Arte abstracto:
definición, historia, tipos, características 3 362 palabras Traductor traducirAutor del texto original - Neil Cоllins

Definición y significado

El término «arte abstracto», también llamado « arte no objetivo», «no figurativo», «no representativo», «abstracción geométrica» es un término general bastante vago para cualquier pintura o escultura que no represente objetos o escenas reconocibles .

Sin embargo, como veremos, no existe un consenso claro sobre la definición, los tipos o el significado estético del arte abstracto. Picasso pensaba que no existía, y algunos historiadores del arte creen que todo arte es abstracto porque, por ejemplo, ningún cuadro puede aspirar a ser algo más que una burda generalización (abstracción) de lo que ve el artista. Incluso los comentaristas más destacados discrepan a veces sobre si un lienzo debe etiquetarse como «expresionista» o «abstracto»; por ejemplo, la acuarela Barco en llamas (1830, Tate) y el óleo Tormenta de nieve - Barco de vapor en la bocana del puerto (1842, Tate), ambos de William Turner (1775-1851). Un ejemplo similar es Lirio (1916-20, National Gallery, Londres), de Claude Monet (1840-1926). Además, existe una escala móvil de abstracción: de lo semiabstracto a lo totalmente abstracto. Así pues, aunque la teoría es relativamente clara - el arte abstracto está alejado de la realidad - la tarea práctica de separar lo abstracto de lo no abstracto puede ser mucho más problemática.

¿Cuál es la idea que subyace al arte abstracto?

La premisa básica de la abstracción -por cierto, una cuestión clave de la estética - es que las cualidades formales de una pintura (o escultura) son tan importantes (si no más) que sus cualidades representativas.

Empecemos con un ejemplo muy sencillo. Un cuadro puede contener un dibujo muy pobre de un hombre, pero si sus colores son muy bellos, puede parecernos un cuadro hermoso. Esto demuestra que una cualidad formal (el color) puede prevalecer sobre una cualidad representativa (el dibujo).

Por otra parte, un cuadro fotorrealista de una casa adosada puede mostrar una representación elegante, pero el tema, la combinación de colores y la composición general pueden ser totalmente aburridos.

La justificación filosófica para evaluar el valor de las cualidades formales de una obra de arte se deriva de la afirmación de Platón de que: «las líneas rectas y los círculos… no sólo son bellos…. sino que son eterna y absolutamente bellos».

En esencia, Platón denota que los cuadros no naturalistas (círculos, cuadrados, triángulos, etc.) tienen una belleza absoluta e inmutable. Así pues, un cuadro sólo puede apreciarse por su línea y su color, no es necesario que represente un objeto o una escena natural. El pintor, litógrafo y teórico del arte francés Maurice Denis (1870-1943) pensaba lo mismo cuando escribió: "Recordemos que un cuadro, antes de convertirse en un caballo de batalla o en una mujer desnuda, es esencialmente una superficie plana cubierta de colores reunidos en un cierto orden".

Algunos artistas abstraccionistas describen su obra diciendo que quieren crear el equivalente visual de una pieza musical que pueda apreciarse únicamente por sí misma sin plantearse la pregunta: «¿Qué es este cuadro?» Whistler, por ejemplo, dio títulos musicales a algunos de sus cuadros, como Nocturne: Blue and Silver - Chelsea (1871, Tate Collection). (Véase también: Valorar el arte: Cómo valorar el arte .)

Tipos de arte abstracto

Para simplificar, podemos clasificar el arte abstracto en seis tipos principales. Algunos de estos tipos son menos abstractos que otros, pero todos implican la separación del arte de la realidad.

Arte abstracto curvilíneo

Este tipo de abstracción curvilínea está estrechamente relacionado con el arte celta, que utilizaba una serie de motivos abstractos como nudos (ocho tipos principales), patrones de alternancia y espirales (incluido el triskele o triskelion). Estos motivos no eran originales de los celtas: muchas otras culturas primitivas habían utilizado estos diseños celtas durante siglos: por ejemplo, los grabados en espiral de una tumba neolítica de Newgrange, en Co Meath, creada 2.000 años antes que los celtas. Sin embargo, puede decirse que los celtas insuflaron nueva vida a estos motivos, haciéndolos mucho más complejos e intrincados. Estos motivos reaparecieron más tarde como elementos decorativos en los primeros manuscritos (c. 600-1000 d.C.). Más tarde regresaron durante el movimiento del Renacimiento Celta en el siglo XIX y el influyente movimiento Art Nouveau del siglo XX: especialmente en cubiertas de libros, textiles, papel pintado y diseños de cretona, en la obra de autores como William Morris (1834-1896) y Arthur Macmurdo (1851-1942). La abstracción curvilínea también se ilustra en «la estructura infinita», una característica muy extendida del arte islámico .

Arte abstracto de color o luz

Este tipo se ilustra en las obras de Turner y Monet, que utilizan el color (o la luz) de tal manera que separan la obra de arte de la realidad cuando el objeto se disuelve en un remolino de pigmento. Ya se han mencionado dos ejemplos de abstracción expresiva en el estilo de Turner, a los que podemos añadir su Interior en Petworth (1837, Tate Collection). Otros ejemplos son la secuencia final de cuadros de Monet «Nenúfar» (1840-1926), « Talismán» (1888, Museo de Orsay, París) de Paul Sérusier (1864-1927), líder de Les Nabis, y varias obras fauvistas de Henri Matisse (1869-1954). Varios cuadros expresionistas de Kandinsky, pintados durante su trabajo con Deur Blue Reiter, se acercan mucho a la abstracción, como « Ciervo en el bosque II» (1913-14, Staatliche Kunsthalle, Karsruhe) de su colega Franz Marc (1880-1916). El artista checo Frank Kupka (1871-1957) produjo algunas de las primeras pinturas abstractas vibrantes que influyeron en Robert Delaunay (1885-1941), quien también recurrió al color en su estilo de inspiración cubista. La abstracción basada en el color reapareció a finales de los años cuarenta y cincuenta en forma de la pintura de campos de color desarrollada por Mark Rothko (1903-1970) y Barnett Newman (1905-1970). En la Francia de los años 50 surgió un tipo paralelo de pintura abstracta relacionada con el color, conocida como « Abstracción lírica».

Abstracción geométrica

Este tipo de arte abstracto intelectual apareció hacia 1908. Una primera forma rudimentaria fue el Cubismo, concretamente el Cubismo analítico, que rechazaba la perspectiva lineal y la ilusión de profundidad espacial en una pintura para centrarse en sus aspectos bidimensionales. La abstracción geométrica también se conoce como arte concreto y arte no objetivo. Como cabría esperar, no se caracteriza por imágenes naturalistas, sino normalmente por formas geométricas como círculos, cuadrados, triángulos, rectángulos, etcétera. En cierto sentido, al no contener absolutamente ninguna referencia o conexión con el mundo natural, es la forma más pura de abstracción. Se podría decir que el arte concreto es abstracción y el veganismo es vegetarianismo. La abstracción geométrica está representada por « Círculo negro» (1913, Museo Estatal Ruso, San Petersburgo), pintado por Kazimir Malevich (1878-1935) (fundador del suprematismo); « Broadway Boogie Woogie» (1942, MoMA, Nueva York), de Piet Mondrian (1872-1944) (fundador del Neoplasticismo); y « Composición VIII (Vaca)» (1918, MoMA, Nueva York) de Theo Van Doesburg (1883-1931) (fundador del De Stijl y el Elementalismo). Otros ejemplos son las pinturas « Dedicación a la plaza» de Joseph Albers (1888-1976) y el op art de Victor Vasarely (1906-1997).

Arte abstracto emocional o intuitivo

Este tipo de arte intuitivo incluye una combinación de estilos cuyo tema común es una tendencia naturalista. Este naturalismo es evidente en el tipo de formas y colores utilizados. A diferencia de la abstracción geométrica, que es casi antinatural, la abstracción intuitiva describe a menudo la naturaleza, pero de forma menos representativa. Dos fuentes importantes de este tipo de arte abstracto son la abstracción orgánica (también llamada abstracción biomórfica) y el surrealismo . Podría decirse que el artista más famoso especializado en este tipo de arte es el ruso Mark Rothko: Pinturas de Mark Rothko (1938-1970). Otros ejemplos son cuadros de Kandinsky como « Composición nº 4» (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) y « Composición VII» (1913, Galería Tretyakov); « Typical Narrator, Gabel and Nabel» (1923, colección privada) de Jean Arp (1887-1966), « Woman (Mujer)» (1934, colección privada) de Juan Miró (1893-1983), « Inscape: Psychological Morphology #104» (1939, colección privada) de Matta (1911-2002); y « Infinite Divisibility» (1942, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo) de Yves Tanguy (1900-1955). En escultura, se ilustra este tipo de abstracción: « Beso» (1907, Kunsthalle, Hamburgo) de Constantin Brancusi (1876-1957); « Madre e hijo» (1934, Tate) de Barbara Hepworth (1903-1975); Giant Pip (1937, Musée National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou) de Jean Arp; « Three Permanent Figures» (1953, Museo Guggenheim, Venecia) de Henry Moore (1898-1986).

Arte abstracto gestual

Se trata de una forma de expresionismo abstracto en la que el proceso de creación de una pintura adquiere más importancia de lo habitual. La pintura puede aplicarse de formas inusuales y las pinceladas suelen ser muy sueltas y rápidas. Famosos representantes estadounidenses de la pintura gestual son Jackson Pollock (1912-1956), el inventor de la Action-Painting, su esposa Lee Krasner (1908-1984), que le inspiró con su propia forma de pintura por goteo; Willem de Kooning (1904-1997), conocido por su serie de obras « Mujer» ; y Robert Motherwell (1912-1956), conocido por su serie « Elegía a la República Española». En Europa es Tachisme, así como el grupo Cobra, y en particular Karel Appel (1921-2006).

Abstraccionismo minimalista

Este tipo de abstracción era una especie de arte de vanguardia, desprovisto de toda referencia y asociación externas. Es lo que se ve, y nada más. A menudo adopta una forma geométrica dominada por las esculturas, aunque este tipo también fue utilizado por algunos grandes artistas. Para más información sobre el arte minimalista, véase «Abstracción posmoderna».

Orígenes e historia

Pinturas abstractas de la Edad de Piedra

Por lo que podemos decir, la historia del arte abstracto comenzó hace unos 70 000 años con grabados prehistóricos, a saber, dos piezas de piedra con patrones geométricos abstractos grabados encontrados en la cueva de Blombos en Sudáfrica. Le siguieron los puntos abstractos de color rojo-ocre y las plantillas, halladas entre las pinturas rupestres de El Castillo, datadas en el 39 000 a.C., grabado neandertal en la Cueva de Gorham, Gibraltar y una imagen en forma de garrote con clavícula entre los dibujos rupestres de Altamira (ca. 34 000 a.C.) Después de esto, los símbolos abstractos se convirtieron en la forma predominante del arte rupestre paleolítico, dos veces más numerosos que las representaciones figurativas. Véase Signos abstractos prehistóricos .

Del realismo académico a la abstracción

Hasta finales del siglo XIX, la mayor parte de la pintura y la escultura seguían los principios tradicionales del realismo clásico enseñados en las grandes academias europeas. La base de estos principios es que el primer deber del arte es crear una escena o un objeto reconocible. Por muy influida que estuviera por las exigencias del estilo o del entorno, la obra de arte debía imitar o representar la realidad exterior. Sin embargo, durante el último cuarto del siglo XIX, las cosas empezaron a cambiar. El arte impresionista demostró que el estricto estilo académico de la pintura naturalista ya no era la única forma auténtica de hacer las cosas. Posteriormente, entre 1900 y 1930, la evolución en otros ámbitos del arte moderno proporcionó técnicas adicionales (como el color, el abandono de la perspectiva tridimensional y las nuevas formas) que se utilizaron en la búsqueda de la abstracción.

Los artistas comienzan a alejarse de la realidad

El primero de los principales movimientos artísticos modernos que socavó el estilo académico del realismo clásico fue el Impresionismo (1870-1880), cuya paleta era a menudo decididamente no naturalista, aunque su arte seguía derivando firme y claramente del mundo real, aunque la última obra de Claude Monet « Nenúfares» pareciera más afín a la abstracción. La aparición del arte abstracto también influyó en el movimiento del Art Nouveau (Art Nouveau) (1890-1914).

Kandinsky, el Expresionismo y el Fauvismo demuestran el poder del color

El uso del color y la forma para conmover al espectador fue primordial en el desarrollo del arte abstracto. El Impresionismo, incluidas las variantes del Puntillismo neoimpresionista y el Postimpresionismo, ya habían llamado la atención sobre el poder del color, pero el Expresionismo alemán lo convirtió en la piedra angular de la pintura. Uno de los fundadores del movimiento, Wassily Kandinsky (1866-1944), publicó el libro «Sobre lo espiritual en el arte» (1911), que se convirtió en la base de la pintura abstracta.

Kandinsky estaba convencido de las propiedades emocionales de la forma, la línea y, sobre todo, el color en la pintura. (Tenía una sensibilidad anormal al color, una afección llamada sinestesia). Creía que la pintura no debía analizarse intelectualmente, sino permitir que llegara a la parte del cerebro asociada con la música.

No obstante, advirtió que el arte serio no debía guiarse por el deseo de que la abstracción se convirtiera en mera decoración. La mayoría de los expresionistas alemanes (por ejemplo, Ernst Kirchner, Karl Schmidt-Rottlaff, Max Ernst, Alexei Jawlensky, Oskar Kokoschka, Franz Marc, August Macke y Max Beckmann) no eran artistas abstractos, pero sus vívidas paletas -junto con los escritos teóricos de Kandinsky- alertaron a otros artistas más propensos a la abstracción sobre el poder del color como medio para alcanzar sus objetivos.

El estilo vanguardista parisino paralelo, el fauvismo (1905-08), sólo acentuó el efecto del color en obras de Henri Matisse, como Estudio rojo (1911, MoMA, NY).

El Cubismo rechaza la perspectiva y la profundidad pictórica

El Cubismo (1908-14) fue una reacción contra el atractivo decorativo del Impresionismo. Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) desarrollaron este nuevo estilo por etapas: primero, Cubismo prototípico (véase la obra semiabstracta de Picasso Les Demoiselles d’Avignon, 1907, MoMA, NY); después Cubismo analítico (cf. « ). « Nude Staircase No. 2», 1912, Philadelphia Museum of Art) de Marcel Duchamp (1887-1968); después Cubismo sintético, más orientado al collage. Su concepto básico era alejarse del arte bello pero trivial del Impresionismo, hacia una forma de arte más intelectual que explorara nuevos métodos de representación de la realidad.

En concreto, rechazaron el método académico de representar la realidad utilizando la perspectiva lineal (profundidad) para crear el efecto tridimensional habitual en la pintura. En su lugar, mantuvieron todo en un plano bidimensional en el que dispusieron diferentes «vistas» del mismo objeto: un proceso similar al de fotografiar un objeto desde diferentes ángulos, luego cortar las fotografías y pegarlas en una superficie plana. Este método de utilizar una superficie plana para representar la realidad tridimensional sacudió el arte hasta la médula. Aunque la mayoría de las obras cubistas seguían derivando de objetos o escenas del mundo real y, por tanto, no podían considerarse totalmente abstractas, el rechazo del movimiento al punto de vista tradicional socavó por completo el realismo natural en el arte y abrió así la puerta a la abstracción pura.

Inspirados por el cubismo, entre los escultores abstractos se encuentran Constantin Brancusi (1876-1957), que también se vio influido por el arte africano y oriental; Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), utilizó recursos cubistas para representar el movimiento; Jacques Lipchitz (1891-1973).

Estilo de pintura abstracta de principios del siglo XX que intentaba combinar la composición cubista con el color y la música: Orfismo . Un movimiento artístico británico de preguerra muy influido por el cubismo fue el Vorticismo (1913-14), fundado por Percy Wyndham Lewis (1882-1957).

El movimiento italiano Futurismo (1909-13), fundado por Marinetti (1876-1944) y entre cuyos miembros figuran Gino Severini (1883-1966) y Giacomo Balla (1871-1958), también se vio influido por el Cubismo y a su vez inspiró a numerosos artistas. En escultura, el Futurismo ejerció la mayor influencia en el desarrollo del arte cinético, influyendo en escultores abstractos como Naum Gabo (1890-1977) y Alexander Calder (1898-1976) (famoso por sus móviles).

«El toubismo», inventado por Fernand Léger (1881-1955), era una forma de cubismo que utilizaba figuras cilíndricas y esféricas en lugar de las figuras planas superpuestas del cubismo, e incluía numerosos motivos maquinales que reflejaban la creencia futurista de Léger en la tecnología. Véanse, por ejemplo, obras como «Soldados jugando a las cartas» (1917, Museo Estatal Kroller-Muller, Otturlo); El mecánico (1920, Galería Nacional de Canadá); Tres mujeres (Le Grand Dejeuner) (1921, Museo de Arte Moderno de Nueva York).

El Suprematismo y De Stijl introducen nuevas figuras geométricas

La pintura y la escultura tradicionales se basan en formas tomadas del mundo real, y hay muchos ejemplos de ello. En cambio, los artistas abstractos tienen que recurrir a formas artificiales, no naturales. Así, el arte abstracto se ocupa normalmente de la producción de diversas formas geométricas. Y el tamaño y la naturaleza de estas formas, su relación entre sí y los colores utilizados en la obra se convierten en los motivos definitorios de la abstracción.

Suprematismo ruso

El movimiento ruso de arte abstracto conocido como Suprematismo, que recibió el nombre de su líder Kazimir Malevich (1878-1935) por afirmar la supremacía del sentimiento en el arte, surgió en 1915. Sin duda influido por Kandinsky, Malevich produjo una serie de extraordinarias pinturas abstractas de vanguardia -bloques rectangulares de colores simples flotando sobre un fondo blanco- que se adelantaron décadas a su tiempo. Malevich las consideraba sucesoras de la iconografía tradicional de la Iglesia ortodoxa rusa, de estilo bizantino plano de la antigüedad. En 1927 publicó su teoría suprematista en un libro titulado Die Gegenstandlose Welt (El mundo no objetivo). Lyubov Popova (1889-1924) junto con Alexander Rodchenko (1891-1956) fue considerada una de las creadoras del estilo ruso El Constructivismo (escuela preocupada por el espacio, los nuevos materiales, la forma tridimensional, así como por la ciencia y la reforma social) fue otro eslabón importante del movimiento suprematista. Otro interesante movimiento artístico ruso que presentó nuevas imágenes fue el Luchismo (1912-14), fundado por Mikhail Larionov (1881-1964) y Natalia Goncharova (1881-1962). Entre los escultores abstractos influidos por las ideas suprematistas y constructivistas figuran Sophie Tauber-Arp (1889-1943) y Naum Gabo (1890-1977).

De stijl

De Stijl fue el nombre de una revista holandesa de diseño y estética y de un movimiento artístico de vanguardia dedicado a la abstracción geométrica (arte no objetivo), fundado y dirigido por Theo Van Doesburg (1883-1931). Su principal figura fue Piet Mondrian (1872-1944), conocido por sus series de sencillas cuadrículas rectangulares en las que sólo utilizaba el negro, el blanco y los colores primarios, un estilo que denominó Neoplasticismo ) Nieuwe Beelding). Uno de los pioneros más influyentes del arte concreto entre 1920 y 1944, desarrolló su estilo geométrico preciso como contraargumento al caos emocional y la incertidumbre de la primera mitad del siglo XX. Participó en el Cercle et Carre Grupo Abstracto (1929-31), y en el Grupo Abstracción-Creación (1930-6), se trasladó a Nueva York en 1938 y fue supuestamente el primer artista que trabajó al son de la música del gramófono.

Van Doesburg era menos dogmático y representaba una forma más relajada de neoplasticismo denominada Elementalismo . En 1930 acuñó el término «Arte concreto». Desgraciadamente, murió en 1931, pero sus ideas continuaron no sólo entre los estudiantes de la Escuela de Diseño de la Bauhaus (donde impartía clases), sino también en el grupo Creatividad Abstracta, dirigido por el artista belga Georges Vantongerloo (1886-1965) y los artistas franceses Jean Helion (1904-1987) y Auguste Herbin (1882-1960). Otros miembros del grupo eran la flor y nata de los abstraccionistas europeos, como Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), El Lissitzky (1890-1941), Antoine Pevsner (1886-1962), Barbara Hepworth (1903-1975) y Ben Nicholson (1894-1982). El arquitecto, escultor y diseñador suizo ex-Bauhaus Max Bill (1908-1994) fue otro seguidor que ayudó a promover el género en Suiza, Italia, Argentina y Brasil.

Surrealismo y abstracción orgánica

Paralelamente al desarrollo del Betonismo en el estilo geométrico, durante las décadas de 1920 y 1930, los miembros del Surrealismo comenzaron a crear una gama de imaginería fantástica, cuasi naturalista. Los principales exponentes de este estilo de abstracción biomórfica / orgánica fueron Jean Arp y Juan Miró, ninguno de los cuales, como atestiguan sus numerosos bocetos preparatorios, utilizó la técnica del automatismo. Su colega surrealista Salvador Dalí (1904-1989) también realizó varios cuadros insólitos, como « Constancia de la memoria» (1931, MoMA, Nueva York) y « Construcción blanda con judías hervidas» (1936, Museo de Arte de Filadelfia).

Jean Arp también fue un escultor en activo especializado en la abstracción orgánica, al igual que los escultores ingleses Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-1975). (Véase: Escultura británica moderna 1930-70) Varios artistas abstraccionistas europeos se refugiaron más tarde en América, donde influyeron en una nueva generación de «abstraccionistas aborígenes». Entre estos influyentes emigrantes se encontraban artistas como Hans Hofmann (1880-1966), Max Ernst (1891-1976), André Masson (1896-1987), Arshile Gorky (1904-1948), Yves Tanguy (1900-1955) y otros. Cuando esto ocurrió, a pesar de la polémica que rodeó a Armory Shaw en Nueva York en 1913, existía un gran interés por la abstracción en la ciudad. En 1929 se fundó el Museo de Arte Moderno y en 1939 el Museo de Pintura No Objetiva (que más tarde pasaría a llamarse Museo Samuel R. Guggenheim).

Nota: sobre dos coleccionistas de pintura y escultura abstractas de la primera mitad del siglo XX, véase: Solomon Guggenheim (1861-1949) y Peggy Guggenheim (1898-1979).

Nota: para la abstracción de vanguardia en Gran Bretaña (c.1939-75) véase St Ives School .

Expresionismo abstracto - más color, más geometría

Aunque los artistas europeos de posguerra mantuvieron su interés por el arte abstracto en el Salón des Realites Nouvelles de París, en 1945 el centro del arte moderno se había desplazado a Nueva York, donde la vanguardia estaba representada por la Escuela de Nueva York del Expresionismo Abstracto . Surgido de la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, este movimiento, nunca asociado a un programa coherente como tal, estuvo liderado por Jackson Pollock (1912-1956), Mark Rothko (1903-1970), Willem de Kooning (1904-1997), Clifford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-1970) y Adolph Gottlieb (1903-1974). La siguiente generación incluyó a artistas como Robert Motherwell. El nombre del movimiento fue acuñado por Robert Coates, historiador del arte de Nueva York. Estilos cercanos fueron el Action Painting «de Pollock» y el Colour Field Painting «de Rothko», así como el curioso Impresionismo Abstracto «» de Philip Guston (1913-1980).

La pintura expresionista abstracta sigue siendo un término vago -a menudo aplicado confusamente a artistas que no son ni verdaderamente abstractos ni expresionistas- que describe una forma de pintura abstracta (no figurativa, no naturalista) en la que el color prima sobre la forma; y ésta ya no es geométrica. Las primeras obras de este estilo solían ocupar grandes lienzos cuyo tamaño se elegía para aturdir al espectador y hacerle entrar en otro mundo. La preocupación de los expresionistas abstractos por los efectos visuales, especialmente la influencia del color, era un reflejo de su objetivo primordial de captar y explorar las emociones humanas básicas. Así pues, la pintura expresionista abstracta se entiende mejor de forma intuitiva, normalmente formulando la pregunta: «¿Qué te hace sentir?» - en lugar de «¿Qué dice?»

Hay que destacar que se trata de un movimiento amplio, que abarca diversos estilos, incluidas (como ya se ha mencionado) obras semiabstractas o no abstractas, así como las que se caracterizan por la forma de aplicar la pintura, como las pinturas de Jackson Pollock y la obra de Willem de Kooning (pinceladas gestuales). Para ver dos interesantes obras tempranas que ilustran los diferentes estilos de estos dos artistas, véase: Mujer sentada (1944, Metropolitan Museum of Art) de Willem de Kooning y Pasiphae (1943, Met) de Jackson Pollock. El hecho de que se tratara del primer gran movimiento artístico nacido en Estados Unidos le dio más peso y significado, al menos para los críticos.

Posteriormente, el Expresionismo Abstracto dio lugar a muchos estilos individuales bajo la égida de la Abstracción Postpictórica, una tendencia antigesturalista. Estos estilos individuales incluían: el colorido rígido, el colorido, los tonos de Washington, la abstracción lírica americana y los lienzos con formas. El expresionismo abstracto también suscitó respuestas vanguardistas por parte de otros artistas, como: Cy Twombly (1928-2011), cuyas inscripciones caligráficas son en parte dibujo y en parte grafiti; y el escultor abstracto californiano Mark Di Suvero (n. 1933), conocido por sus esculturas de hierro y acero a gran escala.

Europa: Art Informel, Tachisme y Gesturalismo del Grupo Cobra

En Europa, un nuevo movimiento artístico conocido como Art Informel, surgió a finales de la década de 1940. Considerado una versión europea del Expresionismo Abstracto, era en realidad un movimiento paraguas con muchas subvariantes. Estos mini-movimientos incluían:

(1) El Tachismo, un estilo de pintura abstracta marcada por manchas y pinceladas de color, surgió como respuesta francesa al Expresionismo Abstracto estadounidense. Una influencia clave fue el artista vanguardista estadounidense Mark Tobey (1890-1976), cuyo estilo de pintura caligráfica se adelantó al de Pollock. Entre los colaboradores importantes se encuentran Jean Fauré (1898-1964), Georges Mathieu (1921-2012), Pierre Soulages (n.1919) y la artista portuguesa Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992), así como el expresionista abstracto estadounidense Sam Francis (1923-1994).

(2) Grupo de vanguardia «Cobra», que practicó el estilo de pintura gestual o «marcial» del expresionismo abstracto estadounidense. Fue fundado por pintores, escultores y artistas gráficos del grupo danés Host, el grupo holandés Reflex y el grupo surrealista revolucionario belga, entre ellos: Asger Jorn (1914-1973), el escritor belga Christian Dautremont (1922-1979), Pierre Aleczynski (n.1927), Karel Appel (1921-2006) y Constant (CA Nieuwenhuys) (1920-2005). Paul Bury (1922-2005) también fue miembro, pero en 1953 abandonó la pintura para dedicarse a la escultura cinética.

(3) Abstracción lírica, un estilo más tranquilo y armonioso Art Informel . Entre sus principales colaboradores figuran Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-1951), Hans Hartung (1904-1989), Jean-Michel Atlan (1913-1960), Pierre Soulages (n.1919), Georges Mathieu (1921-2012) y Jean-Paul Riopelle (1923-2002).

Otros subgrupos: « New Forces» y « Art Non Figuratif».

Op-Art: una nueva abstracción geométrica

Uno de los estilos más característicos de la pintura abstracta geométrica que surgió durante la era modernista fue el movimiento «Op-Art» (abreviatura de «arte óptico»), cuya seña de identidad consistía en atraer la atención de los ojos mediante complejos patrones geométricos, a menudo monocromáticos, para hacerles ver colores y formas que en realidad no existían. Entre sus principales participantes se encontraban el artista y diseñador gráfico húngaro Victor Vasarely (1908-1997) y la artista inglesa Bridget Riley (nacida en 1931). El movimiento desapareció a principios de la década de 1970.

Abstracción posmoderna

Desde el comienzo del Postmodernismo (a partir de mediados de los 60) arte actual ha tendido a dividirse en escuelas más pequeñas y locales. Esto se debe a que los movimientos del arte contemporáneo estaban dominados por una filosofía de desconfianza hacia los grandes estilos de principios del siglo XX. Una excepción es la escuela del Minimalismo, un estilo de abstracción geométrica basado en los principios fundamentales del Postmodernismo . Escultores: Donald Judd (1928-1994), Sol LeWitt (1928-2007), Robert Morris (n.1931), Walter de Maria. (n.1935), y Carl Andre (n.1935). Otro importante escultor minimalista es Richard Serra (n.1939), cuyas obras abstractas incluyen « Arco inclinado» (1981, «Federal Plaza», Nueva York) y « El caso del tiempo» (2004, Guggenheim, Bilbao). Entre los artistas abstractos asociados al minimalismo destacan Ad Reinhardt (1913-1967), Frank Stella (nacido en 1936), cuyas pinturas a gran escala incluyen grupos de formas y colores entrelazados; Sean Scully (nacido en 1945), artista irlandés-estadounidense cuyas formas rectangulares de color parecen imitar las formas monumentales de las estructuras prehistóricas; y Joe Baer (n. 1929), Ellsworth Kelly (n. 1923), Robert Mangold (n. 1937), Bryce Marden (n. 1938), Agnes Martin (1912-2004) y Robert Ryman (n. 1930).

Siguiendo en parte al minimalismo estricto, el neoexpresionismo fue un movimiento mayoritariamente figurativo que surgió a principios de la década de 1980. No obstante, entre sus filas se encontraban destacados artistas abstraccionistas como el inglés Winner Howard Hodgkin (n. 1932), así como los alemanes Georg Baselitz (n. 1938), Anselm Kiefer (n. 1945) y otros. Otros artistas abstraccionistas de fama internacional que alcanzaron reconocimiento en las décadas de 1980 y 1990 son el escultor británico Anish Kapoor (nacido en 1954), conocido por sus obras a gran escala en piedra toscamente tallada, metal fundido y acero inoxidable. Tanto Hodgkin como Kapoor han recibido el Premio Turner.

Colecciones de arte abstracto

El arte no representativo puede verse en la mayoría de los principales museos de arte del mundo.