Movimientos de arte moderno (1870-1970) 
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«Arte moderno» es un término amplio que se refiere al arte creado entre 1870 y 1970. Algunos historiadores prefieren limitar el «arte moderno» al siglo XX, pero es más habitual tomar el impresionismo como punto de partida, y la década de 1960 suele considerarse la transición entre el «arte moderno» y su sucesor «arte posmoderno».
«El arte moderno» ha sido testigo de muchos grandes movimientos artísticos internacionales, y también ha dado lugar a formas totalmente nuevas de expresión creativa, entre las que se incluyen: la arquitectura de rascacielos (década de 1880); el arte del cartel cromolitográfico (décadas de 1880 y 90); el arte de la animación (a partir de la primera película de animación en 1906); el collage (a partir de 1912); el arte de la performance (a partir de Dadá); los ensamblajes (a partir de 1953); el land art (década de 1960). También llevó algunas formas a nuevas cotas, por ejemplo: la caricatura y la fotografía. En la fase final «del periodo moderno» surgieron varios tipos de arte de vanguardia, como el arte conceptual (impulsado por Robert Rauschenberg en los años 50) y el videoarte (impulsado por Wolf Wostell y Andy Warhol a finales de los años 50 y 60), Sin embargo, dado que estas formas están más estrechamente relacionadas con el arte actual, las consideramos en nuestro artículo sobre los movimientos artísticos contemporáneos (a partir de 1970).
Para una breve guía de los principales estilos y escuelas, véase: Movimientos, periodos y escuelas artísticos .
Movimiento impresionista (1870-1880)
Bautizado por el historiador del arte francés Louis Leroy a partir del cuadro de Monet Impresión: Amanecer (1873), el Impresionismo fue un estilo espontáneo de pintura de paisaje al aire libre cuyo objetivo era la representación precisa de la luz. La pintura plein air de Monet, Sisley, Renoir y Camille Pissarro ejemplifica el estilo, aunque otros artistas pertenecieron al grupo impresionista, entre ellos Edgar Degas, Paul Cézanne, Frédéric Bazille, Gustave Caillebotte y Mary Cassatt, una de las principales figuras del movimiento impresionista estadounidense (c. 1880-1900). Whistler y sus discípulos Sickert y Steer introdujeron este movimiento en Gran Bretaña, que fue promovido por el New England Art Club. Tras producir algunas de las mejores pinturas modernas del siglo XIX, el impresionismo fue sustituido por el neoimpresionismo de Seurat y el postimpresionismo de Cézanne.
Neoimpresionismo (década de 1880)
Término dado por el crítico de arte francés Félix Fénéon (1861-1944) a las obras de Georges Seurat, Paul Signac y sus seguidores como Camille y Lucien Pissarro. El estilo se basaba en una técnica pictórica óptica denominada puntillismo (una rama del divisionismo). En lugar de mezclar los colores antes de aplicarlos al lienzo, los colores primarios se aplicaban directamente al cuadro -en grupos de pequeños trazos o puntos- para que el ojo del espectador pudiera mezclarlos «por sí mismo». Este estilo influyó posteriormente en el fauvismo. Para más información, véase: Neoimpresionismo . Para el desarrollo del estilo en Italia bajo Vittore Grubici, véase: Divisionismo italiano (1890-1907).
Escuela de Newlyn (fl.1884-1914)
Liderada por Stanhope Forbes, Frank Brumley y Norman Garstin , la Escuela de Newlyn se inspiró en la tradición de la pintura naturalista plein air de la Escuela francesa de Barbizon y trató de reproducir las realidades de la vida rural.
Moderna (1890-1914)
Derivado de una tienda parisina llamada «Maison de l’Art Nouveau» propiedad del coleccionista vanguardista Siegfried Bing (1838-1905), el estilo Art Nouveau se originó en el Movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña (notablemente, William Morris) -también influido por motivos celtas y japoneses- y se popularizó en la Exposición Universal de París de 1900, antes de extenderse por Europa y Estados Unidos. El Art Nouveau, un estilo altamente decorativo del diseño artístico (llamado Jugendstil en Alemania, Sezessionstil en Austria, Stile Liberty en Italia, Modernista en España), se caracterizaba por complejos patrones fluidos de sinuosas líneas asimétricas basadas en formas vegetales.
Los motivos de hojas y zarcillos son populares en el Art Nouveau, al igual que las siluetas y formas femeninas. El estilo se manifestó en el diseño de interiores, la metalistería, la cristalería, la joyería, el diseño de carteles e ilustraciones, así como en la pintura, la escultura y el cartelismo. Algunos ejemplos son las pinturas e ilustraciones de Gustav Klimt, primer presidente de la Secesión de Viena, así como los carteles de Alphonse Mucha (1860-1939), Arthur Rackham y Aubrey Beardsley, y los motivos arquitectónicos serpentinos de Victor Horta, del grupo de artistas de Bruselas Les Vingt . También ejerció una gran influencia en la Secesión de Múnich (1892) y la Secesión de Berlín (1898) en Alemania. Le sucedió el Art Déco .
Arte simbolista (finales del siglo XIX)
Inspirado en la mitología y caracterizado por una sensibilidad mística y sublime con contenido a veces erótico, el Simbolismo supuso una mejora de la tradición romántica. Sus pioneros fueron Caspar David Friedrich y Heinrich Fuseli, y sus exponentes contemporáneos Gustave Moreau, el muralista Puvis de Chavannes y Odilon Redon. Influyó en el movimiento modernista y «Nabi», así como en los expresionistas Edvard Munch y Franz von Stuck.
Postimpresionismo (décadas de 1880 y 1890)
El postimpresionismo es un término genérico que engloba los numerosos grupos y estilos de la pintura postimpresionista, ejemplificada por la obra de artistas como Paul Gauguin, Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec y Henri Rousseau. Cézanne seguía un estricto enfoque clásico de la pintura plein air; Gauguin utilizaba colores saturados pero prefería la pintura de estudio en interiores; Van Gogh pintaba al aire libre pero más para expresar sus emociones interiores que para captar la naturaleza; y Toulouse-Lautrec se especializó en escenas de género en interiores.
Siguiendo los pasos del Sintetismo (desarrollado por Gauguin) y el Cloisonismo (inventado por Emile Bernard y Louis Anquetin) surgió un grupo artístico de principios de siglo llamado Les Nabis, compuesto por jóvenes artistas atraídos por el contenido decorativo y espiritual de la pintura. A su líder, Paul Sérusier (1864-1927), y al principal teórico del grupo, Maurice Denis (1870-1943), se unieron Pierre Bonnard (1867-1947), Paul Ranson (1862-1909), Ker-Xavier Roussel (1867-1944), Henri Ibels (1867-1936) y Edouard Vuillard (1868-1940). De «nabi» surgió otro estilo de pintura postimpresionista conocido como intimismo, ejemplificado por las tranquilas escenas de género doméstico de Édouard Vuillard, su íntimo amigo Pierre Bonnard y Gwen John. Artistas escandinavos como Hammershøj y P. S. Kroyer también lo comprendieron. En Gran Bretaña, el postimpresionismo fue abrazado por el grupo de Camden Town, fundado en 1911 por Walter Richard Sickert, que se hizo famoso por sus desnudos e interiores.
Les Fauves (1905-1908)
Influenciado por Paul Gauguin, el fauvismo fue un movimiento importante en la historia de la pintura expresionista, que abogaba por los colores brillantes y la pincelada salvaje - de ahí su apodo Les Fauves («Bestias salvajes») que les dio el crítico Louis Vossel tras su primera exposición en el Salon d’Auto de París en 1905. Entre los pintores fauvistas se encontraban Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck, Albert Marquet y Georges Braque. En Gran Bretaña, el fauvismo fue practicado por un grupo de artistas escoceses conocidos como los Coloristas Escoceses . Entre ellos se encontraban J. D. Fergusson, Samuel John Peplow, Francis Cadell y Leslie Hunter. Para más detalles, véase Fauvismo .
Movimiento expresionista (a partir de 1905)
Personificado por Vincent van Gogh, cuyas pinceladas frenéticas y colores intensos reflejaban su estado interior más que las escenas que pintaba, el expresionismo es un estilo cuyo objetivo es representar una interpretación de una escena más que simplemente reproducir sus características reales. Uno de los primeros ejemplos de este estilo es el Expresionismo alemán, que se desarrolló en Múnich y sus alrededores con el cuadro Der Blaue Reiter («El jinete azul»), y en Dresde con Die Brucke («El puente»).
El movimiento se extendió por todo el mundo y generó sus propias variedades -incluido el Expresionismo Abstracto- en América en las décadas de 1940 y 1950. Influido por el Romanticismo, el Simbolismo, el Postimpresionismo, el Fauvismo y el Cubismo, el movimiento expresionista abarcó todos los géneros, incluidos el paisaje, el retrato, la pintura de género y la naturaleza muerta. Entre los pintores expresionistas más destacados se encuentran Wassily Kandinsky, Franz Marc, Edward Munch, Modigliani, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Otto Dix, así como Pablo Picasso y Francis Bacon.Para obras específicas, véase: Pintura expresionista (1880-1950).
El puente (Die Brucke) (1905-13)
«El Puente» fue un grupo expresionista alemán fundado en Dresde en 1905. Combinaba elementos del arte tradicional alemán con estilos africanos, postimpresionistas y fauvistas. Sus principales miembros eran Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Fritz Bleul, Erich Geckel y Emil Nolde. No duró mucho, pero fue influyente.
El Jinete Azul (Der Blaue Reiter) (1911-14)
Fundado en Múnich, el grupo «El Jinete Azul» incluía a Wassily Kandinsky, Franz Marc, Alexei von Jawlensky, August Mack, Gabriele Münter y Paul Klee. Más que un grupo cerrado, se trataba de una asociación informal que tomó su nombre del cuadro que Kandinsky utilizó en la portada del Almanaque o Manifiesto de 1912. Las actividades del grupo se vieron interrumpidas por la Primera Guerra Mundial, durante la cual murieron tanto Macke como Marc.
Escuela Ashcan, Nueva York (en activo 1900-15)
La llamada Escuela Ashcan estaba formada por un grupo progresista de artistas e ilustradores estadounidenses de principios del siglo XX (a veces denominados Realistas de Nueva York) que representaban la realidad urbana de la vida neoyorquina con un estilo sombrío y espontáneo. El movimiento Ashan incluía a Arthur B. Davis, William Glackens, Robert Henri, George Loucks, Everett Shinn y John Sloan. Otros artistas cuya obra se considera reflejo de la Escuela Ashan son: George Wesley Bellows, Guy Pan Du Bois, el famoso Edward Hopper y Alfred Maurer.
El arte del cubismo (Europa, 1908-1914)
El Cubismo se inventó y formuló entre 1908 y 1912 en una colaboración entre Georges Braque y Pablo Picasso, muy influidos por los paisajes cuadriculados de Paul Cézanne y (en el caso de Picasso) por la imaginería africana: véase su impresionante «Avignon Demoiselles»).
En parte como reacción contra los bellos cuadros del Impresionismo, un estilo que carecía de interés intelectual para Picasso, el Cubismo volvió a centrar la atención en la naturaleza esencialmente bidimensional del lienzo plano, trastornando en el proceso los sistemas tradicionales de perspectiva y las maneras de percibir la forma.
El movimiento se desarrolló en tres etapas: protocubismo (la primera etapa de Picasso y Braque contenía cubos «singulares», que pueden verse); cubismo analítico, un estilo riguroso que dividía las imágenes tridimensionales en una serie de planos que se intersecan; por último, cubismo sintético, un estilo más ligero y colorista que «construía» imágenes, a veces utilizando diferentes «materiales encontrados».
El cubismo tardío de Picasso, un lenguaje más representativo que sus estilos cubistas anteriores, se muestra en obras como Mujer llorando (1937, Tate Collection), y Guernica (1937, Reina Sofía, Madrid). Otros artistas cubistas importantes fueron Juan Gris y Fernand Léger.
Aunque el movimiento duró relativamente poco, revolucionó la pintura del siglo XX e inició una nueva tradición de arte abstracto. El cubismo recibió un considerable apoyo promocional de su portavoz, el marchante de arte de origen alemán Daniel-Heinrich Kahnweiler (1884-1979). Para un importante grupo cubista escindido, véase: Secteur d’Or, una rama del grupo parisino Pouteau.
Cubismo órfico (Orfismo) (1914-15)
Movimiento artístico abstracto parisino, más conocido como Orfismo, cuyo estilo se caracterizaba por la pintura libre con manchas de colores del arco iris. El nombre (Orfeo era un poeta y músico mitológico de la antigua Grecia) fue acuñado por el historiador del arte francés Guillaume Apollinaire al describir el efecto «musical» de las pinturas abstractas del cubista Robert Delaunay (que consistían en planos superpuestos de colores contrastados o complementarios) para distinguirlas del cubismo en su conjunto. El propio Delaunay utilizó el término simultanismo para caracterizar sus obras.
Otro representante del orfismo fue el artista y anarquista franco-checo Frank Kupka, uno de los primeros en crear un verdadero arte abstracto caracterizado por sólidos bloques geométricos de color. Este estilo era muy similar al Sincromismo, un método de pintura propuesto en París en 1913 por dos artistas estadounidenses, Morgan Russell (1886-1953) y Stanton MacDonald-Wright (1890-1973).
Fotografía
La fotografía fue adquiriendo importancia a medida que avanzaba la época. En América esto se debió en gran medida al influyente trabajo de Alfred Stieglitz, que fundó la Photographic Secession en su galería «291» de Nueva York. Edward Steichen fue otro pionero. Ambos fueron conocidos por su pictorialismo (1885-1915). Otros géneros fotográficos que se desarrollaron durante la era del arte moderno incluyen: la fotografía callejera (desde 1900 hasta la actualidad), ejemplificada por la obra de Henri Cartier-Bresson; la fotografía documental, como en la serie de fotografías de acción y pintura de Jackson Pollock, de Hans Namuth; la fotografía de moda (desde 1880), ejemplificada por las imágenes de Man Ray, Richard Avedon, Cecil Beaton, Norman Parkinson e Irving Penn.
Collage (a partir de 1912)
También conocido como papier collés o découpage, el arte del collage fue introducido por primera vez por Georges Braque en 1912 cuando pegó tres trozos de papel pintado a su dibujo cubista sintético «Plato de frutas y cristal». El collage implica el uso de objetos como trozos de papel, fotografías, recortes de periódico, telas y otros «objetos encontrados», incluso objetos tridimensionales, que se adhieren al lienzo para crear un efecto de técnica mixta. Otros artistas destacados por su trabajo con la técnica del collage son Picasso, Alexander Rodchenko y el extraordinario solitario Kurt Schwitters, conocido por sus collages a pequeña escala Merzbilder . La técnica del collage ejerció una gran influencia en las formas posteriores del assemblage.
Futurismo (1909-1914)
Lanzado en 1909 por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti en un manifiesto que apareció en la portada del periódico parisino Le Figaro, el Futurismo rechazaba todo arte tradicional, celebrando en su lugar el mundo moderno de la industria con obras que combinaban elementos del Neoimpresionismo y el Cubismo. Entre sus miembros más destacados se encontraban Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carra y Gino Severini.
Lucismo (c. 1912-14)
El luchismo fue un movimiento artístico ruso de vanguardia de estilo cuasi cubista, liderado por Mijaíl Lariónov y su compañera Natalia Goncharova, que más tarde se instalaron en París. El tema del luchismo era el paisaje abstracto, formado por luz o rayos de luz representados en patrones de formas lineales.
Suprematismo (c. 1913-1918)
Basado en los ideales utópicos del nihilista Kazimir Malevich (1878-1935), el Suprematismo expresaba una confianza ilimitada en la capacidad de los ingenieros para crear un nuevo mundo soviético. La primera exposición suprematista se celebró en San Petersburgo en diciembre de 1915 y en ella se expusieron treinta y cinco obras abstractas de Malevich, entre ellas su famoso «Cuadrado negro», colgado como un icono en lo alto de una esquina, así como otros muchos rectángulos, triángulos y círculos, muchos de ellos en colores brillantes.
La exposición recorrió más tarde Moscú y Vitebsk. En 1918, Malevich fue nombrado miembro del Comisariado de Educación y enseñó en la Academia de Arte de Vitebsk, fundada por Mark Chagall. El suprematismo fue un movimiento artístico clave en Rusia, estrechamente relacionado con la revolución. Otros artistas suprematistas famosos fueron Lazar Lissitzky, Ivan Vasilievich Klun y László Moholy-Nagy. Desilusionado con la vida posterior, en 1935 ya pintaba cuadros realistas.
Constructivismo (c. 1919-32)
El Constructivismo fue un austero pero importante movimiento ruso de arte abstracto y diseño fundado por Vladimir Tatlin (1885-1953), al que más tarde se unieron Alexander Rodchenko (1891-1956) y los hermanos Antoine Pevzner (1886-1962) y Naum Gabo (1890-1977). Interesados por la abstracción, el espacio, los nuevos materiales y la forma tridimensional, los artistas constructivistas desarrollaron el arte arquitectónico en un intento directo de reflejar el mundo industrial moderno.
El propio Vladimir Tatlin estuvo muy influido por las construcciones tridimensionales de Picasso, algunas de las cuales vio de primera mano en el estudio de Picasso en París en 1913. En 1923, el movimiento expuso sus ideas en un manifiesto, en el que expresaba la opinión de que los artistas debían concentrarse en organizar los materiales y construir las obras como si estuvieran fabricando un coche.
Reprimidas posteriormente por Stalin, las ideas del constructivismo llegaron a Occidente a través de Naum Gabo y Antoine Pevzner e influyeron fuertemente en escultores contemporáneos como Barbara Hepworth y Ben Nicholson. En Gran Bretaña, hacia 1950, el movimiento se reinterpretó como constructivismo, en las pinturas geométricas de Victor Pasmore y otros.
Vorticismo (c. 1914-15)
Análogo británico del futurismo italiano, el vorticismo fue un movimiento artístico de vanguardia influido por el cubismo y el futurismo, fundado en Londres por el pintor, ilustrador y artista de guerra Percy Wyndham Lewis (1882-1957). La única exposición vorticista se celebró en Londres en 1915. Con la pretensión de crear «una nueva abstracción viva», las obras de los vorticistas combinan la fragmentación cubista con una iconografía rígida que refleja la tecnología y el entorno urbano.
También formaban parte del grupo Cuthbert Hamilton, William Roberts, Lawrence Atkinson, Jessica Dismorr, Helen Saunders, Edward Wadsworth y los escultores Jacob Epstein y Henri Gaudier-Brzeska. Tras la exposición, el grupo se disolvió, aunque Wyndham Lewis intentó revivir brevemente sus ideas formando el Grupo X en 1920 «».
Dadá (Europa, 1916-1924)
Fundado en Zurich durante la Primera Guerra Mundial, Dadá fue el primero de los movimientos antiartísticos modernos, cuyos miembros, indignados por la carnicería de la Guerra Mundial de 1914, se dedicaron a un estilo artístico que pretendía desafiar deliberadamente todos los valores tradicionales de una sociedad que podía permitir semejante barbarie.
Los dadaístas utilizaron tácticas de choque y el absurdo para crear obras de arte y «performances» completamente irracionales o disparatadas, incluidas esculturas y las primeras instalaciones, que a menudo creaban utilizando diversos objets trouvés ) objetos encontrados), una subcategoría de los cuales fueron los «readymades «de Marcel Duchamp.
El dadaísmo se convirtió en un movimiento internacional, y sus temas acabaron convirtiéndose en una parte importante del surrealismo en París después de la guerra. Entre sus miembros más destacados se encontraban Jean Arp, Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray, John Hartfield y Schwitters. El dadaísmo inspiró muchos estilos y grupos posteriores, como Fluxus, Neo-Dada, Nouveau Realism y Pop Art.
De Stijl (1917-31)
De Stijl (palabra neerlandesa «estilo») - nombre de un grupo de artistas (y de la revista de arte, diseño y estética que publicaban, que fue una de las revistas vanguardistas más influyentes de la década de 1920). Fundado en los Países Bajos durante la Primera Guerra Mundial por Theo van Doesburg, el anciano Piet Mondrian, el arquitecto Gerrit Rietveld y Bart van der Lek, propugnaba un tipo geométrico de arte abstracto (Van Doesburg lo llamó más tarde arte concreto) basado en leyes universales de armonía que serían igualmente aplicables a la vida y al arte. La mayor influencia de este movimiento se produjo en la arquitectura.
Aunque Piet Mondrian se separó del grupo en 1923, permaneció fiel a sus temas durante el resto de su vida, convirtiéndose para entonces en uno de los pintores abstraccionistas más famosos. En comparación, el más inquieto Van Doesburg abandonó uno de los principios básicos del De Stijl en 1924, sustituyendo las diagonales por verticales y horizontales en busca de un mayor dinamismo.
Neoplasticismo (1918-26)
Término utilizado para describir un estilo de pintura inventado por Piet Mondrian. Deriva de las palabras holandesas «Nieuwe Beelding», que Mondrian utilizó en sus artículos de la revista De Stijl (1917-19) y en su libro «Neo-Plasticisme» de 1921 para describir su propio tipo de arte abstracto. Esto significa esencialmente «Neoplasticismo», ya que la escultura y algunos tipos de pintura se consideran «artes plásticas». Sin embargo, la versión alemana «Neue Gestaltung» (nueva creación de formas) transmite mejor el significado de las palabras de Mondrian. Utilizó este título para promover «la nueva formación de formas» en el sentido más amplio, así como sus propias ideas e imágenes.
En su largo ensayo «El neoplasticismo en el arte pictórico» Mondrian escribió: "La nueva idea plástica… debe encontrar su expresión en la abstracción de la forma y el color, es decir, en una línea recta y un color primario claramente definido". Así pues, en cierto sentido el neoplasticismo era una forma ideal de pintura que sólo utilizaba el color, la línea y la forma puros. Además de insistir sólo en los colores primarios (o no colores), abogaba exclusivamente por cuadrados, rectángulos y líneas rectas horizontales o verticales. A pesar de su desacuerdo con Van Doesburg sobre el inicio del Elementalismo, en 1924, las teorías de Mondrian ejercieron una enorme influencia en la pintura posterior, y actualmente se le considera uno de los más grandes artistas modernos.
Escuela Bauhaus (Alemania, 1919-1933)
Fundada en 1919 por el pionero arquitecto moderno Walter Gropius en Weimar, Alemania, la Escuela de Diseño Bauhaus fue una escuela de arte revolucionaria de la que derivaron muchas otras. Su nombre, derivado de dos palabras alemanas «bau» - construir y «haus» - casa, junto con el sistema de comunidades de artistas, alude a la idea de una hermandad que trabaja para crear una nueva sociedad. Entre sus maestros estaban Josef Albers, Lionel Feininger, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer, László Moholy-Nagy, Anni Albers y Johannes Itten, que ejercieron una gran influencia en la arquitectura y el diseño.
El objetivo declarado de la escuela era poner el arte en contacto con la vida cotidiana, por lo que se daba al diseño la misma importancia que a las bellas artes. Entre los principios básicos que se enseñaban en la Bauhaus estaban las virtudes del diseño simple y puro, la abstracción, la producción en serie, las ventajas éticas y prácticas de un entorno bien diseñado, y la democracia y la participación de los trabajadores.
En 1925 la Bauhaus se trasladó a un nuevo edificio en Dessau y en 1932 se trasladó a Berlín, donde fue cerrada por los nazis en 1933. Sus profesores se dispersaron y algunos se trasladaron a América: Moholy-Nagy se fue a Chicago, donde fundó la Nueva Bauhaus en 1937, y Albers se llevó sus métodos de la Bauhaus al Black Mountain College de Carolina del Norte y luego a la Universidad de Yale.
Purismo (Principios, mediados de la década de 1920)
Movimiento parisino de moda de los años veinte, fundado por Edouard Jeanneret (más conocido como Le Corbusier) y Amedy Ozenfant, basado en las teorías expuestas en su libro de 1918 Après le Cubisme (Después del cubismo). En desacuerdo con la fragmentación del Cubismo, produjeron arte figurativo (principalmente naturalezas muertas) cuyas formas básicas estaban desprovistas de detalles y eran ostensiblemente puras en color, forma y diseño. Otros artistas asociados a este movimiento, que alcanzó su punto álgido en la Exposición Internacional de Arte Decorativo e Industrial de París de 1925, fueron Fernand Léger, Juan Gris y el escultor ruso-lituano Jacques Lipchitz.
Precisionismo (Cubismo-Realismo) (principios de los años veinte)
Influencia importante en la pintura moderna de Estados Unidos, el Precisionismo fue un movimiento americano (también llamado Realismo Cubista) centrado en la industria moderna y los paisajes urbanos, caracterizado por representaciones realistas de objetos, pero de una manera que también enfatizaba su forma geométrica.
Estilo idealizado, casi romántico, ejemplificado en las obras de Charles Demuth y Charles Sheeler, mientras que las pinturas urbanas de Georgia O’Keeffe también pertenecen al género del precisionismo. Véanse también las fotografías de Charles Sheeler de la Ford Motor Works «River Rouge».
Movimiento surrealista (a partir de 1924)
Arraigado en la pintura metafísica de Giorgio de Chirico (1888-1978), las revolucionarias ideas pictóricas del cubismo, el arte subversivo del dadaísmo y las ideas del psicoanálisis de Sigmund Freud y Carl Jung, el surrealismo fue el movimiento artístico de vanguardia más influyente de los años de entreguerras. Su objetivo, según su padre fundador, el escritor francés André Breton -en su Manifiesto del Surrealismo de 1924-, era fusionar el inconsciente (la parte de la mente humana donde se almacenan los recuerdos y los instintos) con la conciencia para crear una nueva «superrealidad» - Surrealismo .
Movimiento intelectual amplio, el Surrealismo incluía una variedad de estilos que iban de la abstracción al expresionismo y al realismo total, caracterizados por imágenes extrañas, alucinatorias o fundamentalmente «irreales». Entre los principales artistas surrealistas se encuentran Salvador Dalí (1904-1989), Max Ernst (1891-1976), René Magritte (1898-1967), André Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-1955), Joan Miró (1893-1983), Jean Arp (1886-1966) y Man Ray (1890-1976). Su influencia directa fue evidente en Alemania, en el realismo mágico de Franz Roh, y después en Gran Bretaña, donde el surrealismo británico fue fundado en 1936 por el escritor Herbert Read junto con los artistas David Gascoyne, Paul Nash y Roland Penrose.
La primera exposición surrealista internacional se inauguró en Londres en 1936 y despertó un enorme interés, sobre todo por la actuación del epatante autopromocionador Salvador Dalí desde el interior de una escafandra autónoma. El surrealismo tuvo una enorme repercusión en Europa, y pocos artistas europeos de la década de 1930 dejaron de verse afectados por el movimiento. Sigue teniendo una influencia significativa en el arte, la literatura y el cine.
Art Déco (c. 1925-40)
Estilo de diseño decorativo y arquitectura popular y de moda en los años de entreguerras (muy apreciado por los arquitectos de cines y hoteles), El Art Déco se extendió también al mobiliario, la cerámica, los tejidos textiles, la joyería y el vidrio. Introducido en 1925 en la Exposición Internacional de Arte Decorativo e Industrial Moderno celebrada en París, el Art Déco fue esencialmente una reacción contra el Art Nouveau, sustituyendo las fluidas formas curvilíneas de este último por formas geométricas inspiradas en el Cubismo y el Precisionismo.
Ejemplos clásicos del diseño Art Déco son el Chrysler Building y el Empire State Building de Nueva York. El Art Déco también se inspiró en la arquitectura contemporánea de la Bauhaus. Entre los artistas asociados al Art Déco destacan la retratista laica polaco-rusa Tamara de Lempicka, el artista del vidrio René Lalique y el diseñador gráfico Adolphe Mouron.
Escuela de París (Escuela de París)
Durante medio siglo (1890-1940) París siguió siendo el centro del arte mundial, que culminó con las deslumbrantes obras del Impresionismo, el Postimpresionismo, el Fauvismo, el Cubismo, el Dadá y el Surrealismo. Escuela de París - término utilizado por los historiadores del arte para referirse a la comunidad de artistas, tanto franceses como extranjeros, que trabajaron en la ciudad en la primera mitad del siglo XX, más que a un estilo, escuela o movimiento estrictamente definidos.
Por muchas razones, París resultaba excepcionalmente atractiva para los artistas. Estaba libre de la represión política, era el hogar de un gran número de influyentes artistas del siglo XX (por ejemplo. Pablo Picasso, Georges Braque, Georges Rouault, Henri Matisse, Fernand Léger, Amedeo Modigliani, Piet Mondrian, Marc Chagall, Chaim Sutin, Mikhail Larionov, Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi y muchos otros), así como un próspero mundo del arte con galerías, coleccionistas y críticos que apoyaban a los artistas de talento. Los líderes gemelos ) chefs d’école) fueron Picasso y Matisse.
Neue Sachlichkeit (Alemania, c. 1925-35)
Die Neue Sachlichkeit, término alemán que significa «Nueva Objetividad», es el nombre dado a un grupo de pintores expresionistas en Alemania en la década de 1920, formado a partir de su exposición Neue Sachlichkeit de 1925 en Mannheim. Fue la tercera fase del movimiento expresionista en Alemania, después de Die Brucke («El puente») y Der Blaue Reiter («El jinete azul»). Entre los principales colaboradores se encontraban Otto Dix, Georg Grosz, Christian Schad y, en menor medida, Georg Schrimpf y Max Beckmann. Aunque el comisario de la exposición, G.F. Hartlaub, describió las pinturas del grupo «como nuevo realismo con sabor socialista», el estilo era claramente expresionista en su representación satírica de la corrupción y la decadencia en la Alemania de Weimar de posguerra.
Realismo mágico (1925-40)
A pesar de la influencia del Surrealismo, el realismo mágico formaba parte en realidad de la tendencia «de vuelta al orden» que surgió en Europa tras la Primera Guerra Mundial en la década de 1920. El nombre procede de un libro de 1925 del historiador y crítico de arte alemán Franz Roch titulado «Nach Expressionismus: Magischer Realismus «(Después del expresionismo: realismo mágico). El grupo incluía a Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Alexander Kanoldt y Adolf Ziegler.
Realismo socialista (1928-1980)
El Realismo Socialista fue una forma de propaganda política heroica utilizada por el dictador José Stalin en Rusia a partir de 1929 para apoyar su programa de desarrollo industrial acelerado. Proclamado oficialmente por su icono artístico, Maxim Gorki, en el Congreso de Escritores Soviéticos de 1934, el estilo o tendencia consistía en la creación de imágenes audazmente optimistas para predicar los logros del Estado soviético e inspirar a los trabajadores a realizar hazañas laborales estajanovistas.
El medio más utilizado por los artistas del realismo socialista fue el cartel, aunque también se produjeron pinturas y esculturas, normalmente a escala monumental, que representaban a individuos y grupos de personas intrépidas en poses idealistas y heroicas.
Realismo socialista (América) (1930-45)
Categoría general que describe las obras de arte que se centran en temas relativamente discretos relacionados con la vida cotidiana, en contraposición a las «pinturas idealistas» o románticas utilizadas por los artistas antes del siglo XIX. Abarca la pintura paisajista americana y el regionalismo.
El realismo social se refiere a los artistas de orientación social de la época de la Depresión, como Ben Shahn, Reginald Marsh, Moses Sawyer, Raphael Sawyer, William Gropper, Jack Levine, Jacob Lawrence e Isabel Bishop. Se inspiraron en las tradiciones de la anterior escuela Ashcan de Nueva York. Fotógrafos como Dorothea Lange (1895-1965) y Walker Evans (1903-1975) también contribuyeron al movimiento con sus retratos de trabajadores inmigrantes de la época de la Depresión.
Murales mexicanos (Muralismo) describe una campaña nacional de pintura mural concebida por el Secretario de Educación José Vasconcelos Calderón (1882-1959). Entre los artistas mexicanos que participaron en esta campaña se encontraban Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, así como Alfredo Martínez (1871-1946), Roberto Nervo (1885-1968) y Amado de la Cueva (1891-1926), Ramón Alva de la Canal (1892-1985), Pedro Nel Gómez (1899-1984), Rufino Tamayo (1899-1991), Fermín Revueltas Sánchez (1901-1935), Federico Heraclio Cantu Garza (1907-1989), Jorge González Camarena (1908-1980), Alfredo Zalce Torres (1908-2003), entre otros.
La pintura paisajista estadounidense fue una especie de reacción patriótica al arte abstracto europeo de vanguardia. Los artistas se apartaron del hipermodernismo europeo y buscaron la verdad en imágenes específicamente estadounidenses. El regionalismo fue una variante de la pintura paisajista estadounidense del Medio Oeste que se basó en los escenarios nostálgicos realistas de la América rural y pueblerina.
Arte degenerado (Entartete Kunst) (1933-45, Alemania)
El término «Entartete Kunst», introducido por Adolf Hitler para significar arte degenerado, expresa la idea nazi de que cualquier arte que no se ajuste al ideal de imágenes figurativas bien ejecutadas que representen hazañas heroicas o la cómoda vida cotidiana es producto de gente degenerada. Como era de esperar, la mayor parte del arte moderno fue calificado de degenerado, lo que significó que la mayoría de los artistas modernos de Alemania (a partir de 1933) no podían exponer ni vender sus obras.
En 1937, los nazis retiraron todas las obras modernas de los museos de arte alemanes. Entonces se expusieron algunas obras en Múnich para demostrar lo repulsivas que eran, pero el plan fracasó y la exposición atrajo a grandes multitudes. Véase también Arte nazi (1933-45).
Neorromanticismo (1935-55)
Término que designa los paisajes británicos intensos, poéticos, figurativos y semiabstractos de Paul Nash, Graham Sutherland y otros a finales de los años treinta, cuarenta y cincuenta, que dieron una interpretación moderna a las obras románticas y visionarias de William Blake en el siglo XVIII y Samuel Palmer en el XIX. Las primeras obras eran generalmente sombrías y reflejaban la angustia de una guerra inminente. Otros neorrománticos británicos fueron Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper, Keith Vaughan y los dibujos de guerra de Henry Moore. Un grupo menos conocido, también llamado a veces neorrománticos, fueron los artistas parisinos Eugène Berman, Leonid Berman y Pavel Chelitchev: todos ellos destacaron por sus obras pensativas y nostálgicas.
Art Brut
Art Brut es una expresión acuñada por Jean Dubuffet (1901-1985) para referirse a las obras de arte creadas por personas ajenas al mundo del arte establecido, como artistas solitarios, inadaptados, enfermos mentales y todo tipo de habitantes de los suburbios, normalmente sin ánimo de lucro. En inglés, el término «Outsider Art» («Outsider Art», frase acuñada por Roger Cardinal en 1972) se utiliza a veces para describir este tipo de obras. Según Dubuffet, este tipo de arte desvinculado de la cultura tenía una originalidad única no suprimida por la educación. La colección Art Brut de Dubuffet, compuesta por más de 5.000 objetos, fue donada a la ciudad de Lausana en 1972 y se abrió al público en 1976.
Abstracción biomórfica y orgánica (años 30 y 40)
La Abstracción Biomórfica/Orgánica describe un estilo de arte que utiliza formas abstractas redondeadas tomadas de la naturaleza. No se trata de un movimiento en sí, sino más bien de un estilo artístico que se ha manifestado en la obra de muchos artistas diferentes, como Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi, Jean Arp, Joan Miró e Yves Tanguy, así como los escultores británicos Barbara Hepworth y Henry Moore. Véase también: Escultura británica moderna 1930-70
El atractivo de la abstracción orgánica se extendió a los expresionistas abstractos y a legiones de diseñadores de muebles estadounidenses y europeos, entre ellos Charles Eames (1907-1978), su esposa Ray Eames (1912-1988), Isama Noguchi (1904-1988) y el finlandés Eero Saarinen (1910-1961). Este estilo sobrevivió más allá de la década de 1950 y puede verse en la obra de artistas contemporáneos del 3D como los diseñadores Ron Arad, Werner Panton y Oscar Tuskets, así como los escultores Linda Benglis, Richard Deacon, Anish Kapoor, Ursula von Rydingsvard y Bill Woodrow.
Escuela St Ives (1939-1975)
La Escuela de St Ives fue una colonia artística británica con sede en la ciudad pesquera de St Ives, en Cornualles. Estuvo asociada con el pintor abstraccionista Ben Nicholson y su esposa, la gran escultora Barbara Hepworth, que se instalaron cerca de la ciudad en 1939, a los que se unió poco después (hasta 1946) el escultor constructivista ruso Naum Gabo.
Otro artista importante que vivió en St Ives desde 1923, cuando instaló un estudio de cerámica con su colega Shoji Hamada, fue el ceramista británico Bernard Howell Leach. Después de 1945, con la llegada de otros artistas, St Ives se convirtió en un centro de arte moderno y abstracto, gran parte del cual se basaba en el paisaje local.
Entre los principales representantes de la escuela figuran Wilhelmina Barnes-Graham, Paul Feiler, Terry Frost, Patrick Heron, Roger Hilton, Peter Lanyon, Carl Weschke y Brian Winter. En 1993 se inauguró en la playa de Porthmeor la galería de arte Tate St Ives, donde se exhibe la colección de arte de la escuela. También está cerca el Museo y Jardín Escultórico Barbara Hepworth, fundado en 1980.
Arte existencial (finales de los años 40, años 50)
El existencialismo es una filosofía popular que surgió en torno a los escritos de los franceses Jean-Paul Sartre y Albert Camus en las décadas de 1940 y 1950. Ha tenido una influencia significativa en las artes visuales, donde sus temas de alienación, así como la irritación ante la condición humana, también pueden verse en las obras del Expresionismo Abstracto y el Art Informel estadounidenses, así como en las obras del grupo COBRA, el grupo francés Homme-Temoin, el grupo artístico británico Kitchen Sink y los Beatles estadounidenses, todos los cuales han sido calificados ocasionalmente de existencialistas.
También muchos pintores y escultores: los franceses Jean Fautrier, Germain Richier y Francis Gruber, el escultor suizo Alberto Giacometti, Francis Bacon y Lucian Freud. Para una artista posterior cuya obra está inextricablemente ligada al absurdo «existencial» de la vida, véase la escultora contemporánea Eva Hesse (1936-1970).
Movimiento expresionista abstracto (c. 1947-65)
El Expresionismo Abstracto fue un importante movimiento en el arte americano de finales de los años 40 y 50 que consistió en una serie de estilos diferentes. Basado principalmente en artistas neoyorquinos, a veces se denomina Escuela de Nueva York . Como su nombre indica, el estilo general era abstracto, pero en lugar de seguir el lenguaje geométrico del cubismo, seguía un curso expresivo o emocional. Los principales estilos compuestos fueron: Pintura Total Animada (desarrollada por Jackson Pollock, Lee Krasner); Pintura Gestual (desarrollada por Willem de Kooning); Colour Field Painting (practicada por Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still), y «Hard Edge Painting «(inventada por Frank Stella), la mayoría de las cuales se realizaron a escala monumental. Otra contribución significativa fue la del antiguo artista de la Bauhaus Josef Albers con su serie «Honrar la plaza».
Arte informal (años 50)
El término francés Art Informel, que significa arte sin forma, fue el equivalente europeo de la pintura expresionista abstracta, que dominó el mundo del arte desde aproximadamente 1946 hasta finales de la década de 1950. Acuñado por el escultor y escritor francés Michel Tapie en su libro de 1952 «Un Art Autre», fue una de las varias «palabras de moda» utilizadas por los críticos (otra es «Abstracción lírica») para definir el estilo expresionista abstracto sin forma que surgió durante este periodo tanto en América como en Europa.
Las obras temáticas variaban hasta cierto punto de estilo, pero solían caracterizarse por la falta de estructura compositiva, lo que representaba (al menos en opinión de Tapie) una ruptura fundamental con la tradición artística. Entre los principales artistas del Art Informel se encontraban Maria Elena Vieira da Silva, Jean Fautrier, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) y Nicolas de Staël, entre otros.
Tachismo (Años 50)
El término Tachismo, derivado de la palabra francesa «tache» que significa «mancha», describe un tipo de pintura abstracta popular a finales de los años cuarenta y cincuenta caracterizada por el uso de trazos irregulares o manchas de color. Popularizado por Michel Tapie «Other Art», El tachismo se desarrolló inicialmente de forma independiente del movimiento expresionista abstracto estadounidense y siguió siendo un fenómeno mayoritariamente francés, aunque suele utilizarse como etiqueta genérica para el expresionismo abstracto europeo.
Entre sus practicantes se encuentran Karel Appel (1921-2006), Jean Fautrier, Georges Mathieu y el artista Alfred Otto Wolfgang Schulze, nacido en Alemania pero afincado en París, conocido como WOLS. En Australia , el tachismo fue adoptado por la Escuela de Sydney. Para más información, véase: Pintura moderna australiana (1900-1960).
Resulta un tanto confuso que el término Tachismo fuera utilizado en la década de 1880 por el crítico Felix Feneon para describir las técnicas pictóricas de los impresionistas, y en la década de 1900 por el pintor Maurice Denis para referirse a los pintores italiano Macchiaioli y parisino Fauvet .
Arte Nucleare (1951-60)
El movimiento italiano Arte Nuclear, creado en 1951 por el artista italiano Enrico Bagge, fue un movimiento artístico con conciencia política que produjo pinturas y collages «para la era nuclear». Bajaj evitó las obras abstractas geométricas en favor de las formas más fluidas características del estilo Art Informel. La obra de Budge incluía imágenes que recordaban a nubes de hongos atómicos y paisajes urbanos devastados. Otros miembros del movimiento fueron los artistas Sergio Dangelo, Gianni Bertini y Gianni Dova. Se celebraron varias exposiciones de Arte Nucleare por toda Italia, pero a finales de la década el movimiento había decaído.
Assemblage (a partir de 1953)
El término El arte del ensamblaje fue introducido por primera vez por Jean Dubuffet en 1953 para referirse a un tipo de obra creada a partir de fragmentos de objetos naturales, preformados o «encontrados», como basura doméstica, desechos urbanos, animales disecados; de hecho, cualquier material (normalmente reconocible), grande o pequeño. Normalmente, los objetos se seleccionan y combinan por sus cualidades visuales (escultóricas) y expresivas. Aunque popularmente se considera el análogo tridimensional del collage, en realidad el assemblage incluye collages y fotomontajes bidimensionales, así como esculturas tridimensionales y habitaciones enteras.
Esta forma de arte se generalizó tras la exposición «El arte del assemblage» en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1961), donde una de las obras más insólitas de Cesar Baldaccini (1921-1998) estaba hecha de coches comprimidos. Un maestro del género fue el artista neoyorquino Robert Rauschenberg, cuyos innovadores ensamblajes de los años 50 y 60 contribuyeron en gran medida al desarrollo del género.
Neo-Dada (1953-65)
El arte neodadá era un término casi sinónimo del Pop Art americano temprano, especialmente el collage y el ensamblaje de Robert Rauschenberg y Jasper Johns en Nueva York a finales de la década de 1950. El arte pop también compartía el enfoque subversivo del dadaísmo, inflando deliberadamente el significado estético de objetos e imágenes de baja estofa, lo que confundió a muchos «críticos y comisarios serios». Los métodos de producción «de la Factory» de Andy Warhol , así como su iconoclasta capacidad demostrativa y su notoriedad, se hacían eco de las payasadas y tácticas de choque del artista dadaísta Marcel Duchamp 40 años antes. Otro movimiento estrechamente relacionado con el dadaísmo es Fluxus, fundado por George Maciunas, que surgió a principios de la década de 1960 en Alemania y Nueva York.
Arte de fregadero de cocina (1954-57)
Término acuñado por el crítico David Sylvester, que apareció por primera vez en el número de diciembre de 1954 de Encounter, para describir la obra de cuatro artistas británicos (John Bratby, Derrick Greaves, Edward Middleditch y Jack Smith) conocidos como el cuarteto Beaux Arts. Destacó la temática cotidiana (muebles, pañales de bebé, utensilios de cocina, retretes) de este cuarteto, cuya celebración de lo banal en la vida de la gente corriente era su intento de hacer el arte más relevante y accesible, al tiempo que hacía un claro comentario social. El movimiento «Kitchen Sink» culminó en 1956, cuando los miembros del cuarteto Beaux Arts fueron elegidos representantes británicos en la Bienal de Venecia.
Arte pop (1958-70)
El término Pop Art describe un estilo de arte -que surgió simultáneamente en Estados Unidos y Gran Bretaña- que extrajo su inspiración, técnicas creativas y filosofía de la cultura popular y comercial. Estas fuentes populistas o consumistas abarcaban el cine, la publicidad, los envases de productos, la música pop y los cómics.
El movimiento británico se diferenciaba de su homólogo estadounidense en que era menos descarado, más romántico y nostálgico. También apareció una versión continental del Pop Art, el Nouveau Réalisme («Nuevo Realismo»), aunque estaba más vinculado al movimiento anti-arte Dadá. El arte pop se originó a mediados de la década de 1950 y alcanzó su apogeo a mediados de la década de 1960 bajo la influencia de Andy Warhol y otros.
Inspirado en Estados Unidos por la obra pionera de Robert Rauschenberg y Jasper Johns, el Pop Art también estuvo vinculado a movimientos de principios del siglo XX como el Surrealismo. Fue en parte una revuelta contra el cerrado purismo artístico del Expresionismo Abstracto, del que los artistas Pop intentaron distanciarse utilizando imágenes sencillas y fácilmente reconocibles, así como técnicas de impresión modernas como la serigrafía.
Entre los artistas más destacados del Pop Art en Estados Unidos se encuentran: Jim Dine (1935), Robert Indiana (alias John Clark) (1928), Jasper Johns (1930), Alex Katz (1927), Roy Lichtenstein (1923-1997), Claes Oldenburg (1929), Edward Ruscha (1937), Robert Rauschenberg (1925-2008), James Rosenquist (1933), Andy Warhol (1928-1987) y Tom Wesselman (1931). Entre los artistas pop británicos destacan Peter Blake (1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (1922), David Hockney (1937), Allen Jones (1937), R.B. Kitaj (1932) y Sir Eduardo Paolozzi (1924-2005). Véase también nuestra guía sobre el arte pop de los años sesenta y setenta de Andy Warhol.
Op Art (Arte óptico) (1965-70)
Un refinamiento de la pintura de borde duro, el Op Art era un tipo de arte sin objetos que utilizaba patrones geométricos en blanco y negro para crear diversos efectos ópticos en la fisiología perceptiva y la psicología del espectador. Debido a que creaba la ilusión de movimiento, este estilo se considera mejor como parte del movimiento más amplio Arte Cinético .
Por ejemplo, al bombardear los ojos de este modo, las pinturas les hacen «ver» colores o formas que en realidad no están ahí, o confunden el fondo con el primer plano, etcétera. A pesar de sus efectos extraños y a veces inquietantes, el arte óptico se ajustaba plenamente a los cánones tradicionales de las bellas artes. Recordemos que toda la pintura tradicional se basa en la ilusión «» de profundidad y perspectiva. El arte óptico simplemente amplió la naturaleza ilusoria del arte al interferir con las reglas que rigen la percepción óptica.
Entre los artistas abstractos del op-art destacan Bridget Riley, Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, François Morellet y Jesús-Rafael Soto. La serie de obras de Josef Albers «Homenaje al cuadrado» también fue un tipo de op-art, al igual que los dibujos ilusionistas de M.C. Escher. Véase también Pintura moderna en Gran Bretaña (1960-2000).
Nuevo realismo (años 60)
Fluxus meets Dada meets Conceptualism, Nouveau Realisme fue un movimiento vanguardista francés fundado en 1960 por Yves Klein, cuyo manifiesto, «la Declaración Fundacional del Nuevo Realismo», establecía como objetivo «la creación de nuevas formas de percibir lo real». Entre los fundadores del movimiento se encontraban Pierre Restany, Yves Klein, Martial Reiss, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, François Dufresne, Raymond Heyns y Jacques de la Villegle.
Más tarde se unieron al grupo Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle y Gérard Deschamps. El grupo perdió fuerza tras la muerte de Yves Klein en 1962, quien personalmente prefería el nombre de «realisme d’aujourd’hui» ) realismo de hoy). Para más información sobre el nuevo realismo y su fundador, véase también: El arte posmoderno de Yves Klein (1956-62).
Las obras del Nuevo Realismo se caracterizan a menudo por el collage, el decollage y el ensamblaje a partir de objetos reales. El Nuevo Realismo revela así sus vínculos con el dadaísmo en general y con los readymades de Marcel Duchamp en particular. Otra influencia importante fue el Pop Art estadounidense, ejemplificado por el uso que hizo el movimiento de objetos comerciales producidos en masa y de la iconografía. En general, puede decirse que los nuevos ricos se apartaron de la abstracción y el emocionalismo en favor de un enfoque más frío y del retorno de la figura.
Abstracción post-pictórica (principios, mediados de los 60)
Abstracción pospictórica es un término acuñado por el crítico de arte Clement Greenberg (título de una exposición que comisarió para el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 1964) para describir un tipo de expresionismo abstracto más tranquilo y comedido de la década de 1960. En esencia, el término describe la sustitución de la gestualidad del pincel por un nuevo lenguaje basado en amplias áreas de color no modulado. Entre los representantes más destacados del abstraccionismo post-pictórico de la década de 1960 se encuentran: Helen Frankenthaler, Al Held, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland, Jules Olitski y Frank Stella. El término (y el estilo) fue gradualmente sustituido y reemplazado por la nueva escuela del Minimalismo .
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