Tres mujeres (Le Grand Dejeuner), Fernand Leger: análisis Traductor traducir

«Tres mujeres» (o « Le Grand Dejeuner») - uno de los cuadros más famosos de Léger - representa a un trío de mujeres desnudas sentadas y reclinadas tomando té o café en un piso moderno.

Título : Tres mujeres (Le Grand Dejeuner) (1921)
Artista : Fernand Léger (1881-1955)
Material : Óleo sobre lienzo
Género : Pintura de género
Movimiento : Renacimiento clásico en el arte contemporáneo
Lugar : MOMA, Nueva York

Antecedentes

A principios de la década de 1920, tras el éxito de obras como «Desnudo en el bosque» (1909-10), «Contraste de formas» (1913), «Soldados jugando a las cartas» (1917) y «El mecánico» (1920), Léger -junto con Picasso (1881-1973), Braque (1882-1963) y otros- se convirtió en uno de los principales artistas del siglo XX en París y en una de las figuras clave del arte moderno en Francia. Al menos a partir de 1910, su principal preocupación fue el arte abstracto -es decir, el estilo individual del cubismo, apodado toubismo «» por su uso de formas cilíndricas-, pero su última obra maestra («Mechanique») marcó un retorno a las formas clásicas, tendencia que continuó en la década de 1920. Pero, al igual que con el Cubismo, creó su propia versión del Clasicismo, combinando la estética maquinista con la solidez de las formas, lo que reflejaba su firme creencia en la industria moderna y su visión de que, juntos, el arte y la era de las máquinas podían ayudar a trazar un nuevo rumbo para los trabajadores de Francia.

Los desnudos femeninos eran habituales en el arte de la Antigüedad clásica, y más tarde en la pintura neoclásica y la escultura neoclásica de finales del siglo XVIII y principios del XIX, por lo que el tema elegido por Léger no podía ser más apropiado para una obra del Renacimiento clásico. Salvo que los cuerpos de estas mujeres desnudas en particular se presentan como formas redondeadas y desplazadas, con una piel que no es blanda sino dura, pulida y bruñida. Sus rasgos maquinales corresponden tanto a la voluntad de Léger de eliminar toda emoción de la obra (al estilo clásico) como a su creencia en los ideales utópicos y reconstructivistas de los años veinte.

Esta gran obra maestra se expuso por primera vez en el Salón de Otoño de 1921. Fue comprada por Léonce Rosenberg (1879-1947), pero al parecer le pareció demasiado «severa», y Léger la retiró. Descontento con ella, Léger la retocó en 1922, pintando la figura sentada de la derecha en tonos carne oscuros sobre la grisalla original, e introduciendo otros pequeños cambios en el fondo y el mobiliario, en su mayoría hacia una mayor simplificación. No se vendió hasta 1925 y sirvió de fuente para varios cuadros posteriores de Léger, entre ellos «Desnudo sobre fondo rojo» (1923, Kunstmuseum, Basilea).

«Tres mujeres» («El gran almuerzo») - un análogo de «Tarde de domingo en la isla Grand Jatte» Sera (1884-6, Art Institute of Chicago), ya que fue meticulosamente preparado durante un periodo de dos años mientras trabajaba simultáneamente en otras composiciones relacionadas pero separadas con una o dos figuras desnudas.

Un dibujo fechado en 1920 (Museo Estatal Kroller-Müller, Otturlo) muestra toda la composición más o menos como aparecería en el cuadro definitivo, y existen dos versiones al óleo mucho más pequeñas, ambas conocidas como «Le Petit Dejeuner». También hay dibujos y óleos separados que representan una merienda a la derecha y dos mujeres a la izquierda, todos fechados en 1921. La meticulosidad con la que Léger preparó el enorme cuadro demuestra que lo consideraba «una obra maestra» y lo concebía como una moderna máquina de salón «». De acuerdo con esta intención, decidió exponerlo por primera vez en el Salón y no en una galería de marchantes.

En cartas a Alfred Barr escritas en 1942 y 1943 - Barr acababa de adquirir el cuadro para el Museo de Arte Moderno - Léger califica «Tres mujeres (Le Grand Dejeuner)» de «clásico» y subraya tanto la universalidad del tema como la falta de emoción. Las fuentes de la pintura de Léger se encuentran, en efecto, en la tradición clásica de la pintura francesa, y él mismo insinúa dónde debemos buscar, en una «Carta», fechada en 1922, que publicó en el Bulletin de l’Effort Moderne en abril de 1924. En ella nombra como sus «fuentes artísticas a» Renoir (1841-1919), Georges Serre (1859-1891), Jean Auguste Dominique Engré (1780-1867) y Jacques-Louis David (1748-1825), así como «La gran cena» pueden compararse sin problemas con «Grandes bañistas» de Renoir (Musée d’Orsay, París), «Modelos» de Cera» (Barnes Foundation, Merion, Pensilvania), «Baño turco» de Engré» (Louvre) y «Retrato de Madame Recamier» de David (Louvre).

Menciona a otros artistas en el mismo texto: Eugène Delacroix (1798-1863), los hermanos Le Nain (siglo XVII), Cézanne (1839-1906), Nicolas Poussin (1594-1665) y Jean Fouquet (1420-1481) - y de nuevo se pueden establecer paralelismos iconográficos, compositivos o estilísticos con obras concretas, como «Mujeres argelinas» de Delacroix (Louvre), «Familia campesina en el interior» de Le Nain (Louvre), las composiciones tardías de Cézanne «Bater», «Eleazer y Rebeca en el pozo» de Poussin (Louvre), «Virgen con el Niño y ángeles» de Fouquet (Museo de Bellas Artes de Amberes). No menciona a Édouard Manet (1832-1883), pero «Olympia» y «Dejeuner sur l’herbe» (ambos Musée d’Orsay) son los precedentes más evidentes de este cuadro.

Sin embargo, más allá de una deuda específica con el pasado, «La gran cena» se concibe como una obra verdaderamente humanista, una imagen ideal y simbólica de la paz, la armonía y la belleza universales, que expresa las esperanzas de Léger en la mejora de la humanidad y su creencia en la misión civilizadora del arte. A este respecto, hay que situarla en el contexto de los más modestos Paisajes revitalizados «» que pintó en la misma época y que transmiten un mensaje utópico similar.

Sin embargo, todo en el cuadro es decididamente moderno y, al mismo tiempo, clásico e intemporal. Las odaliscas toman el té y leen libros en una habitación decorada en el estilo higiénico de posguerra preconizado por Le Corbusier (1887-1965); parecen haber sido ensambladas mecánicamente a partir de piezas estándar prefabricadas. Somos conscientes de una deuda con los colores planos y la geometría del cubismo sintético, y en la paleta de colores y las líneas se siente una conexión con las pinturas abstractas de Piet Mondrian (1872-1944), el inventor del neoplasticismo, que entonces vivía en París.

El cuadro revela también la simpatía del artista por los ideales puristas de Amedy Ozenfant (1886-1966) y otros, que abogaban por un renacimiento de la estética clásica como símbolo de una renovada armonía social. Mientras que Picasso pretendía a veces ser un artista antiguo y rechazaba las vestiduras externas de los estilos modernistas, Léger no lo hace. Se niega a mitificar, y en su obra no hay una nostalgia punzante e inquietante al estilo de Picasso. Es esta ausencia de duda moral lo que ha llevado a críticos como Waldemar Georges a hablar del arte de Léger como «saludable» y «purificador» (Fernand Léger, París, 1929). Véase también la obra clásica posterior de Léger «Dos hermanas» (1935, Gemaldegalerie SMPK, Berlín).

El renacimiento clásico de posguerra

La llamada al orden «clásico», que se extendió rápidamente por Francia e Italia tras el Armisticio, reflejaba una necesidad profundamente sentida de volver a conectar con los ideales eternos de la Antigüedad tras los horrores indecibles de la Primera Guerra Mundial.

Considerada como un contrapeso al nihilismo dadaísta , esta llamada fue atendida por un amplio abanico de artistas a principios de la década de 1920, que se retiraron de sus experimentos más extremos de preguerra con la forma, el espacio y el tema y siguieron la tendencia clasicista. Uno de ellos fue el cubista Picasso, compañero de Léger. Los cuadros neoclásicos más conocidos de Picasso : Dos mujeres desnudas (1906); Mujer sentada (Picasso) (1920); La gran bañista (1921); Mujer de blanco (1923); y Dos mujeres corriendo en la playa (carrera) (1922).

Para mayor contraste, véanse los motivos clásicos modernistas empleados por el artista italiano Giorgio de Chirico en obras como «El misterio y la melancolía de una calle» (1914, Colección Privada), La incertidumbre del poeta (1913, Colección Tate, Londres), y Canción de amor (1914, Museo de Arte Moderno, Nueva York).

Para una interpretación de otras pinturas de los siglos XIX y XX, véase: Análisis de la pintura moderna (1800-2000).

ENTENDER EL ARTE
Para un análisis de pinturas de artistas contemporáneos como Fernand Léger, véase: Cómo apreciar la pintura .