Arte renacentista: historia, características Traductor traducir
Durante los doscientos años entre 1400 y 1600, Europa fue testigo de un sorprendente resurgimiento del dibujo, la pintura de bellas artes, la escultura y la arquitectura centrada en Italia, a la que ahora nos referimos como el Renacimiento ( rinascimento ). Se le dio este nombre (en francés, ’renacimiento’) como resultado de La Renaissance , un famoso volumen de historia escrito por el historiador. Jules Michelet (1798-1874) en 1855 – y se entendió mejor después de la publicación en 1860 del libro histórico "La civilización del Renacimiento en Italia" ( Die Kultur der Renaissance en Italia ), por Jacob Burckhardt (1818-97), Profesor de Historia del Arte en la Universidad de Basilea.
¿Cuáles fueron las características del renacimiento?
En términos muy simples, el Renacimiento italiano restableció el arte occidental de acuerdo con los principios de la clásica Arte griego especialmente Escultura griega y pintura, que proporcionó gran parte de la base para el Grand Tour , y que permaneció sin respuesta hasta Pablo Picasso y el cubismo.
Desde principios del siglo XIV, en su búsqueda de un nuevo conjunto de valores artísticos y una respuesta a lo cortés Gótico internacional Al estilo, los artistas y pensadores italianos se inspiraron en las ideas y formas de la antigua Grecia y Roma. Esto estaba perfectamente en sintonía con su deseo de crear una forma universal, incluso noble, de Art º que podría expresar el estado de ánimo nuevo y más seguro de los tiempos.
Filosofía del humanismo renacentista
Sobre todo, el arte renacentista fue impulsado por la nueva noción de "humanismo", una filosofía que había sido la base de muchos de los logros (por ejemplo, la democracia) de la antigua Grecia pagana. El humanismo minimizó el dogma religioso y secular y, en cambio, otorgó la mayor importancia a la dignidad y el valor del individuo.
Efecto del humanismo en el arte
En las artes visuales, el humanismo representaba (1) La aparición de la figura individual, en lugar de figuras estereotipadas o simbólicas. (2) Mayor realismo y la consiguiente atención al detalle, como se refleja en el desarrollo de la perspectiva lineal y el realismo creciente de los rostros y cuerpos humanos; Este nuevo enfoque ayuda a explicar por qué la escultura clásica era tan venerada y por qué el arte bizantino pasó de moda. (3) Un énfasis y promoción de la acción virtuosa: un enfoque que se hizo eco del destacado teórico del arte del Renacimiento Leon Battista Alberti (1404-72) cuando declaró: "la felicidad no se puede obtener sin buenas obras y obras justas y justas".
La promoción de la acción virtuosa reflejaba la creciente idea de que el hombre, no el destino o Dios, controlaba el destino humano, y era una razón clave por la cual la pintura de la historia (es decir, cuadros con ’mensajes’ edificantes) se consideraba la forma más alta de pintura. Por supuesto, la exploración de la virtud en las artes visuales también implicó un examen del vicio y el mal humano.
Causas del renacimiento
La causa de este renacimiento de las artes visuales aún no está clara. Aunque Europa había emergido de la Edad Media bajo Carlomagno (c.800), y había visto el resurgimiento de la Iglesia Cristiana con sus siglos XII / XIII. estilo gótico programa de construcción, el siglo 14 en Europa fue testigo de varias cosechas catastróficas, la Peste Negra (1346) y una guerra continua entre Inglaterra y Francia. Condiciones apenas ideales para un estallido de creatividad, y mucho menos una rinascita sostenida de pinturas, dibujos, esculturas y nuevos edificios. Además, la Iglesia, el mayor mecenas de las artes, estaba llena de desacuerdos sobre cuestiones espirituales y seculares.
Aumento de la prosperidad
Sin embargo, las corrientes más positivas también fueron evidentes. En Italia, Venecia y Génova se habían enriquecido en el comercio con Oriente, mientras que Florencia era un centro de lana, seda y arte de joyería y fue el hogar de la fabulosa riqueza de los cultos y conscientes del arte Familia Medici .
La prosperidad también estaba llegando al norte de Europa, como lo demuestra el establecimiento en Alemania de la Liga de ciudades hanseáticas. Esta riqueza creciente proporcionó el apoyo financiero para un número creciente de comisiones de grandes proyectos de arte públicos y privados, mientras que las rutas comerciales en las que se basó contribuyeron en gran medida a la difusión de ideas y, por lo tanto, contribuyeron al crecimiento del movimiento en todo el continente.
Aliado a esta difusión de ideas, que incidentalmente se aceleró significativamente con la invención de la imprenta, había una indudable sensación de impaciencia ante el lento progreso del cambio. Después de mil años de hambre cultural e intelectual, Europa (y especialmente Italia) estaba ansiosa por un renacimiento.
Debilidad de la iglesia
Paradójicamente, la posición débil de la Iglesia dio un impulso adicional al Renacimiento. Primero, permitió la propagación del humanismo, que en épocas pasadas habría sido fuertemente resistido; segundo, provocó papas posteriores como Papa Julio II (1503-13) para gastar de manera extravagante en arquitectura, escultura y pintura en Roma y en el Vaticano (por ejemplo, ver Museos vaticanos , notablemente el Frescos de la Capilla Sixtina ) – para recuperar su influencia perdida. Su respuesta a la Reforma (c.1520), conocida como la Contrarreforma, un tipo particularmente doctrinal de Arte cristiano – Continuó este proceso hasta finales del siglo XVI.
Una era de exploración
La era del Renacimiento en la historia del arte es paralela al inicio de la gran era occidental del descubrimiento, durante la cual apareció un deseo general de explorar todos los aspectos de la naturaleza y el mundo. Los exploradores navales europeos descubrieron nuevas rutas marítimas, nuevos continentes y nuevas colonias establecidas. Del mismo modo, los arquitectos, escultores y pintores europeos demostraron su propio deseo de nuevos métodos y conocimientos. Según el pintor, arquitecto y comentarista renacentista italiano Giorgio Vasari (1511-74), no fue simplemente el creciente respeto por el arte de la antiguedad clasica eso impulsó el Renacimiento, pero también un creciente deseo de estudiar e imitar la naturaleza.
¿Por qué comenzó el Renacimiento en Italia?
Artistas renacentistas
Si el marco para el Renacimiento fue establecido por factores económicos, sociales y políticos, fue el talento de los artistas italianos lo que lo impulsó. Los pintores, escultores, arquitectos y diseñadores más importantes del Renacimiento italiano durante los siglos XIV, XV y XVI incluyen, en orden cronológico:
Cimabue (c.1240-1302)
Destaca por sus frescos en Asís.
Giotto di Bondone (1267-1337)
Scrovegni Arena Capilla frescos.
Gentile da Fabriano (1370-1427)
Influyente pintor de estilo gótico.
Jacopo della Quercia (c.1374-1438)
Influyente escultor de Siena.
Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
Escultor de "Puertas del Paraíso"
Donatello (1386-1466)
Mejor escultor renacentista temprano
Paolo Uccello (1397-1475)
Famoso por trabajar en perspectiva.
Tommaso Masaccio (1401-1428)
Mayor pintor florentino temprano.
Piero della Francesca (1420-92)
Pionero de la perspectiva lineal.
Andrea Mantegna (1430-1506)
Destacado por las técnicas de escorzo ilusionista.
Donato Bramante (1444-1514)
Alto arquitecto renacentista.
Alessandro Botticelli (1445-1510)
Famoso por la pintura mitológica.
Leonardo da Vinci (1452-1519)
Creador de Mona Lisa, Última Cena.
Rafael (1483-1520)
El mejor pintor del Alto Renacimiento.
Miguel Ángel (1475-1564)
Genio pintor y escultor.
Tiziano (1477-1576)
El mejor colorista veneciano.
Andrea del Sarto (1486-1530)
Líder del Alto Renacimiento en Florencia.
Correggio (1489-1534)
Famoso por los frescos ilusionistas de quadratura.
Andrea Palladio (1508-80)
Dominado Arquitectura renacentista veneciana , luego imitado en el paladianismo.
Tintoretto (1518-1594)
Pintor manierista religioso.
Paolo Veronese (1528-1588)
Seguidor colorista de Tiziano.
Lista general de pintores y escultores renacentistas
ITALIA Y ESPAÑA
c.1280-1400 – Artistas proto-renacentistas
c.1400-1490 – Artistas del Renacimiento Temprano
c.1490-1530 – Artistas del alto renacimiento
c.1530-1600 – Artistas manieristas
NORTE DE EUROPA
c.1400-1600 – Artistas del Renacimiento del Norte .
ESCULTORES
c.1400-1600 – Escultores renacentistas .
Efectos del Renacimiento en la pintura y la escultura.
Como se mencionó anteriormente, el Renacimiento italiano se destacó por cuatro cosas. (1) Un renacimiento reverente de las formas y estilos de arte clásico griego / romano; (2) Una fe en la nobleza del hombre (humanismo); (3) El dominio de las técnicas de pintura ilusionista, maximizando la "profundidad" en una imagen, incluyendo: perspectiva lineal , escorzo y, más tarde, quadratura ; y (4) El realismo naturalista de sus caras y figuras, realzado por técnicas de pintura al óleo como el sfumato .
Técnicas de pintura renacentista
En el norte de Europa, el Renacimiento se caracterizó por los avances en la representación de la luz a través del espacio y su reflejo desde diferentes superficies; y (más visiblemente) en el logro del realismo supremo en el retrato de caballete y la naturaleza muerta. Esto se debió en parte al hecho de que la mayoría de los artistas del Renacimiento del Norte comenzaron a usar pintura al óleo a principios del siglo XV, en lugar de pintura al temple o fresco que (debido a razones climáticas y de otro tipo) seguían siendo los métodos de pintura preferidos en Italia. Pintura al óleo permitió un color más rico y, debido a su mayor tiempo de secado, se pudo volver a trabajar durante muchas semanas, lo que permitió lograr detalles más finos y un mayor realismo. Los aceites se extendieron rápidamente a Italia: primero a Venecia, cuyo clima húmedo era menos adecuado para el temple, luego a Florencia y Roma. (Ver también: Movimientos de arte, períodos, escuelas , para una breve guía de otros estilos.)
Entre otras cosas, esto significaba que, si bien el cristianismo seguía siendo el tema o tema dominante para la mayoría de las artes visuales de la época, los evangelistas, apóstoles y miembros de la Sagrada Familia se representaban como personas reales, en posturas y poses de la vida real, expresando emociones reales. Al mismo tiempo, hubo un mayor uso de historias de la mitología clásica, que muestran, por ejemplo, iconos como Venus, la Diosa del Amor, para ilustrar el mensaje del humanismo. Para más información sobre esto, ver: Pinturas famosas analizadas .
En lo que respecta al arte plástico, Escultura renacentista italiana reflejaba la primacía de la figura humana, especialmente el desnudo masculino. Tanto Donatello como Miguel Ángel confiaron en gran medida en el cuerpo humano, pero no lo usaron ni como vehículo para la energía gótica inquieta ni para la nobleza clásica estática, sino para un significado espiritual más profundo. Dos de las más grandes esculturas renacentistas fueron: David de Donatello (1440-43, Bargello, Florencia) y David de Miguel Ángel (1501-4, Galería de la Academia de las Artes, Florencia). Nota: Para artistas y estilos inspirados en las artes de la antigüedad clásica, vea: Clasicismo en el arte (800 en adelante).
Estatus elevado de pintores y escultores
Hasta el Renacimiento, los pintores y escultores habían sido considerados simplemente como trabajadores calificados, a diferencia de los talentosos decoradores de interiores. Sin embargo, de acuerdo con su objetivo de producir arte clásico reflexivo, el Renacimiento italiano elevó las profesiones de pintura y escultura a un nuevo nivel. En el proceso, se le dio una importancia primordial a ’ disegno ’- una palabra italiana cuyo significado literal es’ dibujo "pero cuyo sentido incorpora el" diseño completo "de una obra de arte, en lugar de" colorito ’, la técnica de aplicación de pinturas / pigmentos de colores. Disegno constituyó el componente intelectual de la pintura y la escultura, que ahora se convirtió en la profesión de artistas pensantes, no decoradores. Ver también: Mejores dibujos renacentistas .
Influencia en el arte occidental
Las ideas y los logros de los artistas del Renacimiento temprano y alto tuvieron un gran impacto en los pintores y escultores que siguieron durante el cinquecento y luego, comenzando con el Escuela Fontainebleau (c.1528-1610) en Francia. La teoría del arte renacentista fue adoptada y promulgada oficialmente (por desgracia, muy rígidamente) por todas las academias oficiales de arte de toda Europa, incluida, en particular, la Academia de San Luca en Roma, la Academia del Diseño en Florencia, la Academia Francesa de Bellas Artes en París y la Real Academia de Londres. Este enfoque teórico, conocido como ’ arte académico ’regulado numerosos aspectos de las bellas artes. Por ejemplo, en 1669, Andre Felibien, Secretario de la Academia Francesa, anunció una jerarquía de géneros de pintura, siguiendo el modelo de la filosofía del Renacimiento, de la siguiente manera: (1) Pintura de Historia; (2) Arte del retrato; (3) Pintura de género; (4) paisaje; (5) Naturaleza muerta.
En resumen, la principal contribución del Renacimiento italiano a la historia del Arte , se basa en su promoción de los valores griegos clásicos. Como resultado, la pintura y la escultura occidentales se desarrollaron en gran medida a lo largo de líneas clásicas. Y aunque los artistas modernos, desde Picasso en adelante, han explorado los nuevos medios y las formas de arte, el modelo principal para el arte occidental sigue siendo la antigüedad griega interpretada por el Renacimiento.
Cronología renacentista
Se acostumbra clasificar el arte renacentista italiano en varios períodos diferentes pero superpuestos:
Esta cronología sigue en gran medida el relato dado en el autoritario libro " Vite de ’più eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani " del comentarista renacentista Giorgio Vasari (1511-74).
Historia del arte renacentista
El Renacimiento, o Rinascimento , fue fomentado en gran medida por el crecimiento posfeudal de la ciudad independiente, como el que se encuentra en Italia y el sur de los Países Bajos. Estas ciudades, que se enriquecieron gracias al comercio y la industria, generalmente tenían una organización democrática de gremios, aunque la democracia política fue mantenida a raya por lo general por algún individuo o familia rica y poderosa. Buenos ejemplos incluyen la Florencia del siglo XV, el foco del arte renacentista italiano, y Brujas, uno de los centros de Pintura flamenca . Eran pilares gemelos del comercio y las finanzas europeas. El arte y, como resultado, la artesanía decorativa florecieron: en la ciudad flamenca bajo el patrocinio de los duques de Borgoña, la clase de comerciantes ricos y la Iglesia; en Florencia bajo el de la rica familia Medici.
En esta atmósfera agradable, los pintores se interesaron cada vez más en la representación del mundo visible en lugar de limitarse a esa preocupación exclusiva con la espiritualidad de la religión, a la que solo se podía dar forma visual en símbolos y convenciones rígidas. El cambio, sancionado por los gustos y la actitud liberal de los mecenas (incluidos los hombres de iglesia sofisticados) ya es evidente en la pintura gótica de la Edad Media posterior, y culmina en lo que se conoce como el estilo gótico internacional del siglo XIV y principios del siglo XV.. En toda Europa, en Francia, Flandes, Alemania, Italia y España, los pintores, liberados de las disciplinas monásticas, mostraron las principales características de este estilo en el interés narrativo más fuerte de su pinturas religiosas , el esfuerzo por dar más humanidad de sentimiento y apariencia a la Virgen y otras imágenes veneradas, más carácter individual para retratar en general e introducir detalles de la vida del paisaje, los animales y las aves que el pintor-monje de un día anterior habría pensado todo Demasiado mundano. Estas, puede decirse, eran características también de la pintura renacentista, pero una diferencia vital apareció a principios del siglo XV. Representantes del gótico internacional como Simone Martini (1285-1344) de la Escuela de pintura de Siena, y Gentile da Fabriano (c.1370-1427), nacido en Umbría, todavía estaban gobernados por la idea de hacer un diseño de superficie elegante con Un patrón de color brillante y poco realista. El objetivo realista de una generación posterior implicaba el paso radical de penetrar a través de la superficie para dar una nueva sensación de espacio, recesión y forma tridimensional.
Este avance decisivo en el realismo apareció por primera vez casi al mismo tiempo en Italia y los Países Bajos, más específicamente en el trabajo de Masaccio (1401-28) en Florencia, y de Jan van Eyck (c.1390-1441) en Brujas. Masaccio, de quien Delacroix dijo que provocó la mayor revolución que la pintura haya conocido, dio un nuevo impulso a Pintura renacentista temprana en sus frescos en la Capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine.
Ver en particular: Expulsión del jardín del Edén. (1425-6, Capilla Brancacci), y Santísima Trinidad (1428, Santa Maria Novella).
Las figuras en estas composiciones narrativas parecían pararse y moverse en el espacio ambiental; fueron modelados con el sentimiento de un escultor en tres dimensiones, mientras que el gesto y la expresión variaron de una manera que estableció no solo los diferentes personajes de las personas representadas, sino también su interrelación. A este respecto, anticipó el estudio especial de Leonardo en La última cena (1495-98, Convento de Santa Maria delle Grazie, Milán).
Aunque Van Eyck también creó un nuevo sentido del espacio y la vista, hay una diferencia obvia entre su trabajo y el de Masaccio, que también ilumina la distinción entre la notable escuela flamenca del siglo XV y el Renacimiento temprano italiano. Ambos fueron admirados como igualmente ’modernos’ pero eran distintos en medio e idea. Italia tenía una larga tradición de pintura mural en fresco, que en sí mismo dio una cierta amplitud de estilo, mientras que el pintor holandés, trabajando en un medio al óleo sobre pinturas de paneles de tamaño relativamente pequeño, conservaba algo de la minuciosidad del pintor en miniatura. Masaccio, de hecho, no fue un innovador solitario, sino uno que desarrolló la tradición narrativa al fresco de su gran precursor del renacimiento proto-renacentista en Florencia, Giotto di Bondone (1267-1337). Ver, por ejemplo, el último Frescos de la capilla Scrovegni (c.1303-10, Padua).
Florencia tenía una orientación diferente también como centro de aprendizaje clásico y estudio filosófico. El vigor intelectual de la ciudad la convirtió en la sede principal del Renacimiento en el siglo XV y fue una influencia que se sintió en todo arte. Los académicos que se dedicaron al estudio y la traducción de textos clásicos, tanto en latín como en griego, fueron los tutores en hogares ricos y nobles que llegaron a compartir su entusiasmo literario. Esto a su vez creó el deseo de versiones pictóricas de la historia antigua y la leyenda. La gama de temas del pintor se amplió enormemente en consecuencia y ahora tenía que resolver otros problemas de representación.
De esta manera, lo que podría haber sido simplemente una nostalgia por el pasado y un paso retrógrado en el arte se convirtió en un avance y un emocionante proceso de descubrimiento. El cuerpo humano, tanto tiempo excluido de pintura de bellas artes y medieval escultura Por escrúpulo religioso, excepto en la forma más escasa y poco realista, ganó una nueva importancia en la representación de los dioses, diosas y héroes del mito clásico. Los pintores tuvieron que volver a familiarizarse con la anatomía , para comprender la relación del hueso y el músculo, la dinámica del movimiento. En la imagen ahora tratada como una etapa en lugar de un plano plano, era necesario explorar y hacer uso de la ciencia de la perspectiva lineal . Además, el ejemplo de la escultura clásica fue un incentivo para combinar el naturalismo con un ideal de perfecta proporción y belleza física.
Pintores y escultores a su manera afirmaron la dignidad del hombre como lo hicieron los filósofos humanistas, y manifestaron la misma sed de conocimiento. De hecho, es extraordinaria la lista de grandes artistas florentinos del siglo XV y, no menos extraordinaria, la cantidad de ellos que practicaron más de un arte o forma de expresión.
En todos los sentidos, la notable familia Medici fomentó el clima intelectual y los desarrollos en las artes que hicieron de Florencia la fuente principal del Renacimiento. La fortuna derivada de la casa bancaria fundada por Giovanni de ’Medici (c.1360-1429), con dieciséis sucursales en las ciudades de Europa, se gastó en esta promoción de la cultura, especialmente por los dos miembros más distinguidos de la familia, Cosimo., El hijo de Giovanni (1389-1464) y su nieto Lorenzo (1448-92), quienes en sus propios dones como hombres de finanzas, política y diplomacia, su amor por los libros, su generoso patrocinio de los vivos y su aprecio por las antigüedades de muchos tipos, eran típicos de la universalidad que estaba tan en el espíritu del Renacimiento.
La ecuación de la filosofía de Platón y la doctrina cristiana en la academia instituida por Cosimo de ’Medici parece haber sancionado la división de la actividad de un pintor, como sucedió con frecuencia, entre el sujeto religioso y el pagano. La atmósfera intelectual que crearon los Medici fue un elemento estimulante que hizo que Florencia superara a la vecina Siena. Aunque ninguna otra ciudad italiana del siglo XV podía reclamar tal constelación de genio en el arte, las que se acercaron más a Florencia fueron las ciudades igualmente administradas por mecenas iluminados. Ludovico Gonzaga (1414-78) Marqués de Mantua, fue un gobernante renacentista típico en su aptitud para la política y la diplomacia, en su estímulo al aprendizaje humanista y en el gusto cultivado que lo llevó a formar una gran colección de arte y emplear a Andrea Mantegna (1431-1506) como pintor de la corte.
De calibre similar fue Federigo Montefeltro , duque de Urbino. Al igual que Ludovico Gonzaga, había sido alumno del célebre maestro humanista, Vittorino da Feltre, cuya escuela en Mantua combinaba ejercicios varoniles con el estudio de autores griegos y latinos e inculcaba la creencia humanista en la mejora total posible para el hombre. En la corte de Urbino, que estableció el estándar de buenos modales y logros descritos por Baldassare Castiglione en Il Cortigiano, el duque entretuvo a varios pintores, entre ellos el gran Piero della Francesca (1420-92).
La historia de la pintura renacentista después de Masaccio nos lleva primero a los piadosos. Fra Angelico (c.1400-55), nacido antes pero viviendo mucho más. Algo del estilo gótico permanece en su obra, pero la inocencia convencional, que es quizás lo que primero llama la atención, está acompañada de una firmeza madura de línea y sentido de estructura. Esto es evidente en pinturas de sus últimos años como La adoración de los magos ahora en el Louvre y los frescos que ilustran la vida de San Esteban y San Lorenzo, con frescos en el Vaticano para el Papa Nicolás V a fines de la década de 1440. Le muestran que ha sido consciente y capaz de aprovechar la actitud cambiante y amplia de su tiempo. Ver también su serie de pinturas sobre La Anunciación (c.1450, Museo de San Marco). Sin embargo, su alumno Benozzo Gozzoli (c.1421-97) mantuvo el color alegremente decorativo y el incidente detallado del estilo gótico internacional en una obra como la Procesión panorámica de los Reyes Magos en el Palazzo Riccardi, Florencia, en la que introdujo la hípica. Retrato de Lorenzo de ’Medici.
Más cerca de Fra Angelico de lo que estaba Masaccio Fra Filippo Lippi (c.1406-69), un monje carmelita en los primeros años de vida y un protegido de Cosimo de ’Medici, que miró indulgentemente las diversas escapadas del artista, amorosas y de otro tipo. Fra Filippo, en los temas religiosos que pintó exclusivamente, tanto en fresco como en panel, muestra la tendencia a celebrar el encanto de un tipo humano idealizado que contrasta con el impulso del siglo XV hacia la innovación técnica. Es menos distintivo en calidad puramente estética o intelectual que en su interpretación de la Madonna como un ser esencialmente femenino. Su modelo idealizado, de contorno delgado, ojos oscuros y cejas arqueadas, nariz ligeramente retrasada y boca pequeña, proporcionó un patrón iconográfico para los demás. Quizás se transmitió cierta melancolía de expresión a su alumno, Sandro Botticelli (1445-1510).
En las pinturas de Botticelli, se resume gran parte del desarrollo anterior del Renacimiento. Se destacó en la gracia de la característica y la forma que Fra Filippo había tratado de dar y de la cual el contemporáneo de Botticelli, Domenico Ghirlandaio (1449-94), también tuvo su encantadora versión en frescos y retratos. Interpretó de manera pictórica única el neoplatonismo de los filósofos humanistas de Lorenzo de Medici. La red de ingeniosa alegoría en la que Marsilio Ficino, el tutor de Lorenzo di Pierfrancesco de ’Medici (primo de Lorenzo el Magnífico), intentó demostrar una relación entre Gracia, Belleza y Fe, tiene una sutileza equivalente en La primavera (c.1482-3, Uffizi) y el nacimiento de Venus (c.1484-6, Uffizi) ejecutados para la villa de Lorenzo. El enfoque poético de los clásicos de Angelo Poliziano, también tutor de la familia Medici, puede verse reflejado en el arte de Botticelli. Aunque su período de vida se extendió hasta el período del Alto Renacimiento, todavía representa a la juventud del movimiento en su deleite en colores claros y exquisitos detalles naturales. Quizás en la melancólica belleza de su Afrodita se pueda encontrar algo de la nostalgia de la Edad Media hacia la cual, eventualmente, cuando el monje fundamentalista Savonarola Denunció a los Medici y todas sus obras, hizo su apasionado gesto de regreso.
La nostalgia y la pureza del diseño lineal de Botticelli, aún no afectado por el énfasis en la luz y la sombra, lo convirtieron en el objeto especial de admiración prerrafaelita en el siglo XIX. Pero, como en otros artistas del Renacimiento, había una energía en él que impartía a sus ritmos lineales una capacidad de expresión emocional intensa, así como un refinamiento suave. La distancia del Renacimiento de la calma inexpresiva del período clásico representado por las estatuas de Venus o Apolo, reside en esta diferencia de espíritu o intención, incluso si se revela inconscientemente. La expresión de la energía física que en Florencia tomó la forma, naturalmente, de representaciones de desnudos masculinos , da una violencia no clásica a la obra del pintor y escultor Antonio Pollaiuolo (1426-98). Pollaiuolo fue uno de los primeros artistas en diseccionar cuerpos humanos para seguir exactamente el juego de huesos, músculos y tendones en el organismo vivo, con los efectos dinámicos que aparecen en las tensiones musculares de la lucha en su bronce de Hércules y Antaeus (Florencia, Bargello) y los movimientos de los arqueros en su pintura El martirio de San Sebastián (GN, Londres). El mismo énfasis escultórico se puede ver en los frescos del artista menos conocido pero más influyente Andrea del Castagno (ca.1420-57).
Luca Signorelli (c.1441-1523), aunque asociado con la Escuela de Umbría como alumno de Piero della Francesca, fue fuertemente influenciado por el florentino Pollaiuolo en su tratamiento de la figura. Con menos sutileza anatómica pero con un mayor énfasis en las protuberancias externas y las estrías de músculos y tendones, él también apuntó a los efectos dinámicos del movimiento, obteniéndolos mediante explosiones repentinas de gestos.
Fue una dirección de esfuerzo que parece conducir de forma natural e inevitable al logro de Miguel Ángel (1475-1654). Aunque existen diferencias manifiestas en el modo de pensamiento y estilo entre su Última Logia en la Capilla Sixtina y la versión de Signorelli en los frescos de la Catedral de Orvieto, tienen en común una energía formidable. Era una cualidad que los hacía parecer alejados del equilibrio y la armonía del arte clásico. Rafael (1483-1520) estaba mucho más cerca del espíritu clásico en el Apolo de su Parnaso en el Vaticano y el Galatea en la Farnesina, Roma. Uno de los contrastes regionales más llamativos del período del Renacimiento es entre el carácter básicamente austero e intelectual del arte en la Toscana en la representación de la figura en comparación con la sensual languidez del desnudos femeninos pintado en Venecia por Giorgione (1477-1510) y Tiziano (c.1485-1576). (Para más información, consulte: Retrato veneciano pintura c.1400-1600.) Aunque incluso a este respecto la ciencia florentina no estuvo exenta de influencia. La suave gradación de sombra ideada por Leonardo da Vinci para dar sutilezas de modelado fue adoptada por Giorgione y en Parma por Antonio Allegri da Correggio (1489-1534) como un medio para realzar el voluptuoso encanto de una Venus, un Antiope o un Io.
Los maestros del Renacimiento no solo hicieron un estudio especial de la anatomía sino también de la perspectiva, la proporción matemática y, en general, la ciencia del espacio. El deseo del período de conocimiento puede explicar en parte esta búsqueda abstracta, pero tenía orígenes y razones más específicos. La perspectiva lineal fue, en primer lugar, el estudio de arquitectos en dibujos y reconstrucciones de los tipos clásicos de edificios que buscaban revivir. A este respecto, el gran arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446) fue un líder en sus investigaciones en Roma. En Florencia hizo una demostración de perspectiva en un dibujo de la plaza de San Giovanni que despertó el interés de otros artistas, su amigo Masaccio en particular. El arquitecto Leon Battista Alberti (1404-72) fue otro propagador de la teoría científica. Los pintores interesados en una imagen como una ilusión tridimensional se dieron cuenta de la importancia de la perspectiva como una contribución al efecto del espacio, un tema que involucraba técnicas de pintura mural ilusionista como quadratura , practicada por primera vez por Mantegna en el Palacio Ducal de Mantua en su Camera degli Sposi frescos (1465-74).
Paolo Uccello (1397-1475) fue uno de los primeros promotores de la ciencia en Florencia. Su pintura de la Batalla de San Romano en la National Gallery de Londres, con su carácter pintoresco de heráldica, hay una serie bellamente calculada de formas geométricas e intervalos matemáticos. Incluso las lanzas rotas en el suelo parecen tan dispuestas como para llevar el ojo a un punto de fuga. Su escorzo de un caballero propenso en el suelo fue un ejercicio de habilidad que Andrea Mantegna debía emular. Fue Mantegna quien trajo la nueva ciencia del arte a Venecia.
En el complejo intercambio de ideas e influencias abstractas y matemáticas, Piero della Francesca se destaca como la mayor personalidad. Aunque era un umbro, nacido en el pequeño pueblo de Borgo San Sepolcro, absorbió la atmósfera de Florencia y el arte florentino cuando era joven, cuando trabajó allí con los venecianos. Domenico Veneziano (c.1410-61). Domenico había asimilado el estilo toscano y tenía su propio ejemplo de perspectiva para dar, como en la hermosa Anunciación ahora en el Museo Fitzwilliam, Cambridge, aunque Piero probablemente adquirió su actitud científica hacia el diseño de los tres pioneros de la investigación, Brunelleschi, Alberti y Donatello. (1386-1466), el escultor más grande de quattrocento Florencia
Clásico en el diseño ordenado y la amplitud de la concepción, pero sin el toque de anticuario que se encuentra en Mantegna, Piero fue una influencia en muchos pintores. Sus perspectivas interiores de la arquitectura renacentista que agregaban un elemento de abstracción geométrica a las composiciones de su figura fueron bien tomadas en cuenta por su contemporáneo florentino, Andrea del Castagno (c.1420-57). Un entorno rígidamente geométrico está en desacuerdo y, sin embargo, enfatiza la flexibilidad de la expresión humana en los Apóstoles en la obra maestra de Andrea La Última Cena en el Convento de Sant ’Apollonia, Florencia. Antonello da Messina (1430-1479), quien introdujo la técnica flamenca de la pintura al óleo en Venecia, también trajo un sentido de la forma derivada de Piero della Francesca que a su vez fue estimulante en su influencia en Giovanni Bellini (1430-1516), desviándolo de un estilo lineal duro como el de Mantegna y contribuyendo a su grandeza madura como líder de Pintura veneciana y el maestro de Giorgione y Tiziano.
De todo el maravilloso desarrollo del Renacimiento italiano en el siglo XV, Leonardo da Vinci y Miguel Ángel fueron los herederos. La universalidad del artista fue un aspecto crucial del siglo. Entre arquitecto, escultor, pintor, artesano y letrado no había distinción rígida. Alberti fue arquitecto, escultor, pintor, músico y escritor de tratados sobre la teoría de las artes. Andrea del Verrocchio (1435-88), uno de los primeros maestros de Leonardo, se describe como orfebre, pintor, escultor y músico: y en escultura podría competir con cualquier maestro. Pero Leonardo y Miguel Ángel mostraron esta universalidad en un grado supremo. Leonardo, el ingeniero, el inventor profético, el erudito estudiante de la naturaleza en todos los aspectos, el pintor de las inquietantes obras maestras, nunca ha dejado de sorprender. Ver, por ejemplo, su Virgen de las rocas (1483-5, Louvre, París) y señora con un armiño (1490, Museo Czartoryski, Cracovia). Tanto se puede decir de Miguel Ángel, el escultor, pintor, arquitecto y poeta. La corona del logro florentino, también marcan el declive de la grandeza de la ciudad. Roma, restaurada al esplendor por papas ambiciosos después de una larga decadencia, reclamó a Miguel Ángel, junto con Rafael, para producir las concepciones monumentales de Pintura del alto renacimiento : dos obras maestras absolutas son las de Miguel Ángel Génesis fresco (1508-12, techo de la Capilla Sixtina, Roma), que incluye el famoso Creación de Adán (1511-12), y Raffaello Sanzio’s Madonna Sixtina (1513-14, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresde). Además, ambos artistas fueron nombrados arquitectos a cargo de la nueva Basílica de San Pedro en Roma , un símbolo de la transformación de la ciudad de medieval a renacentista. Leonardo, absorto en sus investigaciones, finalmente fue atraído a Francia. Sin embargo, en estos grandes hombres vivió el genio de Florencia. Para la historia del Renacimiento tardío, durante el período (c.1530-1600), un período que incluye el más grande Retablos venecianos así como el magnífico pero premonitorio fresco de Miguel Ángel del Juicio Final en la pared del altar de la Capilla Sixtina – ver: Pintura Manierista en Italia . Ver también: Tiziano y pintura en color veneciano c.1500-76.
Las mejores colecciones de arte renacentista
Las siguientes galerías italianas tienen importantes colecciones de pinturas o esculturas renacentistas.
Si observa un error gramatical o semántico en el texto, especifíquelo en el comentario. ¡Gracias!
No se puede comentar Por qué?