Movimientos de arte moderno (1870-1970) Traductor traducir

Para una breve guía de los principales estilos y escuelas,
por favor mira: Movimientos de arte, períodos, escuelas .

Introducción

" Arte Moderno "es un término amplio que se refiere al arte producido durante los años 1870-1970. Algunos historiadores prefieren limitar el" arte moderno "al siglo XX, pero es más habitual tomar el impresionismo como punto de partida, mientras que la década de 1960 suele ser visto como la transición entre el "arte moderno" y su sucesor " arte posmodernista ".

El "arte moderno" fue testigo de muchos de los grandes movimientos artísticos internacionales, y también dio a luz formas completamente nuevas de expresión creativa, que incluyen: arquitectura de rascacielos (1880); cromolitográfico arte del cartel (1880/90); arte de animación (desde la primera película de dibujos animados en 1906); collage (de 1912); arte de performance (desde Dada en adelante); ensamblajes (desde 1953); arte de la tierra (fl.1960s). También elevó ciertas formas a nuevas alturas, como: arte de caricatura y fotografía. Durante la fase final del período "moderno", varios tipos de arte de vanguardia apareció, incluyendo arte conceptual (promovido por Robert Rauschenberg 1950) y videoarte (promovido por Wolf Vostell y Andy Warhol a fines de los 50/60), sin embargo, porque estas formas están más estrechamente asociadas con arte contemporáneo , los tratamos en nuestro artículo sobre movimientos de arte contemporáneo (1970 en adelante).

Movimientos de arte moderno

Movimiento impresionista (fl.1870s-1880s)

Bautizado por el crítico de arte francés Louis Leroy después del título de la pintura de Monet Impression: Sunrise (1873), Impresionismo fue una manera espontánea de plein-air de pintura de paisaje cuyo objetivo era la representación exacta de la luz. El estilo fue ejemplificado por el pintura al aire libre de Monet, Sisley, Renoir y Camille Pissarro, aunque otros pintores también formaron parte del grupo impresionista, incluidos Edgar Degas, Paul Cezanne, Frederic Bazille, Gustave Caillebotte, así como Mary Cassatt, una de las principales figuras del Impresionismo americano movimiento (c.1880-1900). Introducido a Gran Bretaña por Whistler, fue tomado por sus alumnos Sickert y Steer y promovido por el New English Art Club. Después de dar a luz a algunos de los mejores pinturas modernas del siglo XIX, el impresionismo fue sucedido por el neoimpresionismo de Seurat y el posimpresionismo de Cézanne.

Neoimpresionismo (1880)

El término dado por el crítico de arte francés Felix Feneon (1861-1944) para trabajar por Georges Seurat, Paul Signac y sus seguidores como Camille y Lucien Pissarro. El estilo se basó en la técnica de pintura óptica llamada Puntillismo (una rama de Divisionismo ) En lugar de mezclar colores antes de aplicarlos al lienzo, los colores primarios se colocaron directamente sobre la imagen, dispuestos en grupos de pequeños toques o puntos, para permitir que el ojo del espectador haga la "mezcla". El estilo fue una influencia posterior en el fauvismo. Para más detalles, consulte: Neoimpresionismo . Para desarrollos en Italia, bajo Vittore Grubicy, consulte: Divisionismo italiano (1890-1907).

Escuela Newlyn (fl.1884-1914)

Dirigido por Stanhope Forbes, Frank Bramley y Norman Garstin el Escuela Newlyn se inspiró en la tradición naturalista de la pintura al aire libre de la escuela francesa de Barbizon y tuvo como objetivo reproducir las realidades de la vida en el campo.

Art Nouveau (1890-1914)

Derivado de una tienda parisina llamada "La Maison de l’Art Nouveau", propiedad del coleccionista de arte de vanguardia Siegfried Bing (1838-1905), el Art Nouveau estilo originado en el Movimiento de Artes y Oficios en Gran Bretaña (especialmente los diseños de William Morris), también influenciado por los diseños celtas y japoneses, y fue popularizado por la Exposición Universal de 1900 en París antes de extenderse por Europa y los Estados Unidos. Un estilo altamente decorativo de arte de diseño (llamado Jugendstil en Alemania, Sezessionstil en Austria, Stile Liberty en Italia, Modernista en España), el Art Nouveau se caracterizó por patrones intrincados y fluidos de líneas asimétricas sinuosas, basadas en formas de plantas. Los motivos de hojas y zarcillos son diseños populares de Art Nouveau, al igual que las siluetas y formas femeninas. El estilo apareció en diseño de interiores, carpintería metálica, cristalería, joyería, diseño de carteles e ilustración, así como pintura, escultura y carteles. Fue ejemplificado por las pinturas e ilustraciones de Gustav Klimt, primer presidente de la Secesión de Viena , así como diseños de carteles de Alphonse Mucha (1860-1939), Arthur Rackham y Aubrey Beardsley, y motivos arquitectónicos serpentinos de Victor Horta del Les Vingt grupo de artistas en Bruselas. También tuvo una fuerte influencia en el Secesión de Munich (1892) y Secesión de Berlín (1898) en Alemania. Fue sucedido por Art Deco .

Arte simbolista (finales del siglo XIX)

Inspirado en la mitología y caracterizado por una sensibilidad mística y magnificada con contenido erótico ocasional, Simbolismo Fue un refinamiento de la tradición romántica. Los pioneros incluyeron a Caspar David Friedrich y Henry Fuseli, mientras que los exponentes modernos incluyeron a Gustave Moreau, el pintor mural Puvis de Chavannes y Odilon Redon. Influyó en el movimiento Art Nouveau y en Les Nabis, así como en los expresionistas Edvard Munch y Franz von Stuck.

Postimpresionismo (1880, 1890)

Post impresionismo es un término general que incorpora numerosos grupos y estilos de Pintura posimpresionista , como lo demuestra el trabajo de pintores como Paul Gauguin, Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec y Henri Rousseau. Cezanne adoptó un enfoque clásico riguroso para la pintura al aire libre; Gauguin usó colores intensos pero prefirió la pintura de estudio en interiores; Van Gogh pintó al aire libre pero más para expresar sus emociones internas que capturar la naturaleza; mientras que Toulouse-Lautrec se especializó en escenas de género en interiores.

Siguiendo los pasos de Sintetismo (desarrollado por Gauguin) y Cloisonnismo (inventado por Emile Bernard y Louis Anquetin) llegó el grupo de arte fin de siecle llamado Les Nabis , compuesto por jóvenes pintores atraídos por el contenido decorativo y espiritual de la pintura. El líder, Paul Serusier (1864-1927) y el principal teórico del grupo Mauris Denis (1870-1943) se unieron a Pierre Bonnard (1867-1947), Paul Ranson (1862-1909), Ker-Xavier Roussel (1867-1944), Henri Ibels (1867-1936) y Edouard Vuillard (1868-1940). Del Nabis surgió otro estilo de pintura postimpresionista, conocido como Intimismo, ejemplificado en las tranquilas escenas de género doméstico de Edouard Vuillard, su amigo cercano Pierre Bonnard y Gwen John. Adoptada por pintores nórdicos, como Hammershoi y PS Kroyer. En Gran Bretaña, el postimpresionismo fue practicado por el Grupo Camden Town , fundada en 1911 por Walter Richard Sickert, quien se hizo conocido por sus desnudos e interiores.

Les Fauves (1905-1908)

Influenciado por Paul Gauguin, el fauvismo fue un movimiento importante en el historia de la pintura expresionista , que abogaba por colores brillantes y pinceladas salvajes, de ahí su apodo Les Fauves (bestias salvajes), dado por el crítico Louis Vauxcelles después de su primera presentación en el Salon d’Automne en París en 1905. Los pintores fauvistas incluyeron a Henri Matisse, Andre Derain, Maurice de Vlaminck Albert Marquet y Georges Braque. En Gran Bretaña, el fauvismo fue practicado por un grupo de artistas de Escocia conocido como el Coloristas escoceses . Incluyeron a JD Fergusson, Samuel John Peploe, Francis Cadell y Leslie Hunter. Para más, ver Fauvismo .

Movimiento expresionista (1905 en adelante)

Personificado por Vincent Van Gogh, cuya pincelada agitada y colores intensos reflejaban su estado interior en lugar de las escenas que pintó, Expresionismo es un estilo cuyo objetivo es retratar una interpretación de una escena en lugar de simplemente replicar sus características de la vida real. Uno de los primeros ejemplos del estilo es Expresionismo alemán , que fue desarrollado en Munich y sus alrededores por Der Blaue Reiter [The Blue Rider], y en Dresden por Die Brucke [The Bridge]. Después de esto, el movimiento se extendió por todo el mundo, dando lugar a variantes, incluido el expresionismo abstracto, en Estados Unidos durante las décadas de 1940 y 1950. Influenciado por el romanticismo, el simbolismo, el postimpresionismo, el fauvismo y el cubismo, el movimiento expresionista abarcó todos los géneros, incluidos el paisaje, el retrato, la pintura de género y la naturaleza muerta. Los pintores expresionistas famosos incluyeron a Wassily Kandinsky, Franz Marc, Edvard Munch, Modigliani, Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Otto Dix, así como Pablo Picasso y Francis Bacon. Para trabajos específicos, consulte: Pinturas expresionistas (1880-1950).

El puente (Die Brucke) (1905-13)

El puente fue un grupo expresionista alemán con sede en Dresde en 1905. Combinó elementos del arte tradicional alemán con estilos africanos, postimpresionistas y fauvistas. Sus miembros principales fueron Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff, Fritz Bleyl, Erich Heckel y Emil Nolde. De corta duración pero influyente.

Jinete Azul (Der Blaue Reiter) (1911-14)

Con sede en Munich, los miembros de Jinete azul incluidos Wassily Kandinsky, Franz Marc, Alexei von Jawlensky, August Macke, Gabriele Munter y Paul Klee. Una asociación flexible en lugar de un grupo estrecho, lleva el nombre de una pintura de Kandinsky utilizada en la portada de su Almanaque o Manifiesto de 1912. Cortada por la Primera Guerra Mundial durante la cual tanto Macke como Marc fueron asesinados.

Ashcan School, Nueva York (activo 1900-15)

La llamada Escuela Ashcan consistía en un grupo progresivo de pintores e ilustradores estadounidenses de principios del siglo XX (a veces llamados realistas de Nueva York) que retrataban la realidad urbana de la vida de la ciudad de Nueva York, en un estilo espontáneo y sin pulir. El movimiento Ashcan incluyó a Arthur B. Davies, William Glackens, Robert Henri, George Luks, Everett Shinn y John Sloan. Otros cuyo trabajo se considera que refleja la escuela Ashcan incluyen: George Wesley Bellows, Guy Pène Du Bois, el famoso Edward Hopper y Alfred Maurer.

Arte cubista (Europa, 1908-1914)

Cubismo fue inventado y formulado entre 1908 y 1912 en una asociación entre Georges Braque y Pablo Picasso, quienes fueron fuertemente influenciados por los paisajes en forma de cuadrícula de Paul Cezanne y (en el caso de Picasso por las imágenes africanas: sea testigo de su impresionante Les Demoiselles D’Avignon ). En parte una reacción contra las bellas imágenes del impresionismo, un estilo que no tenía interés intelectual para Picasso, el cubismo volvió a centrar la atención en la naturaleza bidimensional esencial del lienzo plano, volcando los sistemas convencionales de perspectiva y formas de percibir la forma, en el proceso.. El movimiento se desarrolló en tres etapas: Protocubismo (La fase inicial de Picasso y Braque, que contiene los únicos "cubos" que se pueden ver); Cubismo analítico , un estilo austero que desarmó las vistas en 3-D en una serie de planos superpuestos; finalmente, Cubismo sintético , un estilo más claro y colorido que a veces "construye" imágenes usando varios materiales "encontrados". El cubismo tardío de Picasso, un lenguaje más representativo que sus estilos cubistas anteriores, se ejemplifica en obras como Mujer llorando (1937, Tate Collection), y Guernica (1937, Reina Sofía, Madrid). Otros artistas cubistas importantes incluyeron a Juan Gris y Fernand Leger. Aunque fue relativamente efímero, el movimiento revolucionó la pintura en el siglo XX e instigó una nueva tradición del arte abstracto. El cubismo se benefició de un importante apoyo promocional de su portavoz, el comerciante de arte nacido en Alemania. Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979). Para un importante grupo escindido cubista, ver: Section d’Or , una rama del grupo parisino Puteaux.

Cubismo Orfico (Orfismo) (1914-15)

Movimiento de arte abstracto con sede en París, más comúnmente conocido como Orfismo , cuyo estilo presentaba manchas sueltas de colores del arco iris. El nombre (Orfeo era un poeta mitológico y músico de la antigua Grecia) fue acuñado por el crítico de arte francés Guillaume Apollinaire al describir el efecto "musical" de las pinturas abstractas del cubista Robert Delaunay (que comprendía planos superpuestos de colores contrastantes o complementarios) en para distinguirlos del cubismo en general. Delaunay mismo usó el término Simultanismo para caracterizar su trabajo. Otro exponente del orfismo fue el pintor y anarquista franco-checo Frank Kupka, uno de los primeros en crear arte abstracto genuino, caracterizado por sólidos bloques geométricos de color. El estilo era muy similar a Sincromismo , un método de pintura lanzado en París en 1913 por dos pintores estadounidenses, Morgan Russell (1886-1953) y Stanton MacDonald-Wright (1890-1973).

Arte fotográfico

Fotografía se hizo más importante a medida que se desarrolló la era. En Estados Unidos, esto se debió en gran medida a las actividades influyentes de Alfred Stieglitz, quien fundó la Photo-Secession en su galería "291" en Nueva York. Edward Steichen fue otro pionero. Ambos hombres se destacaron por su pictorialismo (Fl.1885-1915). Otros géneros fotográficos que se desarrollaron durante la era del arte moderno incluyen: fotografía callejera (1900-presente), ejemplificado por el trabajo de Henri Cartier-Bresson; fotografía documental , como en la serie de fotos de Hans Namuth sobre la pintura de acción de Jackson Pollock; fotografía de moda (desde 1880), ejemplificado por las tomas de Man Ray, Richard Avedon, Cecil Beaton, Norman Parkinson e Irving Penn.

Collage (1912 en adelante)

También conocido como papier collés o découpage , arte del collage fue presentado por primera vez por Georges Braque en 1912, cuando adjuntó tres piezas de papel tapiz a su dibujo cubista sintético Fruit Dish and Glass . El collage implica el uso de objetos problemáticos, como trozos de papel, fotografías, recortes de periódicos, telas y otros artículos "encontrados", incluso objetos tridimensionales, que se fijan al lienzo para crear un efecto de medios mixtos. Otros artistas conocidos por sus trabajos de collage incluyen a Picasso, Aleksandr Rodchenko y el extraordinario solitario. Kurt Schwitters , conocido por sus pequeños collages Merzbilder . Las técnicas de collage fueron una fuerte influencia en las formas posteriores de ensamblaje.

Futurismo (1909-1914)

Lanzado en 1909 por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti en un manifiesto que apareció en la portada del periódico parisino Le Figaro , Futurismo rechazó todo el arte tradicional, celebrando en cambio el mundo moderno de la industria con obras que combinan elementos del neoimpresionismo y el cubismo. Otros miembros destacados incluyeron a Umberto Boccioni, Giacomo Balla, Carlo Carrà y Gino Severini.

Rayonismo (c.1912-14)

Rayonismo fue un movimiento de arte ruso de estilo cuasi cubista de vanguardia dirigido por Mikhail Larionov y su compañera Natalia Goncharova, quienes luego se establecieron en París. El tema del rayonismo (también conocido como rayismo) era un paisaje abstracto que comprendía luz o rayos de luz representados por patrones de formas lineales.

Suprematismo (c.1913-1918)

Fundada sobre ideales utópicos, por el nihilista Kasimir Malevich (1878-1935), Suprematismo expresó una confianza ilimitada en la capacidad de los ingenieros para crear un nuevo mundo soviético. La primera exposición suprematista (Zero-Ten) tuvo lugar en San Petersburgo, en diciembre de 1915, y contó con treinta y cinco obras abstractas de Malevich, incluida su famosa Plaza Negra colgada como un ícono en lo alto de una esquina, así como una gran cantidad de otros rectángulos, triángulos y círculos, muchos en colores vivos. El espectáculo luego viajó a Moscú y Vitebsk. En 1918, Malevich fue nombrado al Comisariado de la Ilustración y enseñó en la academia de arte Vitebsk creada por Marc Chagall. El suprematismo fue un movimiento artístico clave en Rusia, estando estrechamente relacionado con la Revolución. Otros famosos artistas suprematistas incluyeron a Lazar Lissitsky, Ivan Vasilievich Kliun y Laszlo Moholy-Nagy. Desilusionado en la vida posterior, en 1935 estaba pintando cuadros realistas.

Constructivismo (c.1919-32)

Constructivismo fue un austero pero importante movimiento de arte abstracto y diseño ruso establecido por Vladimir Tatlin (1885-1953), a quien posteriormente se unieron Aleksandr Rodchenko (1891-1956) y los hermanos Antoine Pevsner (1886-1962) y Naum Gabo (1890-1977). Preocupados por la abstracción, el espacio, los nuevos materiales y la forma tridimensional, los artistas constructivistas desarrollaron el arte arquitectónico en un intento directo de reflejar el mundo industrial moderno. El propio Vladimir Tatlin fue fuertemente influenciado por las construcciones tridimensionales de Picasso, algunas de las cuales vio de primera mano en el estudio parisino de Picasso en 1913. En 1923, el movimiento expuso sus ideas en un manifiesto, expresando la opinión de que los artistas deberían centrarse en organizar materiales y construyendo obras, como si estuvieran fabricando un automóvil. Posteriormente reprimida por Stalin, las ideas del constructivismo llegaron a Occidente a través de Naum Gabo y Antoine Pevsner, y tuvieron una fuerte influencia en escultores modernos como Barbara Hepworth y Ben Nicholson. En Gran Bretaña, alrededor de 1950, el movimiento se reformuló como Constructionism , en las pinturas geométricas de Victor Pasmore y otros.

Vorticismo (c.1914-15)

La contraparte británica del futurismo italiano, Vorticismo fue un movimiento artístico de vanguardia, influenciado por el cubismo y el futurismo, fundado en Londres por el pintor, ilustrador y artista de guerra Percy Wyndham Lewis (1882-1957). La única exposición vorticista se celebró en Londres en 1915. Afirmando producir "una nueva abstracción viviente", las obras vorticistas combinan la fragmentación cubista con la iconografía de bordes duros que refleja la tecnología y el entorno urbano. Otros miembros incluyeron a Cuthbert Hamilton, William Roberts, Lawrence Atkinson, Jessica Dismorr, Helen Saunders, Edward Wadsworth, así como los escultores Jacob Epstein y Henri Gaudier-Brzeska. El grupo fracasó después de la exposición, aunque Wyndham Lewis ensayó un breve renacimiento de sus ideas con el Grupo X, en 1920.

Dada (Europa, 1916-1924)

Fundada en Zurich durante la Primera Guerra Mundial, Dada fue el primero de los movimientos antiarte modernos, cuyos miembros se rebelaron por la carnicería de la Guerra Mundial de 1914 y se dedicaron a un estilo artístico que se propuso desafiar deliberadamente todos los valores tradicionales de una sociedad que podría haber permitido que tal barbarie ocurrir. Los dadaístas emplearon tácticas de choque y lo absurdo para producir obras de arte y "representaciones" totalmente irracionales o sin sentido, incluidas esculturas e instalaciones tempranas que a menudo construían utilizando varios objets trouvés ( objetos encontrados ) de los cuales " readymades "eran una subcategoría. Dada se convirtió en un movimiento internacional y sus temas eventualmente formaron una parte importante del surrealismo en París después de la guerra. Los miembros principales de Dada incluyeron a Jean Arp, Marcel Duchamp, Francis Picabia, Man Ray, John Heartfield y Schwitters Dada inspiró muchos estilos y grupos posteriores, incluidos Fluxus, Neo-Dada, Nouveau Realisme y Pop-Art.

De Stijl (1917-31)

De Stijl (Holandés para "el estilo") era el nombre de un grupo de artistas (y la revista de arte, diseño y estética que publicaron, que fue una de las revistas de vanguardia más influyentes de la década de 1920). Fundada en los Países Bajos durante la Primera Guerra Mundial, por Theo van Doesburg, el viejo Piet Mondrian, el arquitecto Gerrit Rietveld y Bart Van der Leck, abogó por un tipo geométrico de arte abstracto, (más tarde llamado arte concreto, por Van Doesburg), basado sobre leyes universales de armonía que serían igualmente aplicables a la vida y al arte. El movimiento tuvo su mayor impacto en la arquitectura. Aunque Piet Mondrian se separó del grupo en 1923, permaneció fiel a sus temas hasta el final de su vida, cuando se convirtió en uno de los pintores abstractos más famosos. En comparación, el más inquieto Van Doesburg abandonó uno de los principios básicos de De Stijl en 1924 cuando sustituyó las diagonales por verticales y horizontales en busca de un mayor dinamismo.

Neoplasticismo (fl.1918-26)

Término utilizado para describir el estilo de pintura inventado por Piet Mondrian. Proviene de las palabras holandesas "Nieuwe Beelding", usadas por Mondrian en sus artículos en la revista De Stijl (1917-19), y en su libro "Neo-Plasticisme" de 1921 en adelante para describir su propio tipo de arte abstracto. Esencialmente significa "nuevo arte", ya que la escultura y ciertos tipos de pintura se consideran "artes plásticas". Sin embargo, la versión alemana "Neue Gestaltung" (nueva formación) capta mejor el significado de Mondrian. Usó el nombre para abogar por una ’nueva formación’ en el sentido más amplio, así como sus propias ideas e imágenes. En su largo ensayo "Neoplasticismo en el arte pictórico", Mondrian escribió: "La nueva idea plástica… debería encontrar su expresión en la abstracción de la forma y el color, es decir, en línea recta y en la primaria claramente definida color". Así, en cierto sentido Neoplasticismo era una forma ideal de pintura, que usaba solo color puro, línea y forma. Además de insistir solo en colores primarios (o no colores), abogó únicamente por cuadrados, rectángulos y líneas rectas horizontales o verticales. A pesar de su desacuerdo con Van Doesburg sobre el lanzamiento de este último de Elementarismo En 1924, las teorías de Mondrian ejercidas tuvieron un gran impacto en la pintura posterior, y ahora es considerado como uno de los mejores artistas modernos.

Escuela Bauhaus (Alemania, 1919-1933)

Fundada en 1919 por el innovador arquitecto moderno Walter Gropius en Weimar en Alemania, el Escuela de diseño Bauhaus fue una escuela de arte revolucionaria sobre la cual muchos otros han sido modelados. Su nombre, derivado de las dos palabras alemanas "bau" para construir y "haus" para casa, junto con su sistema artista-comunidad, insinúa la idea de una fraternidad trabajando en la construcción de una nueva sociedad. Muy influyentes tanto en arquitectura como en diseño, sus maestros incluyeron a Josef Albers, Lyonel Feininger, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer, Laszlo Moholy-Nagy, Anni Albers y Johannes Itten. Su objetivo declarado era poner el arte en contacto con la vida cotidiana, por lo tanto, el diseño tenía tanto peso como las bellas artes. Entre los principios principales enseñados en The Bauhaus estaban las virtudes del diseño simple y limpio; abstracción; producción en masa; Las ventajas éticas y prácticas de un entorno bien diseñado, así como la democracia y la participación de los trabajadores. En 1925, The Bauhaus se mudó a un nuevo edificio en Dessau en 1925-6, y en 1932 se mudó a Berlín, donde finalmente fue cerrado por los nazis en 1933. Sus maestros luego se dispersaron, y varios se mudaron a América: Moholy-Nagy fue a Chicago, donde estableció la New Bauhaus en 1937, mientras que Albers llevó los métodos Bauhaus con él al Black Mountain College en Carolina del Norte y más tarde a la Universidad de Yale.

Purismo (principios, mediados de la década de 1920)

Movimiento parisino de moda de los años 20 fundado por Edouard Jeanneret (más conocido como Le Corbusier ) y Amedee Ozenfant, basadas en las teorías esbozadas en su libro de 1918 Après le Cubisme (After Cubism). En desacuerdo con la fragmentación cubista, produjeron formas básicas de arte figurativo (principalmente bodegones) despojados de detalles y supuestamente puros en color, forma y diseño. Otros artistas poco vinculados con el movimiento que alcanzó su punto máximo en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales en París en 1925, fueron Fernand Leger, Juan Gris y el escultor ruso-lituano Jacques Lipchitz.

Precisionismo (realismo cubista) (fl.1920s)

Una influencia importante en la pintura de arte moderno en los Estados Unidos, Precisión fue un movimiento estadounidense (también conocido como realismo cubista) cuyo enfoque era la industria moderna y los paisajes urbanos, caracterizados por la representación realista de los objetos, pero de una manera que también destacaba su forma geométrica. Un estilo idealizado, casi romántico, se ejemplificó en obras de Charles Demuth y Charles Sheeler, mientras que las imágenes urbanas de Georgia O’Keeffe también entran en el género Precisionista. Ver también las fotografías de Charles Sheeler de la fábrica de automóviles River Rouge de Ford.

Movimiento surrealista (1924 en adelante)

Enraizado en el Pintura metafísica de Giorgio de Chirico (1888-1978), las ideas pictóricas revolucionarias del cubismo, el arte subversivo de Dada y las ideas de psicoanálisis de Sigmund Freud y Carl Jung, Surrealismo Fue el movimiento de arte de vanguardia más influyente de los años de entreguerras. Su objetivo, según su padre fundador, el escritor francés Andre Breton, en su Manifiesto del surrealismo de 1924, era fusionar lo inconsciente (la parte de la mente humana donde se almacenan los recuerdos y los instintos) con lo consciente, para crear un nuevo " superrealidad "- un surréalisme . Un movimiento intelectual amplio, el surrealismo abarcaba una amplia gama de estilos, desde la abstracción hasta el expresionismo y el realismo en toda regla, característicamente puntuado con imágenes extrañas, alucinantes o fundamentalmente "irreales". Los principales artistas surrealistas incluyeron a Salvador Dali (1904-89), Max Ernst (1891-1976), Rene Magritte (1898-1967), Andre Masson (1896-1987), Yves Tanguy (1900-55), Joan Miro (1893-1983)), Jean Arp (1886-1966) y Man Ray (1890-1976). Su impacto inmediato se vio en Alemania en el Realismo Mágico de Franz Roh, y más tarde en Gran Bretaña, donde el escritor Herbert Read fundó el surrealismo británico en 1936, junto con los artistas David Gascoyne, Paul Nash y Roland Penrose. La Primera Exposición Surrealista Internacional se inauguró en Londres en 1936 y despertó un enorme interés, sobre todo debido a la charla dada por el extravagante publicista Salvador Dalí desde el interior de un traje de buceo en alta mar. El surrealismo tuvo una gran influencia en Europa, y pocos artistas europeos de la década de 1930 no se vieron afectados por el movimiento. Sigue teniendo una influencia significativa en el arte, la literatura y la cinematografía.

Art Deco (c.1925-40)

Un estilo popular y de moda de diseño decorativo y arquitectura en los años de entreguerras (muy querido por los arquitectos de cine y hoteles), Arte deco los diseños también se extendieron a muebles, cerámica, telas textiles, joyas y vidrio. Exhibido en 1925 en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París, el Art Deco fue esencialmente una reacción contra el Art Nouveau: reemplazó las formas curvilíneas fluidas de este último con formas geométricas inspiradas en cubistas y precisistas. Ejemplos clásicos de diseño Art Deco incluyen el edificio Chrysler de Nueva York y el Empire State Building. Art Deco también se inspiró en los diseños arquitectónicos modernos de The Bauhaus. Entre los artistas famosos asociados con el art déco se encuentra el retratista de la sociedad polaco-rusa. Tamara de Lempicka , el artista del vidrio Rene Lalique y el diseñador gráfico Adolphe Mouron.

Ecole de Paris (Escuela de París)

Durante medio siglo (1890-1940) París siguió siendo el centro del arte mundial, culminando en las deslumbrantes obras del impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo, dadaísmo y surrealismo. los Escuela paris es un término utilizado por los historiadores del arte para denotar la comunidad de artistas, tanto franceses como extranjeros, que trabajaron en la ciudad durante la primera mitad del siglo XX, en lugar de un estilo, escuela o movimiento estrictamente definido. Por muchas razones, París fue excepcionalmente atractiva para los artistas. Estaba libre de represión política, fue el hogar de una serie de influyentes Pintores del siglo XX (por ejemplo, Pablo Picasso, Georges Braque, Georges Rouault, Henri Matisse, Fernand Leger, Amedeo Modigliani, Piet Mondrian, Marc Chagall, Chaïm Soutine, Mikhail Larionov, Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi, por nombrar solo algunos), y se jactó de algunos floreciente mundo del arte con galerías, coleccionistas y críticos para apoyar a artistas con talento. Los líderes gemelos ( chefs d’école ) fueron Picasso y Matisse.

Neue Sachlichkeit (Alemania, c.1925-35)

Die Neue Sachlichkeit – un término alemán, que significa "Nueva Objetividad" – fue el nombre dado a un grupo de artistas expresionistas en Alemania durante la década de 1920, derivado de su espectáculo Neue Sachlichkeit de 1925 en Mannheim. Fue la tercera fase de la Movimiento expresionista en Alemania, después de Die Brucke (The Bridge) y Der Blaue Reiter (The Blue Rider). Los miembros clave incluyeron a Otto Dix, George Grosz, Christian Schad y, en menor medida, Georg Schrimpf y Max Beckmann. Aunque el comisario de la exposición, GF Hartlaub, describió sus pinturas como "un nuevo realismo con un sabor socialista", el estilo era vívidamente expresionista en su retrato satírico de la corrupción y la decadencia en la Alemania de Weimar de la posguerra.

Realismo Mágico (1925-40)

Aunque influenciado por el surrealismo, el realismo mágico fue en realidad parte de la tendencia de ’retorno al orden’ que se produjo en la Europa posterior a la Primera Guerra Mundial en la década de 1920. El nombre deriva de un libro de 1925 del historiador y crítico de arte alemán Franz Roh llamado " Nach Expressionismus: Magischer Realismus " (After Expressionism: Magic Realism). Los miembros incluyeron a Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Alexander Kanoldt y Adolf Ziegler.

Realismo socialista (1928-80)

Realismo socialista fue una forma de heroica propaganda política empleada por el dictador Joseph Stalin en Rusia, desde 1929 en adelante, para reforzar su programa de desarrollo industrial acelerado. Anunciado formalmente por su títere artístico Maxim Gorky, en el Congreso de Escritores Soviéticos de 1934, el estilo o la dirección implicó la creación de imágenes audaces y optimistas para evangelizar los logros del Estado soviético e inspirar a los trabajadores a las hazañas laborales de Stakhanovite. El medio más omnipresente utilizado por los artistas socialistas realistas fue el póster, aunque también se produjeron pinturas y esculturas, generalmente en una escala monumental, que mostraban individuos y grupos intrépidos en poses idealistas y heroicas.

Realismo social (América) (1930-45)

Una categoría general que describe obras de arte que se centran en temas relativamente bajos para la vida cotidiana, en oposición a los entornos "ideales" o románticos empleados por artistas hasta el siglo XIX. Abarca la pintura de escena estadounidense y el regionalismo.

Realismo social denota a los pintores con conciencia social de la era de la Depresión, como Ben Shahn, Reginald Marsh, Moses Soyer, Raphael Soyer, William Gropper, Jack Levine, Jacob Lawrence e Isabel Bishop. Se inspiraron en las tradiciones de la anterior Escuela Ashcan de Nueva York. Fotógrafos como Dorothea Lange (1895-1965) y Walker Evans (1903-75) también contribuyeron al movimiento con sus retratos de trabajadores migrantes de la Depresión.

Murales Mexicanos / Muralismo describe la campaña nacional de pintura mural, concebida por el ministro de educación José Vasconcelos Calderón (1882-1959). Los pintores mexicanos involucrados incluyeron a Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros, así como Alfredo Martínez (1871-1946), Roberto Nervo (1885-1968), Amado de la Cueva (1891-1926), Ramón Alva de la Canal (1892-1985), Pedro Nel Gómez (1899–1984), Rufino Tamayo (1899-1991), Fermín Revueltas Sánchez (1901-1935), Federico Heraclio Cantú Garza (1907-89), Jorge González Camarena (1908-80) y Alfredo Zalce Torres (1908-2003), por nombrar solo algunos.

Pintura de escena americana Fue una especie de reacción patriótica al arte abstracto europeo de vanguardia. Los artistas dieron la espalda al hipermodernismo europeo y buscaron la verdad en imágenes específicamente americanas. Regionalismo fue la variante del medio oeste de American Scene Painting, que se basaba en el entorno nostálgico realista de la América rural y de los pueblos pequeños.

Arte degenerado (Entartete Kunst) (1933-45, Alemania)

Acuñado por Adolf Hitler, el término " Entartete Kunst " significa arte degenerado , expresa la idea nazi de que cualquier arte que no se ajustara al ideal de imágenes figurativas bien elaboradas que representaran actos heroicos o una vida cotidiana cómoda, era producto de personas degeneradas. No es sorprendente que la mayoría del arte moderno fuera etiquetado como degenerado, lo que significaba que la mayoría de los artistas modernos en Alemania (desde 1933 en adelante) no podían mostrar ni vender sus obras. En 1937, los nazis eliminaron todas las obras modernas de los museos de arte alemanes. Luego se exhibió una selección en Munich para demostrar cuán repulsivos eran, pero el plan fracasó y el espectáculo atrajo a grandes multitudes. Ver también Arte nazi (1933-45).

Neorromanticismo (1935-55)

Término que denota las intensas, poéticas, figurativas y semi-abstractas pinturas paisajísticas británicas de Paul Nash, Graham Sutherland y otros a fines de los años treinta, cuarenta y cincuenta, que dieron una interpretación moderna a las obras románticas y visionarias del siglo XVIII William Blake y El siglo XIX Samuel Palmer. Los primeros trabajos fueron generalmente sombríos, reflejando las ansiedades de acercarse a la guerra. Otros neo-románticos británicos incluyeron a Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper, Keith Vaughan y los dibujos de Henry Moore en tiempos de guerra. Un grupo menos conocido, también conocido a veces como neo-románticos, eran los artistas con sede en París Eugène Berman, Leonid Berman y Pavel Tchelitchew: todos conocidos por sus melancólicas y nostálgicas obras.

Art Brut

Art Brut es una frase acuñada por Jean Dubuffet (1901-85), para denotar obras de arte producidas por personas fuera del mundo del arte establecido, como artistas solitarios, personas inadaptadas, pacientes en instituciones psiquiátricas y habitantes de todo tipo, generalmente no para exhibición. o beneficio. En inglés, el término " Arte extraño "(una frase acuñada por Roger Cardinal en 1972) a veces se utiliza para describir este tipo de trabajo. En opinión de Dubuffet, este tipo de arte culturalmente separado poseía una originalidad única, sin asfixia por la educación. La colección de Art Brut de Dubuffet, que finalmente llegó a más de 5, 000 artículos, se presentó a la ciudad de Lausana en 1972 y en 1976 se abrió al público.

Abstracción biomórfica / orgánica (fl.1930s, 1940s)

La abstracción biomórfica / orgánica describe un estilo de arte que emplea formas abstractas redondeadas derivadas de la naturaleza. No constituyó un movimiento como tal, sino más bien un estilo de arte que apareció en la obra de muchos artistas diferentes, como Wassily Kandinsky, Constantin Brancusi, Jean Arp, Joan Miro e Yves Tanguy, así como los escultores británicos Barbara Hepworth y Henry Moore Ver también: Escultura británica moderna 1930-70. El atractivo de la abstracción orgánica extendió a los expresionistas abstractos, así como a legiones de diseñadores de muebles estadounidenses y europeos, incluidos Charles Eames (1907-78), su esposa Ray Eames (1912-88), Isamu Noguchi (1904-88) y los finlandeses. Eero Saarinen (1910-61). El estilo ha perdurado más allá de la década de 1950, siendo visible en el trabajo de artistas modernos en 3-D, como los diseñadores Ron Arad, Verner Panton y Oscar Tusquets, así como los escultores Linda Benglis, Richard Deacon, Anish Kapoor, Ursula von Rydingsvard y Bill Woodrow.

Escuela St Ives (1939-75)

los Escuela St Ives era una colonia de arte británica con sede en el pueblo pesquero de Cornualles de St Ives, estaba asociada con el artista abstracto Ben Nicholson y su esposa, la gran escultora Barbara Hepworth, que se estableció cerca de la ciudad en 1939, para unirse poco después (hasta 1946) por el escultor constructivista ruso Naum Gabo. Otro artista importante, que había estado viviendo en St. Ives desde 1923, cuando fundó un estudio de cerámica con su compañero ceramista Shoji Hamada, fue el artista británico de cerámica Bernard Howell Leach. Después de 1945, cuando llegaron otros artistas, St Ives se convirtió en un centro de arte moderno y abstracto, en gran parte derivado del paisaje local. Los miembros principales de la escuela incluyeron a Wilhelmina Barns-Graham, Paul Feiler, Terry Frost, Patrick Heron, Roger Hilton, Peter Lanyon, Karl Weschke y Bryan Wynter. En 1993, Tate St Ives, Se abrió una galería de arte especialmente diseñada en Porthmeor Beach para exhibir la colección Tate de arte de la escuela St Ives. Además, cerca, se encuentra el Museo y Jardín de Esculturas Barbara Hepworth, que se estableció en 1980.

Arte existencial (finales de 1940, 1950)

El existencialismo fue una filosofía popular que creció en torno a los escritos de los franceses Jean-Paul Sartre y Albert Camus, durante las décadas de 1940 y 1950. Tuvo un efecto significativo en las artes visuales, donde sus temas de alienación, así como la angustia frente a la condición humana, también se pueden ver en las obras del Expresionismo abstracto estadounidense y el Informe artístico, así como en las obras del grupo COBRA. , el grupo francés Homme-Temoin , el fregadero de cocina británico grupo de arte y el grupo American Beats, todos los cuales de vez en cuando están etiquetados como Existenciales. También lo son muchos pintores y escultores individuales: como los artistas franceses Jean Fautrier, Germaine Richier y Francis Gruber; el escultor suizo Alberto Giacometti; así como Francis Bacon y Lucien Freud. Para un artista posterior cuya obra está indisolublemente ligada al "absurdo" existencial de la vida, vea a la escultora contemporánea Eva Hesse (1936-70).

Movimiento expresionista abstracto (c.1947-65)

Expresionismo abstracto Fue un importante movimiento paraguas del arte estadounidense a fines de la década de 1940 y 1950, que consistió en una serie de estilos diferentes. Basada principalmente en artistas de Nueva York, a veces se la conoce como la Escuela de Nueva York . Como su nombre lo indica, el estilo general era abstracto, pero, en lugar de seguir el lenguaje geométrico cubista, siguió un curso expresivo o emocional. Los estilos de componentes principales incluyeron: la pintura de acción animada (desarrollada por Jackson Pollock, Lee Krasner); Pintura gestual (desarrollada por Willem de Kooning); Color Field Painting (practicado por Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still) y " Pintura de borde duro "(inventado por Frank Stella), la mayoría de los cuales fueron ejecutados a escala monumental. Otra contribución importante fue hecha por el ex pintor de la Bauhaus Josef Albers con su serie" Homenaje a la Plaza ".

Art Informel (fl.1950s)

El término francés Art Informel , que significa arte sin forma, era el equivalente europeo de la pintura expresionista abstracta , que dominó el mundo del arte desde aproximadamente 1946 hasta finales de la década de 1950. Acuñado por el escultor y escritor francés Michel Tapié en su libro de 1952 " Un Art Autre ", fue una de las palabras de moda utilizadas por los críticos (otro es " Abstracción lírica "). ") para definir el estilo expresionista abstracto sin forma que surgió durante este período, tanto en América como en Europa. Las obras de la asignatura variaron en un cierto estilo, pero típicamente se caracterizaron por la ausencia de estructura compositiva, que representaba (al menos en la mente de Tapié) una ruptura fundamental con la tradición artística.Los principales artistas del Informe Artístico incluyeron a Maria Helena Vieira da Silva, Jean Fautrier, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze), Nicolas de Stael, por nombrar solo algunos.

Taquismo (años 50)

El termino Tachisme , derivado de la palabra francesa "tache" que significa "punto", describe un tipo de pintura abstracta popular a fines de la década de 1940 y 1950, caracterizada por el uso de toques irregulares o manchas de color. Dado el amplio interés en el libro de Michel Tapie " Un autre art ", Tachisme inicialmente se desarrolló independientemente del movimiento expresionista abstracto estadounidense, y continuó siendo esencialmente un fenómeno francés, aunque se usa comúnmente como una etiqueta genérica para el expresionismo abstracto europeo. Los practicantes incluyeron a Karel Appel (1921-2006), Jean Fautrier, Georges Mathieu y el artista nacido en Alemania pero con sede en París Alfred Otto Wolfgang Schulze, conocido como WOLS. En Australia, Tachisme fue acogido por la Escuela de Sydney. Para más detalles, ver: Pintura moderna australiana (1900-60).

Un tanto confuso, el término Tachisme fue utilizado de manera diferente en la década de 1880 por el crítico Felix Feneon para describir la técnica de pintura de los impresionistas, y nuevamente en la década de 1900 por el artista Maurice Denis refiriéndose a los artistas italianos de Macchiaioli y los pintores parisinos de Fauve .

Arte Nucleare (1951-60)

El italiano Movimento d’Arte Nucleare , lanzado en 1951 por el artista italiano Enrico Baj, fue un movimiento artístico políticamente consciente que produjo pinturas y collages "para la era nuclear". Obras abstractas geométricas evitadas a favor de formas más fluidas, características del estilo Art Informel. Las obras de Baj incluyeron imágenes que recuerdan nubes atómicas de hongos y paisajes urbanos devastados. Otros miembros del movimiento incluyeron a los pintores Sergio Dangelo, Gianni Bertini y Gianni Dova. Varios espectáculos de Arte Nucleare se llevaron a cabo en lugares de Italia, pero el movimiento fracasó a fines de la década.

Ensamblaje (1953 en adelante)

El termino Arte de ensamblaje fue acuñado por primera vez por Jean Dubuffet en 1953 para denotar un tipo de trabajo construido a partir de fragmentos de objetos naturales, preformados o ’encontrados’, como escombros domésticos, detritos urbanos, animales de peluche, de hecho cualquier material (generalmente reconocible), grande o pequeño. Por lo general, los elementos se seleccionan y combinan por sus propiedades visuales (escultóricas), así como por sus atributos expresivos. Aunque popularmente se lo considera la contraparte tridimensional del collage, Assemblage de hecho abarca tanto collages en 2-D como fotomontajes, así como esculturas en 3-D y ambientes de habitaciones completas. La forma de arte ganó gran popularidad después de una exposición llamada "The Art of Assemblage" celebrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (1961), donde se realizó una de las obras más inusuales, de Cesar Baldaccini (1921-1998). Automóviles comprimidos.Un exponente maestro de este género fue el artista neoyorquino Robert Rauschenberg, cuyos conjuntos innovadores de los años cincuenta y sesenta contribuyeron inmensamente al género.

Neo-Dada (1953-65)

El arte neo-Dada era un término casi sinónimo del pop-art estadounidense temprano, especialmente el trabajo de collage y ensamblaje de Robert Rauschenberg y Jasper Johns en Nueva York a fines de la década de 1950. Pop-Art también compartió el enfoque subversivo de Dada, al inflar deliberadamente el significado estético de los objetos y las imágenes de bajo ceño, para consternación de muchos críticos y curadores "serios". Los métodos de la línea de producción de la Fábrica de Andy Warhol, junto con su fama iconoclasta y notoriedad, hicieron eco de las travesuras y tácticas de choque del artista de Dada Marcel Duchamp, 40 años antes. Otro movimiento, estrechamente relacionado con el dadaísmo es Fluxus , fundado por George Maciunas, que surgió a principios de la década de 1960 en Alemania y Nueva York.

Arte del fregadero de cocina (1954-57)

Un término acuñado por el crítico David Sylvester, que apareció por primera vez en la edición de diciembre de 1954 de la revista Encounter , en una descripción del trabajo de cuatro artistas británicos (John Bratby, Derrick Greaves, Edward Middleditch y Jack Smith) conocidos como Beaux Arts. Cuarteto. Señaló el tema cotidiano (muebles, pañales para bebés, utensilios de cocina, inodoros) de los cuatro, cuya celebración de lo banal en la vida de la gente común fue su intento de hacer que el arte sea más relevante y accesible, al tiempo que hizo un comentario social claro.. El ’movimiento’ del fregadero de la cocina alcanzó un punto álgido en 1956, cuando los miembros del Cuarteto de Bellas Artes fueron seleccionados para ser los representantes británicos en la Bienal de Venecia.

Pop Art (1958-70)

El termino Arte pop describe un estilo de arte, emergente simultáneamente en América y Gran Bretaña, que derivó su inspiración, técnicas creativas y filosofía de la cultura popular y comercial. Estas fuentes populistas o consumistas abarcaban películas, publicidad, empaque de productos, música pop y tiras cómicas. El movimiento británico difería de su contraparte estadounidense al ser menos temerario, más romántico y más nostálgico. También apareció una versión continental del Pop, Nouveau Réalisme (Nuevo Realismo), aunque tenía vínculos más fuertes con el movimiento antiarte Dada. El arte pop comenzó a mediados de la década de 1950 y alcanzó su punto máximo a mediados de la década de 1960 bajo la influencia de Andy Warhol y otros. Inspirado en Estados Unidos por el trabajo pionero de Robert Rauschenberg y Jasper Johns, Pop también tuvo afinidades con los movimientos de principios del siglo XX como el surrealismo. En parte, fue una revuelta contra el cerrado purismo artístico del expresionismo abstracto, del que los artistas pop intentaron distanciarse mediante el uso de imágenes simples y fácilmente reconocibles, así como la tecnología moderna de grabado como la serigrafía. Artistas pop famosos en los Estados Unidos incluyen: Jim Dine (nacido en 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (nacido en 1928), Jasper Johns (nacido en 1930), Alex Katz (nacido en 1927), Roy Lichtenstein (1923- 97), Claes Oldenburg (n. 1929), Edward Ruscha (n. 1937), Robert Rauschenberg (1925-2008), James Rosenquist (n. 1933), Andy Warhol (1928-87) y Tom Wesselmann (n. 1931). Entre los artistas pop británicos famosos se incluyen: Sir Peter Blake (nacido en 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (nacido en 1922), David Hockney (nacido en 1937), Allen Jones (nacido en 1937), RB Kitaj (1932), Sir Eduardo Paolozzi (1924-2005). Vea también nuestra guía deVea también nuestra guía deVea también nuestra guía dede la cual los artistas Pop buscaron distanciarse mediante el uso de imágenes simples y fácilmente reconocibles, así como la tecnología moderna de grabado como la serigrafía. Artistas pop famosos en los Estados Unidos incluyen: Jim Dine (nacido en 1935), Robert Indiana (alias John Clark) (nacido en 1928), Jasper Johns (nacido en 1930), Alex Katz (nacido en 1927), Roy Lichtenstein (1923- 97), Claes Oldenburg (n. 1929), Edward Ruscha (n. 1937), Robert Rauschenberg (1925-2008), James Rosenquist (n. 1933), Andy Warhol (1928-87) y Tom Wesselmann (n. 1931). Entre los artistas pop británicos famosos se incluyen: Sir Peter Blake (nacido en 1932), Patrick Caulfield (1936-2006), Richard Hamilton (nacido en 1922), David Hockney (nacido en 1937), Allen Jones (nacido en 1937), RB Kitaj (1932), Sir Eduardo Paolozzi (1924-2005). 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Op-Art ( arte óptico) (fl.1965-70)

Un refinamiento de Hard Edge Painting, Op-Art fue un tipo de arte no objetivo que empleó patrones geométricos en blanco y negro para crear una variedad de efectos ópticos en la fisiología y psicología de la percepción del espectador. En la medida en que creó la ilusión de movimiento, el estilo se ve mejor como parte del arte cinético más amplio movimiento. Por ejemplo, al bombardear los ojos de esta manera, las pinturas hacen que "vean" colores o formas que no están realmente allí, o que confundan el fondo con el primer plano, etc. A pesar de sus efectos extraños, a veces inquietantes, Optical Art estaba totalmente en línea con los cánones tradicionales de las bellas artes. Recuerde, toda la pintura tradicional se basa en la "ilusión" de profundidad y perspectiva. Op-Art simplemente extendió la naturaleza ilusoria del arte al interferir con las reglas que rigen la percepción óptica. Los artistas de Op. Sys. Abstractos famosos incluyeron a Bridget Riley, Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, François Morellet y Jesús-Rafael Soto. La serie Homenaje a la Plaza de Josef Albers también fue un tipo de arte óptico, al igual que los dibujos ilusorios de MC Escher. Ver también Pintura contemporánea británica (1960-2000).

Nuevo realismo (años 60)

Fluxus se encuentra con Dada y Conceptualismo, Nouveau Realisme (Nuevo Realismo) fue un movimiento francés muy vanguardista lanzado en 1960 por Yves Klein, cuyo manifiesto, "Declaración constitutiva del nuevo realismo", declaró su objetivo de "crear nuevas formas de percibir el real." Los miembros fundadores incluyeron a Pierre Restany, Yves Klein, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Francois Dufrene, Raymond Hains y Jacques de la Villegle. Los miembros posteriores fueron Mimmo Rotella, Niki de Saint Phalle y Gerard Deschamps. El grupo perdió impulso después de la muerte de Yves Klein en 1962, quien personalmente favoreció el nombre de "realismo de hoy" ( realisme d’aujourd’hui ). Para más información sobre Nouveau Realisme y su fundador, vea también: Yves Klein ’s El arte posmodernista (1956-62).

Las obras de Nouveau Realiste a menudo se caracterizaban por el collage, el escote y el ensamblaje, utilizando objetos de la vida real. De esta manera, el Nuevo Realismo revela sus vínculos con Dada en general y los readymades de Marcel Duchamp en particular. Otra influencia importante fue el Pop-Art estadounidense, como lo demuestra el uso del movimiento de objetos comerciales e iconografía producidos en masa. En general, se puede decir que Nouveau Realistes dio la espalda a la abstracción y el emocionalismo en favor de un enfoque más fresco y un retorno de la figura.

Abstracción post-pictórica (principios, mediados de la década de 1960)

Abstracción post-pictórica es un término acuñado por el crítico de arte Clement Greenberg (su título para una exposición que fue curada por el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 1964) para describir un tipo más tranquilo y moderado del expresionismo abstracto de los años sesenta. Esencialmente, el término describe el reemplazo de la pincelada gestual con un nuevo modismo basado en amplias áreas de color no modulado. Entre los principales exponentes de la abstracción post pictórica de la década de 1960 se incluyen: Helen Frankenthaler, Al Held, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland, Jules Olitski y Frank Stella. El término (y el estilo) fueron gradualmente superados y reemplazados por la nueva escuela de Minimalismo .