Historia de la escultura Traductor traducir

Cualquier relato cronológico del origen y desarrollo del arte tridimensional debería ocupar varios volúmenes, si no toda una biblioteca de libros. La compresión en una sola página significa que inevitablemente se omite gran parte de la historia. Desde la prehistoria, pasando por la antigüedad clásica, el gótico, el Renacimiento y hasta el siglo XXI, la historia de la escultura está repleta de artistas excepcionales (desgraciadamente, muchos de ellos anónimos) cuya expresión visual permanece entre nosotros en forma de maravillosas estatuas de mármol, relieves en piedra y creaciones inmortales en bronce.

Incluso hoy en día, si visitas cualquier catedral o cualquiera de las grandes ciudades, plazas o edificios del mundo, seguro que ves maravillosos ejemplos de arte tridimensional.

Características de la escultura

La escultura no sólo es la forma de arte más duradera, sino también la más influyente. Históricamente, casi todos los reyes, papas, dictadores y tiranos han reconocido el efecto propagandístico de la escultura inspiradora. Los emperadores romanos llevaron los bustos de sus retratos a todos los rincones de su imperio; la Iglesia romana adornó sus catedrales, abadías e iglesias con decenas de miles de estatuas y esculturas en relieve para transmitir el mensaje de la Biblia; faraones, reyes y emperadores del antiguo Egipto, Persia, Grecia y el mundo moderno han invertido fortunas en esculturas monumentales para celebrar los éxitos en la batalla. Los dictadores modernos, desde Stalin hasta Sadam Husein, han erigido estatuas como monumentos a su glorioso gobierno.

Por supuesto, nada puede compararse con el mensaje inspirador de la Estatua de la Libertad de Estados Unidos, sin duda la escultura propagandística número 1. Además del inmenso contenido narrativo que puede promover un determinado mensaje, la escultura es también un difícil oficio cuyos creadores dependen en gran medida de las herramientas y la tecnología.

A partir de las primeras culturas paleolíticas de herramientas, el progreso escultórico está marcado por el descubrimiento de nuevos materiales y equipos. Sorprendentemente, en la época del nacimiento de Cristo ya se habían descubierto la mayoría de los métodos y técnicas tradicionales del escultor, como la elaboración del bronce y la exquisita joyería de las tribus nómadas. En cualquier caso, por todas estas razones, la historia de la escultura está estrechamente ligada a la política, la tecnología y el bienestar financiero de la sociedad. Pero, por encima de todo, su historia está inextricablemente ligada a la arquitectura, progenitora del arte cuyas estructuras constituyen un hogar tan importante para las obras escultóricas decorativas. Cada gran movimiento arquitectónico ha ido acompañado de una enorme demanda de esculturas de todo tipo.

Cronología de las bellas artes de la escultura

La escultura prehistórica

La historia de la escultura comienza en la Edad de Piedra. No sabemos cuándo exactamente. Los primeros ejemplos conocidos son dos objetos primitivos de piedra conocidos como Venus de Berehat Ram y Venus de Tan-Tan . La Venus de Berehat Ram (datada aproximadamente en 230.000 a.C. o antes) es una estatuilla de basalto fabricada durante el periodo ashelia que fue descubierta en los Altos del Golán. La Venus de Tan-Tan (200.000 a.C. o anterior) es una estatuilla de cuarcita del mismo periodo.

Si estos objetos son formas preesculpidas, entonces la escultura prehistórica más antigua apareció hacia el 35.000 a.C. en forma de figurillas talladas de animales, aves y teriántropos realizadas en el Perigordiense inferior y el Orignaciense y halladas en las cuevas de Vogelgerd, en Hol Fels y Holenstein-Stadel, en el Jura de Suabia, Alemania. La escultura figurativa más antigua es la talla de marfil conocida como Mankolev de Holenstein-Stadel (38.000 a.C.).

Otro tipo temprano de escultura de la Edad de Piedra son las estatuillas obesas en miniatura llamadas Venus : como las Venus de Willendorf, Kostenki, Montpazier, Dolni Vestonice, Moravana, Brassempuy y Gagarino. Estas estatuillas de Venus, hechas de diversos materiales como hueso de mamut, arcilla cerámica y ceniza de hueso, así como de diferentes tipos de piedra como esteatita, caliza oolítica, serpentina y roca volcánica, se han encontrado en diferentes partes de Europa, desde Rusia hasta España. Los antropólogos creen que pudieron utilizarse en rituales de fertilidad, aunque sigue siendo un misterio por qué las mujeres gordas son tan icónicas. (¿Falta de comida?).

Escultura mesolítica (c. 10.000-4.000 a.C.)

El arte mesolítico incluía más bajorrelieves y esculturas exentas, como las estatuillas antropomorfas encontradas en Nevali Kori y Gobekli Töpe cerca de Urfa, en el este de Turquía, las estatuas de Lepenski Vir (por ejemplo, el Dios Pez) en Serbia. Este periodo histórico también fue testigo de la creación del ídolo Shigir (7500 a.C.) -la talla en madera más antigua que se conserva en el mundo-, hallado cerca de Ekaterimburgo (Rusia). Quizá la mayor obra de arte del Mesolítico sea la escultura de terracota de Rumanía conocida como el Pensador de Cernavoda, una imagen inconfundible del pensamiento cognitivo.

Escultura neolítica (c. 4000-2000 a.C.)

El arte neolítico se caracteriza principalmente por su cerámica, pero también produjo esculturas exentas y estatuillas de bronce, sobre todo en el valle del Indo, el Cáucaso septentrional y en relación con el arte precolombino en América. La forma más impresionante de arte neolítico fue la arquitectura de las pirámides egipcias, donde las cámaras funerarias provocaron un aumento de la demanda de diversos tipos de relieves y estatuas y figurillas portátiles. (Véase el artículo sobre Escultura egipcia .) La llegada de la Edad de Bronce (en Europa: 3000-1200 a.C.), así como la aparición de ciudades y edificios públicos, y el desarrollo de mejores herramientas, provocaron un aumento general de la demanda de todas las artes, incluida la escultura. Véase, por ejemplo: Escultura mesopotámica (3000-500 a.C.). Fue durante esta época cuando el arte empezó a desempeñar un papel importante como reflejo de las aspiraciones de los poderosos gobernantes y de las divinidades a las que rendían culto. En resumen, las comunidades prósperas y ambiciosas fueron propicias para el desarrollo de la escultura.

Escultura del Mediterráneo oriental (c. 2000-1100 a.C.)

Tras el florecimiento de la arquitectura y otras artes en Egipto, el Levante (países del Mediterráneo oriental) también fue testigo del auge de la cultura minoica en la isla de Creta, conocida por su escultura y metalistería . Tras una catástrofe desconocida (probablemente un terremoto) hacia el 1500 a.C., la civilización minoica se derrumbó y Creta fue conquistada por los micénicos de la Grecia continental, que más tarde fueron derrotados y la ciudad de Micenas destruida hacia el 1100 a.C.

Escultura del Lejano Oriente (c. 1700 a.C. - 1150 d.C.)

El arte chino durante la dinastía Shang (c. 1600-1050 a.C.) se desarrolló de forma muy diferente al arte occidental. Para la mejor escultura de bronce realizada en China durante este periodo, véase: Bronces de Sanxingdui (1200-1000 a.C.). Entre los ejemplos más conocidos de escultura india y del sudeste asiático se encuentran los inusuales relieves del templo hindú de Kandariya Mahadev, del siglo XI (1017-29), en Madhya Pradesh, India, y el templo jemer de Angkor Wat, del siglo XII (1115-1145), en Camboya.

Escultura de la Antigüedad (c. 1100-100 a.C.)

Debido al estancamiento cultural de la Edad Oscura «griega» (1100-900 a.C.) y al predominio de la loza en el periodo geométrico (900-700 a.C.), la escultura griega no apareció realmente hasta el periodo del estilo dédalo u oriental, alrededor del 650 a.C.. Después, la escultura se desarrolló según la cronología tradicional del arte griego durante la Antigüedad Clásica, del siguiente modo: el periodo Arcaico (c.650-500 a.C.); el periodo Clásico (c.500-323 a.C.); y el periodo Helenístico (c.323-100 a.C.). Para más información, véase: Escultura griega .

Escultura griega arcaica (c.600-500 a.C.)

El periodo Arcaico fue una época de experimentación lenta pero continua; la forma más valiosa de la escultura griega arcaica fue el kouros (figura masculina desnuda de pie).

Escultura griega clásica (c.500-323 a.C.)

El periodo dividido en Clásico Temprano, Clásico Superior y Clásico Tardío ha permanecido en la historia como la cumbre de la creatividad griega. En las artes visuales, escultores famosos como Policleto (siglo V a.C.), Mirón (que trabajó en 480-444 a.C.) y Fidias (ca. 488-431 a.C.) (véase su obra en Partenón) alcanzaron un nivel de realismo. Su habilidad fue desarrollada por artistas posteriores como Calímaco (trabajando en 432-408 a.C.), Scopas (trabajando en 395-350. a.C.), Lisipo (395-305 a.C.), Praxíteles (activo 375-335 a.C.) y Leochar (periodo de trabajo: 340-320 a.C.). Los maestros de este periodo no tuvieron rival hasta el Renacimiento italiano.

Escultura griega helenística (c.323-27 a.C.)

Durante este periodo (caracterizado por la difusión de la cultura griega por todo el mundo civilizado), el realismo clásico fue sustituido por el gran heroísmo y el expresionismo. Véase: Escuela de Pérgamo de escultura helenística (241-133 a.C.). Obras famosas de la escultura helenística griega : «Galia moribunda de Epigono» ; «Nika de Samotracia» ; Laocoonte y sus hijos de Hagesandro, Polidoro y Atenodoro (42-20 a.C.) y Venus de Milos . Sobre los mayores relieves helenísticos véase: Altar de Zeus de Pérgamo (166-56 a.C.).

A pesar de la desaparición política y militar de las ciudades-estado griegas en torno al 200 a.C. y el posterior ascenso de Roma, la escultura griega conservó su estatus como la mejor jamás creada. Ni siquiera los romanos pudieron superar su sentimiento de inferioridad frente a la artesanía griega, aunque tuvieron la amabilidad de copiar tantas obras griegas como les fue posible y es a través de estas copias como conocemos el arte de la escultura griega. La verdadera influencia de las estatuas y relieves helenísticos se produjo en realidad 1600-1700 años más tarde, cuando fue «redescubierta» por los primeros artistas del Renacimiento en Italia, tras lo cual se convirtió en la piedra angular del arte europeo durante los cuatro siglos siguientes. En resumen, los griegos obtienen el máximo de puntos.

Escultura celta en metal (400-100 a.C.)

No olvidemos a los celtas, una serie de tribus nómadas que aparecieron en el Cáucaso hacia el 800 a.C. y se extendieron gradualmente hacia el oeste de Europa (600-100 a.C.) hasta la Península Ibérica, Gran Bretaña e Irlanda. Aunque tenían una gran movilidad y eran expertos en herrería y orfebrería, estaban demasiado desorganizados para competir con el Estado de Roma, altamente disciplinado y centralizado. El arte celta de trabajar el metal, que con el tiempo se romanizó por completo al menos en el continente, incluía algunas de las mejores esculturas de metal de la época (por ejemplo, el Barco de Oro de Breuther, que data aproximadamente del 100-50 a.C.). También eran unos comerciantes excepcionales y sus intrincados diseños en metal se exportaban e imitaban por todo el mundo conocido. Sobre el trabajo en piedra de los celtas, véase: Escultura celta . Sobre la escultura monumental en piedra Keltoi (Keltoi) véase: Piedra de Turo .

La mayor escultura de arcilla de la historia

El Ejército de Terracota (que data de 246-208 a.C.), una enorme colección de guerreros y caballos de arcilla, fue esculpido en la provincia china de Shaanxi por orden del emperador Qin Shi Huangdi. Miles de las figuras permanecen en el mismo lugar donde fueron enterradas. Véase también Escultura budista china . Sobre el arte en la India, véase Escultura india (3300 a.C. - 1850).

Escultura romana (c.200 a.C - c.200 d.C)

Hasta el 27 a.C. aproximadamente, a pesar de la influencia de escultores etruscos anteriores conocidos por su «joi de vivre» (alegría de vivir), la escultura romana era poco idealizada y realista; después se volvió estrictamente heroica y bastante mediocre. A excepción de algunos espléndidos relieves históricos (por ejemplo, el bajorrelieve en espiral de la columna de Trajano) y monumentos poco comunes (por ejemplo, el Ara Pacis Augusta (Altar de la Paz de Augusto)), los escultores romanos se dedicaron principalmente a la producción de bustos-retrato de emperadores y otros dignatarios.

Escultura bizantina (330-1450 d.C.)

Hasta el siglo IV, la escultura cristiana primitiva consistió casi exclusivamente en relieves funerarios para sarcófagos en Roma. Cuando el Imperio Romano se dividió en Oriente y Occidente, la capital oriental fue Constantinopla. El arte del Imperio Romano de Oriente, con sede en Bizancio, era casi exclusivamente religioso, pero salvo algunos relieves menores en marfil y la fabricación de joyas, la marca ortodoxa oriental del cristianismo no permitía obras de arte tridimensionales como estatuas o altorrelieves (relieves escultóricos tridimensionales que sobresalen).

La escultura en la Edad Media (c.500-800 CE)

Como su nombre indica, fue una época oscura y tranquila para los escultores europeos. La Iglesia era débil, los bárbaros (que no eran grandes expertos en escultura) eran fuertes y las ciudades eran pobres e incultas. Hubo cierta actividad en Constantinopla y en los confines de Europa, por ejemplo en Irlanda, donde (a partir de 800-1100) la Iglesia monástica comenzó a encargar varias cruces de piedra independientes conocidas como esculturas celtas de la cruz alta, - decoradas con escenas evangélicas y otros motivos de estilo celta - pero poco arte medieval se produjo en el continente durante esta época.

Nota sobre la escultura y la arquitectura

Antes de proseguir, conviene subrayar el vínculo clave entre la arquitectura pública o el diseño de edificios y la escultura. En pocas palabras, los edificios públicos solían necesitar decoración escultórica tanto en el interior como en el exterior. Las columnas de soporte incorporaban a menudo motivos decorativos o estatuas y relieves, al igual que las fachadas, los portales y las diversas pantallas interiores. Así, cada nuevo programa importante de obras públicas, generalmente anunciado por un nuevo estilo arquitectónico, lanzaba un enorme programa paralelo de escultura. En otras palabras, los escultores medievales estaban muy enamorados de los arquitectos.

La escultura del primer románico (carolingio, ottoniano) (ca. 800-1050)

El renacimiento de la escultura medieval comenzó con Carlomagno, rey de los francos, que fue coronado como emperador del Sacro Imperio Romano Germánico en el año 800. El Imperio carolingio se derrumbó con bastante rapidez, pero el mecenazgo de Carlomagno fue un primer paso crucial en el renacimiento de la cultura europea, sobre todo porque muchas de las iglesias románicas y góticas se construyeron sobre la base de la arquitectura carolingia. Los logros arquitectónicos de Carlomagno fueron continuados por los emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico Otón I, II y III en un estilo conocido como ottoniano. Así regresó el arte de la escultura, aunque a escala modesta. Véase también: Artistas medievales .

Escultura románica (c. 1000-1200)

En el siglo XI comenzó a recuperarse una Iglesia cristiana más asertiva. Este expansionismo doctrinal condujo a las Cruzadas para liberar Tierra Santa del dominio islámico. El éxito de los cruzados y su obtención de reliquias sagradas provocó la construcción de nuevas iglesias y catedrales por toda Europa en un estilo arquitectónico totalmente románico, estilo conocido en Gran Bretaña e Irlanda como «arquitectura normanda». Esto, a su vez, provocó una enorme oleada de encargos de esculturas y vidrieras románicas. Así, por fin, el arte de la escultura volvió a resurgir. Y con esta nueva demanda de arte plástico surgieron nuevos talleres de talla y modelado, aprendizajes y el reconocimiento de los maestros. De hecho, en el siglo XII, los abades, los arzobispos y otros mecenas laicos buscaban a los principales escultores por su contribución única al impacto visual de los edificios religiosos en construcción.

Escultores románicos famosos:
Ghislebertus (siglo XII)
Maestro Cabestani (siglo XII)
Maestro Mateo (siglo XII)
Benedetto Antelami (activo 1178-1196).

Escultura gótica (c.1150-1300)

El programa de construcción de iglesias estimuló el desarrollo de nuevas técnicas arquitectónicas. Estas técnicas confluyeron a mediados del siglo XII en un estilo que los arquitectos renacentistas denominaron posteriormente «arquitectura gótica». Los rasgos característicos del estilo románico, como los arcos de medio punto, los muros gruesos y macizos y las ventanas pequeñas, fueron sustituidos por arcos apuntados, techos altos, muros finos y enormes vidrieras. Esto transformó por completo los interiores de muchas catedrales en lugares inspiradores donde el mensaje cristiano se transmitía en diversas artes bíblicas, incluidas hermosas vidrieras y una gran variedad de esculturas. Las fachadas y portadas de las catedrales solían estar repletas de relieves escultóricos que representaban escenas bíblicas, así como hileras de esculturas que representaban a profetas, apóstoles, antiguos reyes de Judea y otras figuras evangélicas. Los interiores tenían estatuas columnares y más relieves, todo dispuesto según un intrincado plan de iconografía evangélica diseñado para enseñar e inspirar a los creyentes analfabetos.

En esencia, la catedral gótica pretendía representar el universo en miniatura, una obra única del arte cristiano diseñada para transmitir el sentido del poder y la gloria de Dios y la naturaleza racionalmente ordenada de su diseño temporal. Entre las más grandes casas de escultura arquitectónica gótica se encuentran las catedrales francesas de Notre Dame de París, Chartres, Reims y Amiens; las catedrales alemanas de Colonia, Estrasburgo y Bamberg; y las iglesias inglesas de la abadía de Westminster y la catedral de York, entre muchas otras. Así pues , la escultura gótica representa la cumbre del arte religioso monumental. Aunque la Iglesia siguió invirtiendo mucho en el poder de la pintura y la escultura para inspirar a las masas (especialmente durante la Contrarreforma barroca), la época gótica fue realmente el apogeo «de la artesanía religiosa idealista». A partir de entonces, el arte de la escultura se vería cada vez más inmerso en la política laica y papal.

Escultores góticos famosos:
Nicola Pisano (c.1206-1278)
Giovanni Pisano (c.1250-1314)
Arnolfo di Cambio (c.1240-1310)
Giovanni di Balduccio (c.ca. 1290-1339)
Andrea Pisano (1295-1348)
Filippo Calendario (c.1315-1355)
Andre Bonevu (c.1335-1400)
Klaus Sluter (c.1340-1406)

Véase también Escultura gótica inglesa y Escultura gótica alemana .

Escultura renacentista italiana (1400-1600)

El Renacimiento italiano se inspiró «en el redescubrimiento» y el respeto por el arte de los clásicos antiguos, especialmente en arquitectura y escultura. El arte del Renacimiento también estuvo marcado por una fuerte creencia en el humanismo y la nobleza del hombre. Comenzó en Florencia, inspirado por hombres como el arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446), el escultor Donatello (1386-1466), el pintor Tommaso Mazaccio y el teórico Leon Battista Alberti (1404-1472), y financiado por la familia Médicis. Posteriormente se extendió a Roma -donde recibió el apoyo de las ambiciones papales de los papas Sixto IV (1471-1484), Julio II (1503-1513), León X (1513-1521) y Pablo III (1534-1545)- y a Venecia. El arte en el norte de Europa (especialmente en Flandes, Holanda, Alemania e Inglaterra) también experimentó un renacimiento, sobre todo en la pintura al óleo, el grabado y, en menor medida, la escultura en madera, aunque este llamado Renacimiento del Norte se desarrolló con cierta independencia de la Reforma (1520) y la consiguiente falta de mecenazgo religioso por parte de la Iglesia protestante, que veía con malos ojos la pintura y la escultura religiosas.

Escultura del Renacimiento temprano (1400-1490)

Dada la veneración por el Renacimiento italiano, es fácil olvidar que muchos artistas italianos estaban muy influidos por las tradiciones y la artesanía góticas. Los escultores renacentistas, en particular, estaban en deuda con sus predecesores góticos. Basta con estudiar los relieves de las fachadas y portadas de las catedrales del siglo XII para darse cuenta del extraordinario realismo y emotividad tridimensionales que se habían logrado siglos antes del Renacimiento. La gran diferencia entre los escultores góticos y los renacentistas es que los nombres de los segundos son hoy conocidos en todo el mundo, mientras que muchos de los primeros son desconocidos.

Teniendo esto en cuenta, los primeros escultores del Renacimiento intentaron mejorar las obras góticas inspirándose en la escultura clásica romana y griega. Al hacerlo, dotaron a sus estatuas de emociones diferentes y les infundieron nueva energía y pensamiento. Los tres mayores artistas tridimensionales de principios del Renacimiento fueron Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello, y Andrea del Verrocchio (1435-1488).

Lorenzo Ghiberti

En 1401 se convocó un concurso para encargar las puertas de bronce del Baptisterio de San Juan de Florencia, una de las iglesias más antiguas que se conservan en la ciudad. Lorenzo Ghiberti ganó este encargo de puertas, que tardó 27 años en completar. Le siguió un segundo encargo similar, que Ghiberti tardó otros 25 años en completar. Su puerta se convirtió en un símbolo tangible del arte florentino, por lo que Miguel Ángel la llamó «la Puerta del Paraíso».

Donatello

Donatello, el primer verdadero genio de la escultura renacentista italiana, reinventó la escultura del mismo modo que Masaccio, Piero della Francesca y Mantegna revolucionaron el arte de la pintura. Capaz de dotar a sus figuras de un realismo y una emoción intensos, su obra maestra es su escultura en bronce del David (c. 1435-53), la primera escultura desnuda de tamaño natural desde la Antigüedad, que fue creada para la familia Médicis y colocada en el Palacio Médicis de Florencia. La esbelta figura del pastorcillo bíblico apenas parece capaz de la destreza necesaria para matar a Goliat, pero sus dos melancólicas poses femeninas con su contrapunto clásico (giro de caderas) tienen un efecto hipnótico en el espectador. Es, sin duda, una de las mejores estatuas jamás creadas. Para más detalles, véase: David Donatello .

Andrea del Verrocchio

David (c. 1475) Andrea del Verrocchio es más refinado pero menos asertivo que la estatua de Donatello, mientras que su estatua ecuestre del pastelero Bartolomeo Colleoni (1480s) es menos heroica pero transmite una mayor sensación de movimiento y fanfarronería que Gattamelata de Donatello (1444-53) en Padua.

Otros importantes escultores del Renacimiento temprano son Jacopo della Quercia (c.1374-1438); Nanni di Banco (c.1386-1421); escultores de terracota Luca Della Robbia (1400-1482), su sobrino Andrea Della Robbia (1435-1525), Niccolò Dell’Arca (1435-1494) y Guido Mazzoni (1450-1518); Antonio Rossellino (1427-1479); Antonio Pollaiuolo (1432-1498).

Escultura del Alto Renacimiento (ca. 1490-1530)

Miguel Ángel (1475-1564), el más grande escultor del Renacimiento italiano, y quizás de todos los tiempos, eclipsó a todos los demás escultores renacentistas . El historiador del arte, Anthony Blunt, ha hablado de obras de Miguel Ángel como Piedad (1497-99, mármol, Basílica de San Pedro, Roma), David (1501-04, mármol, Galleria dell’Accademia, Florencia) y «Esclavo moribundo» (1513-16, mármol, Louvre, París) que poseían «una cualidad sobrehumana», pero también «una sensación de inquietud melancólica y sombría… reflejan la tragedia del destino humano». Algunas de las esculturas de mármol de Miguel Ángel son de una belleza y un pulido impecables, testimonio de su absoluta maestría técnica. En el campo del desnudo masculino heroico sigue siendo el maestro supremo. Para más información, véase: El David de Miguel Ángel .

Otros escultores importantes del Alto Renacimiento son el pintor y arquitecto veneciano Jacopo Sansovino (1486-1570) y Baccio Bandinelli (1493-1560).

Escultura del Renacimiento septentrional (c. 1400-1530)

En el norte de Europa, la mejor escultura fue mostrada en particular por dos asombrosos artesanos que elevaron el arte de la escultura en madera a nuevas cotas: el escultor alemán que trabajaba la madera dura Tilman Riemenschneider (1460-1531), conocido por sus relieves y esculturas exentas en madera; y el escultor en madera Feit Stoss (1450-1533), conocido por sus finos retablos.

Otros escultores importantes del norte de los Alpes:
Hans Mulcher (c. 1400-1467); Giorgio da Sebenico (1410-1473);
Michel Colomb (c. 1430-1512); Gregor Ehrhart (c. 1460-1540).

Escultura manierista (1530-1600)

Si la confianza y el orden del Alto Renacimiento se reflejaban en sus formas idealizadas de escultura figurativa, la escultura manierista reflejaba el caos y la incertidumbre de una Europa destrozada por la división religiosa y una Roma recientemente saqueada y ocupada por soldados mercenarios franceses. Los escultores manieristas aportaron una nueva expresividad a sus obras, ejemplificada por el poderoso Rapto de las Sabinas de Giambologna (1529-1608) y Perseo (1545-54) de Benvenuto Cellini (1500-1571). Compárese, sin embargo, la famosa estatua naturalista yacente de mármol de Santa Cecilia de Stefano Maderno (1576-1636). Véanse también Juan de Juni (1507-1577), que difundió el Renacimiento en España, Alonso Berruguete (c.1486-1561), que introdujo el manierismo en España, y Francesco Primaticcio (1504-1570), iniciador del manierismo francés. Los principales escultores del manierismo francés son Jean Goujon (c. 1510-1568), Germain Pilon (1529-1590), Barthelemy Prieur (1536-1611) y Adrien de Vries (1560-1626).

Escultura barroca (1600-1700)

A finales del siglo XVI, en respuesta a la Reforma protestante, la Iglesia Católica Romana inició su propia Contrarreforma. Esta campaña de propaganda, diseñada para persuadir a los fieles de que volvieran a la «verdadera» Iglesia, utilizó toda la gama de las artes visuales, incluida la arquitectura, la escultura y la pintura, y se asoció con un lenguaje más grandioso y dramático conocido como arte barroco. Esto supuso un mecenazgo masivo de pintores y escultores por parte de la Iglesia.

Incluso la plaza de San Pedro de Roma se remodeló para hacer temblar a los visitantes. El genial arquitecto y escultor Bernini (1598-1680) diseñó una serie de columnatas que conducían a la catedral, dando a los visitantes la impresión de que los abrazaba el escudo de la Iglesia católica.

Bernini fue el mayor escultor barroco . Tras trabajar para el cardenal Scipione Borghese, se convirtió en el principal escultor del papa Urbano VIII. Atraído por el naturalismo dramático de lo que se ha dado en llamar el estilo barroco helenístico de los siglos II y I a.C. (por ejemplo, véanse obras como «El Gal vencido se suicida y mata a su mujer»), la aportación única de Bernini fue la creación de sensacionales obras maestras ilusionistas (por ejemplo, la representación de un momento en el tiempo), de una forma que antes sólo estaba al alcance de los artistas. Parecía trabajar con materiales relativamente blandos como si fueran totalmente plásticos. Su técnica escultórica y su composición eran tan asombrosas que atrajo considerables críticas de artistas envidiosos.

Su principal rival fue Alessandro Algardi (1598-1654), el escultor favorito del Papa Inocencio X. Si Bernini personificaba el naturalismo dramático griego, el estilo de Algardi era más comedido (algunos críticos lo califican de débil). Otro rival fue el escultor flamenco François Duquesnoy (1594-1643), cuyo estilo era totalmente clásico. De figura más bien oscura, Duquesnoy trabajaba en un estilo descarnado y carente de emoción que, sin embargo, fue muy apreciado por la crítica académica por su perfecta síntesis de naturaleza y antigüedad. Los drapeados fluyen con gracia, siguiendo la forma del cuerpo, mientras que la figura está equilibrada en perfecta gracia y reposo - exactamente lo contrario del movimiento dinámico y el sentimiento intenso de Bernini.

La escultura barroca francesa fue ejemplificada por François Girardon (1628-1715), una especie de Algardi francés y su rival Antoine Coysevox (1640-1720), cuyo estilo más libre seguía siendo relativamente sobrio en comparación con el de Bernini, y Pierre Puget (1620-1694), que fue uno de los pocos escultores que recuperó la inmediatez de las mejores obras de Bernini.

Otros escultores barrocos son Juan Martínez Montañez (1568-1649), Alonzo Cano (Granada, 1601-1667), y Andreas Schlüter (1664-1714), el mayor escultor barroco del norte de Alemania. En el sur de Alemania, uno de los grandes maestros fue Jörg Zurn (1583-1638), autor del impresionante Altar Mayor a la Virgen María (1613-16), de cinco pisos, en la iglesia de San Nicolás de Uberlingen, en la orilla norte del lago de Constanza (Bodensee).

Para más información, véase: Escultura barroca .

Escultura rococó (c. 1700-1789)

Reacción francesa a la seriedad del Barroco, el arte rococó apareció primero en la corte francesa del Palacio de Versalles, y luego se extendió por toda Europa. Mientras que la escultura barroca era dramática y seria, la rococó era simplemente excesiva y sin sentido, aunque en realidad era una variación del estilo realizado por Bernini y sus contemporáneos. No obstante, podemos hablar de cualidades rococó en una obra escultórica: informalidad, alegría, preocupación por los asuntos del corazón y cualquier evitación consciente de la seriedad.

El escultor de más éxito de la primera mitad del siglo XVIII fue Guillaume Custu (1677-1746), director de la Academia Francesa desde 1707, que continuó la tendencia barroca de su tío Koisevox. Su discípulo, Edme Bouchardon (1698-1762), es una figura más interesante, cuyo sentimiento por la antigüedad le llevó a anticipar la tendencia posterior hacia el neoclasicismo. Jean-Baptiste Pigalle (1714-1885), favorito de Madame Pompadour, fue otro importante ejemplar del estilo rococó, ya que su principal rival fue Etienne-Maurice Falcone (1716-1991), especializado en figuras eróticas que se parecen poco a los originales helenísticos. Su obra maestra, sin embargo, sigue siendo su monumento clásico «El jinete de bronce» a Pedro el Grande en San Petersburgo - véase: Escultura rusa».

En Inglaterra, los principales escultores de los siglos XVII y XVIII fueron el clasicista Michael Risbrack (1694-1770), el más teatral Louis Francois Rubiliac (1705-1762) y el eminente escultor de madera Greenling Gibbons (1648-1721). La escultura rococó alemana se ilustró en la obra del escultor de Dresde Balthasar Permoser (1651-1732), así como en el trabajo de pequeños grupos de artesanos que trabajaban en iglesias católicas del sur e Ignaz Günther (1725-1775), cuyas esculturas figurativas son de superficie dura y policromadas, y recuerdan a la talla medieval alemana en madera.

El rococó, caprichoso y decadente, fue barrido por la Revolución Francesa, que inauguró un nuevo estilo más austero, el neoclasicismo.

Escultura neoclásica (floreció entre 1790 y 1830)

El arte neoclásico -principalmente arte griego con un sesgo moderno- estuvo dominado por la arquitectura neoclásica . Entre los edificios neoclásicos se encuentran el Panteón (París), el Arco del Triunfo (París), la Puerta de Brandemburgo (Berlín) y el Capitolio de Estados Unidos. La escultura neoclásica destaca las virtudes del heroísmo, el deber y la seriedad. Entre los principales escultores neoclásicos se encuentran el extremadamente severo y heroico Antonio Canova (1757-1822), el interesado maestro del busto-retrato Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), el más naturalista y realista Jean-Antoine Houdon (1741-1828), el más bien ligero Claude Michel, conocido como Clodion (1738-1814), y los escultores ingleses Joseph Nollekens (1737-1823), Thomas Banks (1735-1805), John Flaxman (1755-1826) y Sir Richard Westmacott (1775-1856). Sólo más tarde en el siglo XVIII, en la persona del escultor danés Bertel Thorvaldsen (1770-1844), surgió un digno sucesor de Canova, que se acercó a una arrogancia antigua comparable, aunque con menos originalidad.

La escultura del siglo XIX

En muchos aspectos, el siglo XIX fue una época de crisis para la escultura. Simplemente, el desarrollo arquitectónico se había agotado en gran medida, el mecenazgo religioso había disminuido como consecuencia de la Revolución Francesa y un clima general «de populismo» empezaba a causar confusión en las mentes de los mecenas institucionales y privados en cuanto a lo que se consideraba aceptable para la representación escultórica, qué temas (y estilos). Al dedicarse a un arte más caro que el de los artistas, y depender por tanto de encargos costosos, los escultores se encontraban a menudo a merced de la opinión pública en forma de consejos y comités municipales. Aparte de una serie de grandes monumentos públicos y de las habituales estatuas conmemorativas de obispos y reyes -ejecutadas invariablemente en el estéril estilo conformista exigido por las autoridades (por ejemplo, el Albert Memorial)-, los escultores tuvieron pocas oportunidades de demostrar su originalidad. La pintura, en cambio, estaba experimentando enormes y apasionantes cambios. En otras palabras, no era un buen momento para dedicarse al arte tridimensional.

Los escultores del siglo XIX que merece la pena mencionar son: El universalista James Pradier (1790-1852), el romántico François Rood (1784-1855), David Angers (1788-1856), Antoine-Louis Bari (1796-1875), Auguste Préaud (1809-1879) y la escultora florentina neorrenacentista Felicia de Saint-Fauvet (1799-1886). Uno de los más talentosos fue el despreocupado Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), cuya sensualidad fue adaptada a las exigencias de la escultura decorativa de la década de 1860 por Ernest Curry-Belz (1824-1887), más conocido por haber tenido como alumno a un desconocido escultor llamado Auguste Rodin. Jules Dalou (1838-1902) fue un seguidor más contemplativo y serio de Carpeaux. Entre los principales clasicistas del siglo XIX figuran John Gibson (1791-1866), el talentoso pero desilusionado Alfred Stevens (1817-1875), el universalista George Frederick Watts (1817-1904) y el estadounidense Hiram Powers (1805-1873).

Tampoco hay que olvidar al escultor francés Auguste Bartholdi (1834-1904), más conocido por ser el creador de la mundialmente famosa Estatua de la Libertad, situada en el puerto de Nueva York. También el gran escultor monumental estadounidense Daniel Chester French (1850-1931), conocido por su figura sedente de Lincoln en el Lincoln Memorial de Washington, DC.

Auguste Rodin

La gran excepción fue el incomparable genio francés Auguste Rodin (1840-1917). Rodin, uno de los pocos verdaderos maestros de la escultura moderna, se consideraba el sucesor de su héroe de culto, Miguel Ángel, aunque el florentino era escultor de mármol y Rodin creaba principalmente en bronce. Además, mientras que Miguel Ángel ejemplifica las formas nobles e intemporales de la antigüedad clásica, las obras más características de Rodin transmiten una modernidad inconfundible y un naturalismo dramático. Quizás los verdaderos predecesores de Rodin fueron los escultores góticos, ya que era un apasionado admirador de las catedrales góticas de Francia, de cuyos relieves heroicos extrajo gran parte de su inspiración. En cualquier caso, la influencia de Rodin en el arte fue mayor que la de cualquier escultor del Renacimiento.

La escultura del siglo XX: la llegada del modernismo

Con una escultura menos capaz de reflejar las nuevas tendencias del arte moderno en el siglo XIX, escultores como Auguste Rodin (1840-1917) fueron libres de perseguir el monumentalismo basado en la ideología renacentista, mientras que otros fueron libres de glorificar los valores victorianos en forma de figuras patrióticas e históricas, también ejecutadas a la manera grandiosa de épocas anteriores. Pero cuando llegaron escultores modernos del siglo XX como Constantin Brancusi (1876-1957), Umberto Boccioni (1882-1916) y Naum Gabo (Naum Nehemiah Pevsner) (1890-1977), la escultura empezó a cambiar de verdad con el cambio de siglo.

Sobre la influencia de las culturas tribales en el desarrollo de la escultura del siglo XX, véase: Primitivismo y arte primitivo . A este respecto, léase la obra de Henri Gaudier-Brzeski (1891-1915) y su mentor Jacob Epstein (1880-1959). En particular, destaca la influencia de la escultura africana en los escultores contemporáneos de la Escuela de París .

De hecho, en las primeras décadas del siglo XX, el arte visual estaba en plena ebullición. El revolucionario movimiento cubista, inventado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963), hizo añicos muchos de los cánones sagrados del arte tradicional y desencadenó una oleada de experimentación en pintura y escultura. La escultura fue redefinida de forma significativa por escultores como Marcel Duchamp (1887-1968) -véase su «Readymades»- Jacques Lipchitz (1891-1973) y Alexandre Archipenko (1887-1964), así como Brancusi, Boccioni y Gabo. Se rechaza el representacionalismo en favor de nuevas expresiones abstractas del espacio y el movimiento, a menudo con materiales poco convencionales nunca antes utilizados en escultura.

Después del cubismo, la Primera Guerra Mundial (1914-18) y la Revolución bolchevique de 1917 tuvieron un profundo impacto en pintores y escultores de toda Europa, como demuestran los influyentes movimientos iconoclastas del dadaísmo y el constructivismo. Los escultores trabajaron junto a los artistas para crear obras que reflejaran nuevos iconos, como las máquinas y los mecanismos, así como nuevas ideologías del diseño (por ejemplo, las teorías de la escuela de diseño Bauhaus) y formas (por ejemplo, el increíble Merzbau de Kurt Schwitters).

La década de 1920 vio el nacimiento del Surrealismo en París, un movimiento de gran influencia que buscaba un nuevo «superrealismo» en un estilo que incorporaba tanto la abstracción como el naturalismo. Entre los artistas surrealistas más destacados que trabajaron con volumen se encuentran Salvador Dalí (1904-1989), que produjo su sofá surrealista «Mae West Lips Sofa» y Lobster Telephone ; Meret Oppenheim (1913-1985), que produjo «Furry Breakfast»; y F. E. McWilliam (19099). E. McWilliam (1909-1992), que creó «Ojos, nariz y mejilla». Otros escultores contemporáneos como Jean Arp (1886-1966), así como Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-1975) -líderes de la escultura británica moderna - experimentaron con nuevas formas de abstracción biomórfica y orgánica, mientras que el estadounidense Alexander Calder (1898-1976) fue pionero de la escultura móvil y del arte cinético, y David Smith (1906-1965) desarrolló la escultura abstracta en metal. Muchos escultores desarrollaron su estilo a lo largo del siglo: por ejemplo, Alberto Giacometti (1901-1966) se inició en el estilo surrealista en las décadas de 1920 y 1930 y perfeccionó durante mucho tiempo sus singulares obras figurativas semiabstractas, y el artista modernista británico-estadounidense Jacob Epstein (1880-1959), cuyas atrevidas obras figurativas resultaron muy controvertidas.

Escultura de posguerra (1945-70)

Ni en Nueva York ni en París apareció una escultura que pudiera compararse con el estilo predominante de la pintura expresionista abstracta (1945-62), aunque ciertamente hubo innovaciones, principalmente en el uso de nuevos materiales y en el creciente ambiente del Conceptualismo, un estilo que se centra en la idea que subyace a un objeto tridimensional más que en el objeto en sí, así como en la difuminación entre pintura y escultura. Las principales innovaciones proceden principalmente de escultores estadounidenses, pero, por ejemplo, «Ciudad en ruinas» (1953) del escultor ruso Osip Zadkin (1890-1967) - que comprende «muros escultóricos» de Louise Nevelson (1899-1988) - ensamblajes, consistentes en objetos encontrados en su mayoría de madera, pintados de blanco, negro o dorado y dispuestos en estantes de cajas que ocupan una pared; esculturas de fieltro de Robert Morris (b. 1931); obras de neón y fluorescentes de Bruce Nauman (n. 1941); obras de Caesar (1921-1998) realizadas con piezas de automóvil; esculturas realizadas con chatarra (por ejemplo, montones de teléfonos rotos) de Armand Fernandez (n. 1928); arte cinético de Jean Tinguely (1925-1991); y escultura abstracta del artista británico Sir Anthony Caro (1924-2013).

Escultura pop art

Cronológicamente, el primer gran movimiento de posguerra en el que participaron escultores fue el Pop Art de la década de 1960, que comenzó con las revolucionarias obras de Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (n. 1930) en la década de 1950. Entre las esculturas pop más famosas figuran «Dios japonés de la guerra» (1958), del artista pionero Eduardo Paolozzi (n. 1924), «El Kans» (1964) Jasper Johns, lienzo, espuma y cartón - «Paul Burger» (1962) y «Puntas gigantes» (1967) de Claes Oldenburg (n. 1929); el ingenioso Sofá Jo (1968) de los italianos Jonathan De Paz (1932-1991), Donato D’Urbino (n. 1935) y Paolo Lomazzi (n. 1936) muestran rastros del primer arte surrealista. La escultura pop no es seria, pero es divertida.

Escultura minimalista

A diferencia del Pop Art, el Minimalismo de los años 60 exploró la pureza de las formas simplificadas hasta el absurdo. Entre los escultores minimalistas más destacados se encuentran Sol Lewitt (nacido en 1928), artista conceptual estadounidense conocido por sus esqueléticas estructuras geométricas en forma de caja; Donald Judd (1928-1994) y sus intransigentes formas simplificadas; el artista experimental Walter de Maria (nacido en 1935); y Carl Andre (nacido en 1935), nacido en Massachusetts. Cualquier persona con un doctorado en historia del arte puede apreciar la escultura minimalista.

La década de 1960 también fue testigo de un tipo de escultura totalmente nuevo conocido como Land Art (Earthworks, o Arte Medioambiental).