utilizaban pan de oro en lugar de oro puro, y prestaban más atención a las piedras y gemas.

En Rusia, durante el periodo c. 950-1237, los joyeros bizantinos elevaron a nuevas cotas la joyería en general y el arte del cloisonné y el nielado en particular. En los museos de Moscú, por ejemplo en Tsaritsino, se puede contemplar una gran colección de joyas y otros objetos preciosos.

Otra influyente escuela regional de orfebrería románica fue la escuela de arte mosano, que creció en el valle del Mosa, en Bélgica, en los siglos XI, XII y XIII. En el centro del obispado de Lieja, joyeros mosanos como Nicolás de Verdún (c. 1156-1232) y Godofredo de Clair (c. 1100-1173) demostraron un dominio absoluto del esmaltado, incluido champlevé, y cloisonné .

En el Renacimiento italiano, la fabricación de joyas en Europa había alcanzado el estatus de alto arte .

Italia, Renacimiento (c. 1400-1600)

La riqueza de inspiración que el arte del Renacimiento trajo a Europa a finales del Quatrocento (siglo XV) y principios del Cinquecento (siglo XVI) tuvo un profundo efecto en el arte de la joyería. La nueva estética vino de Italia, el verdadero hogar del amor por la antigüedad. Esto se refleja fielmente en las joyas de la época; y si recordamos que los talleres ) botteghe), de joyeros eran escuelas donde se formaron algunos de los más grandes practicantes del arte renacentista, es fácil explicar la belleza y la calidad de las joyas producidas.

Lorenzo Ghiberti (1380-1455) comenzó su carrera como joyero antes de finales del siglo XIV; Tras él vinieron Sandro Botticelli (1445-1510), Antonio Pollaiuolo (1432-1598), Luca Della Robbia (1400-1482) y Andrea del Verrocchio (1435-1488), todos ellos formados como orfebres. En Alemania, Alberto Durero (1471-1528) era hijo de un orfebre. Así, en el arte del retrato de la época, las joyas se representan con gran cuidado, amor y comprensión.

La moda se extendió desde Italia por Europa con gran rapidez, y en pocos años los principales artículos de joyería cambiaron por completo; ninfas, sátiros y diosas del Olimpo invadieron las cortes y mansiones de los grandes príncipes con su seducción pagana.

Las placas grabadas ocupan un lugar importante en esta tumultuosa actividad. Un pintor como Hans Holbein (1497-1543) y un arquitecto de la talla de Jacques Androuet du Cerceau no rehuyeron crear diseños para joyas; su ejemplo fue seguido por otros artistas del ornamento, algunos de los cuales eran también joyeros. Los dibujos de Virgil Solis (c.1540) de Nuremberg, Hans Milich (c.1570) de Munich, Etienne Delon (c.1560) de Francia, y Erasmus Hornick (1562) de Nuremberg atestiguan la existencia de lo que podría llamarse un estilo internacional, y de hecho existe una similitud tan grande entre las joyas de este periodo que a veces resulta casi imposible determinar su origen exacto. El problema se complica aún más cuando se trata de identificar al joyero que las fabricó.

En los documentos contemporáneos se mencionan muchos joyeros, pero en la mayoría de los casos no son más que nombres para nosotros. En este contexto, cabe señalar que ninguna joya puede identificarse definitivamente como obra de Benvenuto Cellini (1500-1571), considerado hoy el artista más famoso de su época en este campo. Sólo disponemos de las descripciones que el maestro dejó en sus escritos y en su autobiografía. Muestran que Cellini concedía mucha más importancia a sus obras en miniatura, para altares o mesas principescas en oro, que a la joyería en sentido estricto.

Un punto que destaca claramente en los documentos conservados es que las joyas desempeñaban un papel subsidiario al uso del oro esmaltado. Además, las piedras preciosas no varían mucho en su talla; las piedras de color suelen ser planas o redondeadas, sin cara y pulidas. Los diamantes solían tallarse en forma piramidal, plana o redondeada. En esta forma, era poco probable que mostraran el fuego por el que eran famosos.

Entre los adornos conservados de esta época, los más numerosos son los medallones ) enseignes, un tipo de medallón que llevaban los hombres en el sombrero) y los colgantes, que se llevaban en el pecho o como adorno central de cadenas y collares. «El retrato de una mujer desconocida» del gran pintor veneciano Tintoretto (1518-1594) nos da una idea de cómo se llevaban.

El retrato de Leonor de Toledo, esposa de Cosme de Médicis, de Agnolo Bronzino (1503-1572), muestra un gusto que, aunque austero en su época, parece elegante hoy. En el suntuoso vestido de brocado , la parure (conjunto de joyas destinadas a llevarse juntas) consiste casi exclusivamente en perlas que bordean un velo transparente sobre los hombros, mientras que dos sartas de perlas muy grandes rodean el cuello y descienden por el corpiño. Esta exquisita pero costosa sencillez no parece haber sido muy extendida.

Las formas más variadas y llamativas se encuentran entre los colgantes. Son comunes los colgantes que representan barcos y, hacia finales del siglo XV, surgió el gusto por los colgantes en forma de letras del alfabeto, normalmente las iniciales de su dueña. La moda alcanzó su apogeo en el siglo XVI. En una lista de las joyas de la corona francesa elaborada en tiempos de Francisco I, se menciona un colgante con la forma de la letra latina «A», sin duda perteneciente a Ana de Bretaña. Enrique VIII poseía también varios colgantes de este tipo, en los que sus iniciales se unían a las de su esposa. Estas piezas, probablemente por su carácter estrictamente personal, han desaparecido en gran parte, pero se conservan dos colgantes realizados para Ana de Sajonia.

Francia

En Francia, Francisco I estableció formalmente en 1530 una lista de las joyas de la corona como un tesoro inalienable que cada rey estaba obligado a transmitir a sus sucesores sin cambios o aumentadas; hasta la Revolución, la ley se respetó salvo raras excepciones.

La lista elaborada por orden de Francisco I muestra una colección aún incipiente, de la que los ejemplares más bellos proceden de la primera esposa del rey, Claude de France, que los recibió de su madre, Ana de Bretaña. Destacan varias piedras importantes, entre ellas un gran rubí llamado Côtes de Bretagne, único ejemplar que se encuentra hoy en el Louvre, aunque fue remodelado en el siglo XVIII en forma de dragón.

Al establecer legalmente las joyas de la corona como propiedad de la corte real, Francisco I pudo estar motivado por el deseo de preservar un patrimonio fabuloso, pero no se puede descartar el factor económico. Durante los reinados de sus sucesores, sobre todo en vista de los gastos de las guerras de religión, ciertas piedras sirvieron de garantía para préstamos extranjeros, especialmente de Italia.

Inglaterra

En Inglaterra, la corte de Enrique VIII no fue menos lujosa que la de Francisco I, pues la confiscación de los monasterios le proporcionó vastas propiedades, tierras y grandes cantidades de oro y piedras preciosas. Sólo del santuario de Santo Tomás Becket se llevaron dos cofres del tesoro, que seis u ocho hombres apenas pudieron llevarse.

En la mayoría de los retratos, como el de Hans Holbein, el rey lleva un suntuoso cuello de oro martillado, ornamentado con perlas y rubíes, alternativamente ovalado y cuadrado. El sombrero, las mangas y la parte delantera del jubón están adornados con enormes rubíes en el mismo engaste. Las piedras más finas de las colecciones reales parecen haber sido guardadas para él, aunque sus siguientes esposas recibieron espléndidos parures.

Este esplendor ha desaparecido, pero algunas de las joyas más sencillas de su época que aún se conservan muestran una considerable variedad en el diseño. Un ejemplo de ello son los pomanders que se llevaban en el cinturón, destinados a contener sustancias aromáticas. Según un inventario de las joyas de la Corona elaborado en 1500, estas bolas de almizcle también estaban de moda en Francia.

Por otra parte, algunos parures consistían casi exclusivamente en bolas huecas que contenían perfume en forma de pasta o ámbar gris. Estos adornos perfumados estaban de moda en Francia, pero parece que se originaron en la Edad Media. Dicen mucho de aquella época, en la que se descuidaban las normas de higiene más elementales. Por cierto, véase: Explorando el mito de la «Europa sin lavar»

Las cubiertas de los libros se hacían de oro o plata desde la época bizantina -véase Fabricación de manuscritos iluminados -, pero desde el Renacimiento se cuelgan de la cintura; una de ellas, algo destartalada, representa la Serpiente de Bronce en una cara y el Juicio de Salomón en el reverso. Los temas bíblicos eran muy apreciados en Inglaterra, aunque no se limitaban a ese país.

Un retrato de Lady Frances Sidney, pintado en la segunda mitad del siglo, demuestra hasta dónde se puede llegar en el estudio del traje. La figura sostiene una marta cuya cabeza está adornada con joyas. Erasmus Hornick, de Núremberg, publicó en 1562 varios ejemplares de joyas de este tipo y algunos ejemplos de asas de abanico ricamente decoradas.

Entre las adquisiciones más suntuosas de Isabel I estaban las perlas de María, reina de Escocia, adquiridas a bajo precio tras la muerte de ésta, que pueden verse en el retrato de Isabel realizado por Isaac Oliver, otro de los mejores pintores de miniaturas de Inglaterra.

El emperador Carlos V

El sol nunca se ponía sobre los dominios de Carlos V, emperador de Alemania, archiduque de Austria, rey de España y de todas sus colonias; estas tierras disfrutaban de las riquezas del Nuevo Mundo, de los suministros de oro y plata de la India, que Europa devoraba con avidez. Las grandes ciudades alemanas, como Augsburgo y, hacia finales de siglo, Praga, gozaban de una agradable reputación como centros de orfebres, como se desprende de la lista de joyas pertenecientes a Claude, esposa de Francisco I, en la que se menciona un patenotre de oro «de factura alemana». Sin embargo, el estilo de estas piezas pertenece a los talleres de Florencia y Venecia.

La corona imperial, realizada en Praga por el joyero holandés Jan Vermeijen, es probablemente la obra cumbre de los joyeros centroeuropeos. Fue realizada para Rodolfo II en 1602 y es de estilo renacentista tardío. El esplendor de la pieza se ve acentuado por la importancia de las piedras con las que está engastada, dejando entrever la parure hoy desaparecida pero que en su día encargaban los opulentos soberanos de la época. La corona está coronada por un zafiro, y en el centro del bisel hay una gran piedra roja que parece más un granate que un rubí.

Se pueden atribuir características claramente distinguibles a todo un grupo de joyas de la segunda mitad del siglo XVI: monstruos marinos, dragones y sirenas realizados con grandes perlas barrocas engastadas en oro esmaltado, que recuerdan un diseño de Erasmus Hornick aparecido en 1562.

El tema tuvo un éxito notable. No todas son de fabricación alemana, pero sí la más famosa de ellas, la joya Canning. El rubí tallado de la caja y el rubí del colgante debieron de añadirse cuando la joya estaba en la India, de donde la trajo lord Canning.

España era un centro importante para los orfebres en el siglo XVI porque se había enriquecido más que ningún otro país con el descubrimiento de América. El medallón, atribuible al taller español, representa a San Jorge y el Dragón; tradicionalmente se cree que perteneció a Enrique VIII, y forma parte de un grupo de piezas con las mismas características. La composición está ejecutada en relieve profundo, recubierta de esmalte de vivos colores y rodeada por un círculo de oro estriado.

Aunque la austeridad del traje era una prolongación de la independencia del carácter español, no impidió que las princesas de la corte siguieran algunas modas francesas en materia de joyería; un retrato de Isabel de Valois, esposa de Felipe II, pintado hacia 1560 por Alonzo Sánchez Coelho, muestra a la reina adornada con un carcanet, mangas, tocado y ceñidor similares a los que llevaba su cuñada Isabel, esposa de Carlos IX.

La época del rey Luis XIV (reinó 1643-1715)

Los joyeros del Renacimiento eran principalmente cazadores y esmaltadores; incluso en las joyas más suntuosas las piedras estaban engastadas y aisladas por engastes de oro, que solían ocupar un lugar de honor. Hacia 1610-1620 cambió el enfoque de la joyería, la piedra empezó a valorarse por su belleza intrínseca y se hicieron considerables progresos en la talla, especialmente de diamantes.

El arte del esmalte no ha sido totalmente suplantado por la nueva y creciente importancia de las piedras, y ha alcanzado un grado de perfección al que nunca había llegado.

El esmaltado sobrevivió como ornamento de los reversos de las joyas; además, alcanzó su triunfo en dos ámbitos que, habiendo aparecido por primera vez en el siglo XVI, llegaron a la moda en el XVII: los relojes y los estuches de miniaturas. En el reloj francés, el fondo está decorado con un gran zafiro, un cabujón; la tapa consiste en otro zafiro rodeado de piedras más pequeñas, y al levantarla revela un interior decorado con flores, follaje entrelazado y pájaros.

En Inglaterra, el rey Carlos I abandonó las fastuosas joyas de sus predecesores. Los retratos de Anthony Van Dyck le muestran sólo con una gran perla en forma de pera en la oreja, que, según la tradición, llevó en el cadalso; posteriormente, María II se la regaló al primer conde de Portland, cuyos descendientes aún poseen la joya.

Mazarino, el todopoderoso cardenal, era un coleccionista empedernido de cuadros, pequeñas esculturas de bronce, grandes esculturas de mármol, objetos de arte y joyas. Coleccionó un notable juego de diamantes, algunos de los cuales habían pertenecido anteriormente a la reina Cristina de Suecia. Adquirió este conjunto comprándolos en sucesivas transacciones, con fondos obtenidos a menudo de forma deshonesta.

Durante gran parte de su reinado, Luis XIV siguió una política de prestigio, y la influencia de las joyas desempeñó un papel importante para el corazón de un hombre al que le gustaba que le compararan con el sol. Las joyas de la corona, que había recibido en depósito de sus antepasados, iban en aumento. El rey adquirió sucesivamente el diamante «Guise» y el magnífico diamante azul «Hope», que había sido traído de la India por Tavernier. Más tarde, tras haber sido robado durante la Revolución, adquirió una reputación maligna, ya que todos sus propietarios posteriores, incluido Hope, murieron de forma trágica.

El Rey también adquirió un gran zafiro de 132 quilates del Museo de Historia Natural , y un diamante «Hortensius» de 20 quilates del Louvre.

El rey poseía no menos de cuatro parures completos, dos de los cuales estaban compuestos de diamantes, uno de perlas y diamantes, y uno, para uso de día, compuesto de piedras de diferentes colores. El más importante de ellos consistía en ciento veintitrés botones, trescientos ojales, diecinueve adornos florales, cuarenta y ocho botones y noventa y seis ojales para el chaleco, a los que, por supuesto, había que añadir el broche del sombrero, las ligas, las hebillas de los zapatos, el cinturón con la cruz, la espada y la cruz del Espíritu Santo.

Este despliegue de esplendor provocó evidentemente la imitación entre los cortesanos, que cambiaban constantemente su atuendo según la moda. Los retratos muestran que los trajes de los hombres no eran menos espléndidos que los de las mujeres. En el caso de los hombres, los principales adornos consistían en piedras preciosas engarzadas en largos y exagerados ojales con brundeburgs ) se trata de broches de cuerda retorcida) o ranas.

Pronto las ranas de diamantes se extendieron a las prendas femeninas, y los brandeburgs empezaron a adornar el corpiño, complementando broches en las mangas y la falda, pendientes y un único collar de perlas alrededor del cuello, tan grande que parece que los artistas pudieron haber exagerado su tamaño a propósito.

Joyas del siglo XVIII

Desde principios del siglo XVIII, la historia de la joyería se convierte principalmente en la historia de las gemas que la componen. La belleza de las joyas viene determinada por la elección de las piedras, el corte y su disposición. Pierden su carácter objetivo, tan evidente en el siglo XVI y un poco menos en el XVII, y se convierten en joyas en el sentido moderno de la palabra, un elemento absolutamente necesario de la indumentaria, estrechamente vinculado a los cambios de la moda. Además, aparece la distinción entre joyas para el día y para la noche. Esta idea arraigó en los últimos años del siglo XVII en las recepciones de Luis XIV, donde las joyas de día eran principalmente con piedras de colores y las de noche con diamantes y perlas, que lucían mejor en los bailes iluminados con candelabros.

La explotación de las minas de Golconda (India), descubiertas en el siglo XVII, y más tarde de las minas brasileñas, aportó al mercado diamantes más bellos, más grandes, más numerosos y menos caros. El veneciano Peruzzi inventó la talla del diamante hacia 1700, y este desarrollo se sumó a los progresos ya realizados en la talla de piedras en forma de rosa. A partir de entonces, el arte del joyero consistió en engastar las gemas de forma que se obtuviera el máximo efecto de ellas.

Jean Bourget, en su libro de dibujos (1712), da muy pocos dibujos de joyas porque, dice, "es inútil porque las modas cambian constantemente y, además, los dibujos dependen más bien del número y del tamaño de las piedras que hay que trabajar."

El vellón de oro realizado para Luis XV en 1749 es un suntuoso ejemplo de audaz mezcla de colores y estaba destinado a completar la parure de piedras de colores que el rey heredó de Luis XIV. Hoy en día la pieza está rota y sólo se conoce por grabados.

El nombre de María Antonieta está ligado para siempre al caso del collar de la reina «», un collar que nunca llegó a poseer. Consistía en piedras muy grandes tachonadas con festones que recorrían su pecho. Los joyeros Bessenger y Bomer lo habían encargado en un principio para Madame du Barry, pero no se terminó tras la muerte de Luis XV. Se lo ofrecieron a María Antonieta, que lo rechazó porque Luis XVI lo consideró demasiado caro.

Se dice que muchas joyas pertenecieron a María Antonieta, siendo la más auténtica un collar de diamantes enviado por la reina a Bruselas en 1791 y devuelto por la duquesa de Angulema en 1798. Posteriormente perteneció al conde de Chambord y a la princesa Massimo, y más tarde, en 1937, fue vendido en Londres y llevado a la India, donde fue destrozado.

Fascinadas por el esplendor de Versalles, las grandes y pequeñas cortes de Alemania entraron en una rivalidad mutua en esplendor y refinamiento. En los encantadores palacios rococó construidos por el rey, el landgrave y el elector, las fiestas se sucedían y daban ocasión a parures apenas menos espléndidos que las joyas reales francesas. La vanidad de los príncipes les hacía conceder gran importancia a la posesión de alguna piedra distinguida, que debía ser la estrella de su colección, y que debía engarzarse en un marco evidentemente dictado por la moda parisina.

Sin embargo, incluso este esplendor se vio desbordado por el lujo desbordante de la corte de San Petersburgo. Hacia 1750, Isabel la Católica encargó un broche para el manto imperial, así como otras tres bellas piezas de estilo francés. Para su coronación (1762), Catalina II encargó una corona imperial al orfebre Pozier, de origen francés. No estuvo lista a tiempo, pero sus sucesores la llevaron hasta la época de Nicolás II. En 1772, la emperatriz compró un magnífico diamante al conde Orlov, su amante, que fue engastado en el cetro imperial y ha permanecido como uno de los mayores tesoros de Rusia.

Joyas del siglo XIX

La Revolución Francesa marcó el inicio de un periodo desfavorable para el arte de la joyería. La nueva ideología produjo en Francia joyas adecuadas a los acontecimientos, pero su calidad es tan mediocre que parecen no haber sido concebidas para durar.

En cuanto a las joyas de la corona, los resultados fueron trágicos. En 1791 el rey las depositó en su totalidad en la cámara acorazada del mobiliario real (actual Ministerio de Marina), donde quedaron encerradas, pero de allí fueron robadas entre el 11 y el 17 de septiembre de 1792. Los ladrones entraron en la cámara acorazada por una ventana para no romper los precintos de las puertas. Tuvieron así seis días para escapar, y la pérdida se descubrió demasiado tarde. Sin una base real para el robo, circularon muchos rumores al respecto, entre ellos el de que los girondinos se habían asegurado el apoyo del duque de Brunswick, el líder de las fuerzas enemigas, con la ayuda de las joyas, y así habían ganado la batalla de Valmy.

Después de muchas denuncias, investigaciones y largas búsquedas, se encontraron la mayoría de las joyas. La República, que nunca se atuvo a las ceremonias cuando sus intereses estaban en juego, envió a cinco malhechores al cadalso por el delito.

El tesoro, sin embargo, se enriqueció con las piedras confiscadas a los emigrantes, así como con las piedras del rey de Cerdeña confiscadas en Holanda como propiedad enemiga (habían sido enviadas allí como garantía de un préstamo).

Aparte de las piezas ceremoniales, las joyas de uso cotidiano eran decididamente más sencillas. El gusto por lo antiguo hizo resurgir la moda de los camafeos; María Luisa tenía toda una parure de este tipo. La importancia concedida a los camafeos se pone de relieve en la parure de la reina María Carolina de Nápoles, pues en un retrato de Vigée Lebrun vemos que están rodeados de enormes perlas.

Los retratos de Madame Rivière y Madame de Senonne por Jean Engrand nos dan una idea bastante precisa de joyas más bien modestas que eran puramente decorativas, equivalentes, más o menos, a la bisutería moderna. Las joyas de fundición berlinesas con medallones, calados y predilección por los temas neoclásicos entran en la misma categoría.

Las amatistas y los topacios, que hasta entonces sólo habían desempeñado un papel auxiliar, se pusieron de moda repentinamente en 1800, cuando el Morning Post las declaró preferibles a todas las demás piedras para collares y pendientes, y toda la moda se originó al parecer en Inglaterra. En Francia, la moda se extendió hacia 1820.

El eclecticismo, sello distintivo del siglo XIX, pronto se dejó sentir en la joyería, que durante este periodo tendió a buscar inspiración en diversas fuentes del pasado. En general, los primeros años del siglo se mantuvieron fieles al estilo antiguo, pero pronto aparecieron novedades: hacia 1820 había una fuerte tendencia a imitar la naturaleza, que no hacía más que prolongar la tendencia del siglo XVIII en el siguiente: ramos de flores en joyas, que siempre tendían a imitar la realidad de una forma más realista. Para que la ilusión fuera más completa, algunos ramitos se sujetaban a «aletas», de modo que temblaban al menor movimiento de la persona que los llevaba. La obra maestra en este campo fue un «ramo de lilas» presentado en la exposición internacional de 1867 y comprado por la emperatriz Eugenia. Alrededor de 1840 surgió la moda de los pampillones, flores rodeadas de pequeños diamantes.

La conquista de Argelia popularizó las joyas moriscas, a menudo decoradas con caracteres árabes, una moda que se originó en Francia y que pronto fue imitada en otros países, siendo especialmente popular entre 1840 y 1860. Los lienzos de Delacroix y de los menos conocidos Fromentin y Ziem respondieron con genialidad al gusto por lo oriental, culminando en los salones turcos para fumadores, tenuemente iluminados, que los grandes hoteles e incluso las casas particulares llegaron a considerar imprescindibles.

El diamante Koh-i-Nor, que perteneció al Gran Mogol, fue recortado muy torpemente, y su peso original de 800 quilates se redujo a 279. El rubí de Timur, en el que estaban inscritos en persa los nombres de sus sucesivos propietarios, Tamerlán, Sha de Persia, Emperador Jehangir, Nader Shah y Maharajá Rangit Singh, se encajó en el collar.

Las exposiciones internacionales, así como el lujo de la corte imperial, demostraron la excelencia de la joyería parisina. Junto a las firmas antiguas y consolidadas, como Mellerio y Bapst (que se habían fusionado con Lucien Falise en 1879), aparecieron otras nuevas, como Cartier y Boucheron, con buenas perspectivas de futuro.

Las primeras piedras procedentes de las minas sudafricanas recién descubiertas se comercializaron en París en 1869, proporcionando a los joyeros piedras más grandes y abundantes. Desde entonces, los engastes son cada vez más ligeros, por lo que lo ideal es que pasen lo más desapercibidos posible: la montura de ilusión «» arraiga y se generaliza en el último cuarto de siglo, cuando los engastes se vuelven completamente invisibles.

Para lograr este resultado, se utilizaron nuevos metales para engastar las piedras. Desde el siglo XVII, la plata se convirtió en el engaste tradicional, pero a partir de mediados del siglo XIX empezó a imponerse el oro, no sin cierta resistencia.

El mayor diamante conocido hasta la fecha, «el Cullinan», fue regalado por el gobierno del Transvaal a Eduardo VII, y de él proceden la primera y la segunda estrellas africanas que adornan la corona de Estado y el cetro real de Inglaterra.

Colecciones

Se pueden ver colecciones de joyas en muchos de los mejores museos de arte de todo el mundo, sobre todo en el Louvre de París, la Colección Real Británica de Windsor, el Museo Victoria y Alberto de Londres, el Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Boston, el Instituto de Arte de Chicago y el Instituto de Arte de Detroit.