Historia de la escultura Traductor traducir
Introducción
Cualquier descripción cronológica de los orígenes y la evolución del arte tridimensional debería ocupar adecuadamente varios volúmenes, si no toda una biblioteca de libros. Comprimirlo en una sola página significa que la mayor parte de la historia se omite inevitablemente. Aun así, ¡sigue siendo una gran historia! Desde la prehistoria, hasta la antigüedad clásica, la era gótica, el renacimiento hasta el siglo XXI, la historia de la escultura está llena de artistas extraordinarios, muy tristemente anónimos, cuya expresividad visual permanece con nosotros en forma de maravillosas estatuas de mármol, relieves de piedra y bronces inmortales
Incluso hoy, visite cualquier catedral, o cualquiera de las grandes ciudades, plazas o edificios del mundo, y seguramente verá excelentes ejemplos de arte en 3-D.
Cronología de la escultura de bellas artes
Escultura prehistórica
La escultura comienza en la Edad de Piedra. Exactamente cuándo, no lo sabemos. Los primeros ejemplos conocidos son las dos primitivas efigies de piedra conocidas como La Venus de Berekhat Ram y La Venus de Tan-Tan . La Venus de Berekhat Ram (que data de aproximadamente 230, 000 aC o antes) es una figura basáltica hecha durante el Período Acheuliano, que fue descubierta en los Altos del Golán. La Venus de Tan-Tan (c.200, 000 aC o anterior) es una figura de cuarcita del mismo período.
Si estos objetos son formas preesculturales, los primeros escultura prehistórica propiamente dicho surgió alrededor de 35, 000 a. C. en forma de tallas de animales, pájaros y figuras triantrópicas, realizadas durante el Período Bajo Perigordiano / Aurignaciano y descubiertas en las cuevas de Vogelherd, Hohle Fels y Hohlenstein-Stadel, en el Jura de Suabia, Alemania. La escultura figurativa más antigua es la talla de marfil conocido como el El hombre león de la escalera Hohlenstein (38, 000 aC).
Otro tipo temprano de escultura de la Edad de Piedra son las figuras obesas en miniatura llamadas Venos : como los Venos de Willendorf, Kostenky, Monpazier, Dolni Vestonice, Moravany, Brassempouy y Gagarino. Hecho de materiales tan variados como hueso de mamut, arcilla cerámica y ceniza de hueso, así como varios tipos de piedra como esteatita, piedra caliza oolítica, serpentina y roca volcánica, estas figuras de Venus se han ubicado en sitios de toda Europa, desde Rusia hasta España. Los antropólogos creen que pueden haber sido utilizados en rituales de fertilidad, aunque por qué las mujeres gordas deberían ser tan icónicas sigue siendo un misterio. (¿Falta de comida? Ed).
Escultura mesolítica (c.10, 000-4, 000 aC)
Arte mesolítico fue testigo de más bajorrelieves y esculturas independientes, como las figuras antropomórficas desenterradas en Nevali Cori y Gobekli Tepe cerca de Urfa, en el este de Turquía, y las estatuas de Lepenski Vir (p. ej., el dios pez) en Serbia. También fue testigo de la creación de la Shigir Idol (7, 500 aC), la talla de madera más antigua del mundo, se encuentra cerca de Sverdlovsk en Rusia. Podría decirse que la mayor obra de arte mesolítica es la escultura de terracota de Rumania, conocido como El Pensador de Cernavoda , una imagen inconfundible del pensamiento cognitivo.
Escultura neolítica (c. 4, 000-2, 000 a. C.)
Arte neolítico se destaca sobre todo por su cerámica, pero también presentaba esculturas independientes y estatuillas de bronce, en particular de la la civilización del valle del Indo , el Cáucaso del Norte y arte precolombino en las Américas La forma más espectacular del arte neolítico fue Arquitectura de la pirámide egipcia cuyas cámaras funerarias llevaron a una mayor demanda de varios tipos de relieves, así como estatuas y estatuillas portátiles. (Ver Escultura egipcia .) De hecho, el advenimiento de la Edad del Bronce (en Europa: 3000-1200 a. C.), así como la aparición de ciudades y edificios públicos, y el desarrollo de herramientas más sofisticadas, desencadenaron un aumento general en la demanda de todo tipo de arte., incluyendo escultura. Ver, por ejemplo, Escultura mesopotámica (3000-500). Fue durante esta época que el arte comenzó a asumir un papel importante en reflejar las aspiraciones de los gobernantes poderosos y las deidades que adoraban. En resumen, las comunidades prósperas y ambiciosas eran buenas para la escultura.
Escultura del Mediterráneo Oriental (c. 2000-1100 a. C.)
Tras el florecimiento de la arquitectura y otras artes en Egipto, el Levante también fue testigo del surgimiento de la cultura minoica en la isla de Creta, que se destacó por su escultura y metalistería . Después de una catástrofe desconocida (probablemente un terremoto) alrededor de 1500 a. C., el Minoan civilización colapsó, y Creta fue conquistada por los micénicos del continente griego, quienes fueron vencidos y la ciudad de Micenas fue destruida alrededor de 1100 a. C.
Escultura del Lejano Oriente (c. 1700 a. C. – 1150 d. C.)
arte chino durante el dinastía Shang (c.1600-1050) desarrollado en líneas muy diferentes a las variedades occidentales. Para la mejor escultura de bronce producida en China durante este período, consulte: Bronces Sanxingdui (1200-1000 a. C.). Ejemplos famosos de escultura india y del sudeste asiático incluyen los relieves extraordinarios en el templo hindú Kandariya Mahadeva del siglo XI (1017-29) en Madhya Pradesh, India; y el siglo 12 Templo de Angkor Wat Khmer (1115-45) en Camboya.
Escultura de la antigüedad clásica (c.1100-100 a. C.)
Debido al estancamiento cultural de la "Edad Media" griega (1100-900 a. C.) y al predominio de la cerámica durante el período geométrico (900-700 a. C.), la escultura griega realmente no apareció hasta el Daedalic o período de estilo oriental alrededor del 650 a. C. Posteriormente se desarrolló de acuerdo con la cronología tradicional del arte griego durante antigüedad clásica , como sigue: Período Arcaico (c.650-500 AEC); Período clásico (c.500-323 a. C.); y período helenístico (c.323-100 aC). Para más, ver: Escultura griega hecha simple .
Escultura griega arcaica (c.600-500 aC)
El período arcaico fue una época de experimentación lenta pero continua; la forma más preciada de Escultura griega arcaica era el kouros (pl.kouroi), o hombre desnudo de pie.
Escultura griega clásica (c.500-323 a. C.)
Dividido en el Clásico Temprano Período, Alto clásico Periodo y Clásico Tardío Período, este fue el punto culminante de la creatividad griega. En las artes plásticas, a escultores famosos les gusta Polykleitos (Siglo V a. C.), Myron (Activo 480-444 a. C.) y Fidias (c.488-431 aC) (ver su trabajo en el Partenón ) alcanzó un nivel de realismo, desarrollado por artistas posteriores como Callimachus (Activo 432-408 AEC), Skopas (Activo 395-350 AEC), Lisipo (c.395-305 a. C.), Praxiteles (Activo 375-335 a. C.) y Leochares (Activo 340-320 a. C.), que permanecería sin igual hasta el Renacimiento italiano.
Escultura griega helenística (c.323-27 a. C.)
Durante este período (caracterizado por la difusión de la cultura griega en todo el mundo civilizado), el realismo clásico fue reemplazado por un mayor heroicismo y expresionismo. Ver: Escuela de escultura helenística de Pergamene (241-133 a. C.). Obras famosas de Escultura griega helenística incluyen: Galo moribundo de Epigonus ; la victoria alada de Samotracia ; Laocoon y sus hijos por Hagesandrus, Polydorus y Athenodorus (42-20 aC), y el Venus de Milo . Para los más grandes relieves helenísticos, ver: Altar de Pérgamo de Zeus (166-56 a. C.).
A pesar de la desaparición política y militar de las ciudades estado griegas de alrededor del año 200 a. C., y el consiguiente ascenso de Roma, la escultura griega conservó su condición de la mejor de la historia. Incluso los romanos no lograron superar su sentido de inferioridad frente al arte griego, aunque fueron lo suficientemente lindos como para copiar tantas obras griegas como sea posible, y es en gran parte a través de estas copias que se conoce el arte de la escultura griega. La verdadera influencia de Estatuas helenísticas y relieves En realidad, ocurrió entre 1600-1700 años después, cuando fue "redescubierto" por artistas del Renacimiento temprano en Italia, después de lo cual formó la piedra angular del arte europeo durante los siguientes cuatro siglos. En resumen, los griegos obtienen el máximo de puntos.
Escultura Celta de Metal (400-100 AEC)
No olvidemos a los celtas: una serie de tribus nómadas que surgieron del Cáucaso alrededor del año 800 a. C. y se extendieron gradualmente hacia el oeste por Europa (600-100 a. C.) hasta la península ibérica, Gran Bretaña e Irlanda. Aunque altamente móviles, y maestros de la herrería negra y la orfebrería, estaban demasiado desorganizados para competir con el Estado de Roma altamente disciplinado y centralizado. Eventualmente totalmente romanizado, al menos en el continente, su Arte celta metalistería incluyó algunas de las mejores esculturas de metal de la época (por ejemplo, el Barco más grande c.100-50 aC). También fueron comerciantes excepcionales y sus intrincados diseños de metalistería se exportaron e imitaron en todo el mundo conocido. Para la cantería de los celtas, ver: Escultura celta . Para la escultura monumental de piedra Keltoi , ver: el Piedra de la turba .
La escultura de arcilla más grande del mundo
los Ejército de terracota (que data del 246-208 a. C.), una gran colección de guerreros de arcilla y caballos, fue esculpida en la provincia de Shaanxi, China, bajo las órdenes del emperador Qin Shi Huangdi. Miles de figuras permanecen enterradas en el sitio. Ver también Escultura Budista China (100 presentes). Para el arte en la India, vea Escultura india (3300 a. C. – 1850).
Escultura romana (c.200 BCE – c.200 CE)
Hasta aproximadamente el año 27 a. C., a pesar de la influencia de escultores etruscos anteriores, conocidos por su "joi de vivre", Escultura romana era poco realista y realista; a partir de entonces se volvió severamente heroico y bastante mediocre. Fue diseñado sobre todo para expresar la majestad y el poder del dominio romano, por lo tanto, aparte de una serie de magníficos relieves históricos (por ejemplo, el bajorrelieve en espiral de Columna de Trajano ) y monumentos raros (por ejemplo, el Ara Pacis Augustae ), Los escultores romanos se emplearon en gran medida en la producción de bustos de retratos de los emperadores y otros dignatarios. En resumen, no es gran cosa.
Escultura Bizantina (330-1450 CE)
Hasta el siglo cuarto, escultura cristiana primitiva había sido casi exclusivamente el alivio de tumbas para sarcófagos en Roma. Cuando el Imperio Romano se dividió en Oriente y Occidente, la capital oriental se encontraba en Constantinopla. El arte del Imperio Romano de Oriente, con sede en Bizancio, era casi completamente religioso, pero, aparte de algunos relieves de marfil poco profundos y orfebrería, la marca del cristianismo ortodoxo oriental no permitía obras de arte en 3D como estatuas o relieves. Bueno para pintores, malo para escultores.
Escultura durante la Edad Media (c.500-800)
Como su nombre indica, este fue un momento oscuro y tranquilo para los escultores europeos. La Iglesia era débil, los bárbaros (que no eran grandes en la escultura) eran fuertes y las ciudades estaban empobrecidas y sin cultura. Hubo alguna actividad en Constantinopla y en los márgenes de Europa, por ejemplo en Irlanda, donde (de 800 a 1100) la iglesia monástica comenzó a encargar una serie de cruces de piedra independientes conocidas como Esculturas celtas de la alta cruz – decorado con escenas del Evangelio y otros patrones de estilo celta – pero poco arte medieval fue creado en el continente.
Nota sobre escultura y arquitectura
Antes de continuar, vale la pena enfatizar la conexión clave entre la arquitectura pública o los programas de construcción y la escultura. En términos simples, los edificios públicos generalmente necesitaban una decoración escultórica, tanto por dentro como por fuera. Las columnas de soporte a menudo incorporaron motivos decorativos o estatuas y relieves, al igual que las fachadas, puertas y varias pantallas interiores. Por lo tanto, cada nuevo programa principal de obras públicas, típicamente anunciado por un nuevo estilo de arquitectura, desencadenó un gran programa paralelo de escultura. En resumen, los escultores medievales amaban a los arquitectos.
Escultura románica temprana (carolingia, otoniana) (c.800-1050)
El renacimiento de escultura medieval comenzó con Carlomagno I, rey de los francos, que fue coronado emperador del Sacro Imperio Romano en 800. El imperio carolingio se disolvió bastante rápido, pero el patrocinio de las artes de Carlomagno fue un primer paso crucial en la revitalización de la cultura europea, sobre todo porque muchos románicos y las iglesias góticas se construyeron sobre los cimientos de la arquitectura carolingia. Los logros arquitectónicos de Carlomagno fueron continuados por los emperadores del Sacro Imperio Romano Otto I, II y III, en un estilo conocido como Ottoniano. Así que el arte de la escultura había regresado, aunque en una escala modesta. Ver también: Artistas medievales .
Escultura románica (c.1000-1200)
En el siglo XI, una Iglesia cristiana más segura comenzó a reafirmarse. Este expansionismo doctrinal llevó a las Cruzadas a liberar a Tierra Santa de las garras del Islam. El éxito de los cruzados y su adquisición de Reliquias Sagradas desencadenaron la construcción de nuevas iglesias y catedrales en toda Europa en el estilo arquitectónico románico en toda regla, un estilo conocido en Gran Bretaña e Irlanda como arquitectura "normanda". Esto a su vez condujo a una gran ola de comisiones para Escultura románica y vidrieras. Así, finalmente, el arte de esculpir había vuelto. Y con esta nueva demanda de arte plástico llegó el establecimiento de nuevos talleres de talla y modelado, aprendizajes y reconocimiento para maestros artesanos. De hecho, en el siglo XII, los principales escultores se hicieron muy solicitados por los abades, arzobispos y otros mecenas seculares, por su contribución única al impacto visual de los edificios religiosos en construcción.
Escultores románicos famosos:
Gislebertus (Siglo 12)
Maestro de Cabestany (Siglo 12)
Maestro mateo (Siglo 12)
Benedetto Antelami (activo 1178-1196)
Escultura gótica (c.1150-1300)
El programa de construcción de la Iglesia estimuló el desarrollo de nuevas técnicas arquitectónicas. Estas técnicas se unieron a mediados del siglo XII en un estilo que los arquitectos del Renacimiento llamaron más tarde " arquitectura gótica ". Características características de estilo románico, como arcos redondeados, paredes masivamente gruesas y ventanas pequeñas, y fueron reemplazadas por arcos apuntados, techos altos, paredes delgadas y enormes vidrieras. Esto transformó completamente el interior de muchas catedrales en refugios inspiradores, donde el El mensaje cristiano fue transmitido en una variedad de Arte bíblico , incluyendo hermosas vidrieras y una gran variedad de esculturas. Las fachadas y las puertas de las catedrales generalmente estaban llenas de relieves escultóricos que representaban escenas bíblicas, así como hileras de esculturas que retrataban profetas, apóstoles, antiguos reyes de Judea y otras figuras evangélicas. Los interiores presentaban estatuas de columnas y más relieves, todo presentado de acuerdo con un intrincado plan de iconografía evangélica diseñado para educar e inspirar a los adoradores analfabetos.
En esencia, la catedral gótica tenía la intención de representar el Universo en miniatura, una pieza única de Arte cristiano diseñado para transmitir un sentido del poder y la gloria de Dios y la naturaleza racional ordenada de su plan mundano. Entre las casas más grandes de la escultura arquitectónica gótica se encuentran las catedrales francesas de Notre Dame de Paris, Chartres, Reims y Amiens; las catedrales alemanas de Colonia, Estrasburgo y Bamberg, y las iglesias inglesas de Westminster Abbey y York Minster, entre muchas otras. En resumen, Escultura gótica representaba el punto culminante del arte religioso monumental. Aunque la Iglesia continuaría invirtiendo fuertemente en el poder de la pintura y la escultura para inspirar a las masas (especialmente en el período barroco de la Contrarreforma), la era gótica fue realmente el apogeo del arte religioso "idealista". En adelante, el arte de la escultura se enredaría cada vez más en la política secular y papal.
Escultores góticos famosos:
Nicola Pisano (c.1206-1278)
Giovanni Pisano (c.1250-1314)
Arnolfo di Cambio (c.1240–1310)
Giovanni di Balduccio (c.1290–1339)
Andrea Pisano (1295-1348)
Filippo Calendario (pre-1315-1355)
Andre Beauneveu (c.1335-1400)
Claus Sluter (c.1340-1406)
Ver también: Escultura gótica inglesa y Escultura gótica alemana .
Escultura renacentista italiana (c.1400-1600)
los Renacimiento italiano se inspiró en el "redescubrimiento" y la reverencia por las artes de la antigüedad clásica, especialmente en el campo de la arquitectura y la escultura. Arte renacentista También fue coloreado por una fuerte creencia en el humanismo y la nobleza del hombre. Comenzó en Florencia, inspirado por personas como el arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446), el escultor Donatello (1386-1466), el pintor Tommaso Masaccio y el teórico Leon Battista Alberti (1404-72), y financiado por Familia Medici Luego se extendió a Roma, donde recibió el apoyo de las ambiciones papales del Papa Sixto IV (1471-84), Papa Julio II (1503-13), papa León X (1513-21) y papa Pablo III (1534-45) – y Venecia. Las artes en el norte de Europa (especialmente en Flandes, Holanda, Alemania e Inglaterra) también experimentaron un renacimiento, particularmente en pintura al óleo, grabado y, en menor medida, tallado en madera, aunque este llamado Renacimiento del Norte se desarrolló de manera algo independiente debido a la Reforma (c.1520) y la consiguiente falta de patrocinio religioso de una Iglesia protestante que tenía una visión tenue de la pintura y escultura religiosa.
Escultura del Renacimiento Temprano (1400-90)
Dado el respeto otorgado al Renacimiento italiano, es fácil olvidar que muchos artistas italianos fueron fuertemente influenciados por las tradiciones y la artesanía góticas. Los escultores renacentistas, en particular, estaban en deuda con sus predecesores góticos. Basta con estudiar los relieves en las fachadas y las puertas de las catedrales del siglo XII para ver el extraordinario realismo tridimensional y el emocionalismo que se logró siglos antes del Renacimiento. La gran diferencia entre los escultores góticos y renacentistas es que los nombres de estos últimos son mundialmente famosos, mientras que muchos de los primeros son desconocidos.
Teniendo esto en cuenta, los escultores del Renacimiento temprano intentaron mejorar aún más las obras góticas, tomando gran parte de su inspiración de la escultura clásica romana y griega. Al hacerlo, inyectaron a sus estatuas una variedad de emociones y les dieron nueva energía y pensamiento. Los tres mejores artistas 3-D del Renacimiento temprano fueron Lorenzo Ghiberti (1378-1455), Donato di Niccolo di Betto Bardi, conocido como Donatello, y Andrea del Verrocchio (1435-88).
Lorenzo Ghiberti
En 1401, se llevó a cabo un concurso para que la comisión creara un par de puertas de bronce para el Baptisterio de San Juan de Florencia, una de las iglesias sobrevivientes más antiguas de la ciudad. Lorenzo Ghiberti debidamente ganó la comisión para las puertas, que le llevó 27 años terminar. Siguió una segunda comisión similar, ocupando Ghiberti por otros 25 años. Sin embargo, sus puertas se convirtieron en un símbolo tangible del arte florentino, haciendo que Miguel Ángel se refiriera a ellas "las Puertas del Paraíso".
Donatello
Donatello , el primer genio real de Escultura renacentista italiana , reinventaron el medio de la escultura de la misma manera que Masaccio, Piero della Francesca y Mantegna revolucionaron el arte de la pintura. Capaz de invertir sus figuras con intenso realismo y emoción, su obra maestra es su escultura de bronce David (c.1435-53), la primera escultura desnuda de tamaño real desde la Antigüedad, que fue creada para la familia Medici y ubicada en el Palazzo Medici en Florencia La forma esbelta del pastor bíblico parece apenas capaz de la habilidad homicida requerida para matar a Goliat, pero tanto su pose femenina pensativa con su contrapposto clásico (giro de las caderas) ejerce un efecto hipnótico en el espectador. Seguramente debe ser una de las mayores estatuas jamás creadas. Para más detalles, ver: David por Donatello .
Andrea del Verrocchio
El David (c.1475) por Andrea del Verrocchio es más refinado pero menos intenso que la estatua de Donatello, mientras que su estatua ecuestre del condottiere Bartolommeo Colleoni (1480) es menos heroica pero transmite una mayor sensación de movimiento y arrogancia que la Gattamelata de Donatello (1444-53) en Padua.
Otros escultores importantes del Renacimiento temprano incluyen: Jacopo della Quercia (c.1374-1438); Nanni di Banco (c.1386-1421); los escultores de terracota Luca Della Robbia (1400-1482), su sobrino Andrea Della Robbia (1435-1525) Niccolo Dell’Arca (1435-94) y Guido Mazzoni (1450-1518); Antonio Rossellino (1427-79); Antonio Pollaiuolo (1432-98).
Escultura del Alto Renacimiento (c.1490-1530)
Escultores renacentistas fueron dominados por Miguel Ángel (1475-1564), el escultor más grande del Renacimiento italiano, y posiblemente de todos los tiempos. El historiador de arte Anthony Blunt dijo de las obras de Miguel Ángel como Piedad (1497-9, mármol, Basílica de San Pedro, Roma), David (1501-4, mármol, Galleria dell’Accademia, Florencia) y Dying Slave (1513-16, mármol, Louvre, París) que poseían una "cualidad sobrehumana "pero también" un sentimiento de melancolía, de sombría inquietud… reflejan la tragedia del destino humano ". Algunas de las tallas de mármol de Miguel Ángel tienen una belleza y un pulido impecables, lo que demuestra su dominio técnico absoluto. En el campo del heroico desnudo masculino, él sigue siendo el máximo exponente. Para más, ver David de Miguel Ángel .
Otros escultores importantes del Alto Renacimiento incluyen el artista y el arquitecto veneciano. Jacopo Sansovino (1486-1570) y Baccio Bandinelli (1493-1560).
Escultura renacentista del norte (c.1400-1530)
En el norte de Europa, el arte de la escultura fue ejemplificado en particular por dos impresionantes artesanos que llevaron el arte de esculpir en madera a nuevas alturas: el escultor alemán de madera de tilo Tilman Riemenschneider (1460-1531), conocido por sus relieves y escultura de madera independiente; y el tallador de madera Veit Stoss (1450-1533) conocido por sus delicados retablos.
Otros escultores importantes del norte de los Alpes incluyen:
Hans Multscher (c.1400-1467); Giorgio da Sebenico (1410-1473);
Michel Colombe (c.1430-1512); Gregor Erhart (c.1460-1540).
Escultura manierista (1530-1600)
Si la confianza y el orden del período del Alto Renacimiento se reflejaban en sus formas idealizadas de escultura figurativa, la escultura manierista reflejaba el caos y la incertidumbre de una Europa saqueada por la división religiosa y una Roma recientemente saqueada y ocupada por mercenarios soldados franceses. Los escultores manieristas introdujeron una nueva expresividad en sus obras, como lo demuestra la poderosa Violación de las Sabinas por Giambologna (1529-1608) y Perseo (1545-54) por Benvenuto Cellini (1500-71). Sin embargo, compare la famosa estatua de mármol naturalista reclinada de Santa Cecilia por Stefano Maderno (1576-1636). Ver también Juan de Juni (1507-1577), que extendió el Renacimiento a España, Alonso Berruguete (c.1486-1561) que introdujo el manierismo en España, y Francesco Primaticcio (1504-1570) que lanzó el manierismo en Francia. Para los mejores escultores manieristas franceses, ver: Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590) Barthelemy Prieur (1536-1611) y Adriaen de Vries (1560-1626).
Escultura barroca (c.1600-1700)
Durante el siglo XVI posterior, en respuesta a la Reforma Protestante, la Iglesia Católica Romana lanzó su propia Contrarreforma. Esta campaña de propaganda, diseñada para persuadir a los fieles a regresar a la Iglesia "verdadera", empleó toda la panoplia de las artes visuales, incluida la arquitectura, la escultura y la pintura, y se asoció con un lenguaje más grandioso y dramático conocido como arte barroco. Implicaba un patrocinio masivo para los artistas, ¡buenas noticias para los escultores!
Incluso la Plaza de San Pedro en Roma, fue remodelada para asombrar a los visitantes. El genio arquitecto / escultor Bernini (1598-1680) diseñaron una serie de columnatas que conducían a la catedral, lo que dio la impresión a los visitantes de que estaban siendo abrazados por los brazos de la Iglesia Católica.
Bernini fue el más grande de todos Escultores barrocos . Después de trabajar para el cardenal Scipione Borghese, se convirtió en el principal escultor del papa Urbano VIII. Atraído por el naturalismo dramático de lo que se llama el estilo barroco helenístico de los siglos II y I a.C. (por ejemplo, ver obras como The Vanquished Gaul Killing Él mismo y su esposa ) La contribución única de Bernini fue crear sensacionales obras maestras ilusionistas (por ejemplo, representando un momento en el tiempo), de una manera hasta ahora solo lograda por pintores. Era como si tratara los materiales de escultura relativamente intratables como si fueran completamente maleables. Su técnica escultórica y su composición fueron tan impresionantes que atrajo no poco las críticas de sus rivales envidiosos.
Su principal rival era Alessandro Algardi (1598-1654), el escultor favorito del Papa Inocencio X. Si Bernini personificaba el naturalismo dramático griego, el estilo de Algardi era más moderado (los críticos dicen que es débil). Otro rival fue el escultor flamenco. Francois Duquesnoy (1594-1643) cuyo estilo era completamente clásico. Duquesnoy era más bien una figura sombría que trabajaba en un estilo severo y sin emociones que, sin embargo, era muy apreciado por los escritores académicos por su perfecta síntesis de la naturaleza y lo antiguo. Las cortinas fluyen con elegancia, siguiendo la forma del cuerpo, mientras que la figura se equilibra en perfecta gracia y reposo, todo lo contrario del movimiento dinámico y la intensa sensación de Bernini.
La escultura barroca francesa fue ejemplificada por Francois Girardon (1628-1715), una especie de Algardi francés, y su rival Antoine Coysevox (1640-1720) cuyo estilo más relajado todavía estaba relativamente restringido en comparación con Bernini, y Pierre Puget (1620-94), quien fue uno de los pocos escultores que recuperó la inmediatez de la mejor obra de Bernini.
Otros escultores barrocos incluyen: Juan Martines Montanes (1568-1649) Alonzo Cano (Granada, 1601-67), y Andreas Schluter (1664-1714), el mayor escultor barroco del norte de Alemania. En el sur de Alemania, uno de los grandes maestros fue Jorg Zurn (1583-1638), quien produjo el impresionante Altar Mayor de la Virgen María de cinco pisos (1613-16), en la Iglesia de San Nicolás en Uberlingen, en la orilla norte del lago de Constanza (Bodensee).
Para más, ver: Escultura barroca .
Escultura rococó (c.1700-1789)
Básicamente una reacción francesa contra la seriedad del barroco, Arte rococó comenzó en la corte francesa en el Palacio de Versalles antes de extenderse por toda Europa. Si la escultura barroca era dramática y seria, el rococó era todo un lujo y ninguna sustancia, aunque en realidad no era un estilo tan diferente del barroco, sino más bien una variación del estilo llevado a cabo por Bernini y sus contemporáneos. Aun así, se puede hablar de las cualidades rococó en una obra de escultura: informalidad, alegría, una preocupación por los asuntos del corazón y una evitación consciente de la seriedad.
El escultor más exitoso de la primera mitad del siglo XVIII fue Guillaume Coustou (1677-1746), director de la Academia francesa desde 1707, quien continuó la tendencia barroca de su tío Coysevox. Su alumno, Edme Bouchardon (1698-1762), es una figura más interesante. cuyo sentimiento por lo antiguo lo llevó a anticipar la tendencia posterior hacia el neoclasicismo.
Jean-Baptiste Pigalle (1714-85), un favorito de Madame de Pompadour, fue otro ejemplo importante del estilo rococó, ya que su principal rival era Etienne-Maurice Falconet (1716-91) que se especializó en figuras eróticas que tienen una deriva tenue de los originales helenísticos. Su obra maestra, sin embargo, sigue siendo su clásico monumento "Caballero de bronce" a Pedro el Grande en San Petersburgo – ver Escultura rusa .
En Inglaterra, los principales escultores del siglo XVII / XVIII incluyeron al clasicista Michael Rysbrack (1694-1770), el más teatral Louis Francois Roubiliac (1705-62), y el eminente tallador de madera Sonriendo Gibbons (1648-1721). La escultura rococó alemana fue ejemplificada en obras del escultor de Dresde Balthazar Permoser (1651-1732), pequeños grupos de artesanos que trabajan en las iglesias del sur de Alemania católico e Ignaz Gunther (1725-75) cuyas esculturas figurativas tienen un realismo de superficie dura y una superficie policromada que recuerda a la talla de madera medieval alemana.
El rococó decadente y caprichoso fue arrastrado por la Revolución Francesa que introdujo el nuevo estilo más severo del neoclasicismo.
Escultura Neoclásica (Florecida c.1790-1830)
El arte neoclásico, básicamente arte griego con un toque moderno, estaba dominado por Arquitectura neoclásica . Los edificios neoclásicos incluyen el Panteón (París), el Arco del Triunfo (París), la Puerta de Brandenburgo (Berlín) y el Capitolio de los Estados Unidos. Escultura neoclásica implicó un énfasis en las virtudes del heroicismo, el deber y la seriedad. Líder Escultores neoclásicos incluido el extremadamente severo y heroico Antonio Canova (1757-1822), el problemático maestro del busto de retratos Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783), el más naturalista / realista Jean-Antoine Houdon (1741-1828), el alegre Claude Michel llamado Clodion (1738-1814), y los escultores ingleses Joseph Nollekens (1737-1823), Thomas Banks (1735-1805), John Flaxman (1755-1826) y Sir Richard Westmacott (1775-1856). Solo más tarde en el siglo XVIII apareció un digno sucesor de Canova en la persona del escultor danés. Bertel Thorwaldsen (1770-1844), que se acercó a la antigüedad con una elevada mentalidad comparable, aunque con menos originalidad.
Escultura del siglo XIX.
En muchos sentidos, el siglo XIX fue una época de crisis para la escultura. En términos simples, el desarrollo arquitectónico se había agotado en gran medida, el patrocinio religioso había disminuido como resultado de la Revolución Francesa, y el clima general del "populismo" comenzó a causar mucha confusión en las mentes de los patrocinadores institucionales y privados sobre lo que constituía aceptable. temas (y estilos) para la representación escultórica. Al estar involucrados en una forma de arte más costosa que los pintores y, por lo tanto, dependientes de comisiones de alto costo, los escultores a menudo se encontraban a merced de la opinión pública en forma de consejos y comités municipales. Además de una serie de grandiosos monumentos públicos, y las estatuas conmemorativas habituales de obispos y reyes, ejecutadas invariablemente en el estilo conformista y estéril requerido por las autoridades (por ejemplo, el Albert Memorial), los escultores tuvieron pocas oportunidades de mostrar su originalidad. La pintura, por otro lado, estaba experimentando grandes y emocionantes cambios. En resumen, no fue un buen momento para involucrarse en el arte tridimensional.
Escultores del siglo XIX Vale la pena mencionar el versátil James Pradier (1790-1852), los románticos Francois Rude (1784-1855), David d’Angers (1788-1856), Antoine-Louis Barye (1796-1875) y Auguste Preault (1809-79), y la escultora neorrenacentista florentina Felicie de St Fauveau (1799-1886). Uno de los artistas más talentosos fue el alegre Jean-Baptiste Carpeaux (1827-75), cuya sensualidad fue adaptada a las demandas de los escultores decorativos de la década de 1860 por Ernest Carrier-Belleuse (1824-87), por lo demás más notable por el hecho de que uno de sus alumnos era un escultor desconocido llamado Auguste Rodin. Jules Dalou (1838-1902) fue un seguidor más contemplativo y serio de Carpeaux. Entre los clasicistas del siglo XIX, las figuras principales incluyeron a John Gibson (1791-1866), el talentoso pero frustrado Alfred Stevens (1817-75), el versátil George Frederick Watts (1817-1904), y los poderes estadounidenses Hiram (1805-73).
Tampoco debemos olvidar al imaginativo escultor francés. Auguste Bartholdi (1834-1904) – mejor conocido como el creador de la escultura de fama mundial – El Estatua de la Libertad – En el puerto de Nueva York. También el gran escultor monumental estadounidense Daniel Chester francés (1850-1931), conocido por la figura sentada de Lincoln en el Lincoln Memorial en Washington DC.
Auguste Rodin
La gran excepción fue el incomparable genio francés. Auguste Rodin (1840-1917). Uno de los pocos maestros auténticos de la escultura moderna, Rodin se vio a sí mismo como el sucesor de su héroe icónico Miguel Ángel, aunque el florentino era un tallador en mármol, mientras que Rodin era principalmente un modelador en bronce. Además, mientras Miguel Ángel ejemplifica las formas nobles y atemporales de la antigüedad clásica, las obras más características de Rodin transmiten una modernidad inconfundible y un naturalismo dramático. Podría decirse que los verdaderos predecesores de Rodin fueron los escultores góticos, ya que era un admirador apasionado de Catedrales góticas de Francia, de cuyos heroicos relieves derivó gran parte de su inspiración. En cualquier caso, el impacto de Rodin en su forma de arte fue mayor que el de cualquier escultor desde el Renacimiento.
Escultura del siglo XX: el advenimiento del modernismo
Con una escultura menos capaz de reflejar las nuevas tendencias de arte Moderno durante el siglo XIX, dejando a artistas como Auguste Rodin (1840-1917) libres para perseguir un monumentalismo derivado esencialmente de la ideología renacentista, y otros para celebrar los valores victorianos en forma de figuras patrióticas e históricas, ejecutadas de la misma manera que en tiempos antiguos, no fue hasta la aparición de lo moderno Escultores del siglo XX me gusta Constantin Brancusi (1876-1957), Umberto Boccioni (1882-1916) y Naum Gabo (Naum Neemia Pevsner) (1890-1977), esa escultura realmente comenzó a cambiar, a principios de siglo. Para la influencia de las culturas tribales en el desarrollo de la escultura del siglo XX, ver: Primitivismo / Arte primitivo . En este sentido ver el trabajo de Henri Gaudier-Brzeska (1891-1915) y su mentor Jacob Epstein (1880-1959). En particular, tenga en cuenta el impacto de Escultura africana sobre escultores modernos de la Ecole de Paris .
De hecho, las primeras décadas del siglo XX vieron obras de arte en un fermento. El revolucionario movimiento cubista, inventado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963), destruyó muchos de los sagrados cánones del arte tradicional y desencadenó una ola de experimentación tanto en pintura como en escultura. Este último fue redefinido significativamente por una serie de escultores como Marcel Duchamp (1887-1968) – ver su " readymades "- Jacques Lipchitz (1891-1973), y Alexander Archipenko (1887-1964), así como Brancusi, Boccioni y Gabo. El representacionalismo fue rechazado a favor de nuevas expresiones abstractas de espacio y movimiento, a menudo utilizando materiales no tradicionales nunca antes utilizados en escultura.
A raíz del cubismo, La Gran Guerra (1914-18) y la Revolución Bolchevique de 1917 tuvieron un gran impacto adicional en los artistas de toda Europa, como lo demuestran los influyentes movimientos iconoclastas del Dada y el constructivismo. Los escultores se unieron a los pintores para producir obras de arte que reflejan nuevos íconos como la máquina, así como nuevas ideologías de diseño (por ejemplo, las teorías de la escuela de diseño de Bauhaus) y la forma (por ejemplo, el increíble Merzbau de Kurt Schwitters).
La década de 1920 en París vio la aparición del surrealismo, un movimiento enormemente influyente que buscó un nuevo "superrealismo" en un estilo que abarcaba tanto la abstracción como el naturalismo. Entre los artistas surrealistas famosos que trabajan en 3-D se incluyen: Salvador Dali (1904-89), quien produjo su sofá surrealista Mae West Lips Sofa and Lobster Telephone; Meret Oppenheim (1913-85) quien creó el Desayuno Furry ; y FE McWilliam (1909-1992) que produjo Eyes, Nose and Cheek . Otros escultores modernos como Jean Arp (1886-1966) así como Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-75), líderes de la escultura británica moderna , estaban experimentando con nuevas formas de abstracción biomórfica / orgánica , mientras que los estadounidenses Alexander Calder (1898-1976) fue pionero de la escultura móvil y arte cinético y David Smith (1906-65) estaba desarrollando una escultura abstracta de metal. Muchos escultores desarrollaron su estilo a medida que avanzaba el siglo: Alberto Giacometti (1901-66), por ejemplo, comenzó en modo surrealista durante las décadas de 1920 y 1930 antes de perfeccionar sus obras figurativas semi-abstractas únicas. Ver también el artista modernista británico-estadounidense. Jacob Epstein (1880-1959), cuyas audaces obras figurativas resultaron muy controvertidas.
Escultura de posguerra (1945-70)
No surgió ninguna escultura en Nueva York o París para comparar con el estilo de pintura predominante del expresionismo abstracto (c. 1945-62), aunque ciertamente hubo innovación, principalmente en el uso de nuevos materiales y un creciente estado de ánimo conceptual, un estilo que se centra sobre la idea detrás del objeto tridimensional, en lugar del objeto en sí mismo, así como un desenfoque entre la pintura y la escultura. Las principales innovaciones, principalmente de escultores estadounidenses , pero ver Ciudad destruida (1953) del escultor ruso Ossip Zadkine (1890-1967), incluyeron los "muros esculpidos" de Louise Nevelson (1899-1988), ensambles compuestos por objetos encontrados , principalmente madera, rociada con pintura blanca, negra u dorada y dispuesta en estantes en forma de caja que ocupan una pared; las esculturas de fieltro de Robert Morris (n. 1931); las obras de neón y fluorescentes de Bruce Nauman (nacido en 1941); los trabajos de Cesar (1921-98) hecho de autopartes; las esculturas basura (por ejemplo, montones de teléfonos rotos) de Arman (Armand Fernández) (nacido en 1928); el arte cinético de Jean Tinguely (1925-1991) y la escultura abstracta del artista británico Sir Anthony Caro (1924-2013).
Escultura Pop-Art
Cronológicamente, el primer gran movimiento de posguerra que involucró a escultores, fue el Pop-Art de la década de 1960, que se originó en el trabajo pionero de Robert Rauschenberg (1925-2008) y Jasper Johns (nacido en 1930) durante la década de 1950. Las esculturas Pop famosas incluyen: Dios de la guerra japonesa (1958) del pionero Eduardo Paolozzi (nacido en 1924), Ale Cans (1964) de Jasper Johns , la hamburguesa de suelo de lona, gomaespuma y cartón (1962) y Giant Fag-Ends (1967) de Claes Oldenburg (n. 1929), y el ingenioso Joe Sofa (1968) de los italianos Jonathan De Pas (1932-91), Donato D’Urbino (n. 1935) y Paolo Lomazzi (n. 1936), todos mostrando rastros de surrealistas anteriores. Art º. La escultura pop no es seria pero es muy divertida.
Escultura Minimalista
En completo contraste con el pop art, años 60 Minimalismo exploró la pureza de las formas ultra simplificadas hasta el punto de lo absurdo. Entre los escultores minimalistas famosos se encuentra Sol LeWitt (nacido en 1928), el artista conceptual estadounidense que destaca por sus construcciones esqueléticas geométricas en forma de caja; las formas simplificadas intransigentes de Donald Judd (1928-94); el artista experimental Walter de Maria (nacido en 1935); y el nacido en Massachusetts Carl Andre (nacido en 1935). La escultura minimalista puede ser completamente apreciada por cualquier persona con un doctorado en interpretación de bellas artes.
Land Art: escultura ambiental
La década de 1960 también fue testigo de un tipo completamente nuevo de escultura conocida como Land Art (Earthworks o Environmental art). Al igual que los niños que construían castillos de arena en la playa, los artistas se apresuraron a la naturaleza y cavaron, excavaron y reformaron el paisaje natural para crear (lo que esperaban) era arte. El escultor ambiental pionero fue el pesimista Robert Smithson (1938-73). Últimamente, la pareja de artistas Christo y Jeanne-Claude Javacheff han alcanzado fama envolviendo partes del entorno en telas de colores, mientras que Andy Goldsworthy (n. 1956) se especializa en esculturas ambientales temporales (por ejemplo, hechas de nieve) que se descomponen o desaparecen.
Escultura contemporánea posmoderna
Para 1970, una cantidad cada vez mayor de arte contemporáneo se estaba volviendo extremadamente experimental: los críticos de arte podrían decir locos, incomprensibles y kitsch. A partir de la década de 1970, esta tendencia fue bautizada " Arte posmodernista ". Nadie sabe realmente qué significa esta palabra y, si lo hacen, no pueden explicarla. En lo que respecta a la escultura posmoderna, lo mejor que se puede decir es que lleva la escultura al límite de la expresión tridimensional, y frecuentemente cruza a otras formas de arte como la instalación, pura arte de ensamblaje e incluso teatro. Uno de los escultores posmodernos más famosos es el ganador del premio británico Turner, nacido en la India. Anish Kapoor (b.1954).
Damien Hirst
La posmodernidad se ejemplifica en las obras de Damien Hirst (nacido en 1965), el ingenioso líder del mercado del movimiento de Jóvenes Artistas Británicos de los años 80, que alcanzó la fama mundial por La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo (1991), un tiburón tigre muerto en escabeche en un tanque de formaldehído – ¿Es una escultura o instalación? Nadie lo sabe realmente. Otros trabajos controvertidos de Hirst incluyen: Virgin Mother (2005), un gran trabajo que representa a una humana embarazada, cortada para mostrar el feto, el tejido muscular y el cráneo; y su calavera con incrustaciones de diamantes Por el amor de Dios (2007) Los críticos afirman que Hirst no es más que un showman muy innovador, pero los coleccionistas, así como el público, parecen amarlo. Deje que la historia tenga la última palabra sobre este artista multimillonario.
No toda la escultura contemporánea es controvertida como el tiburón muerto de Hirst. A finales del siglo XX se han visto numerosos escultores excepcionales que trabajan en modos más o menos tradicionales, aunque con una concepción modernista. Ejemplos famosos de escultura contemporánea incluyen: las esculturas de metal a gran escala de Mark Di Suvero (nacido en 1933), las formas públicas monumentales de Richard Serra (n. 1939), las figuras hiperrealistas de Duane Hanson (1925-96) y John De Andrea (n. 1941), las estructuras ambientales de Antony Gormley (n. 1950), las fabulosas figuras realistas de Rowan Gillespie (b.1953), las innovadoras obras de Neo-Pop de Jeff Koons (n. 1955), y las esculturas de araña surrealista Maman de Louise Bourgeois (1911-2010).
Las aclamadas esculturas de principios del siglo XXI incluyen obras de Eduardo Chillida (1924-2002) (por ejemplo, la pieza de hierro Berlín , 2000, Bundeskanzleramt, Berlín-Tiergarten); por Sudobh Gupta (nacido en 1964) y Damián Ortega (nacido en 1967), entre otros demasiado numerosos para mencionarlos.
Ver también: Escultura irlandesa .
Escultura arquitectónica
Aunque fuera del alcance de este artículo, debe mencionarse grandes obras icónicas de escultura arquitectónica, que incluyen: El Coloso de Rodas , La Estatua de la Libertad , La Torre Eiffel , la Columna de Nelson , El Chicago Picasso y The Dublin Spike , entre otros..
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