Escultura Griega Clásica Temprana Traductor traducir

La escultura clásica griega, que abarca la mayor parte de los siglos IV y V a.C., se divide en tres periodos:
❶ Clásico temprano (480-450);
❷ Clásico alto (450-400);
❸ Clásico tardío (400-323).

Estilo clásico

La principal diferencia de aspecto entre la escultura griega arcaica y el estilo clásico reside en las poses. Por regla general, la mayoría de los tipos de estatuas arcaicas se construían con cuatro elevaciones estrictamente frontales o de perfil y, aunque normalmente una pierna se extendía hacia delante y la otra hacia atrás, las mitades izquierda y derecha del cuerpo eran estrictamente simétricas.

Las estatuas clásicas siguen siendo generalmente de forma cuadrangular, pero el equilibrio de la figura de pie se desplaza de modo que el eje del cuerpo se convierte en una larga curva doble, y la cabeza (excepto en las estatuas de culto) se gira regularmente hacia un lado para suavizar la frontalidad. En los relieves y la escultura pedimentaria, la fórmula arcaica siempre permitía el movimiento libre, pero cada parte de la figura solía mostrarse totalmente frontal o de perfil. El estilo clásico favorece las vistas oblicuas e incluso los giros del cuerpo.

Esta revolución de la anatomía artística, que probablemente comenzó entre los pintores, llegó a las distintas ramas de la escultura en épocas diferentes. En bajo relieve apareció con toda la exuberancia de la novedad antes del 500 a.C. aproximadamente, y en alto relieve un poco más tarde. En el caso de la estatua masculina de pie, la postura relajada aparece por primera vez en la década de 480 a.C.; en el de la estatua femenina de pie, probablemente no hasta la década de 470 a.C.. Para mantener un límite conveniente de 480, podemos llamar a los primeros ejemplos del nuevo estilo de transición, pero en realidad ya son del Clásico Temprano.

Características

Este estilo clásico temprano del arte griego, que prevaleció hasta el 450 aproximadamente, también se conoce como estilo «severo», y con razón. Rechaza concienzudamente los detalles decorativos de muchas esculturas del siglo VI. La sonrisa arcaica se sustituye por una expresión ceñuda, el cabello se representa en mechones simples o rizos planos, y las formas faciales y corporales se vuelven más unificadas, pero con énfasis en unos pocos rasgos selectos. Aunque estos rasgos suelen ser más acordes con la naturaleza, a veces se idealizan «arbitrariamente», lo que resulta más evidente en el perfil griego, que une la frente y la nariz en una línea recta continua, y en el ligamento inguinal, que sostiene el abdomen y separa el torso de las piernas

Para biografías de destacados escultores de la antigua Grecia, véanse: Fidias (488-431 a.C..), Mirón (activo 480-444), Policleto (siglo V), Calímaco (activo 432-408), Scopas (activo 395-350), Lisipo (ca. 395-305), Praxíteles (activo 375-335), Leochar (activo 340-320).

Sin embargo, aunque la austeridad es característica de la escultura del primer clasicismo y resulta evidente en algunos elementos de la escultura en relieve del friso del Partenón, sus orígenes se remontan al Arcaico. En la segunda mitad del siglo VI, los kouroi de la Grecia europea se volvieron cada vez menos decorativos, y en los korai de principios del siglo V una austeridad similar invadió las antiguas fórmulas. El propósito arcaico se caracterizaba generalmente por una vivacidad sociable; el propósito clásico temprano se caracterizaba a menudo por un desapego insustancial.

Aunque la tendencia principal era hacia una severa simplicidad de expresión, se produjo un progreso definitivo en la representación de sentimientos y estados. El dolor se transmitía a veces mediante la separación de los labios -una técnica que se encuentra en algunas obras del Arcaico tardío- y un pliegue en la frente, y criaturas infrahumanas como los centauros podían (como antes) mostrar su ferocidad nativa. Asimismo, las diferencias de edad se señalaban con mayor eficacia.

Los niños siguen siendo adultos achaparrados, pero los ancianos tienen torsos más pesados y el pelo más ralo. No obstante, estos esbozos de caracterización siguen siendo más ideales que individuales, y la emoción se transmitía más por la pose y el gesto que por la expresión facial. Al parecer, como demuestran las escasas desviaciones, se trataba de una elección consciente de los escultores y artistas en general del primer periodo clásico. Sobre los escultores y movimientos posteriores inspirados en la escultura clásica primitiva de la antigua Grecia, véase: El clasicismo en el arte (a partir del año 800).

Materiales

El bronce se convirtió en el material estándar para las figuras exentas, pero esto no parece haber tenido mucho efecto en la composición de la escultura. Es cierto que, dado que las estatuas de bronce (al estar vaciadas) eran más ligeras que las esculturas de piedra equivalentes (por ejemplo, de mármol) y tenían una mayor resistencia a la tracción, sus posturas podían alargarse sin peligro de sobrepeso o rotura. Pero las posturas muy extendidas eran raras, y las copias posteriores muestran que también eran factibles en mármol.

Más importante, quizás, era la economía de mano de obra: si la estatua debía tallarse a partir de un único bloque rectangular sin partes unidas, el brazo extendido significaba que el bloque debía ser mucho más grande, lo que conllevaba dificultades para transportarlo y un trabajo más largo para retirar la piedra sobrante. Desde el punto de vista estilístico, la diferencia de medios no tenía consecuencias, salvo en detalles como la forma de las volutas. Si el Carro de Delfos o el Maratonista hubieran sido de mármol, la única diferencia significativa habría sido el color. (Nota: el uso de metales preciosos en la escultura griega, como el bronce, favorecía la fundición de las estatuas).

De la coloración

Nuestro conocimiento del sistema de coloración de la escultura de mármol del Clasicismo temprano es muy escaso, aunque se pueden extraer algunas conclusiones razonables. Si tomamos las figuras del frontón del templo de Zeus en Olimpia, podemos suponer razonablemente que los ropajes se pintaron con trazos planos de azul, rojo y amarillo, con una banda a lo largo de los bordes para aclarar los pliegues; que los cuerpos de los centauros eran de color marrón rojizo; que el resto de la carne masculina era de color marrón claro; y que el pelo, los ojos, los pezones, las uñas y otros detalles se resaltaron con colores apropiados.

El poeta griego Antípatro de Sidón incluyó una estatua criselefantina de Zeus en Olimpia (466-435 a.C.) en la lista de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo. No se sabe con exactitud si la carne de las figuras femeninas estaba teñida, aunque en las metopas modernas de piedra caliza del templo de E en Selinus probablemente no lo estaba; de lo contrario, no habría habido razón para resaltarla con incrustaciones de mármol. Por supuesto, pueden haberse utilizado diferentes sistemas, pero la tendencia general era hacia efectos más naturales. La coloración del bronce sigue sin estar clara.

Obras existentes

Existen varios puntos fijos útiles para datar este arte antiguo. La toma de Atenas por los persas en 480 a.C. da una fecha límite para las obras encontradas entre los escombros que dejaron. Se dice que en el 477 a.C. se erigieron en Atenas dos nuevas estatuas del Tirano, de las que tenemos copias. El auriga de Delfos está dedicado a una victoria en una carrera probablemente ganada en el 474 a.C., y (si creemos a Pausanias) el templo de Zeus en Olimpia debió de estar terminado en el 456 a.C.

Dado que el desarrollo parece haber sido bastante constante y uniforme, es razonable datar otras estatuas y relieves según sus conexiones estilísticas con estas obras, aunque por supuesto debe haber habido más escultura conservadora y atrasada de la que se permite.

Aunque, como muestran Plinio y Pausanias, la producción durante este periodo fue grande, no se ha conservado mucha. Las estatuas clásicas originales son raras porque no existía una ruina persa conveniente, al igual que las copias porque el estilo clásico temprano era demasiado austero para la mayoría de los coleccionistas posteriores.

Los relieves y la escultura arquitectónica solían tener más posibilidades de sobrevivir, pero entre 480 y 450 a.C. se construyeron pocos templos, y en el Ática la escasez de lápidas esculpidas hace pensar a muchos historiadores del arte que en aquella época debía de existir una ley que limitaba los gastos funerarios. No obstante, tenemos la suerte de contar con cuatro estatuas de bronce de tamaño natural del periodo clásico temprano, todas completas y bien conservadas, así como gran parte de la escultura arquitectónica del templo de Zeus en Olimpia.

Para más información sobre la cerámica de la antigua Grecia, incluidas las técnicas geométricas, de figuras negras, rojas y blancas, véase: Cerámica griega: historia y estilos .

Relieves

Relieve «Jugadores de pelota» es un ejemplo muy temprano del nuevo estilo. Es de mármol ático, de unos 30 cm de altura, y es uno de los lados de una base cuadrada para una estatua, probablemente (a juzgar por los recortes de las piernas) de un kouros común. La talla es en bajorrelieve, y la pintura roja aún es visible en el fondo, aunque el pelo y otros detalles de las figuras han perdido gran parte de su colorido original.

La base está decorada por tres lados. El anverso muestra atletas entrenándose, en un lado un joven enfrentando a un perro contra un gato, y en otro una especie de juego de equipo con un jugador a la izquierda lanzando una pelota, un tema muy poco frecuente en el arte griego pero muy adecuado para mostrar poses oblicuas y retorcidas. Sólo una figura se ciñe a la fórmula antigua, quizá para recordar al espectador la modernidad del escultor.

Esta base se encontró empotrada en la muralla de Atenas, que Temístocles improvisó en el 479 a.C., pero la anatomía de las figuras tiene la ostensible novedad de los últimos años del siglo VI, como se ve en las pinturas de vasos de Eutimides y de Eufronio, y, al igual que las pinturas de vasos, este relieve también es fiel a la vista de perfil de la cabeza.

Por su naturaleza, el altorrelieve estaba menos próximo a la pintura, por lo que no es casualidad que los primeros ejemplos de estilo clásico temprano aparezcan algo más tarde. Según Pausanias, los atenienses construyeron su tesoro en Delfos en honor a su victoria en Maratón en el año 490 a.C., pero a muchos estudiosos les parece increíble, ya que el estadio estilístico de la composición escultórica apenas es posterior al 500 a.C., ni la factura parece atrasada.

En el panel de la metopa (de mármol de Pariana, de unos 60 cm cuadrados), donde Heracles golpea con su garrote a un ciervo cerinio, hay una marcada exageración confiada de la musculatura y la pose, hasta el punto de que parece como si el héroe se lanzara hacia delante en su impulso, y el efecto debió de ser aún mayor cuando se completó la escultura, con el garrote extendido hacia abajo en el extremo derecho. Con su modelado enfático y el giro de la cabeza, esta obra depende mucho menos de la pintura que el relieve «Jugadores de pelota». El contraste con el friso oriental del Tesoro de Sifnia, esculpido por un destacado escultor hacia el 525 a.C., ilustra muy claramente el extraordinario desarrollo del dibujo figurativo y la composición griegos en menos de una generación.

Para los relieves de tumbas, el campo estrecho, con espacio sólo para una o dos figuras de pie, seguía siendo popular, pero incluso en campos más amplios las escenas tranquilas son más comunes que antes. Esto es característico del arte clásico en general, donde -a medida que aumentaba la habilidad de la representación- el estado de ánimo se volvía tan importante como la acción. En la escultura en relieve no hay muchos indicios de una influencia pictórica continuada, y todavía no existe la composición en profundidad que Polygnotus introdujo en la pintura en la década de 470 a.C.. Incluso los signos de paisaje son escasos, y los menos raros (las rocas sobre las que se asientan las figuras) son casi naturales en la escultura en piedra.

La parte frontal «del Trono de Ludovisi», de un metro y medio de ancho, es un ejemplo excepcional de escultura del Clasicismo temprano que imita la pintura clásica griega . En la pintura moderna era fácil mostrar el contorno de las piernas a través de los drapeados, pero este intento de transparencia en relieve es técnicamente inepto con el abrupto contorno de la espalda y la ilógica desviación de los pliegues de la falda.

También hay un suelo de guijarros sobre el que se apoyan las figuras laterales. Sin embargo, aunque este «Trono» -quizá una cubierta para un altar o un pozo sagrado- fue realizado en mármol traído de Thasos, su estilo es provinciano, inventado en algún taller griego del sur de Italia, y el arte provinciano es susceptible de experimentos erróneos.

Esto explica también el extraño sabor a arcaísmo del cabello de la figura central y del corpiño de la asistente de la derecha; pero las poses de las asistentes, el resto del drapeado y la expresión del rostro conservado son del Clasicismo temprano, y hay una sutileza inesperada en los pliegues de tela que sostienen discretamente las asistentes. El tema no está claro, posiblemente una diosa o sacerdotisa saliendo de un baño ritual, o incluso Afrodita saliendo del mar. Fechada hacia el 460 a.C., es contemporánea de las esculturas estilísticamente superiores del templo de Zeus en Olimpia.

Para una lista de las mejores estatuas, figuras y relieves creados durante la Antigüedad clásica, véase: Las mejores esculturas de todos los tiempos . Para reseñas de importantes obras posteriores, véanse: Venus de Milos (c. 130-100 a.C.) y Laocoonte y sus hijos (c. 42-20 a.C.) de Hagesandro, Atenodoro y Polidoro.

Escultura pedimental

En la escultura pedimental, que siempre ha estado más cerca de los relieves que de las estatuas independientes, cabría esperar que la nueva torsión del cuerpo se hubiera adoptado a más tardar en la década de 490 a.C., pero tenemos pocos ejemplos, a menos que los frontones de Egina -con la fea torsión en la cintura de sus figuras angulosas- se crearan en esta época.

Los únicos frontones razonablemente completos de estilo clásico temprano son los del templo de Zeus en Olimpia, que datan del 460 a.C. aproximadamente. El frontón oriental representa a un grupo estático que incluye a los legendarios héroes locales, Oenomaus y Pélope, que se preparan para una carrera de carros, mientras que el frontón occidental muestra una violenta batalla en la boda de Pirithos con Lapithos rescatando a sus mujeres de los centauros borrachos. En cuanto a la composición, los frontones de Olimpia no son más perfectos que los de Egina. En cada uno de ellos, la deidad está sola en el centro, y las demás figuras se sitúan a ambos lados. En Olimpia el estilo está ciertamente más desarrollado, y en el frontón occidental la variedad de figuras -masculinas, femeninas y ecuestres- es más refinada.

Para más información sobre los estilos arquitectónicos de la antigua Grecia, véase: Arquitectura griega . Sobre el Neoclasicismo, véase: Escultores neoclásicos .

Estatuas

Durante todo el periodo clásico, la figura desnuda de pie siguió siendo el tipo más común de estatua masculina, aunque debido a la mayor variedad de poses era menos uniforme y menos ubicua que el arcaico kouros que la precedió. Se utilizaba principalmente para representar a atletas que habían ganado grandes juegos, así como a héroes y divinidades y, con la adición de un casco y barba, a estadistas (o generales) de éxito, pero las estatuas sobre tumbas estaban ya menos de moda. El tamaño estándar era ligeramente superior al natural.

Critias niño

En relieves y frontones, la actividad de las figuras invitaba a los escultores a aplicar inmediatamente sus nuevos conocimientos anatómicos, pero en el kouros no había margen para tales refinamientos, a menos que se alterara su pose. Una ruptura tan radical con la tradición fue inaceptable, al parecer, hasta la década de 480 a.C., y El niño Kritios es un ejemplo muy temprano del nuevo varón de pie del Clásico Temprano. Esta estatua, que debe su nombre a su parecido con las copias de el Tirano de Kritios y Nesiotus, es de mármol de Parión, mide más de un metro de altura y debe ser ligeramente anterior al 480 a.C., ya que fue encontrada en la Acrópolis de Atenas y muy probablemente entre los escombros de un saco persa.

Originalmente, como muestran los anexos, ambos brazos estaban estirados hacia abajo a la antigua manera arcaica, y los ojos estaban rellenos de pasta o piedras de colores. Un rasgo curioso es que la cabeza se hizo separada del cuerpo, pero el estilo de ambas partes es moderno; presumiblemente entonces la estatua se dañó en el taller durante la talla. La novedad en el niño Kritios es el cambio en su equilibrio.

En las estatuas arcaicas las piernas soportaban una carga antinaturalmente igual, pero aquí el peso recae sobre la pierna izquierda, mientras que la derecha cuelga libre, y como consecuencia el muslo derecho está más bajo que el izquierdo, y el abdomen (como muestra claramente el ombligo) está desplazado correspondientemente hacia un lado. Este bamboleo no continúa en el pecho, los hombros están nivelados, ambos brazos cuelgan a los lados, pero la cabeza está girada ligeramente hacia la derecha. En comparación con kouros posteriores como Aristodikos, el niño Kritios tiene una vivacidad natural, y además del efecto liberador de la pose hay aquí un modelado más coherente de la anatomía. La mandíbula profunda y llena es típica de una tendencia del Clasicismo temprano que no duró mucho; su competidor exitoso fue el rostro más corto, escaso y triangular.

Oenomaus

Durante los treinta o cuarenta años siguientes hubo pocos avances en este tipo. La figura de mármol de Oenomaus del frontón oriental del templo de Zeus en Olimpia, aunque no es en el sentido estricto de la palabra una estatua independiente, muestra el nivel al que había llegado la estatua en 460 a.C. De nuevo, el peso de una pierna, la otra en la balanza. De nuevo, el peso recae sobre una pierna, la otra (como a menudo) ligeramente apartada, y se produce un efecto en las caderas y el abdomen, pero ahora el balanceo va hacia arriba por el pecho, aunque los hombros siguen nivelados. La cabeza está girada hacia un lado, y el escultor se siente libre en el movimiento de los brazos - el izquierdo se restablece con el brazo doblado en el codo hacia arriba, agarrando la lanza apoyada en el suelo.

El modelado anatómico es un poco más avanzado que el del Niño Critias, aunque debido a la escala y al escenario es mucho más severo; originalmente se elevaba 15 metros sobre el nivel del suelo y él mismo tenía unos 3 metros de altura. Como la figura era de una sola pieza y el bloque del que se talló se extrajo en Paros, el transporte debió de ser caro y difícil.

Kore

Debido a su drapeado, la kore presentaba un problema mucho más difícil para los pioneros de la escultura clásica temprana. La estatua dedicada a Eutidikos sigue siendo arcaica a regañadientes, a pesar del severo tratamiento del rostro y de la simplificación de los detalles del peinado y la vestimenta. Fue necesario cambiar por completo el estilo de los drapeados, sustituyendo los fantasiosos pliegues y plisados transversales por un sistema más sencillo y predominantemente vertical. Tal esquema se representa con deliberado énfasis en una corteza reducida de la Acrópolis ateniense (n.º 688), que debe ser anterior al 480 a.C.

Aquí el vestido es un quitón, pero la falda no está abotonada a los lados, y el himation se ha convertido en un pañuelo que cuelga de cada hombro, de modo que ambas prendas caen rectas hacia abajo. Sin embargo, aunque el chitón puede haberse adaptado a los nuevos principios y, de hecho, siguió utilizándose en escultura, el peplos es el estándar de la indumentaria del Clasicismo temprano porque, al ser un material más pesado, podía disponerse con menos pliegues y más profundos. Cuando aparece por primera vez, en la década de 470 a.C., el resultado es monótono. - el resultado es monótono.

La figura posa con las piernas juntas y la falda cuelga alrededor de ellas como una campana, ocultando incluso los pies. Más tarde, hacia el 460 a.C., se adaptó la pose más suelta del varón de pie, como en Hipodamia del frontón este del templo de Zeus en Olimpia . Aquí la pierna derecha, libre de peso, se dobla y la rodilla se empuja hacia delante, extendiendo así el pliegue sobre ella. La estocada se hace entonces más enfática y su efecto más complejo.

Del mismo modo, los pliegues anteriores en forma de V sobre el pecho dan paso a una disposición más informal, en la Hippodamia casi sin sentido. La nueva forma de vestir se muestra con menos éxito en los altorrelieves de esta época, donde en la vista de perfil la pierna más adelantada, y el carácter diferente, o incluso la ausencia de pliegues en ella, hace que la extremidad parezca separada.

El giro de la cabeza, tan característico del estilo clásico temprano, parece haber aparecido más o menos al mismo tiempo que el peplos, y con él el movimiento de los brazos - Hipodamia, sin mucha motivación, corrige el hombro de su vestido; pero incluso después de revisar la pose, el drapeado era demasiado pesado para especular sobre las formas corporales que había debajo. Ahora suele llevar el pelo recogido en un hatillo, a veces sujeto por una simple capucha.

A veces se dice que el peplos (y también la austeridad) fue una contribución dórica, sobre todo peloponesia, al desarrollo del arte griego. Esto es ingenuo. El quitón jónico «» era universalmente popular en la escultura arcaica tardía, al igual que el peplos dórico «» en los primeros clásicos. Algunas modas, como las dos estatuas de Xanthos (Licia), que representan a una mujer de pie vestida con un peplos, pero sujetándose el dobladillo de la falda, son de origen provincial y no racial. Un cambio en la forma de vestir en la escultura tampoco refleja necesariamente un cambio radical en las costumbres sociales.

Las mujeres griegas que se respetaban a sí mismas, excepto las que vivían en Esparta, llevaban un chitón o peplos en público, y si por alguna razón no llevaban peplos, desde luego no dejaban un lado del peplos abierto, como hacen a veces las estatuas y estatuillas de mujeres jóvenes. En la drapería, incluso más que en la anatomía, el arte tiende a crear sus propias reglas, y la necesidad artística es una explicación suficiente de la aceptación y el uso del peplos en la escultura clásica temprana.

Estatua de Penélope

Además de revisar la figura de pie, los escultores experimentaban a veces con otras poses para estatuas exentas. Es posible que los modelos se ejecutaran finalmente en pintura, pero si fue así, se transfirieron al relieve. Esto es evidente al observar las vistas completa y final de la caprichosamente titulada «Penélope «, una figura de mármol de tamaño natural de una mujer afligida, con la cabeza inclinada apoyada en su brazo derecho, el codo apoyado en la cadera.

Si comparamos las divinidades sedentes del friso oriental del tesoro de Sifnia, hay mucho más refinamiento en Penélope, y el estado de ánimo se expresa más sutilmente, pero la estatua es en realidad más bidimensional que el relieve. Al menos, una estatua basada en las diosas del relieve habría presentado cuatro alturas presentables en lugar de dos. Las copias de «Discóbolo» Mirón (o el hombre que lanza el disco) muestran que esta figura aparentemente intrincada fue construida según el mismo principio que «Penélope», como si el relieve hubiera sido tallado y acabado por detrás.

Lo mismo ocurre con la famosa estatua de bronce pescada en el cabo Artemisio, que ha sido interpretada de diversas maneras (ya que no hay diferencia intrínseca entre dioses y hombres en el arte griego) como Poseidón, o Zeus, o un atleta lanzando una lanza. La vista prevista es la de una figura de cuerpo entero, aunque la vista final, que presenta un rostro casi frontal, también es impresionante. En las estatuillas, las poses activas son a veces más audaces y logradas debido a la escala muy reducida, pero los primeros escultores clásicos seguían concibiendo sus estatuas como ejercicios en dos dimensiones o, como mucho, en dos y media.

La estatua de Penélope, generalmente fechada hacia el 460 a.C., está vestida con un chitón que muestra los brazos, la parte delantera del cuerpo y la parte inferior de las piernas, y un manto que le cubre el pelo, le cuelga por la espalda y se echa hacia delante sobre las caderas. El efecto es, para los estándares clásicos posteriores, confuso. Por encima de los senos, los gruesos pliegues tienen una caída generalmente vertical, incómoda en la zona del pecho, y el pequeño sistema de pliegues en forma de V no hace más que acentuar los defectos de la anatomía.

Por debajo de la cintura, el carácter y la dirección de los pliegues cambian, haciendo que la estatua parezca aún más plana de lo que es, y luego, cerca de la rodilla, las líneas verticales vuelven a empezar bruscamente. En la espalda, los pliegues son más pequeños y superficiales, con los extremos superiores del manto colgando verticalmente de los hombros, y por debajo hay tres o cuatro grupos de líneas sin rumbo que divergen de cada cadera y bajo la nalga derecha. Los primeros escultores clásicos no sabían qué hacer con los drapeados, salvo en el caso de las figuras de pie.

Tampoco estaban satisfechos con la anatomía de las figuras que actuaban: de hecho, los pechos tanto del Artemisio de bronce de alrededor del 460 a.C. como del posterior Discóbolo no muestran ninguna respuesta muscular a las acciones de los brazos y pueden pertenecer a figuras bastante estáticas. Ya en el templo de Zeus en Olimpia, sin embargo, algunos escultores encontraron estos efectos insatisfactorios, y uno o dos de los que trabajaron allí experimentaron para encontrar una solución.

Por cierto, la Penélope de Teherán es una obra original de alrededor del 460 a.C., y existen copias romanas del mismo tipo en las que el parecido, incluso en los detalles, es demasiado cercano para ser accidental. Sin embargo, la estatua de Teherán estuvo enterrada en Persépolis desde el año 330 a.C. hasta 1936, por lo que no pudo servir de modelo a los copistas del periodo romano. La única conclusión razonable es que el arquetipo de Penélope se repitió de forma más o menos exacta en el taller que la produjo, un procedimiento que se habría esperado de un artista ahorrativo incluso en la Grecia clásica. Cleobis y Biton fueron otro ejemplo mucho más temprano de duplicación, aunque por supuesto se encargaron como pareja. Es sobre la base de estas pruebas que se debe intentar reconstruir las prácticas de trabajo de los escultores griegos.

Para saber más sobre las artes plásticas, véase: Cómo apreciar la escultura . Para obras más recientes, véase: Cómo apreciar la escultura moderna .

El legado de la escultura clásica primitiva

En el arte etrusco se adoptó el estilo clásico temprano, aunque a menudo con una mezcla de arcaico, pero también se conservó un estilo arcaico bastante puro. En Licia, una zona no griega del suroeste de Anatolia, el gusto por la escultura griega comenzó en el siglo VI y aumentó en el V, aunque aquí hay cierto retraso en las provincias.

Más notable es la influencia del estilo clásico temprano en Fenicia, donde los sarcófagos de mármol de tipo egipcio estuvieron en boga desde principios del siglo V hasta finales del IV, muchos de ellos hechos de mármol de Parián y decorados con caras de estilo más o menos griego. A los persas, sin embargo, el nuevo desarrollo de la escultura griega les pareció demasiado revolucionario como para adoptarlo en el arte persa oficial de la corte aqueménida.

La escultura clásica primitiva, o algunos ejemplos de ella, fue admirada por las generaciones posteriores, pero no fue imitada hasta el siglo I a.C.. Entonces comenzaron las copias a escala limitada, así como algunas adaptaciones e incluso creaciones originales a la manera del Clasicismo temprano. Algunos de estos pastiches poseen una dignidad independiente con sus bien calculadas mezclas de sentimentalismo o autoconciencia.

En la época moderna, el estilo clásico primitivo apenas se tuvo en cuenta hasta el descubrimiento de las figuras con frontón del templo de Zeus en Olimpia a finales de la década de 1870, y al principio su crudeza resultó chocante. El reconocimiento posterior de esta fase de la escultura griega, tanto por parte de los artistas en activo como de los críticos, es indistinguible del reconocimiento de lo arcaico.

Para artículos sobre las artes visuales de la Grecia antigua, véase:

Para otro arte egeo antiguo
, véase Arte de la Antigüedad Clásica (c. 1000 a.C.-450 d.C.).

Escultura de la antigua Grecia (Introducción)
Escultura de estilo dédalo (c.650-600 a.C.)
Pintura griega del periodo arcaico (c.600-480)
Escultura griega del periodo clásico tardío (c.400-323 a.C.)
Escultura griega del periodo helenístico (c.323-27 a.C.)
Estatuas y relieves de estilo helenístico (c.323-27 a.C.)
. d.C.)
Pintura griega de la época helenística (c. 323-27 a.C.)
Metalistería griega (a partir del siglo VIII a.C.)