Arte renacentista:
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Durante los doscientos años transcurridos entre 1400 y 1600, Europa fue testigo de un notable renacimiento de las bellas artes, la escultura y la arquitectura, con Italia en el centro de estos procesos, un período que ahora llamamos el Renacimiento ) rinascimento). Este nombre (en francés «renaissance») este periodo deriva del «Renacimiento» – un famoso volumen histórico escrito por el historiador Jules Michelet (1798-1874) en 1855 – y se comprendió mejor tras la publicación en 1860 de «Renaissance Civilisation in Italy» ) Die Kultur der Renaissance in Italien) por Jacob Burckhardt (1818-1897), profesor de historia del arte en la Universidad de Basilea.

¿Cuáles eran las características del Renacimiento?

En pocas palabras, el Renacimiento italiano restauró el arte occidental según los principios del arte griego clásico, especialmente la escultura griega y la pintura, que en gran medida sirvieron de base para el Grand Tour y permanecieron inalterados hasta Pablo Picasso y el Cubismo.

Desde principios del siglo XIV, en busca de un nuevo conjunto de valores artísticos y de una respuesta al refinado estilo gótico internacional, los artistas y pensadores italianos se inspiraron en las ideas y formas de la antigua Grecia y Roma. Todo ello respondía a su deseo de crear un arte universal, incluso noble, capaz de expresar el nuevo estado de ánimo, más seguro de sí mismo, de la época.

La filosofía del humanismo renacentista

Por encima de todo, el arte del Renacimiento estaba impulsado por un nuevo concepto «de humanismo» – una filosofía que estaba en la base de muchos de los logros (por ejemplo, la democracia) de la Antigua Grecia pagana. El humanismo restó importancia al dogma religioso y secular y, en su lugar, concedió gran importancia a la dignidad y el valor del individuo.

Influencia del humanismo en el arte

En las artes visuales, el humanismo significó:
❶ La aparición de la figura individual en lugar de figuras estereotipadas o simbólicas.
❷ Un mayor realismo y la consiguiente atención al detalle, reflejados en el desarrollo de la perspectiva lineal y el creciente realismo de los rostros y cuerpos humanos; este nuevo enfoque ayuda a explicar por qué la escultura clásica era tan venerada y por qué el arte bizantino pasó de moda.
❸ Énfasis y fomento de las acciones virtuosas: un enfoque reflejado por el principal teórico del arte renacentista Leon Battista Alberti (1404-72). En una ocasión afirmó que "la felicidad no puede alcanzarse sin acciones buenas, justas y rectas".

La promoción de la virtud reflejaba la creciente idea de que la vida humana estaba controlada por el hombre y no por el destino o Dios, y fue una razón clave por la que la pintura histórica (es decir, las pinturas con mensajes «edificantes») llegó a considerarse la forma más elevada de pintura. Por supuesto, el estudio de la virtud en las artes visuales también incluía el estudio del vicio y la maldad humana.

Causas del Renacimiento

Aún no está claro qué causó el renacimiento de las bellas artes. Aunque Europa salió de la Edad Media con Carlomagno (c. 800) y experimentó un renacimiento de la Iglesia cristiana con su programa de construcción en estilo gótico de los siglos XII-XIII, el siglo XIV fue testigo de varias cosechas desastrosas, la peste negra (1346) y una prolongada guerra entre Inglaterra y Francia. Difícilmente las condiciones ideales para un estallido de creatividad, por no hablar de un prolongado renacimiento de pinturas, dibujos, esculturas y nuevos edificios. Además, la Iglesia – la mayor mecenas de las artes – estaba plagada de desacuerdos sobre asuntos espirituales y seculares.

Aumento de la prosperidad

Sin embargo, se produjeron acontecimientos más positivos. En Italia, Venecia y Génova se enriquecieron gracias al comercio con Oriente, mientras que Florencia era un centro de lana, seda y joyería y albergaba la fabulosa riqueza de la culta y hábil familia Médicis .

La prosperidad también llegaba al norte de Europa, como demuestra la creación de la Liga Hanseática de ciudades en Alemania. Esta creciente riqueza proporcionó apoyo financiero a un número cada vez mayor de encargos de grandes proyectos artísticos públicos y privados, mientras que las rutas comerciales en las que se basaba facilitaron enormemente la difusión de ideas y, por tanto, el crecimiento de los movimientos en todo el continente.

A esta difusión de las ideas, que por cierto se aceleró enormemente con la invención de la imprenta, se unió un innegable sentimiento de impaciencia ante la lentitud de los cambios. Después de mil años de inanición cultural e intelectual, Europa (y especialmente Italia) estaba hambrienta de renacimiento.

La debilidad de la Iglesia

Paradójicamente, la debilidad de la Iglesia dio un impulso adicional al Renacimiento. En primer lugar, permitió la difusión del humanismo, que había sido fuertemente resistido en épocas anteriores; en segundo lugar, animó a Papas posteriores, como Julio II (1503-13), a gastar sumas extravagantemente elevadas en arquitectura, escultura y pintura en Roma y el Vaticano (por ejemplo, véase Museos Vaticanos, especialmente Frescos de la Capilla Sixtina) – para recuperar la influencia perdida. Su reacción a la Reforma (hacia 1520), conocida como Contrarreforma, especialmente la de tipo doctrinal del arte cristiano, continuó este proceso hasta finales del siglo XVI.

La era de las exploraciones

La época del Renacimiento en la historia del arte es paralela al comienzo de la gran era de los descubrimientos occidentales, durante la cual hubo un deseo general de explorar todos los aspectos de la naturaleza y del mundo. Los exploradores navales europeos descubrieron nuevas rutas marítimas, nuevos continentes y establecieron nuevas colonias. Del mismo modo, los arquitectos, escultores y artistas europeos demostraron su propio deseo de nuevos métodos y conocimientos. Según el pintor, arquitecto y comentarista italiano del Renacimiento Giorgio Vasari (1511-1574), el Renacimiento se movió no sólo por un creciente respeto hacia el arte de la antigüedad clásica, sino también por un creciente deseo de estudiar e imitar la naturaleza.

¿Por qué empezó el Renacimiento en Italia?

Además de su condición de país comercial más rico entre Europa y Oriente, Italia estaba dotada de un vasto depósito de ruinas y artefactos clásicos. En casi todas las ciudades se podían encontrar muestras de arquitectura romana, y la escultura romana, incluidas copias de esculturas perdidas de la antigua Grecia, se conocía desde hacía siglos. Además, la decadencia de Constantinopla, capital del Imperio bizantino, hizo que muchos eruditos griegos emigraran a Italia, trayendo consigo importantes textos y conocimientos de la civilización griega clásica. Todos estos factores ayudan a explicar por qué el Renacimiento comenzó en Italia. Para más información, véase Renacimiento florentino (1400-90).

Para más información sobre cómo se desarrolló el movimiento en las distintas ciudades de Italia, véase:

Escuela Sienesa de Pintura (por ejemplo, hermanos Lorenzetti, Sassetta);
Renacimiento en Florencia (por ejemplo, Giotto, Mazaccio, Brunelleschi, Leonardo);
Renacimiento en Roma bajo los Papas (por ejemplo, Rafael y Miguel Ángel);
Renacimiento en Venecia (por ejemplo, Mantegna, familia Bellini, Tiziano, Tintoretto).

Artistas del Renacimiento

Aunque los factores económicos, sociales y políticos sentaron las bases del Renacimiento, fue el talento de los artistas italianos lo que lo impulsó. Los pintores, escultores, arquitectos y diseñadores más importantes del Renacimiento italiano de los siglos XIV, XV y XVI son, por orden cronológico:

Cimabue (ca. 1240-1302) Conocido por sus frescos de Asís.
Giotto di Bondone (1267-1337) Frescos de la Capilla de la Arena Scrovegni.
Gentile da Fabriano (1370-1427) Influyente pintor de estilo gótico.
Jacopo della Quercia (ca. 1374-1438) Influyente escultor de Siena.
Lorenzo Ghiberti (1378-1455) Escultor «Puerta del Cielo»

Donatello (1386-1466) El mejor escultor del Renacimiento temprano
Paolo Uccello (1397-1475). Famoso por su trabajo sobre la perspectiva.
Tommaso Mazaccio (1401-1428) Gran pintor florentino.
Piero della Francesca (1420-1492) Pionero de la perspectiva lineal.
Andrea Mantegna (1430-1506) Conocido por la técnica ilusionista del escorzo.
Donato Bramante (1444-1514) Principal arquitecto del Renacimiento.
Alessandro Botticelli (1445-1510) Conocido por su pintura mitológica.
Leonardo da Vinci (1452-1519) Creador de la Gioconda, La Última Cena.
Rafael (1483-1520) El mayor artista del Renacimiento.
Miguel Ángel (1475-1564) Pintor y escultor genial.
Tiziano (1477-1576) El más grande colorista veneciano.
Andrea del Sarto (1486-1530) Líder del Alto Renacimiento en Florencia.
Correggio (1489-1534) Conocido por sus frescos de cuadratura ilusionista.
Andrea Palladio (1508-1580) Dominante en la arquitectura renacentista veneciana, imitado más tarde en el palladianismo.
Tintoretto (1518-1594) Pintor manierista religioso.
Paolo Veronese (1528-1588) Colorista, seguidor de Tiziano.

Lista general de pintores y escultores del Renacimiento
c.1280-1400 – Artistas del Renacimiento
c.1400-1490 – Artistas del Renacimiento temprano
c.1490-1530 – Artistas del Alto Renacimiento
c.1530-1600 – Artistas manieristas
c.1400-1600, Europa septentrional – Artistas del Renacimiento septentrional
c.1400-1600 – Escultores del Renacimiento .

Influencia del Renacimiento en la pintura y la escultura

Como ya se ha dicho, el Renacimiento italiano se caracterizó por cuatro aspectos:

❶ La recuperación reverente de las formas y estilos clásicos del arte griego y romano

❷ La creencia en la nobleza del hombre (humanismo)

❸ El dominio de la técnica de la pintura ilusionista, que maximiza «la profundidad» de la imagen, incluyendo la perspectiva lineal, el escorzo y, más tarde, la cuadratura ;

❹ El realismo naturalista de sus rostros y figuras, realzado por técnicas de pintura al óleo como el sfumato .

Técnicas pictóricas renacentistas

Ejemplo Perspectiva lineal
: La flagelación de Cristo de Piero della Francesca.
Ejemplo perspectiva
: La lamentación de Cristo muerto de Mantegna.
Ejemplo de una cuadratura
: fresco de la Camera degli Sposi (o «Camera picta», sala del Palazzo Ducale de Mantua) de Mantegna.
Ejemplo sfumato
: Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

En el norte de Europa, el Renacimiento se caracterizó por el progreso en la representación de la luz en el espacio y su reflejo en diversas superficies y (sobre todo) por la consecución de un realismo supremo en el retrato de caballete y la pintura de bodegones. Esto se debió en parte a que la mayoría de los artistas del Renacimiento septentrional empezaron a utilizar la pintura al óleo a principios del siglo XV, prefiriendo el temple o el fresco, que (por razones climáticas y de otro tipo) seguían siendo los métodos de pintura preferidos en Italia. El óleo permitía un color más rico y, debido a su mayor tiempo de secado, se podía pintar durante varias semanas, lo que permitía trabajar los detalles más finos y conseguir un mayor realismo. El óleo se extendió rápidamente por Italia, primero a Venecia, cuyo clima húmedo era menos adecuado para el temple, y después a Florencia y Roma. (Véase también: Movimientos artísticos, épocas, escuelas, para una breve guía de otros estilos).

Entre otras cosas, esto significaba que, aunque el cristianismo seguía siendo el tema o asunto dominante de gran parte del arte visual de la época, los evangelistas, los apóstoles y los miembros de la Sagrada Familia eran representados como personas reales en poses y situaciones reales, expresando emociones reales. Al mismo tiempo, las historias de la mitología clásica, como la representación en iconos de personajes como Venus, la diosa del amor, se utilizaron cada vez más para ilustrar el mensaje del humanismo. Para más información, véase: Análisis de cuadros famosos .

En cuanto a las artes plásticas, la escultura renacentista italiana reflejó la primacía de la figura humana, especialmente del desnudo masculino. Tanto Donatello como Miguel Ángel se basaron en gran medida en el cuerpo humano, pero no lo utilizaron como medio para expresar la inquieta energía gótica o la estática nobleza clásica, sino con un significado espiritual más profundo. Las dos grandes esculturas del Renacimiento fueron «David» Donatello (1440-43, Bargello, Florencia) y «David» Miguel Ángel (1501-1504, Galleria dell’Accademia delle Arti, Florencia). Nota. Para artistas y estilos inspirados en el arte de la Antigüedad clásica, véase: El clasicismo en el arte (a partir del año 800).

El ascenso del estatus de pintores y escultores

Hasta el Renacimiento, pintores y escultores eran considerados meros obreros cualificados, en contraposición a decoradores de talento. Sin embargo, con el objetivo de crear un arte clásico elaborado, el Renacimiento italiano elevó la profesión de pintor y escultor a un nuevo nivel. Para ello, se concedió una importancia primordial a «disenio» (Disegno) – palabra italiana cuyo significado literal – «dibujo», pero cuyo significado incluye «todo el diseño» de una obra de arte, no sólo «colorito» (la técnica de aplicar pinturas y pigmentos coloreados). El dizenio constituía el componente intelectual de la pintura y la escultura, que ahora se ha convertido en la profesión de los artistas pensadores y no de los decoradores. Véase también: Los mejores dibujos del Renacimiento .

Influencia en el arte occidental

Las ideas y los logros de los artistas del Renacimiento temprano y alto ejercieron una enorme influencia en los pintores y escultores que les siguieron durante el Cinquecento, y después a partir de la escuela de Fontainebleau (ca. 1528-1610) en Francia. La teoría del arte del Renacimiento fue adoptada y promulgada oficialmente (por desgracia, con demasiada rigidez) por todas las academias de arte oficiales de Europa, incluidas, entre otras, la Accademia di San Luca de Roma, la Accademia del Disegno de Florencia, la Academia Francesa de Bellas Artes de París y la Royal Academy de Londres. Este enfoque teórico conocido como arte académico regía muchos aspectos de las artes visuales. Por ejemplo, en 1669, André Felibien, secretario de la Academia Francesa, declaró la siguiente jerarquía de géneros pictóricos, inspirada en la filosofía renacentista:
❶ Pintura de historia;
❷ Retrato;
❸ Pintura de género;
❹ Paisaje;
❺ Naturaleza muerta.

En resumen, la principal contribución del Renacimiento italiano a la historia del arte fue la promoción de los valores griegos clásicos. Como consecuencia de ello, la pintura y la escultura occidentales se desarrollaron principalmente según las líneas clásicas. Aunque los artistas contemporáneos, empezando por Picasso, han explorado nuevos medios y formas artísticas, el principal modelo del arte occidental sigue siendo la Antigüedad griega interpretada por el Renacimiento.

Cronología del Renacimiento

Es habitual clasificar el arte renacentista italiano en varios periodos distintos pero superpuestos:

Periodo Protorrenacimiento (1300-1400)
Pintura prerrenacentista (1300-1400)
Periodo Renacimiento temprano (1400-1490)
Periodo Alto Renacimiento (1490- 1530)
Renacimiento septentrional (1430-1580)
Renacimiento neerlandés (1430-1580)
Renacimiento alemán (1430-1580)
Manierismo Período (1530-1600).

Esta cronología corresponde en gran medida a la descripción que figura en el libro autorizado «Vidas de los más célebres arquitectos, pintores y escultores italianos» (Vite de ’più eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani) del comentarista renacentista Giorgio Vasari (1511-1574).

Historia del arte renacentista

El Renacimiento o Rinascimento, contribuyó en gran medida al crecimiento postfeudal de la ciudad independiente, a semejanza de lo que ocurría en Italia y en el sur de los Países Bajos. Ricas gracias al comercio y la industria, estas ciudades solían tener una organización democrática de gremios, aunque la democracia política solía estar controlada por algún individuo o familia rica y poderosa. Buenos ejemplos de ello son la Florencia del siglo XV, centro del arte renacentista italiano, y Brujas, uno de los centros de la pintura flamenca. Eran los dos pilares del comercio y las finanzas europeas. El arte y, en consecuencia, la artesanía decorativa florecieron: en la ciudad flamenca, bajo el mecenazgo de los duques de Borgoña, la rica clase mercantil y la iglesia; en Florencia, bajo el dominio de la acaudalada familia Médicis.

En este ambiente favorable, los artistas se interesaron cada vez más por representar el mundo visible, en lugar de limitarse a esa preocupación exclusiva por la espiritualidad de la religión, a la que sólo era posible dar forma visual mediante símbolos y rígidas convenciones. El cambio, sancionado por los gustos y las actitudes liberales de los mecenas (incluidos los eclesiásticos sofisticados), ya es evidente en la pintura gótica de la Baja Edad Media y alcanza su culminación en el llamado estilo gótico internacional del siglo XIV y principios del XV. En toda Europa, en Francia, Flandes, Alemania, Italia y España, los artistas libres de las disciplinas monásticas mostraron las principales características de este estilo en el mayor interés narrativo de sus pinturas religiosas, el intento de dar más humanidad a los estados de ánimo y al aspecto de la Virgen y otras imágenes veneradas, el carácter más individual del retrato en general y la presentación de detalles del paisaje, los animales y las aves que el pintor monje de épocas anteriores podría haber considerado demasiado banales. Puede decirse que estos eran rasgos característicos de la pintura renacentista, pero la diferencia esencial se hizo patente a principios del siglo XV. Los representantes del gótico internacional, como Simone Martini (1285-1344), de la Escuela de pintura de Siena, y el umbro Gentile da Fabriano (hacia 1370-1427), seguían adhiriéndose a la idea de crear un diseño de superficie elegante con un patrón de color vivo y poco realista. El objetivo realista de la siguiente generación era penetrar radicalmente a través de la superficie para dar una nueva sensación de espacio y formas tridimensionales.

Este avance decisivo del realismo apareció por primera vez hacia la misma época en Italia y los Países Bajos, y más concretamente en las obras de Mazaccio (1401-1428) en Florencia y Jan van Eyck (hacia 1390-1441) en Brujas. Mazaccio, que, según Delacroix, provocó la mayor revolución de la historia de la pintura, dio un nuevo impulso a la pintura del Renacimiento temprano con sus frescos de la capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine.

Véanse en particular La expulsión del Jardín del Edén (1425-6, Capilla Brancacci) y La Santísima Trinidad (1428, Santa Maria Novella).

Las figuras de estas composiciones narrativas parecían estar de pie y moverse en el espacio circundante; estaban modeladas con algo del sentido de las tres dimensiones del escultor, mientras que los gestos y las expresiones cambiaban de tal manera que establecían no sólo los diferentes caracteres de las personas representadas, sino también su interrelación. En este sentido, se anticipó a la búsqueda de Leonardo en «La Última Cena» (1495-98, Monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán).

Aunque Van Eyck también creó un nuevo sentido del espacio y la perspectiva, existe una diferencia evidente entre su obra y la de Mazaccio, que también arroja luz sobre la distinción entre la notable escuela flamenca del siglo XV y el Renacimiento temprano italiano. Ambos eran igualmente admirados, considerados «modernos», pero diferían en el medio y la idea. Italia tenía una larga tradición de pintar paredes con frescos, lo que en sí mismo creaba una cierta amplitud de estilo, mientras que el artista neerlandés, que trabajaba con el medio del óleo en paneles, de tamaño relativamente pequeño, conservaba algo de la superficialidad del pintor de miniaturas. Mazaccio, en efecto, no fue un innovador solitario, sino uno que desarrolló la tradición narrativa al fresco de su gran predecesor proto-renacentista en Florencia, Giotto di Bondone (1267-1337). Véanse, por ejemplo, los frescos de la Capilla Scrovegni (c. 1303-10, Padua).

Florencia tuvo una orientación diferente también como centro de aprendizaje clásico y estudios filosóficos. El poder intelectual de la ciudad la convirtió en el principal centro del Renacimiento del siglo XV e influyó en todas las artes. Los eruditos dedicados al estudio y la traducción de textos clásicos, tanto latinos como griegos, contaban con la tutela de familias nobles y adineradas que llegaron a compartir su entusiasmo literario. Esto, a su vez, alimentó el deseo de versiones gráficas de la historia y las leyendas antiguas. Como consecuencia, el abanico de temas del artista se amplió considerablemente y ahora tenía problemas adicionales de representación que resolver.

Así, lo que podría haber sido una mera nostalgia del pasado y un paso atrás en el arte se convirtió en un paso adelante y en un apasionante proceso de descubrimiento. El cuerpo humano, excluido durante tanto tiempo de la pintura y la escultura medieval por consideraciones religiosas – salvo en la forma más exigua y poco realista – adquirió un nuevo significado en la representación de dioses, diosas y héroes de los mitos clásicos. Los artistas tuvieron que volver a familiarizarse con la anatomía, para comprender la relación entre huesos y músculos y la dinámica del movimiento. En la pintura, considerada ahora como una escena y no como un plano, hubo que explorar y utilizar la ciencia de la perspectiva lineal . Además, el ejemplo de la escultura clásica proporcionó el impulso para combinar el naturalismo con el ideal de proporción y belleza física.

Pintores y escultores, a su manera, defendieron la dignidad del ser humano, al igual que los filósofos humanistas y mostraron la misma sed de conocimiento. La lista de los grandes artistas florentinos del siglo XV y, lo que es igual de importante, el número de los que practicaron más de un arte o forma de expresión es realmente extraordinaria.

En todos los aspectos, la notable familia Médicis contribuyó al clima intelectual y al desarrollo de las artes que hicieron de Florencia el motor del Renacimiento. La fortuna derivada de la casa bancaria fundada por Giovanni de’ Medici (c. 1360-1429), con dieciséis sucursales en ciudades de toda Europa, fue invertida en el desarrollo cultural, especialmente por los dos miembros más prominentes de la familia, Cosimo, hijo de Giovanni (1389-1464) y su nieto Lorenzo (1448-1492). Su talento personal en las finanzas, la política y la diplomacia, su amor por los libros, su generoso mecenazgo de los vivos y su aprecio por las antigüedades eran típicos de la universalidad, tan acorde con el espíritu del Renacimiento.

La equiparación de la filosofía de Platón con la doctrina cristiana en la academia establecida por Cosme de Médicis parece haber sancionado la división de las actividades del artista, como ocurría a menudo, en temas religiosos y paganos. La atmósfera intelectual creada por los Médicis fue el elemento inspirador que hizo que Florencia superara a la vecina Siena. Aunque ninguna otra ciudad italiana del siglo XV podía presumir de semejante constelación de genios de las artes, las ciudades más cercanas a Florencia eran las que también estaban gobernadas por mecenas ilustrados. Ludovico Gonzaga (1414-1478) marqués de Mantua, fue un típico gobernante renacentista en su aptitud para la política y la diplomacia, en su fomento del saber humanístico y en el desarrollado gusto que le llevó a construir una gran colección de arte y a las obras de Andrea Mantegna (1431- 1506) como pintor de corte.

De un calibre similar fue Federigo Montefeltro, duque de Urbino. Al igual que Ludovico Gonzaga, fue alumno del famoso maestro humanista Vittorino da Feltre, cuya escuela en Mantua combinaba el ejercicio con el estudio de autores griegos y latinos, e inculcaba una creencia humanista en la mejora integral posible para el hombre. En la corte de Urbino, que estableció los estándares de buenas maneras y logros descritos por Baldassare Castiglione en «Il Cortigiano», el duque patrocinó a muchos artistas, el principal de los cuales fue el gran Piero della Francesca (1420-1492).

La historia de la pintura renacentista después de Masaccio nos lleva primero al piadoso Fra Angelico (ca. 1400-1455), nacido antes pero que vivió mucho más tiempo. Algo del estilo gótico permanece en su obra, pero la inocencia monástica, que es quizá lo primero que llama la atención, va acompañada de una madura firmeza de líneas y un sentido de la estructura. Esto es evidente en pinturas de los últimos años de su vida, como «La Adoración de los Magos», actualmente en el Louvre, y los frescos que ilustran las vidas de San Esteban y San Lorenzo, pintados en el Vaticano para el papa Nicolás V a finales de la década de 1440. Véase también su serie de pinturas sobre la Anunciación (c. 1450, Museo de San Marcos). Su discípulo Benozzo Gozzoli (c. 1421-1497) se adhirió, sin embargo, a los brillantes colores decorativos y a los detalles del estilo gótico internacional en obras como la panorámica Procesión de los Reyes Magos del Palazzo Riccardi de Florencia, en la que presentó un retrato ecuestre de Lorenzo de Médicis.

Más cercano a Fra Angelico que Mazaccio estuvo Fra Filippo Lippi (c. 1406-1469), monje carmelita en su juventud y protegido de Cosme de Médicis, que observó con condescendencia las diversas aventuras, amorosas y de otro tipo, del artista. Fra Filippo, en los temas religiosos que pintó en frescos y paneles, muestra una tendencia a glorificar el glamour del tipo humano idealizado, que contrasta con el impulso de innovación técnica del siglo XV. Se distingue menos en términos puramente estéticos o intelectuales que en su representación de la Madonna como ser de origen femenino. Su modelo idealizado, esbelto, de ojos oscuros, cejas levantadas, nariz ligeramente respingona y boca pequeña, sirvió de modelo iconográfico para otros. Su discípulo Sandro Botticelli (1445-1510) dotó a estas imágenes de cierta reflexión.

Los cuadros de Botticelli resumen gran parte del desarrollo anterior del Renacimiento. Se caracterizó por esa gracia de rasgos y formas que Fra Filippo trató de transmitir y que el contemporáneo de Botticelli, Domenico Ghirlandaio (1449-1494), también transmitió en su admirable versión en frescos y retratos. Interpretó de manera pictórica única el neoplatonismo de los filósofos humanistas de Lorenzo de Médicis. La red de ingeniosas alegorías en las que Marsilio Ficino, el tutor de Lorenzo di Pierfrancesco de’ Medici (primo de Lorenzo el Magnífico), se esforzó por demostrar la relación entre Gracia, Belleza y Fe, tiene la misma sutileza en «Primavera» (La Primavera) (c. 1482-3, Uffizi) y Nacimiento de Venus (c. 1484-6, Uffizi), ejecutados para la villa de Lorenzo. El enfoque poético de los clásicos de Angelo Poliziano, también tutor de la familia Médicis, puede verse reflejado en el arte de Botticelli. Aunque su vida se prolongó durante el Alto Renacimiento, su admiración por los colores puros y los exquisitos detalles naturales personifica la juventud de este movimiento. Tal vez en la belleza melancólica de su «Afrodita» se pueda encontrar algo de la nostalgia de la Edad Media, a la que, después de todo, cuando el monje integrista Savonarola condenó a los Medici y todas sus obras, hizo su apasionada réplica.

La nostalgia, así como la pureza del diseño lineal de Botticelli, aún no afectado por el énfasis en la luz y la sombra, hicieron de él un objeto especial de admiración para los prerrafaelitas del siglo XIX. Pero, como en otros artistas del Renacimiento, había en él una energía que transmitía a sus ritmos lineales una capacidad de intensa expresión emocional, así como de suave delicadeza. La distancia del Renacimiento respecto a la calma inexpresiva del periodo clásico, representada por las estatuas de Venus o Apolo, radica en esta distinción de espíritu o intención, aunque se manifieste inconscientemente. La expresión de la energía física, que en Florencia tomó naturalmente la forma de imágenes de desnudos masculinos, confiere una violencia no clásica a la obra del pintor y escultor Antonio Pollaiuolo (1426-1498). Pollaiuolo fue uno de los primeros artistas en diseccionar cuerpos humanos para trazar con precisión el juego de huesos, músculos y tendones en un organismo vivo, con efectos tan dinámicos como la tensión de los músculos de lucha en su bronce Hércules y Anteo (Florencia, Bargello) y los movimientos de los arqueros en el cuadro «Martirio de San Sebastián» (National Gallery, Londres). El mismo énfasis escultórico puede verse en los frescos del menos conocido pero más influyente artista Andrea del Castagno (ca. 1420-1457).

Luca Signorelli (c.1441-1523), aunque asociado a la escuela de Umbría como alumno de Piero della Francesca, recibió una fuerte influencia del florentino Pollaiuolo en su tratamiento de la figura. Con menos refinamiento anatómico, pero con mayor énfasis en las protuberancias hacia el exterior y en las bandas de músculos y tendones, también buscó efectos dinámicos de movimiento, obteniéndolos mediante repentinas explosiones de gestos.

Esta fue la dirección del esfuerzo que parece haber conducido natural e inevitablemente al logro de Miguel Ángel (1475-1654). Aunque existen claras diferencias de pensamiento y estilo entre su «Último cuadro de la Capilla Sixtina» y la versión de Signorelli en los frescos de la catedral de Orvieto, están unidos por una tremenda energía. Una cualidad que les hacía parecer alejados del equilibrio y la armonía del arte clásico. Rafael (1483-1520) se acercó mucho más al espíritu clásico en el Apolo de su «Parnaso» en el Vaticano y «Galatea» en la Farnesina de Roma. Uno de los contrastes regionales más llamativos del periodo renacentista – es el carácter descarnado e intelectual del arte toscano en la representación de figuras frente a la sensual languidez de los desnudos femeninos pintados en Venecia por Giorgione (1477-1510) y Tiziano (ca. 1485-1576). (Para más detalles, véase: Retrato veneciano 1400-1600) Aunque también en este aspecto la erudición florentina no estuvo exenta de influencia. La suave gradación de sombras, desarrollada por Leonardo da Vinci para dar sutileza al modelado, fue adoptada por Giorgione, y en Parma – por Antonio Allegri da Correggio (1489-1534) como medio de realzar el voluptuoso encanto de Venus, Antíope o Io.

Los maestros del Renacimiento estudiaron específicamente no sólo la anatomía, sino también la perspectiva, las proporciones matemáticas y la estructura del mundo en general. El afán de conocimiento de la época puede explicar en parte este empeño abstracto, pero tuvo orígenes y causas más concretos. La perspectiva lineal fue originalmente objeto de estudio de los arquitectos en los dibujos y reconstrucciones de los tipos de edificios clásicos que pretendían revivir. A este respecto, el gran arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446) fue el líder de sus estudios en Roma. En Florencia demostró la perspectiva en un dibujo de la plaza de San Giovanni, que despertó el interés de otros artistas, sobre todo de su amigo Masaccio. El arquitecto Leon Battista Alberti (1404-1472) fue otro promotor de la teoría científica. Los artistas interesados en la pintura como ilusión tridimensional se dieron cuenta de la importancia de la perspectiva como contribución al efecto del espacio – un problema que afectaba a técnicas pictóricas ilusionistas como la cuadratura, aplicada por primera vez por Mantegna en su obra del Palacio de los Duques de Mantua.

Paolo Uccello (1397-1475) fue uno de los primeros propagandistas de la ciencia en Florencia. Su cuadro La batalla de San Romano, en la National Gallery de Londres, con su pintoresca heráldica, es una serie bellamente calculada de formas geométricas e intervalos matemáticos. Incluso las lanzas rotas en el suelo parecen dispuestas para alejar la mirada del punto de fuga. El ángulo del caballero tendido en el suelo fue un ejercicio que Andrea Mantegna emularía. Fue Mantegna quien trajo una nueva ciencia del arte a Venecia.

En el complejo intercambio de ideas e influencias abstractas y matemáticas, Piero della Francesca destaca como la mayor personalidad. Aunque era umbro, nacido en la pequeña localidad de Borgo San Sepolcro, absorbió el ambiente de Florencia y el arte florentino de joven, cuando trabajó allí con el veneciano Domenico Veneziano (1410-1461). Domenico asimiló el estilo toscano y tuvo su propio ejemplo de perspectiva, como en la bella Anunciación, hoy en el Museo Fitzwilliam de Cambridge, aunque Piero probablemente obtuvo su actitud científica hacia el diseño de tres pioneros de la investigación, Brunelleschi, Alberti y Donatello (1386-1466), el mayor escultor del Quattrocento florentino.

Clásico por su diseño ordenado y su concepción expansiva, pero sin una pizca del anticuarismo de Mantegna, Piero della Francesca influyó en muchos artistas. Su perspectiva interna de la arquitectura renacentista, que añadía un elemento de abstracción geométrica a las composiciones de figuras, fue bien recibida por su contemporáneo florentino Andrea del Castagno (ca. 1420-1457). La configuración rígidamente geométrica contradice y a la vez subraya la flexibilidad de la expresión humana en los apóstoles de la obra maestra de Andrea La Última Cena en el Monasterio de Santa Apolonia de Florencia. Antonello da Messina (1430-1479), que introdujo en Venecia la técnica flamenca de la pintura al óleo, también aportó un sentido de la forma heredado de Piero della Francesca, que a su vez ejerció una influencia estimulante sobre Giovanni Bellini (1430-1516), alejándolo de un estilo lineal rígido. Asimismo, influyó en Mantegna y le ayudó a alcanzar la grandeza madura como líder de la pintura veneciana y a formar discípulos igualmente grandes, Giorgione y Tiziano.

Leonardo da Vinci y Miguel Ángel fueron herederos de todo el notable desarrollo del Renacimiento italiano en el siglo XV. La universalidad del artista fue uno de los aspectos más importantes del siglo. No existía una distinción rígida entre arquitecto, escultor, pintor, artesano y literato. Alberti fue arquitecto, escultor, pintor, músico y autor de tratados sobre teoría del arte. Andrea del Verrocchio (1435-1488), el primer maestro de Leonardo, es descrito como orfebre, pintor, escultor y músico: en escultura podía rivalizar con cualquier maestro. Pero Leonardo y Miguel Ángel demostraron esta versatilidad en grado sumo. Leonardo, ingeniero, inventor-profeta, científico, estudioso de la naturaleza en todos sus aspectos, pintor de obras maestras memorables, nunca dejó de suscitar asombro. Véase, por ejemplo, su cuadro «Virgen en las rocas» (1483-1455, Louvre, París) y la exquisita «Dama con armiño» (1490, Museo Czartoryski, Cracovia).

Lo mismo puede decirse de Miguel Ángel, escultor, pintor, arquitecto y poeta. La corona de los logros florentinos, que también marcó el inicio del declive de la grandeza de la ciudad. Roma, devuelta al esplendor por papas ambiciosos tras una larga decadencia, exigió a Miguel Ángel, junto con Rafael, la creación de conceptos monumentales de la pintura del Alto Renacimiento : dos obras maestras absolutas – el fresco de Miguel Ángel en el Génesis (1508-12, techo de la Capilla Sixtina, Roma), que incluye la famosa Creación de Adán (1511-12) y la Madonna Sixtina de Rafael Santi (1513-14, Galería de Maestros Antiguos, Dresde). Además, ambos artistas fueron nombrados arquitectos responsables de la nueva basílica de San Pedro de Roma, símbolo de la transformación de la ciudad medieval en renacentista. Leonardo, absorto en sus estudios, acabó siendo cazado furtivamente por Francia. Sin embargo, en estos grandes hombres vivía el genio de Florencia.

En cuanto a la historia del Renacimiento tardío, el periodo (ca. 1530-1600) – un periodo que incluye las más grandes imágenes postradas venecianas, y el magnífico pero ominoso fresco de Miguel Ángel del Juicio Final en la pared del altar de la Capilla Sixtina – véase: Pintura manierista en Italia . Véase también: Tiziano y la pintura veneciana en color c.1500-76.

Las mejores colecciones de arte renacentista

Las siguientes galerías italianas poseen importantes colecciones de pintura o escultura renacentista.

Galería de los Uffizi (Florencia)
Palacio Pitti (Florencia)
Museos Vaticanos (Roma)
Galleria Doria Pamphili (Roma)
Museo del Capodimonte (Nápoles)
Isabella Stewart Gardner Museum (Boston, EE.UU.).

Principales estudiosos y críticos de la pintura, el dibujo y la escultura del Renacimiento:
Bernard Berenson (1865-1959),
Kenneth Clark (1903-1983),
Leo Steinberg (1920-2011) .

A pesar de su humanismo, el Renacimiento italiano produjo muchas obras maestras de arte religioso en forma de diseños arquitectónicos, retablos, esculturas y pinturas.

Para más información sobre los pigmentos utilizados por los artistas del Renacimiento, véase: Paleta de colores del Renacimiento .