Escultura griega helenística Traductor traducir

La época del arte helenístico (323-27 a.C.) ocupó casi tanto tiempo como toda la escultura griega precedente junta. Como ya no estaba en boga cuando se iniciaron los estudios académicos serios, y además era sorprendentemente variada, su curso es mucho menos claro. Al principio hubo una cierta continuación y desarrollo de las tendencias clásicas tardías, en el medio la llamada Escuela de Pérgamo muestra una originalidad que convencionalmente puede llamarse barroca, y hacia el final se hace fuerte un movimiento clasicista.

Pero estos diferentes estilos no se limitan cada uno a una parte del periodo, y hay que encajar mucho más. La confusión tampoco puede explicarse por las diferentes tradiciones locales: aunque Atenas parece haberse inclinado por el conservadurismo, y Alejandría utilizaba el estuco, un material que admite el modelado blando, aun así los escultores viajaban tanto o más que antes, y los atenienses, por ejemplo, podían trabajar en todo el estilo de Pérgamo .

«Pérgamo», por cierto, tiene aquí un significado estilístico más que geográfico. Los reyes helenísticos de Pérgamo, que se apoderaron de gran parte de Asia Menor occidental, fueron mecenas de la escultura, coleccionando obras antiguas y encargando otras nuevas; y el estilo de los más famosos de sus nuevos monumentos recibió su nombre, aunque este estilo no era peculiar de Pérgamo, ni fue el único que se desarrolló allí.

Características

Los temas eran tan variados como los estilos, y los extremos del Laocoonte y el niño y la oca sentados, uno mostrando agonía heroica y el otro inocencia sentimental, no dan una idea completa de su variedad. Continúan las figuras tradicionales de deidades y atletas. Hay estudios realistas, directos o cómicos, de la vida de la clase baja -el viejo pescador, por ejemplo, o la vieja borracha-, tipos étnicos, sátiros y otros seres infrahumanos, e incluso animales. Las personificaciones, como las Musas, se hacen más frecuentes. Figuras coquetas, juguetonas y eróticas (incluido un joven hermafrodita) satisfacen otros gustos.

La pintura de retratos florece con mayor libertad. A menudo se dice que esta ampliación del repertorio y los objetivos del escultor refleja los cambios espirituales que siguieron a la conquista del Imperio persa por Alejandro. Las grandes monarquías centralizadas suplantaron a las ciudades-estado independientes, los centros de poder y riqueza se desplazaron de la Grecia europea a las nuevas capitales de Asia y Egipto, las antiguas nociones de igualdad política dieron paso a una estratificación de clases más rígida y la gente corriente pasó de los intereses cívicos a los personales.

Sin embargo, no hay motivos para creer que el desarrollo de la escultura griega hubiera sido muy diferente si hubiera persistido el antiguo orden. Los gobernantes helenísticos, por razones políticas, trataron de difundir la cultura griega tradicional. En la propia Grecia, las ciudades-estado (que aún conservaban una autonomía considerable) se volvieron obedientemente hacia el pasado, y los escultores tuvieron un mercado más amplio para sus obras.

Tampoco parece que la demanda de esculturas en casas particulares influyera en la creación de nuevos tipos y versiones. El niño con el ganso puede parecer creado específicamente para el disfrute doméstico. Sin embargo, según Gerondas, que escribe en la primera mitad del siglo III, una estatua al menos de este tipo se exhibía en el santuario de Asclepio. Y hacia el año 100 a.C. entre las estatuas que se fabricaban en las casas de Delos había copias de reputados maestros antiguos.

Un estilo tan seguro y poderoso como el de la escultura clásica probablemente tuvo un impulso propio, y los estilos helenísticos pueden explicarse como derivados de la tradición clásica por evolución o reacción. Después de todo, las tendencias hacia el naturalismo, la expresión de la emoción y el sentimentalismo son perceptibles ya en el siglo IV.

CRONOLOGÍA

Tras la escultura griega dédalica (650-600) viene la escultura griega arcaica (600-480), luego la escultura griega clásica temprana (480-450), después la escultura griega clásica alta (450-400) y finalmente la escultura griega clásica tardía (400-323).

Anatomía

Independientemente del valor estético de sus obras, los principales escultores helenísticos eran más hábiles que sus predecesores clásicos y ampliaron considerablemente los conocimientos heredados. Mejoraron su comprensión de la anatomía, tanto de la configuración detallada de la superficie del cuerpo como de su respuesta a la tensión y la relajación, pero esta comprensión se utilizó de forma selectiva en función del tema y la naturaleza de la obra.

A finales del siglo IV y principios del III, los seguidores de Praxíteles lograron un modelado aún más suave de la carne, que siguió siendo una técnica favorecida cuando se requerían efectos sensuales o sentimentales, por ejemplo en desnudos femeninos, hermafroditas y niños pequeños.

Otros escultores de la primera época helenística se centraron en el tipo del varón atlético, remodelado por Lisipo o sus contemporáneos, y, aunque conservaron las formas esbeltas y la piel curtida, a veces avivaron el efecto con una dosis de patetismo. Sin duda, el tipo siguió siendo útil para estatuas conmemorativas desnudas de vencedores en los juegos, príncipes y nobles heroicos, e incluso particulares, aunque más tarde la competencia vino del renacido estandarte poliquitano.

Otra tendencia que se desarrolló a principios del siglo III fue el estilo seco, no clásico, que enfatizaba el diseño lineal más que el modelado, pero era más adecuado para cortinajes y cabezas de retratos que para cuerpos desnudos.

Más ambicioso fue el intento de reutilizar antiguas formas y dispositivos clásicos para crear efectos dramáticos, sobre todo en el friso principal del Altar de Zeus de Pérgamo, donde en algunos torsos la musculatura aparece como una especie de coraza. Este estilo de escultura helenística de Pérgamo se originó muy atrás, en el siglo III, pero floreció en el II y, a juzgar por «Laocoonte y sus hijos», seguía en práctica a mediados del primero. Para las estatuas de culto de los dioses, los tipos clásicos han tenido siempre una influencia permanente, y finalmente a finales del siglo II se produjo una reacción, y muchos escultores se volvieron hacia las obras de los siglos V y IV como modelos de corrección.

(Nota: sobre los estilos arquitectónicos de la antigua Grecia, véase: Arquitectura griega).

Al representar la anatomía, los escultores helenísticos no solían apartarse de las fórmulas clásicas, puesto que ya eran suficientemente fieles a la naturaleza y no había necesidad de empezar de nuevo. Tampoco alteraron el sistema de proporciones de la figura masculina, aunque pronto se adoptó un canon femenino alternativo, con hombros más estrechos, cintura alta y caderas anchas.

Se produjeron cambios más radicales en el drapeado. Aquí los escultores del Alto Clasicismo desarrollaron un sistema de dispositivos que clarificaban las formas y acciones del cuerpo pero que, aunque ópticamente eficaz, no se correspondía con la naturaleza. Y este sistema siguió siendo válido en el siglo IV, a pesar de las tendencias hacia una disposición más natural de los pliegues y a dar a los drapeados un significado en sí mismos. Esta tendencia fue continuada por algunos de los primeros escultores helenísticos, e incluso parece haberse producido un abandono consciente de las normas clásicas, tal vez más en aras de la novedad que por principios artísticos.

Sobre escultores y movimientos posteriores inspirados en la escultura helenística de la antigua Grecia, véase: El clasicismo en el arte (a partir del año 800).

Drapeado

En un esquema favorito aún popular en la escultura helenística tardía, la figura femenina está vestida con un chitón, que a menudo oculta las piernas, y un manto fino y ceñido que va en diagonal de la rodilla a la cadera, se recoge en la cadera y se enrolla por la cintura o el pecho o -más a menudo- cubre los hombros y a veces la cabeza. Esta capa está decorada con finas crestas afiladas, en parte a partir de la cadera, en parte interrumpidas al azar; y si hay un rollo, suele ser estrecho y retorcido como una cuerda.

Por el contrario, los pliegues del chitón son en su mayoría apretados y verticales, y con una destreza que se va volviendo ridícula, se alargan de modo que son visibles, convenientemente un poco difuminados, a través del manto que los cubre. Al mismo tiempo, se mantuvo una tradición en gran medida clásica, sobre todo en las estatuas de los dioses. Esta tradición fue utilizada eclécticamente por los escultores del estilo de Pérgamo y revivida con mayor fidelidad por los clasicistas de finales del siglo II y del siglo I.

La representación de la emoción

Los maestros clásicos preferían transmitir la emoción a través de gestos sencillos y, aunque a mediados del siglo IV se toleraba cierta intensidad en el aspecto, la representación de rostros distorsionados por el dolor seguía siendo dominio de los pequeños artesanos que esculpían relieves en las tumbas. Los escultores helenísticos tenían otras normas.

En las obras de carácter tradicional conservaban su antigua impasibilidad, pero cuando el objetivo era naturalista o dramático saboreaban su virtuosismo. El dolor, el miedo, el placer, la alegría, la embriaguez, el letargo, el sueño y la muerte estaban a su alcance en el siglo II, al igual que todas las gradaciones de edad, y cuando lo deseaban podían producir tipos raciales plausiblemente diferenciados. Como era de esperar, los retratos se volvieron más extravagantes, aunque, por supuesto, el cliente solía esperar dignidad.

(Nota: biografías de destacados escultores de la antigua Grecia: Fidias (488-431 a.C..), Mirón (activo 480-444), Policleto (siglo V), Calímaco (activo 432-408), Scopas (activo 395-350), Lisipo (ca. 395-305 a.C.), Praxíteles (activo 375-335), Leochar (activo 340-320))).

Poses escultóricas

Una gama más amplia de temas requería una gama más amplia de poses. Así, aparecen figuras despatarradas, encorvadas y yacentes; para las figuras erguidas, se hacen más habituales las poses momentáneas o triviales. Y el estilo de Pérgamo acogía perversiones violentas. Los escultores clásicos e incluso arcaicos utilizaban muchas de estas poses en los frontones, pero no en las estatuas independientes, donde las normas de decoro eran estrictas. Los grupos también se hicieron más comunes y más sistematizados.

Pero la innovación más radical fue la composición. Las estatuas clásicas solían construirse frontal y lateralmente, de modo que presentaban cuatro vistas básicas diferentes. Aunque durante el siglo IV hubo alguna desviación aproximada de la vista estrictamente frontal, como en Apoxiomena, esto se consiguió principalmente mediante la disposición de los brazos.

Los escultores helenísticos reflexionaron más profundamente. Su primera solución fue dar a la figura una curva en espiral, de modo que desde cualquier punto de vista alguna parte importante de ella apareciera más o menos frontal o de perfil. Sin embargo, aunque efectivo, un giro tan fuerte no se justifica fácilmente si se espera que las acciones de la estatua tengan un propósito lógico.

La danza y la lucha ofrecen razones satisfactorias, pero para algunas figuras helenísticas en espiral la única justificación es frívola, como en el caso de Afrodita que se levanta la falda para contemplar su trasero, o de un joven sátiro que intenta inspeccionar su cola. A principios del siglo II se había encontrado una fórmula más complicada, según la cual la espiral se invierte o se detiene en la cintura. La Venus de Milos es el ejemplo más famoso. Sin embargo, en todas las épocas, la mayoría de las estatuas helenísticas se diseñaban a la antigua usanza, con énfasis en la vista frontal.

Copias de estatuas

El renacimiento clásico del arte griego a finales del siglo II no sólo dio lugar a nuevas interpretaciones y adaptaciones de formas clásicas como la Venus de Milos, sino que también propició el desarrollo de una industria de copias que continuó en la época del arte romano hasta el siglo IV o incluso el V d.C.

Desde la época arcaica se hicieron duplicados, como Cleobis y Biton, y Penélope, pero la costumbre de reproducir obras maestras del pasado parece haber comenzado a principios o mediados del siglo II, cuando los reyes de Pérgamo, que fueron los primeros grandes coleccionistas de arte griego, complementaron la adquisición de originales antiguos con encargos de copias.

Su ejemplo fue seguido por particulares, entre ellos muchos romanos e italianos, que simpatizaban con la tendencia al clasicismo pero también se sentían atraídos por los maestros antiguos. Las copias encontradas en Pérgamo, aunque en espíritu son bastante fieles a los originales, reproducen los detalles con libertad y de manera moderna, y evidentemente fueron talladas por escultores capaces de trabajar de manera independiente. Pero más tarde se generalizó un estilo y una técnica más mecánicos, ya que los maestros trabajaban a partir de copias maestras.

Las copias maestras podían hacerse de memoria y a partir de bocetos, como la estatua de culto de Atenea en el Partenón; o, si se disponía del original, podían hacerse moldes, parciales o completos, a partir de él y vaciados de los moldes. En el caso de las copias de esculturas de bronce, este sistema podía garantizar, mediante remodelación, una copia exacta del original, y por esta razón es difícil o imposible -y probablemente poco importante- distinguir en estilo entre un original y una buena copia.

Para las copias de esculturas de piedra (sobre todo de mármol), a principios del siglo I ya se utilizaba un proceso de punteado. El copista colocaba un marco abierto alrededor de su modelo y el mismo marco alrededor del bloque en el que estaba trabajando, medía la distancia desde el marco a los puntos seleccionados de su modelo y volvía a marcar su posición en el bloque por medición, y luego tallaba a ojo las superficies entre los puntos, completando más o menos una parte de la figura antes de pasar a la siguiente.

Como los copistas antiguos utilizaban muchos menos puntos que sus homólogos modernos, la precisión de los detalles era menor. Hay algunas copias excelentes en mármol, pero la mayoría son chapuzas que descuidan todas las sutilezas del modelado de la superficie.

Presumiblemente para abaratar costes, los originales de bronce se reproducían a menudo en mármol, con algunos ajustes posteriores. Como las pestañas no pueden tallarse en mármol, los bordes de los párpados se hicieron más pesados, los mechones de pelo se aplanaron en general y probablemente se dio más relieve a la musculatura. También es posible que se modificaran algunas poses, aunque los copistas utilizaron soportes y muñones con bastante libertad, tanto por seguridad en el transporte como para dar estabilidad a la figura o evitar que las partes alargadas se rompieran por el peso no soportado.

A juzgar por la ubicación de los originales y los tipos de mármol utilizados, la mayoría de las primeras copias se realizaron en Grecia y el Egeo, especialmente en Atenas.

Para una lista de las mejores estatuas, figuras y relieves creados durante la Antigüedad clásica, véase: Las mejores esculturas de todos los tiempos . Para una guía del Neoclasicismo, véase: Escultores neoclásicos .

Técnicas de escultura

Los escultores helenísticos no introdujeron cambios en la técnica de la talla del mármol, salvo un nuevo procedimiento para trabajar a partir de un modelo, que pudo haberse utilizado en el siglo I tanto para algunas obras originales como para copias. En el mejor de los casos, el nivel de acabado seguía siendo tan bueno como el de las obras clásicas, aunque las marcas del taladro eran a menudo más evidentes.

En la escultura fina se toleraba un descuido mucho mayor, tanto en el diseño como en la ejecución, en parte quizás porque los clientes italianos y romanos que estaban adquiriendo importancia a finales del siglo II tenían poca experiencia artística o discriminación.

La coloración del mármol está atestiguada por sarcófagos y ataúdes (o «urnas») fabricados en Etruria , Cartago, y estatuas y relieves griegos hallados en Delos y Alejandría. Como era de esperar, la práctica no era uniforme; algunas esculturas estaban totalmente coloreadas, otras de forma más discreta, y los dos sistemas parecen haber sido paralelos. También se doraba más el mármol, sobre todo el cabello (véase más información sobre el dorado en: Metalistería).

En la escultura de bronce, la única innovación que se aduce es que en algunas cabezas de bronce de retratos los rasgos faciales muestran el efecto del modelado más que de la talla, y de esto puede deducirse que en el trabajo preliminar se utilizó un medio más blando que antes.

(Nota: Para información sobre la cerámica griega antigua, incluidas las técnicas geométricas, de figura negra, roja y blanca, véase: Cerámica griega: historia y estilos .)

Datación y cronología

Como para muchas otras formas de arte antiguo, carecemos de fechas fijas para la escultura clásica, pero aún menos para la helenística. Tampoco tenemos tanta información sobre los escultores y su trabajo, ya que Plinio deja un hueco en su relato entre el 296 y el 156 a.C. cuando dice que el arte se suspendió.

La Tiche (o Fortuna) de Antioquía, de la que tenemos tres versiones en miniatura, debió de hacerse muy poco después de la fundación de la ciudad en el año 300 a.C. La estatua de mármol de Temis de Ramnus, obra original de Chairestratos, hijo de Chairedemos, puede asignarse a finales del siglo IV o principios del III, si (lo que es probable) se trata del padre del escultor, mencionado en la inscripción del 315 a.C. El retrato póstumo de Demóstenes, del que se conservan copias, fue realizado, según las fuentes literarias, hacia el 280 a.C. El Dioniso sentado del monumento de Thrasyllos en Atenas debe ser una dedicatoria en honor de la victoria en el festival dramático del 271 a.C. Samotracia de Nicea se fundó hacia el año 200 a.C., a juzgar por la cerámica encontrada alrededor de su base, y algunos fragmentos de escultura pedimentaria de la misma isla se han datado, también a partir de la cerámica, a finales del siglo II.

Delos adquirió una repentina prosperidad después del 166 a.C. y aún más después del 146, fue saqueada en el 88 y finalmente destruida en el 69, por lo que la mayor parte de su escultura puede fecharse a finales del siglo II o principios del I, y parte de ella, gracias a las inscripciones, incluso más cerca. Los escultores de Laocoonte, a menos que hubiera una repetición de nombres increíblemente complicada, eran (como muestran las inscripciones) bien conocidos hacia el 21 a.C.

Nota sobre la apreciación del arte
Para una apreciación de los escultores griegos, véase: Cómo apreciar la escultura . Para obras posteriores, véase: Cómo apreciar la escultura moderna .

La comparación con las estatuillas de terracota encontradas en contextos fechados puede ser de poca ayuda, especialmente para las estatuas femeninas drapeadas, y el estilo de las inscripciones en las bases de las estatuas y la escultura arquitectónica del estilo de los edificios que adornaban tienen una vaga utilidad. En vista de todo esto, no es sorprendente que los expertos puedan diferir en la datación de objetos individuales en cien años o más, y debido a la naturaleza de gran parte de la producción helenística sería incluso sospechoso que alguna vez hubiera un acuerdo completo.

Para otras formas de escultura de la región del Egeo, véase El arte de la Antigüedad clásica (c. 1000 a.C.-450 d.C.).

Nota: entre las obras más famosas de la escultura griega helenística figura el Coloso de Rodas (292-280 a.C.), una de las Siete Maravillas del Mundo recopiladas por el poeta griego Antípatro de Sidón.

Recursos
Para artículos sobre las artes visuales de la antigua Grecia, véase:

Escultura de la antigua Grecia (Introducción)
Pintura griega arcaica (c.600-480)
Pintura griega de la época clásica (c.480-323)
-
Estatuas y relieves helenísticos (c.323-27 a.C.)
Pintura griega de la época helenística (c.323-27 a.C.)
Pintura griega de la época helenística (c.323-27 a.C.) 323-27 a.C.)
El legado de la pintura griega
La metalistería griega (a partir del siglo VIII a.C.)