Giambologna:
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Fuertemente influido por la escultura renacentista italiana y el estilo manierista del siglo XVI, Giambologna, nacido en Flandes, fue uno de los más grandes escultores del Cinquecento, y durante dos siglos después de su muerte su reputación fue casi superada por la de Miguel Ángel . Escultor de la corte de tres grandes duques Medici sucesivos, ejerció una profunda influencia en la escultura europea .

Su escultura de mármol «El rapto de las Sabinas» (1581-3) es sin duda una de las más grandes esculturas de todos los tiempos. Contrasta con una estatua anterior del David de Miguel Ángel (1501-4, Galleria dell’Accademia, Florencia) al igual que el retorcido grupo helenístico «Laocoonte y sus hijos» (150-40 a.C.) contrasta con la calma de la estatua altamente clásica «Doríforo» (440) de Policleto. Sigue siendo uno de los más grandes escultores de la historia del arte .

Educación temprana, viaje a Roma

Giovanni Bologna (o Giambologna) nació en Douet, Flandes, con el nombre de Jean Boulogne. Desde los 14 años se formó en el taller del escultor flamenco italianizante Jacques du Broucq (1505-1584), donde aprendió las técnicas del modelado y la talla y absorbió el estilo clásico que Dubroucq había desarrollado tras estudiar escultura griega en Roma.

Hacia los 21 años, Giambologna viajó a Roma e hizo modelos de escultura grecorromana y renacentista. Cuando conoció al ya anciano Miguel Ángel, éste criticó una de las obras de Giambologna por estar demasiado acabada antes de que la pose básica estuviera completamente formada. Se trataba de un defecto característico de la escultura del Renacimiento septentrional en general.

El joven escultor nunca olvidó esta lección y se convirtió en un convencido realizador de bocetos en cera o arcilla durante la preparación de sus esculturas. Algunos de estos modelos se conservan, por ejemplo, en el Victoria and Albert Museum de Londres. Durante su estancia en la capital italiana, Giambologna quedó impresionado sobre todo por la destreza técnica y anatómica de los escultores helenísticos, especialmente por sus ambiciosos grupos de seres humanos actuando -como el Toro de Farnesio, excavado en 1546.

Se instala en Florencia

De regreso a Flandes, Giambologna visitó Florencia para estudiar el arte renacentista de los grandes escultores florentinos Donatello y Miguel Ángel. Bernado Vecchietti, un rico mecenas de las artes, le ofreció alojamiento y apoyo económico y le presentó a Francesco Medici, hijo de Cosimo di Giovanni delle Bande Nere Medici, gobernante de la ciudad y vástago de la famosa dinastía florentina de los Medici, que financió en gran medida el Renacimiento en Florencia . Estos contactos convencieron a Giambologna para establecerse en Florencia, y en 1560 ya competía por la realización de una estatua de Neptuno para la fuente de la Piazza della Signoria.

Escultor de la corte de los Médicis

Perdió frente al escultor manierista toscano Bartolomeo Ammanati (1511-1592), pero su modelo de arcilla a escala real le granjeó algunos admiradores y entró al servicio de Francesco de’ Medici, que se convirtió en su principal mecenas. Durante esta época creó numerosas obras tridimensionales para espectáculos públicos, bronce y mármol para los jardines de los Médicis, y exploró las posibilidades de una pequeña estatuilla de bronce que se hizo popular entre los coleccionistas de toda Europa.

Inspirado por los primeros trabajos de Miguel Ángel y sus seguidores, como Tribolo y Pierino da Vinci (1520-1554), Giambologna desarrolló un estilo de composición de figuras utilizando un contraposto, exagerado mucho más allá de la norma clásica, con un eje serpentino y un contorno en forma de llama. Esto insufló nueva vida a la escultura florentina, que a mediados del siglo XVI se había vuelto algo rebuscada y académica en manos del neurótico Baccio Bandinelli (1493-1560) y su archirrival y crítico Benvenuto Cellini (1500-1571).

Así, en 1561-2, realizó su primera obra importante para Francesco de’ Medici, un grupo de mármol que representa a Sansón matando al filisteo (1561-2, Victoria and Albert Museum, Londres) como pieza central de una gran fuente. Tanto el tema como el tratamiento recuerdan el diseño de Miguel Ángel de la década de 1520, del que sólo se conocen algunos vaciados en bronce a partir de un modelo original de cera perdida.

Para aprender a evaluar a artistas como el gran escultor manierista Giambologna, véase: Cómo evaluar la escultura . Para obras posteriores, véase: Cómo evaluar la escultura moderna .

La Fuente de Neptuno

Al año siguiente, 1563, el papa Pío IV encargó a Giambologna una escultura de bronce para decorar la Fuente de Neptuno en Bolonia (1563-6). La fuente tiene forma piramidal, con numerosas figuras de apoyo, vivas y sensuales, debajo de ella. Conducen la mirada hacia arriba, hacia el poderoso Neptuno, que adopta una vigorosa pose en espiral, deteniéndose un instante con un gesto de la mano y un brusco giro de la cabeza. Los motivos helenísticos y miguelangelescos se combinan en una composición brillante y original.

Mercurio

Quizás durante su estancia en Bolonia, Giambologna creó la primera de varias versiones «de la figura voladora» de Mercurio . Ésta se convirtió en su composición más famosa: una estatuilla con las iniciales «I.B.» ) Museo de Historia del Arte de Viena) fue enviada como regalo diplomático de los Médicis al emperador del Sacro Imperio Romano Germánico en 1565; posteriormente se fundió una versión en bronce más grande que se encuentra en el Museo Nacional de Florencia.

La pose vigorosa pero perfectamente equilibrada debe mucho a bronces anteriores, como «Muchacho con delfín» de Andrea del Verrocchio, y «Mercurio» de Rustici, que estaban en la colección de los Medici. El tema pudo inspirarse en una estatuilla de Mercurio basada en el cuadro de Cellini «Perseo con la cabeza de Medusa» (1554).

Florencia triunfante sobre Pisa

A la vuelta de Giambologna a Florencia, Francesco de’ Medici le hizo otro importante encargo, una gran escultura en mármol, no tan sutilmente titulada Florencia triunfante sobre Pisa (terminada en 1575, Bargello, Florencia). Esta alegoría política estaba pensada como colgante de la «Victoria» de Miguel Ángel, que salió del taller tras la muerte del maestro en 1564.

El joven Giambologna se vio obligado a encontrar la manera de combinar las dos figuras en un grupo satisfactorio. Este problema había sido planteado por primera vez por Miguel Ángel en su proyecto «La tumba del papa Julio II», y posteriormente lo intentaron la mayoría de los escultores de Florencia en el siglo XVI. Giambologna lo resolvió con modelos preliminares en cera y yeso; la composición final es una fusión de curvas en espiral y líneas en zigzag que trabajan dentro de un volumen cónico.

El rapto de las sabinianas

La tercera gran obra de Giambologna fue el Rapto de las Sabinianas (1579-82, Loggia dei Lanzi, Piazza della Signoria, Florencia). Una de las más grandes esculturas de la historia, fue la culminación de su carrera como escultor, combinando tres figuras en una única composición en espiral. Miguel Ángel había estado poseído por esta idea, pero nunca se atrevió a realizarla en mármol. Las primeras ideas de Giambologna se materializaron en un grupo de bronce con un hombre de pie y una mujer levantada en brazos, que realizó en 1579 para Ottavio Farnesio.

Esta obra, escribió a su mecenas, fue creada en respuesta al problema escultórico en sí (el deseo de combinar tres figuras en una sola escultura) más que como una composición narrativa específica; y de hecho, más tarde se vio obligado a definir el episodio específico mostrado en la versión de mármol a escala real añadiendo un relieve de bronce en la parte inferior que muestra a romanos y sabinos luchando por las mujeres sabinas.

La evolución de un grupo de dos figuras a un grupo de tres figuras se traza en los modelos de cera preliminares (Victoria and Albert Museum, Londres). Las tres figuras están vinculadas tanto psicológicamente, por las direcciones de la mirada, como formalmente, por la disposición de los miembros y los cuerpos.

La composición en espiral hace que el grupo no pueda ser percibido en su totalidad desde un único punto de vista. Desde el punto de vista técnico, esta escultura es una obra maestra de virtuosismo, que lleva a sus límites extremos la técnica del socavado que Giambologna observó en la escultura griega helénica y que tanto distingue su obra de la de Miguel Ángel.

Estatua de Appennino

Fue durante este periodo cuando Giambologna creó también su mayor obra, la figura de 33 pies de altura del dios de la montaña Appennino (1577-81), instalada en los jardines de la villa de los Medici en Pratolino. Construido en ladrillo y piedra, el dios se inclina sobre un estanque y parece haber emergido del suelo.

Cosme I a caballo

Su otro gran logro en escultura del momento fue la estatua ecuestre en bronce de Cosme I ) Cosme I a caballo, 1587-95, Piazzo della Signoria, Florencia). Esta fue la primera estatua ecuestre de Florencia, y fue el fruto de varios bocetos que Giambologna había realizado a lo largo de su carrera para representar un caballo y un jinete galopando. Este diseño fue rápidamente copiado en todas las cortes reales de Europa, donde se convirtió en un símbolo arquetípico del poder monárquico.

Estatuillas de bronce

Hay pocos puntos de referencia en la enorme producción de estatuillas de bronce de Giambologna: la mayoría son pequeñas composiciones originales más que reducciones de estatuillas a escala real. Aparte del ya mencionado Mercurio de 1565, una obra maestra temprana es probablemente la alegoría femenina en bronce dorado de la astronomía (Kunsthistorisches Museum, Viena), también firmada.

La composición cerrada con un eje en espiral dado a la figura es muy característica de Giambologna, por ejemplo en la estatuilla mayor de Apolo que introdujo en el Studiolo Francesco de’ Medici (Palazzo Vecchio, Florencia). Además de figuras humanas, su repertorio también incluía animales, especialmente caballos, toros y grupos que representaban animales atacados por leones.

También esculpió aves de bronce de tamaño natural, que se utilizaron para decorar las grutas y fuentes de los jardines de Boboli en Florencia y en Pratolino, así como las puertas de bronce de la catedral de Pisa (ejemplos: Pavo, Lechuza y Pavo real en el Museo Nacional de Florencia). Para sus esculturas de aves ideó «una representación impresionista» de su plumaje en cera, que se transfirió con precisión mediante un hábil vaciado a las versiones finales en bronce. Sus animales marcaron el inicio de la escuela francesa de animalistas del siglo XIX.

Taller

El taller florentino de Giambologna empleó a muchos ayudantes y alumnos devotos, especialmente Pietro Tacca (1577-1640) (que sucedió a su maestro como escultor de la corte de los Médicis) y Pietro Francavilla (1548-1615). Véase también Escultores del Renacimiento .

Legado

Giambologna ejerció una gran influencia durante su vida y en los estilos posteriores -en particular la escultura barroca - durante varios años después, tanto en Italia como en el Norte. Sus estatuillas sirvieron como bellos regalos y se difundieron rápidamente por las cortes y los estudios de Europa, despertando la admiración por su elegante estilo mucho más allá de Italia: se reprodujeron constantemente casi hasta el siglo XX.

Más tarde, sus numerosos discípulos, a menudo flamencos o alemanes, fueron buscados para servir a estas mismas cortes, reforzando así sus métodos característicos, aunque con variaciones personales de su estilo básico (por ejemplo, los escultores Adrian de Vries, Hubert Gerhard, Pierre Puget, y Hans Reichle).

Giambologna ocupa un lugar crucial en la historia de la escultura entre las figuras más conocidas de Miguel Ángel y Bernini (1598-1680): su vigoroso estilo allanó el camino para el arte barroco en Roma.