Sol LeWitt:
escultor minimalista, artista conceptual Traductor traducir

Una de las claves Escultores del siglo XX de la era contemporánea, el artista y escritor Sol LeWitt ayudó a establecer Minimalismo y Arte conceptual como movimientos importantes de la posguerra Arte americano. Saltó a la fama en la década de 1960 con su contemporáneo escultura abstracta, en particular sus ’estructuras’ tridimensionales, que eran celosías cúbicas geométricas hechas de varios materiales, especialmente aluminio revestido de blanco. Muy prolífico en una amplia gama de medios, incluidos el grabado y la pintura, también creó una serie muy única de ’dibujos de pared’, cada uno de cuyos patrones geométricos se deriva de un conjunto de instrucciones. Sus escritos teóricos sobre Conceptualismo – Párrafos sobre arte conceptual (1967) y Oraciones sobre arte conceptual (1969) han alcanzado un estatus icónico como definiciones de la forma. Es uno de los vanguardistas más populares. Escultores americanos y uno de los más respetados artistas posmodernos de su generación Otros escultores minimalistas estadounidenses incluyen Tony Smith (1912-80) Donald Judd (1928-94) Carl Andre (nacido en 1935), Dan Flavin (1933-96), Robert Morris (nacido en 1931) y Richard Serra (nacido en 1939).

Primeros años

LeWitt nació en Hartford, Connecticut, en 1928. Estudió bellas artes en la Universidad de Syracuse, y más tarde en la Universidad de Illinois. En 1949 viajó a Europa donde tuvo la oportunidad de ver pinturas desde el Renacimiento hasta los impresionistas y cubistas. Poco después de regresar a los Estados Unidos, fue reclutado para servir en la Guerra de Corea. Mientras LeWitt estaba en Corea, visitó los antiguos templos y monumentos y quedó impresionado por sus cualidades espirituales y ascéticas.

Regresó a Nueva York a principios de la década de 1950 y estudió en la Escuela de dibujantes e ilustradores. Entre 1955 y 1956, trabajó como diseñador gráfico en un estudio de arquitectura. También realizó trabajos para Seventeen Magazine, creando pegados, fotostatos y mecánicos. Durante este período, LeWitt se encontró con las obras del fotógrafo del siglo XIX Eadweard Muybridge, cuyos estudios de locomoción y secuenciación fueron una influencia temprana (junto con el ruso Constructivismo) Él también pintó. En 1960 tomó un trabajo de nivel de entrada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Aquí, se convirtió en parte de la comunidad artística y socializó con muchos artistas, incluido el minimalista estadounidense Dan Flavin, famoso por sus objetos escultóricos e instalaciones. También se encontró Eva Hesse, la escultora estadounidense de origen alemán, conocida por su trabajo pionero en materiales como fibra de vidrio, látex y plásticos. También se hizo amigo de la curadora Lucy Lippard, quien fue una de las primeras defensoras de la conceptualización y arte feminista durante la década de 1970.

’Estructuras’

Al principio, LeWitt enfocó su atención en la pintura, contrató modelos y dibujó de la vida y copió Old Masters. Pero se sintió perdido y fuera de contacto. Esto cambió en 1962 cuando tomó escultura y comenzó a hacer relieves de mármol blanco y negro. Buscó una nueva dirección a principios de la década de 1960 que ’alejara las ideas omnipresentes pero inútiles del expresionismo abstracto’. LeWitt escribió dos textos seminales que se propusieron definir el nuevo estilo del arte conceptual. Estos fueron: Párrafos sobre arte conceptual (1967) y oraciones sobre arte conceptual (1969). En 1965, LeWitt se preocupaba principalmente por sus "estructuras". Usando elementos abstractos, simplificó sus trabajos en estructuras tipo caja o tabla. Estas obras van desde instalaciones del tamaño de una galería hasta piezas monumentales al aire libre. Inicialmente, estas esculturas estaban en monocromo en blanco y negro, lo que lo llevó a señalar que lo que parece el arte "no es demasiado importante". Sin embargo, a partir de la década de 1970, comenzó a pintar sus estructuras en colores primarios.

Mensaje conceptual

LeWitt redujo su arte plástico a algunas formas básicas (triángulos, cuadriláteros y esfera), y usó una paleta de colores limitada (negro, blanco, amarillo, azul y negro). Esto se aplica a sus estructuras, pinturas y dibujos. Se invitó al espectador a contemplar los diversos patrones, a ver una línea que puede ser recta o curva; si sus ojos y su mente estuvieran abiertos, se probaría su flexibilidad visual. La mente podría deambular, extender un dibujo, o no. La acción fue a discreción del espectador, que fue el mensaje clave del arte de LeWitt. El humor también fue un elemento subyacente del trabajo de LeWitt. Cubo enterrado que contiene un objeto de importancia pero de poco valor (1968) – fue un cubo que enterró en el jardín de un coleccionista. Era una broma inexpresiva sobre decir adiós al minimalismo. Documentó la escultura en fotografías, en la primera se encuentra al lado del cubo; el siguiente muestra una pala; y el tercero lo muestra cavando un hoyo.

Nota sobre la apreciación de la escultura
Para aprender a evaluar escultores conceptuales contemporáneos como Sol LeWitt, vea: Cómo apreciar la escultura moderna. Para trabajos anteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura.

La definición de LeWitt del arte conceptual

El arte conceptual es un arte que se refiere a ideas o conceptos. La obra de arte física tradicional es la segunda detrás de la idea real detrás de ella. Muchas piezas conceptuales, de hecho, vienen bajo el término arte de instalación. LeWitt describió el arte conceptual como el surgimiento (cuando) la idea o concepto es el aspecto más importante del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte, significa que toda la planificación y las decisiones se toman de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que hace el arte ’.

Dibujos de pared

LeWitt creó más de 1200 dibujos murales, algunos de los cuales tomaron equipos de personas semanas para ejecutar. Por lo general, le dio a su equipo una instrucción para trazar una línea de cierta manera, pero característicamente les dio ’margen de maniobra’, creyendo que su aporte, su aburrimiento, alegría, frustraciones, debería convertirse en parte del arte. Los dibujos de la pared eran típicamente de escala gigantesca y podían ocupar una galería completa, reflejando formas geométricas coloridas. Su descripción para el dibujo mural No. 766, suena seco: veintiún cubos isométricos de diferentes tamaños, cada uno con tintas de color superpuestas, pero cuando lo ves, los colores oscuros aparecen como una pintura al fresco renacentista. Su Loopy Doopy, Red and Purple era una abstracción de 49 pies que parecía un recorte psicodélico de Matisse, pero en la escala de una película de autocine. Otros dibujos, por otro lado, eran tan débiles que parecían sutiles grabados de vidrio.

Exposiciones

LeWitt ha sido objeto de cientos de exposiciones individuales y colectivas en todo el mundo desde 1965. Su primera gran exposición retrospectiva tuvo lugar en 1978 en el Museo de Arte Moderno, Nueva York (MoMA) . La exposición viajó a varios lugares. En 1992, el Gemeentemuseum, La Haya, realizó una importante exposición titulada Sol LeWitt Drawings 1958-1992. En 1996, el Museo de Arte Moderno celebró otra exposición Sol LeWitt Prints. Una importante retrospectiva de LeWitt fue organizada por el Museo de Arte Moderno de San Francisco en 2000: viajó al Museo de Arte Contemporáneo, Chicago y el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York.

Legado

LeWitt se opuso a cualquier publicidad o estatus de celebridad. Constantemente rechazaba los premios y evitaba la cámara, evitando entrevistas cuando era posible. Murió en 2007. Sus obras están en manos de algunos de los mejores museos de arte en todo el mundo, incluyendo: Museum of Fine Arts, Boston; Instituto de Arte de Chicago; Museo Guggenheim, Nueva York; Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; Museo de Arte Moderno de San Francisco; Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington DC; Guggenheim Bilbao, España, y muchos otros.