Arte africano: historia, características Traductor traducir

El propósito de este artículo es situar el arte tribal africano en un contexto social, más que discutir el atractivo estético, las zonas estilísticas y las cualidades formales de los objetos artísticos. El arte europeo utiliza a menudo símbolos que tienen un significado inmediato para las personas cultas: símbolos de Cristo, de santos, de episodios históricos. El conocimiento del significado de estos símbolos es importante para comprender y apreciar la pintura y la escultura .

Lo mismo ocurre con la escultura africana y otras formas de arte: es importante averiguar si una máscara o figura escultórica está diseñada para entretener, para asustar, para promover la fertilidad o simplemente para ser arte por el arte. Hay que saber si la máscara representa a un jefe, a un dios, a un esclavo, a un animal que cambia de forma o a una bruja; si la máscara se lleva en la cabeza o en la cara, se lleva encima o se guarda en secreto en una casa de culto. Aunque el arte africano se presenta aquí como un elemento integrante de las instituciones económicas, sociales y políticas, el elemento primordial es, en última instancia, estético. A pesar del esplendor del arte «clásico» africano, como las esculturas de Nok, Ife, Benin, la principal preocupación aquí es el arte que sigue floreciendo en jefaturas, aldeas y tiendas nómadas. (Nota. Sobre el arte funerario y el diseño de templos en el norte de África, véase: Arquitectura egipcia .)

Para una introducción a la cronología del arte primitivo temprano, véase Cronología del arte prehistórico .

Arte rupestre prehistórico africano

El arte prehistórico más antiguo conocido de África, como los grabados en cuevas de Blombos (c. 70.000 a.C.), grabados en cáscara de huevo de pieles de foso (c. 60.000 a.C.) o las piedras rupestres de Apolo-11 (25.500-23.500 a.C.) fueron probablemente obra de bosquimanos de piel amarilla, pueblos indígenas del sur de África. (Para una guía de los símbolos utilizados en los Blombos, véase Bajo « Signos abstractos prehistóricos 40.000-10.000 a.C.»). Los bosquimanos son los nativos más antiguos conocidos de Sudáfrica, aunque sigue siendo un misterio cómo llegaron a existir y hasta dónde se remonta su historia. Ni siquiera está claro si sus antepasados fueron los responsables de las pictografías y petroglifos, que se han encontrado en varios yacimientos prehistóricos del país. Los bosquimanos no sólo fueron traídos a las zonas desérticas por el hombre blanco, sino también por los hotentotes invasores. Los hotentotes también son una raza de piel amarilla, tan parecida a los bosquimanos que algunos expertos consideran inapropiado separarlos. Sin embargo, sigue habiendo una gran diferencia entre sus logros artísticos. Los hotentotes no pueden atribuirse a ninguna cultura exterior, pero los antiguos bosquimanos poseen algunas de las mejores y más antiguas obras de arte del mundo en yacimientos repartidos por toda Sudáfrica.

El carácter general del arte rupestre de los bosquimanos es naturalista, y muchas de las imágenes pueden considerarse pictogramas porque expresan ideas y no son «arte por el arte». La gran mayoría de las figuras son personas y animales, pero hay algunos otros objetos que probablemente sean simbólicos, aunque su significado no siempre está claro. En algunas regiones las pinturas están pintadas en color; en otros lugares sólo se encuentran grabados o desconchados. La diferencia se debe a las condiciones naturales del país, aunque los grabados suelen considerarse más arcaicos que las pinturas. La paleta de colores prehistóricos utilizada por los artistas bosquimanos en sus pinturas rupestres consistía en pigmentos de tierra. Rojo y marrón de bole o hematites; amarillo de ocre de hierro; blanco de óxido de zinc; negro de carbón u hollín; azul de hierro y ácido silícico. El azul es particularmente inusual y no se encuentra en las pinturas rupestres de Europa. Las finas líneas que se encuentran en las pinturas de los bosquimanos se dibujaban con finas varillas huecas afiladas y utilizadas como agujas.

Nota: el arte más antiguo del continente africano -excluyendo la controvertida figurilla de cuarcita de la Edad de Piedra de Marruecos conocida como Venus Tan-Tan (200.000-500.000 a.C.)- consiste en grabados de las cuevas de Blombos, en la costa del Cabo de Sudáfrica, que datan de 70.000 a.C., y las figuras de animales de la cueva de Apolo 11, en las montañas Hun del suroeste de Namibia, que datan de alrededor del 25.000 a.C.

Curiosamente, las pinturas rupestres y los grabados africanos se descubrieron antes que los europeos: los del sur de África ya a mediados del siglo XVIII, y los del norte en 1847, cuando los encontró un grupo de soldados franceses que informaron de grabados de elefantes, antílopes leones, toros, avestruces, gacelas y personas armadas con arcos y flechas. El yacimiento de dibujos del desierto más conocido del norte de África es la Meseta de Tassili, activa desde el Mesolítico, que fue explorada y descrita por Henri Lautet en la década de 1950. Esta zona montañosa -3.000 millas cuadradas (5.180 km2) de rocas y arenas- está habitada actualmente por unos pocos tuaregs. Hace miles de años, cuando se hicieron los dibujos, la tierra era fértil, cubierta de bosques y surcada por ríos repletos de peces.

El estilo de las pinturas es naturalista, dinámico y bastante diferente tanto del estilo tradicional libio-bereber como del primer grupo naturalista del Atlas. Parecen estar mucho más relacionadas con el arte de los bosquimanos sudafricanos. De particular interés son varias pinturas policromadas en las montañas de Tassili, que muestran gráciles figuras humanas con ganado moteado cerca. Al suroeste de esta región, la expedición francesa Ahagger descubrió en 1935 otro yacimiento con pinturas murales policromas similares que representan diversos animales, pero sobre todo ganado. Las escasas figuras humanas se caracterizan por movimientos inusualmente animados y a menudo gráciles. El trabajo está realizado exclusivamente en espacios, por lo que se trata de auténticas pinturas y no de dibujos lineales. Sin embargo, también hay varios grabados prehistóricos similares a los de la región del Atlas. Hay un gran parecido entre las pinturas de Ahagger y el arte de los bosquimanos, y también son sorprendentemente similares al arte del antiguo Egipto.

Algunas pinturas saharianas representan a negros y un estilo de vida cazador (del periodo prehistórico de cabezas redondas), mientras que otras (4000 a.C.-800 d.C.) representan a pastores, figuras de piel cobriza y pelo liso que recuerdan a los pastores fulani de la sabana de África Occidental. Los historiadores del arte han sugerido, y la investigación etnográfica ha confirmado en parte, que estas obras de arte neolítico fueron creadas por grupos protofulani: contienen elementos que corresponden a rasgos de los mitos fulani enseñados durante los ritos de iniciación de los muchachos, como una vaca hermafrodita de cuyo seno salen cabezas de animales domésticos y una representación gráfica de lo que se asemeja a un campo de iniciación fulani (un círculo con el sol en el centro y las cabezas de otras vacas, que representan las distintas fases de la luna, están dispuestas

Los grabados rupestres de la región argelina del Atlas fueron investigados por primera vez en 1913. Casi todas son grabados: sólo se han descubierto dos pinturas en ocre que pertenecen a épocas anteriores. Se pueden distinguir tres grupos artísticos principales. En primer lugar, hay dibujos naturalistas muy tempranos de animales ya extinguidos en la zona o de un periodo geológico muy remoto. El impresionante diseño del león de Jatto es un buen ejemplo. Le sigue un grupo de diseños algo menos naturalistas, de fecha ligeramente posterior. Por último, hay dibujos líbico-bereberes comparativamente tardíos, descritos en parte como contornos bastante toscos de animales, y algunos de carácter puramente geométrico y esquemático.

Escultura clásica africana

Gracias sobre todo a los arqueólogos, los bronces y terracotas africanos ya no pertenecen a un pasado «desconocido». Detallados estudios comparativos mediante datación por radiocarbono han revelado sus contextos históricos y la continuidad de sus tradiciones. Uno de los ejemplos más conocidos de la tradición escultórica primitiva es «Nok», una superficie que cubre una serie de esculturas de terracota de figuras humanas y animales muy extendidas en el norte de Nigeria. Se descubrieron por primera vez en unas minas de estaño cercanas al pueblo de Nok, en la provincia de Zaria, y desde entonces se han datado en los siglos IV o V a.C. Algunos historiadores del arte han encontrado similitudes entre las figuras humanas estilizadas y los animales naturalistas de Nok y las esculturas de piedra sin datar de Esi, las figuras nominales de Sierra Leona y los marfiles afroportugueses tallados en Sherbro . Pero una sugerencia más convincente es que el estilo Nok, cuyas principales características son una cabeza esférica o cónica y ojos representados como segmentos de una esfera con un párpado superior horizontal y un párpado inferior que forma un segmento de círculo, tiene muchas peculiaridades.

Una cosa es cierta: las tradiciones del arte africano no quedaron sin desarrollar. La datación por radiocarbono y la tradición oral sugieren, por ejemplo, que el estilo naturalista de la escultura de Ife duró tanto como la fundición de bronce en Benín. Sin embargo, el rico estilo de Ife muestra un canon invariable entre los siglos X y XIV, mientras que en Benín, entre los siglos XV y XIX, la progresión desde un naturalismo moderado hasta un grado considerable de naturalización es muy marcada.

Para la comparación con la escultura de las Américas, véase también: arte precolombino (anterior a 1535 d.C.).

Se sabe menos sobre el arte y las civilizaciones de Sao (Lago Chad) y Zimbabue, pero se sabe lo suficiente para demostrar que son culturas africanas autóctonas: ya no es necesario referirse a la influencia egipcia, fenicia o portuguesa. Los arqueólogos han demostrado, por ejemplo, que las murallas y torres de Zimbabue fueron construidas por constructores africanos y se inspiraron en fuentes africanas. Tampoco cabe duda de la procedencia africana de los akwanshi con forma de cruz del sudeste de Nigeria y del vecino Camerún, figuras de piedra que no se parecen a ninguna otra obra de arte de ninguna zona de toda África. Tienen forma fálica, con una transición estilística general del falo a la forma humana. Algunas son ligeramente más grandes que los cantos rodados vestidos y decorados, pero se caracterizan por una abundante decoración de superficie centrada en el rostro, el pecho y el ombligo.

Otros ejemplos menos conocidos del arte «clásico» africano son las esculturas de bronce de Nupe e Ibo en Nigeria . La Ibo Ukwu de bronce fue descubierta en 1938 cuando se excavó una cisterna en el pueblo. La zona resultó ser un depósito de objetos elaboradamente decorados: vasijas, mazas, cabezas, cinturones y otros artículos de uso ceremonial. Una tumba excavada en las proximidades contenía una corona, una coraza, un abanico, un batidor de moscas y brazaletes de cuentas de metal, así como más de 10.000 abalorios. Las pruebas de radiocarbono coinciden en datar estos objetos a finales del primer milenio, lo que convierte a esta cultura en la primera que utilizó el bronce en Nigeria. Los bronces son piezas de fundición extremadamente detalladas con elaboradas decoraciones superficiales, pero difieren de otras tradiciones de fundición africanas como Benin e Ife . Además, el alto nivel de riqueza que revelan no tiene parangón en la «democrática» Ibanda, donde no existen jefaturas ni aristocracias adineradas como las de Yoruba y Benín .

Influencia de la caza

Al igual que en el arte oceánico, uno de los aspectos más llamativos del arte africano es que siempre es una parte muy importante de la vida social, que se manifiesta en todos los aspectos del trabajo, el juego y las creencias de los africanos. Así, el estilo y el simbolismo de las pinturas, los dibujos y las máscaras dependen de sus contextos políticos, económicos, sociales y religiosos, cuyo estudio proporciona a menudo valiosos conocimientos sobre los significados del arte africano. Por ejemplo, los bosquimanos del desierto de Kalahari cazan en un entorno desfavorable, llevando una vida dominada por su absoluta dependencia de los recursos inmediatamente disponibles para sobrevivir. Existe una estrecha relación entre los cazadores y la vida y la lluvia. Las angustias de los bosquimanos se expresan en sus mitos, sus ceremonias y sus rituales, y también están representadas en sus pinturas y grabados . Las pinturas rupestres de los bosquimanos representan no sólo los animales que cazan, los rituales de la lluvia y a los propios cazadores, sino también las especies de animales que tienen un mayor significado mítico. Otro grupo, los Kalabari Ijo, son pescadores que también dependen del azar: la suerte de las mareas, los bancos de peces cambiantes. Su arte también refleja directamente su modo de vida, sus angustias y sus mitos. Viven en comunidades aisladas y autosuficientes en los manglares del sudeste de Nigeria y creen en los espíritus del agua, «Señores de los Arroyos», que viven en un fabuloso mundo submarino y que, al igual que las esculturas que los representan, son antropomorfos o zoomorfos, o ambas cosas. La esencia de los espíritus reside en las máscaras y los tocados esculpidos que los pescadores llevan en las mascaradas. Los tipos de animales representados en las máscaras no se eligen por su importancia económica, sino por su significado simbólico y su papel en los mitos y rituales ijaw.

Arte nómada

Muchos pueblos nómadas de África, por la propia naturaleza de su modo de vida, no pueden adquirir obras de arte voluminosas o pesadas. En muchos casos prefieren la literatura, la forma de arte más portátil: poemas bucólicos, epopeyas, cuentos de hadas y obras satíricas que expresan vívidamente la estética nómada. Los fulani de África Occidental son un ejemplo de ello. Desprecian la madera, el hierro y la marroquinería; todos los objetos culturales de estos materiales que tienen los fabrican grupos de negros, en las tierras donde pastan sus ganados. Incluso los fulani que se han asentado en aldeas prefieren dar expresión artística a la arquitectura, la hábil indumentaria y la joyería . Por lo tanto, el arte genuinamente fulani es escaso y se limita a detalles de la indumentaria, amuletos, tocados, brazaletes para las niñas, utensilios y recipientes ceremoniales y el propio cuerpo. De hecho, los fulani han desarrollado una verdadera estética de la apariencia, que incluye diversas formas de arte corporal, como arte corporal y maquillaje acuático, así como piercings y tatuajes. Desde la infancia aprenden a decorarse y colorearse, a dar a su pelo bellas formas y dibujos, a desarrollar magníficos estilos de andar; las madres incluso masajean los cráneos de sus hijos para conseguir la forma perfecta. Durante las ceremonias anuales, que son a la vez pruebas sádicas de masculinidad y concursos de belleza masculina, los jóvenes recurren a todas las formas artísticas de adorno personal: el cuerpo se aceita, se pinta y se pinta. Los hombres se alinean ante los jueces, «como espléndidas imágenes de los dioses», sus rostros están pintados de rojo y estampados con añil, sus cabellos adornados con karyas y rematados con altos tocados. A ambos lados de sus rostros cuelgan bandas de barbas, cadenas, abalorios y anillos. Las ancianas regañan en voz alta a los jóvenes que no alcanzan los más altos niveles de belleza fulani.

Escultura de madera

La mayor contribución de África a la cultura mundial es una fina tradición escultórica, aunque fuera del «oscuro» continente apenas era conocida hasta finales del siglo pasado. Entonces, obras que hasta entonces sólo se habían considerado trofeos coloniales y extraños objetos de museo atrajeron la atención de artistas europeos en busca de nuevas experiencias. André Derain (1880-1954), Maurice de Vlaminck (1876-1958), Picasso (1881-1973) y Matisse (1867-1954) quedaron a su vez impresionados por las cualidades expresivas y abstractas de las figuras y máscaras que llegaron a París procedentes del lejano Congo y del Sudán francés. Juan Gry llegó a realizar una copia en cartón de una figura funeraria procedente de Gabón . El interés de estos artistas condujo a una mayor sensibilidad general hacia las cualidades de la escultura africana, aunque durante muchos años fue una sensibilidad que sólo podía responder a la forma pura y al misterio de la escultura por desconocimiento de su función o simbolismo.

Hoy estamos mejor informados, aunque conjuntos enteros de arte africano siguen siendo misteriosos porque fueron recogidos hace mucho tiempo.

Entre los Dogon de Malí hay una serie de famosas esculturas antiguas conocidas como tellems, sobre las que ni los Dogon ni la arqueología pueden decirnos nada (aunque innumerables historiadores del arte siguen haciendo conjeturas más o menos inspiradas). Las figuras tellem, suelen tener los brazos levantados, son casi siempre mujeres o a veces hermafroditas. Otras incluyen animales o figuras antropomorfas talladas siguiendo las líneas de las piezas de madera curvadas originales. Con este tipo de esculturas nos limitamos a comparaciones formales de estilo y a una apreciación estética subjetiva. A esta clase pertenecen las Máscaras de colmillos y las Figuras de gatos, los antaño «ídolos» de Deren y Epstein. La placa situada detrás de la cabeza de la figura de Kota se ha descrito con certeza como «rayos de sol», «cuernos de cabra», «luna creciente» y «cruz cristiana».

Los agricultores bambara y su arte

La mayoría de los africanos no son reyes, sacerdotes o chamanes, sino agricultores que pasan la mayor parte de su vida produciendo grano o cultivando raíces. Su vida estética está estrechamente ligada a este hecho de su existencia. Algunas de las mayores tradiciones escultóricas de África están representadas por máscaras y dibujos creados para asegurar la fertilidad de los campos y la supervivencia de sus cultivadores. Los bambara, un grupo mandinga de más de un millón de personas que viven en Malí, se han hecho famosos por sus tradiciones de metal, mimbre, cuero, tejido, teñido y talla de madera . Las máscaras bambara están asociadas a cuatro grandes asociaciones de culto: n’domo, komo, kove y tii wara . Estas sociedades fabrican sus máscaras tanto en la estación seca como en la húmeda; «ayudan» a sembrar, escardar y cosechar el cultivo principal de bambara, el mijo, y marcan la llegada y la salida de la lluvia.

La máscara n’domo, con sus cuernos erguidos, simboliza el mijo en crecimiento - el maíz se mantendrá fuerte y recto como los cuernos de la máscara. Los cuernos son ocho y se elevan rectos como dedos extendidos por encima de la parte superior de la cabeza y en el mismo plano que las orejas. Los cuernos representan esquemáticamente los diferentes episodios del mito de la creación de Bambara, los ocho cuernos de la máscara perfecta representan las ocho semillas originales creadas por Dios para construir el universo. El significado básico del simbolismo de los cuernos procede de la asimilación de estos órganos con el crecimiento del grano y el hígado humano. Los campesinos bambara dicen que los cuernos de los animales son para los animales lo que los hígados son para los humanos y como los brotes de las plantas son para la tierra.

El simbolismo y los rituales de otras sociedades y máscaras bambara también están estrechamente relacionados con las actividades prosaicas de la agricultura. La máscara del komo representa a la hiena, la gran trabajadora de la tierra y guardiana de la vida. La máscara de tii vara representa a una criatura fabulosa, mitad hombre, mitad animal, que en el pasado enseñaba a la gente a cultivar la tierra. Durante las estaciones de siembra y crecimiento , la máscara del antílope tyi wara representa a los espíritus del bosque y del agua y garantiza la fertilidad de los campos y de los seres humanos.

NOTA: En 2007, científicos suizos que excavaban un yacimiento en el centro de Malí descubrieron obras maestras de cerámica antigua que datan del año 9500 a.C., lo que las convierte en las cerámicas más antiguas conocidas en África. Para más información, véase: Cerámica, Cronología .

Arte de los Reinos Africanos

El arte es un medio universal de glorificar a las personas de alto rango. La presencia de objetos hábilmente tallados en materiales preciosos como oro, plata o marfil, suele indicar la presencia de una clase dirigente, un exceso de riqueza y la capacidad de emplear a artesanos especializados. En África, por ejemplo, la mayoría de las piezas fundidas en bronce requieren técnicas de producción muy especializadas, y aunque este arte no se limita totalmente a los reinos, está más desarrollado cuando un jefe o una casta adinerada puede permitirse mantener a los artesanos. En Benín, el privilegio de trabajar el bronce estaba reservado a un grupo especial que vivía en un barrio especial de la ciudad y estaba bajo el control del Oba, el gobernante. Entre los bamilios, los artistas eran considerados sirvientes e incluso esclavos de sus jefes, en cuyos palacios vivían y a través de los cuales vendían sus obras. En estas situaciones, el arte africano no es el resultado del «instinto» -captar el alma de un animal u objeto a través de la «imaginación extática primitiva»-, sino el producto de la formación, el aprendizaje y el conocimiento íntimo de la tradición.

Un artista de un reino africano creó retratos, insignias y emblemas para representar al rey y a sus parientes reales como personajes especiales y sobrecogedores y para hacerles revivir breves periodos de su vida celebrándolos en el arte. Así, los reyes son mostrados como poderosos y apuestos, sin vicios y normalmente sin expresión de emoción, adornados con símbolos reales. Los propios jefes visten telas y joyas lujosas, se sientan en sillas altas y elaboradas y duermen en camas talladas con esmero. La producción artística bajo control real también se utiliza para subrayar la necesidad de que la casta real controle a sus súbditos, y los príncipes suelen utilizar objetos artísticos para intimidar a los ciudadanos.

En África, al igual que en Europa, la concentración de riqueza y poder en manos de un jefe o una oligarquía suele provocar un renacimiento del arte local. Ashanti y Dahomey son buenos ejemplos contemporáneos en los que brillantes cortes, susceptibles a múltiples influencias, han creado estilos artísticos distintivos y lujosos. En Dahomey, el rey se concentró en el trabajo de la plata, el latón y la producción de apliques en la corte. Esculturas murales adornaban el palacio, representando escenas históricas y alegóricas y batallas. Entre los ashanti, el comercio de oro y esclavos aportó grandes riquezas a los reyes, que hicieron de la extracción de oro su monopolio. Sus joyeros constituían una casta respetada y privilegiada y producían objetos ceremoniales y retratos, el más famoso de los cuales es la máscara de oro del tesoro del rey Kofi Kakari (Wallace Collection, Londres). También se fabricaban pequeñas pesas fundidas en latón para pesar el polvo de oro.

Arte cubano-bushong

Una de las zonas artísticas más ricas de África abarca las cuencas de Kwango, Kasai, Katanga y el noroeste de Angola . Es una zona intermedia entre la selva y la sabana, ocupada por campesinos cuyos antepasados eran súbditos de los poderosos reinos de - Luba, Tsokwe, Lunda y Kuba . En cada uno de ellos, los artistas estaban estrechamente asociados a la corte y a los cultos reales. Por ejemplo, entre los Lund hacían estatuas de reyes y reinas, taburetes de cariátides, reposacabezas, cetros, mazas y armas que reflejaban el poder y la gloria de los gobernantes. Entre los kuba, el grupo dominante Bushong inspiró una cultura aristocrática que impregnó la vida pública de pasión por la belleza y la decoración artística. La decoración artística Kuba floreció en todos los aspectos de la vida cotidiana: en la construcción, la metalistería, la tejeduría y la tejeduría . Los oficios artísticos se convirtieron en un estilo de vida para muchos: incluso los gobernantes eran a menudo pintores y escultores. El arte se utilizaba para glorificar a los reyes de Bushong, cuyas estatuas son obras maestras de escultura cúbica, conocidas desde el siglo XVII. Suelen mostrar al rey sentado, con las piernas cruzadas, portando los emblemas del reino sagrado. Son pequeñas, de poco más de 50 cm de altura. Sus rostros no expresan nada, sus párpados están semicerrados; los artistas han logrado notables muestras de calma intemporal y profunda inmersión. Como todos los buenos reyes, están gordos y adornados con brazaletes, tobilleras, cinturones y collares. Aunque las estatuas tienen una forma general similar, no son idénticas y sus rostros presentan detalles separados. Sin embargo, no son retratos realistas, sino representaciones convencionales de reyes con características distintivas. El principal objetivo del escultor era mostrar la esencia de la realeza, una esencia que se transmite de un rey a otro.

Sociedades secretas. La máscara del arte

Los jefes y los hombres ricos no son los únicos mecenas del arte. En África, los grupos descendientes pueden encargar objetos importantes y, en las sociedades sin jefes, las obras de arte suelen pertenecer a miembros de asociaciones de personas importantes que cumplen funciones tanto de liderazgo como religiosas. Los requisitos para pertenecer a estas asociaciones de culto, categorías de edad o sociedades secretas varían de una sociedad a otra. A veces son todos los varones adultos; otras, la pertenencia se limita a aquellos con habilidades especiales o a los que poseen determinadas estatuas u otros atributos sagrados.

Quizá la sociedad secreta «más conocida» sea la sociedad Poro, cuya afiliación está más densamente concentrada entre los pueblos, hablantes de Mande y Kpe en Liberia y el sur de Sierra Leona, aunque también se extiende, normalmente bajo diferentes nombres, a Guinea y Costa de Marfil . Estrechamente relacionadas con la masculina Poro están las asociaciones femeninas Sande o Bundu, que adoptan la forma de logias para mujeres. Tanto las sociedades masculinas como las femeninas mantienen ciclos de ceremonias asociadas al reclutamiento y la iniciación de los miembros. Los protagonistas de las ceremonias son los jóvenes no iniciados, todos ellos hombres adultos Poro, mujeres adultas Sande, y ancianos sagrados que representan a los antepasados. A ellos se unen los espíritus de la naturaleza enmascarados que se asocian con los fundadores del país.

En toda la zona de Paro y Sande encontramos generalmente dos tipos de máscaras: las máscaras naturalistas lisas asociadas con el nombre de Dan y las Grandes Máscaras «de acabado tosco y fuertemente contrastado». También hay máscaras auxiliares utilizadas para imponer la ley y el orden y para educar a los jóvenes durante los ritos de parainiciación. Las máscaras Dan están bien equilibradas y son armoniosas. Su belleza procede de su forma naturalista pero muy simplista. También hay copias en miniatura de las máscaras más grandes, de 7,5 a 10 cm de largo, que llevan los iniciados en sociedades secretas.

La Gran Máscara de Poro es una feroz representación abstracta del demonio del bosque. Su rostro estilizado representa a un antepasado casi mítico de los sabios, el héroe cultural que introdujo a Poro en la tierra de los hombres. La máscara es el símbolo y el oráculo del sacerdote, que, como juez y jefe de clan, está autorizado a guardarla en nombre de todos los Poro. Puede utilizarla para obtener el permiso de los antepasados para castigar a criminales e infractores civiles. Cuando deben decidirse disputas importantes, el sacerdote lleva la máscara a la asamblea de ancianos y la coloca en el suelo bajo un paño blanco. Cualquier juicio humano se considera provisional hasta que la Máscara muestra su aprobación.

Utilizar la Gran Máscara de este modo garantiza la ratificación divina: se cree que el juicio procede del mundo espiritual a través de la Máscara, no de los humanos. La Máscara se responsabiliza, por ejemplo, de la muerte por envenenamiento de alguien que ha sido sometido a una dura prueba. En las reuniones importantes del consejo, la Máscara está presente para garantizar la presencia y la aprobación de los antepasados. Durante las peleas violentas, el sacerdote se pone la Máscara y detiene a los denunciantes con su palabra. Las Máscaras menores también se utilizan como mensajeros o policías.

La Gran Máscara propiamente dicha se caracteriza por unos ojos saltones revestidos de discos perforados de porcelana o metal, labios de fieltro rojo y una larga barba colgada con nueces de palma o cuentas. Su típica pátina espesa procede de la sangre negra y seca de los sacrificios, y de los restos rojizos de nueces de cola masticadas atrapadas en la boca de la máscara.

Durante los verdaderos ritos de iniciación Poro, la Gran Máscara aparece misteriosamente cuatro veces, sólo para pronunciar una frase secreta que hace que todos caigan al suelo. Las máscaras menores, conocidas como ge, se utilizan para disciplinar y entrenar a los iniciados. Las máscaras actúan como funcionarios que controlan a las mujeres y los niños fuera de la aldea, o trabajan como carroñeros recogiendo comida, mendigando, pidiendo prestado y robando a los ciudadanos.

Las máscaras ge son de aspecto horrible, ya que combinan rasgos animales y humanos. Se dice que son intentos artísticos de representar la creencia de que el poder espiritual tiene atributos tanto animales como espirituales - una combinación de rasgos de carácter más distorsión, sugiriendo que hay algunos fenómenos inexplicables más poderosos que los poderes que poseen los animales y los humanos individualmente.

Durante largos ritos de iniciación, se hace creer a las mujeres que sus hijos son tragados por máscaras, y se les dice que la escarificación es causada por las máscaras cuando se tragan a los niños que nacerán más tarde. Tras renacer de los estómagos de las máscaras, los iniciados se sientan en esteras con mantas sobre la cara y, al cabo de dos días, las máscaras les enseñan todo de nuevo: a andar, a comer y a defecar. Casi al final de la sesión, la Gran Máscara, con su profunda voz gruñona, lleva a los muchachos a la orilla, donde se lavan y reciben nuevos nombres.

Las chicas también son iniciadas en las sociedades de bundu y sande . Durante la ceremonia, se las unge con aceite, se les peina maravillosamente y se las viste con ricas ropas y joyas. Les acompañan canciones, bailes y actuaciones acrobáticas con las máscaras. La máscara Sande brilla en negro y sus portadoras se ocultan tras un traje de tela y un velo de rafia. La forma y el simbolismo de la máscara varían poco. Los rasgos más notables son el cuello en espiral, la elaborada decoración del peinado y la pequeña cara triangular.

Véase: Arte indio americano, para una comparación con las máscaras americanas.

Arte y Parentesco

La característica más importante de muchas sociedades africanas y la fuente de su acción política es el parentesco. El arte sirve a menudo para complementar y simbolizar las fuerzas del linaje y el clan. Entre los Bakwele, los ancianos del clan se reúnen en tiempos de crisis e intentan sortear el problema utilizando máscaras. Entre las tribus Fang y Tiv, donde el poder político se transmite a través de los linajes, las máscaras y estatuas son símbolos de los derechos de los jefes de linaje a triunfar y se utilizan en la gestión de los asuntos sociales. Del mismo modo, entre los Lega del Zaire oriental , donde no hay jefatura y el sistema de linajes funciona sin líderes políticos, hay hombres de prestigio que ganan influencia por su edad, su magia personal y su dominio de los objetos de arte. Los Lega incluyen tallistas capaces de producir obras originales y hábilmente elaboradas en una amplia variedad de materiales; sus máscaras y estatuillas son utilizadas por el pueblo bwame en sus representaciones dramáticas y rituales. Los objetos utilizados en las ceremonias de iniciación son un conjunto de símbolos que ayudan a traducir la esencia del pueblo y el pensamiento Lega de los ancianos a los iniciados. Pertenecen a los linajes corporativos y, al pasar de mano en mano, sirven como símbolos de la continuidad de los linajes Lega y como vínculo entre los miembros muertos y vivos de la familia patrilineal.

En Ghana, las líneas matrilineales desempeñan un papel importante en el mantenimiento del bienestar de una comunidad, incluso cuando ésta, como en el caso de Ashanti, es un reino centralizado. Todo el mundo traza su ascendencia a través de su madre y pertenece a su linaje materno, formado por todos los descendientes con antepasados comunes. En el rito principal para establecer a un jefe ashanti, el nuevo jefe es bajado y elevado tres veces sobre el taburete sagrado del fundador de su linaje. El taburete ashanti es, por tanto, el símbolo del linaje. Consiste en un pedestal rectangular con un asiento curvado sostenido por postes tallados. El kumasistolus sostiene diez taburetes negros que guardan la memoria de los diez reyes ashanti. El taburete dorado, que tradicionalmente se cree que fue traído del cielo por el primer sacerdote y consejero real, es una masa de oro puro con campanas de cobre, latón y oro adosadas.

Arte religioso

Aunque nuestro creciente conocimiento de las sociedades africanas hace que ahora se asignen funciones sociales y estéticas a muchas obras de arte que antes se consideraban objetos de uso exclusivamente religioso, muchas artes africanas tienen de hecho funciones tanto religiosas como simbólicas. Por ejemplo, los miembros de la tribu yoruba son los escultores africanos más prolíficos, y la mayor concentración de sus esculturas es arte religioso dedicado a los cultos de varios orishas (dioses). En otros lugares, las mascaradas y otras representaciones rituales utilizan máscaras y figuras talladas para encarnar mitos.

El arte de los Dogon es explícitamente religioso: representa a los antepasados, los primeros seres míticos, un herrero atávico, un jinete con un arca que transporta habilidades y artesanía, y animales míticos. Su sistema cosmológico y su relación con el contenido de su arte han sido estudiados con maravilloso detalle por un grupo de antropólogos e historiadores del arte franceses. Así, para comprender el significado de la Gran Máscara de los Dogón, hay que entender el significado del mito de la creación Dogón y de la fiesta periódica de Sigi, que regula la vida religiosa de los Dogón. La Gran Máscara es el doble de un antepasado mítico; al fabricar una nueva máscara, el tallador engaña al alma del antepasado y la persuade para que entre en su nueva morada. Cuando la Gran Máscara está abierta a la vista del público, sólo es visible el pilar de la base, ya que la cabeza está sumergida en un montón de piedras. Otras máscaras dogon son menos sagradas, aunque su ejecución puede reflejar signos, símbolos y partes especiales del mito de la creación.

Gran parte del pensamiento cosmológico de muchas sociedades africanas se centra en la dualidad y la androginia. Entre los Bangwa y los Bamileke (Camerún), se venera a los gemelos y a sus padres; el nacimiento de gemelos se considera un nacimiento perfecto que representa el mundo primordial y andrógino. La mujer que da a luz a los gemelos sufre y se tallan elaboradas esculturas en honor a los gemelos. Ambos padres reciben una atención especial y se unen a una asociación religiosa que desempeña un papel importante en las ceremonias de infertilidad y los funerales. La escultura Bangwa se inspira en estos padres.