Canción de amor, Giorgio de Chirico:
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Descripción

Nombre: La canción del amor (1914)
Artista: Giorgio de Chirico (1888-1978)
Medio: Pintura al óleo sobre lienzo
Género: paisaje urbano de estilo surrealista
Movimiento: Pintura metafísica
Ubicación: Museum of Modern Art, Nueva York

Para una interpretación de otras imágenes de los siglos XIX y XX, ver: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

ENTENDER EL ARTE
Para el análisis de obras por
pintores simbólicos como
Giorgio de Chirico, ver:
Cómo apreciar las pinturas.

Fondo

Un contribuyente importante para arte Moderno, el artista italiano Giorgio de Chirico está asociado con ambos Simbolismo y Clasicismo, pero probablemente sea más famoso por desarrollar un estilo particular conocido como "pintura metafísica" (c.1913-20), que también atrajo artistas modernos me gusta Carlo Carra (1881-1966) y Giorgio Morandi (1890-1964). Esta llamada "pittura metafísica" se caracterizó por el uso de imágenes basadas en la clásica Arquitectura renacentista y Escultura griega, para crear una atmósfera misteriosa y un poco inquietante. Esto fue mejorado por la inclusión de varios objetos simbólicos, a menudo con significados autobiográficos o referencias clásicas. Las primeras pinturas de De Chirico, incluida La canción del amor (1914), La incertidumbre del poeta (1913) y El misterio y la melancolía de una calle (1914, Private Collection) – fueron venerados por Artistas surrealistas por sus cualidades oníricas y por su énfasis en la calidad poética de los objetos. Las influencias importantes en de Chirico incluyen: su amor por Arte griego, obtenido de su infancia en Grecia; y la pintura simbolista de Arnold Bocklin (1827-1901) y Max Klinger (1857-1920) que encontró durante sus estudios en la Academia de Munich.

La Canción del Amor ("Le chant d’amour" o "Canción de amor"), con su combinación misteriosa e incongruente de una cabeza clásica, un guante de goma y una pelota, era típica de esas obras metafísicas de De Chirico que tanto atraían a la Surrealismo movimiento. Cuando, por ejemplo, el artista belga Rene Magritte vio por primera vez una reproducción a principios de la década de 1920, no pudo evitar que las lágrimas asomaran a sus ojos: ver el pensamiento por primera vez, dijo más tarde, fue uno de los momentos más emotivos de su vida ) Le Patriote Illustre, 2 de abril 1967).

Influenciados por la psicología contemporánea, y en particular por la idea de una corriente de conciencia, los surrealistas sostuvieron que, en un nivel sin restricciones o casi inconsciente, el pensamiento consistía en imágenes e impulsos confusos; y creían que los primeros trabajos de De Chirico demostraban que estaba en contacto con estas capas inferiores de la mente, la fuente de la poesía verbal y visual. (Ver también: El automatismo en el arte. : c.1925-52.)

De Chirico, sin embargo, tenía una visión diferente de su trabajo. Habló de la importancia de los sueños, de una mentalidad de inocencia infantil y de la necesidad de evitar la lógica en la creación de bellas imágenes; pero su enfoque estaba menos en sus propios pensamientos y psicología que en revelar la extrañeza del mundo. En manuscritos de este período describió la experiencia de ver el mundo como "un inmenso museo de curiosidad, lleno de juguetes extraños", de comprender el enigma de cosas aparentemente insignificantes. El arte del futuro, escribió, debería:

"expresar sensaciones hasta ahora desconocidas; despojar al arte de la rutina, la regla y la tendencia hacia temas estéticos o síntesis; eliminar al hombre como un punto de referencia, como un medio para expresar un símbolo, una sensación o un pensamiento; ser liberado de una vez por todas de el antropomorfismo que encadena la escultura. Ve todo, incluso el hombre, como una cosa. Este es el método nietzscheano. Aplicado a pintura, podría producir resultados extraordinarios. Esto es lo que trato de demostrar en mis fotos " ) Il Meccanismo del Pensiero)

En Song of Love de Chirico llevó la idea de despojar al arte de la convención y la lógica hasta sus límites: no hay una razón conocida para la yuxtaposición de los objetos en esta pintura, y aunque las obras del hombre están presentes en todas partes, el hombre mismo está extrañamente ausente. La cabeza del Apolo, colocada absurdamente junto a un guante de goma, fue copiada de un libro en el escultura de la antigua Grecia por el arqueólogo francés Salomon Reinach. Como tan a menudo con de Chirico, esta pintura contiene una serie de referencias privadas. El tren alude a su infancia, y las arcadas a la arquitectura de las ciudades italianas; el guante alude a una pintura particular de Tiziano que de Chirico admiraba, y también anticipa la señaladora ’mano del destino’ encontrada en las llamadas obras ’alquímicas’ posteriores del artista; la pelota puede leerse como un símbolo de perfección; mientras que la inclusión de la cabeza clásica sugiere una alusión a los temas de poesía y clarividencia simbolizados por el dios Apolo.

La pintura se mostró por primera vez en Nueva York en 1914, y nuevamente en la Galería de Paul Guillaume en París en 1922 en una exposición que estableció la importancia de las obras metafísicas de De Chirico a los ojos de una audiencia francesa de la posguerra, y ayudó a poularizar el renacimiento clásico en el arte moderno