Juicio Final Fresco, Capilla Sixtina, Miguel Ángel: Interpretación, Análisis Traductor traducir

Juicio Final fresco
Por Miguel Ángel.
Considerado como uno de los
Las mejores pinturas de la historia.

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Descripción

Pintura : Juicio Final Fresco
Fecha : 1536-41
Artista Miguel Ángel (1475-1564)
Medio : Pintura al fresco
Género : Religioso pintura de historia
Movimiento : Manierismo
Ubicación : Muro del altar de la Capilla Sixtina, El Vaticano, Roma.

Para el significado de otras imágenes, ver: Pinturas famosas analizadas .

La Comisión

Pintado en la pared del altar de la Capilla Sixtina, The Last Judgment fue comisionado por el Papa Clemente VII (1523-1534) poco antes de su muerte, y confirmado en 1535 por su sucesor, el Papa Pablo III Alessandro Farnese (1468-1549). Una obra monumental de Arte cristiano, fue el fresco más grande pintura mural del siglo 16, y Miguel Ángel tardó cuatro años en completarse. Lo logró más de tres décadas después de terminar su ciclo anterior de Arte bíblico – la Génesis fresco – En el techo Sixtina. Como su nombre lo indica, El Juicio Final representa el Día del Juicio Final en la Segunda Venida de Cristo, como está registrado en la Biblia. Se considera la mayor obra maestra de arte religioso del siglo 16, y representa el florecimiento tardío final de Pintura del alto renacimiento, o el primer gran ejemplo de Pintura manierista – El nuevo estilo que superó el clasicismo del Alto Renacimiento. (Nota: el teórico del arte del siglo XVI, Giorgio Vasari, consideraba que Miguel Ángel era una importante fuente de inspiración para Artistas manieristas por el resto del siglo.)

Alteraciones a la Capilla Sixtina y problemas de diseño

No sabemos qué motivó la decisión del Papa Medici Clemente VII (1523-34), en 1533, de volver a pintar la pared del altar de la Capilla Sixtina. Quizás él simplemente estaba extendiendo la historia bíblica del Frescos de la Capilla Sixtina que Miguel Ángel había pintado por última vez en 1512, bajo las órdenes de Papa Julio II. En cualquier caso, el proyecto requería tapar las dos ventanas del triforio y destruir las decoraciones del quattrocento : los frescos de Pietro Perugino de La hija del faraón encontrando a Moisés y la Adoración de los pastores, y los retratos de los Papas, todo lo cual había rodeado la Capilla y continuó. a través de la pared del altar. También fue necesario destruir el retablo creado por Perugino, y su marco, así como los Ancestros de Cristo de Miguel Ángel en las dos lunetas. La solución final alcanzada por el pintor para nivelar toda la pared, sin siquiera un marco, cambió radicalmente la apariencia de la Capilla, anulando el acento horizontal, que las bandas continuas de ventanas y frescos a través de esta pared y otras le dieron, e introdujo un Elemento vertical fuerte.

Diseño de Miguel Ángel para el fresco del juicio final

Miguel Ángel revisó la imagen tradicional del Juicio Final de acuerdo con el difunto Arte renacentista del movimiento manierista. Hasta entonces, se había organizado rígidamente para transmitir el lugar central de Dios en el cosmos ordenado y su control del destino final del hombre. Miguel Ángel dividió la composición en dos niveles. En la zona celestial, Cristo Juez estaba flanqueado por los coros de apóstoles, ángeles, santos, mártires y patriarcas. En la zona terrestre de abajo, la Resurrección de los Muertos se presentó a la izquierda, mientras que el descenso de los Malditos al Infierno apareció a la derecha. Cada población obediente, reunida en su lugar designado, desempeñó su papel con una emoción predecible: los Elegidos alegres, los Damados en tormento. Los rangos fueron fijos y cerrados.

Miguel Ángel concibió su Juicio Final como un remolino de cuerpos. desnudos masculinos y desnudos femeninos, de acuerdo con su filosofía humanista, en torno al centro dinámico de Cristo, con cada figura en movimiento o tensa por la emoción. La previsibilidad ha sido barrida, reemplazada por una incertidumbre ansiosa, mientras que la iconografía tradicional era estática y jerárquica, la visión de Miguel Ángel es de un evento explosivo dinámico. Se han dejado de lado las túnicas que fluyen, ya que, en opinión de Miguel Ángel, todos nos encontraremos con el Señor despojado de todo rango y emblemas de nuestro estado terrenal.

Aunque Miguel Ángel evitó las secciones fuertemente divididas de las versiones anteriores de los artistas, introdujo zonas que corresponden a las divisiones de los frescos de las paredes laterales. El área de los lunetos en la parte superior está llena de los ángeles y los implementos de la Pasión (la Cruz y el Pilar). Debajo, vemos las filas densamente concentradas de los elegidos. Más abajo, una zona marca la transición entre aquellos que ya están entre los elegidos que rodean a Cristo y aquellos que están subiendo o bajando. La línea continúa a través del fresco, donde de repente se vislumbra sin obstáculos el cielo azul. En el extremo derecho de esta zona, Simón de Cirene parece colocar su cruz en la repisa de la Entablatura. La zona inferior de la pared presenta tumbas (a la izquierda) que se abren para liberar a sus ocupantes hacia Cristo, y (a la derecha) el Infierno, donde Charon the Boatman transporta al Damed a través del río Styx al inframundo.

En general, The Last Judgment ejemplifica el triunfo de disegno (diseño) sobre colorito (color / pintura).

Pequeña perspectiva: sin marco

Algunos pintores anteriores, como Giotto, dieron la ilusión de profundidad a sus últimos juicios al representar coros de figuras similares que retroceden en perspectiva. En lugar de usar perspectiva lineal Miguel Ángel recurrió a la superposición de sus figuras en grupos densamente poblados, formando cadenas para indicar la corriente de movimiento. A medida que las figuras retroceden en el espacio, pierden agudeza, a veces pintadas muy finamente. Una de las innovaciones más notables de Miguel Ángel es su eliminación de un marco. Las figuras se cortan en los bordes, como para implicar que solo estamos viendo una parte, y la escena continúa en todas las direcciones, lateralmente y también debajo. En lugar de dar la sensación de que todos tienen su lugar aquí y no lo que son, Miguel Ángel retrata la incertidumbre de que hombres y mujeres sean movidos por una fuerza fuera de su control a un destino aún desconocido para ellos. Cuando descubren sus destinos, él muestra sus demostraciones de sorpresa, alegría u horror.

Características de la pintura.

Los lunettes

Las dos Lunettes en la parte superior de The Last Judgment presentan los símbolos de la Pasión de Cristo, la Cruz, el Pilar contra el cual fue azotado, la Escalera, la Esponja y la Corona de Espinas, todas llevadas por ángeles sin alas. Se les da prominencia no acostumbrada porque su inclusión deja en claro que la Resurrección final que se muestra más abajo fue posible solo por la muerte sacrificial de Cristo y su Resurrección.

Los ángeles trompeteros

Ubicado en el medio de la pared en la mitad inferior debajo de Cristo, otro grupo de ángeles responde a la venida de Cristo y su orden: "verán al Hijo del Hombre venir sobre las nubes del Cielo con poder y gran gloria; y enviará sus ángeles con una fuerte trompeta, y reunirán a sus elegidos de los cuatro vientos ". (Mt 24: 30-31)

Cristo y la virgen

La figura dominante de Cristo domina el fresco del Juicio Final. Él se enfrenta a una aureola dorada, que también incluye a su madre que se une a su lado. En bocetos anteriores, Miguel Ángel había dibujado a Cristo sentado de la manera tradicional, pero en la pintura parece estar avanzando, tal vez poniéndose de pie.

Su postura nos recuerda a las imágenes de Cristo en su resurrección, saliendo de la tumba. Los escritores de arte del siglo XVI. Giorgio Vasari y Ascanio Condivi describió el gesto de Cristo con su brazo derecho como enojado, pero su rostro impasible contradice esta interpretación. Su brazo levantado debe entenderse más bien como un gesto de mando, poniendo en movimiento los eventos que vemos desarrollarse ante nosotros: los ángeles tocan las trompetas, los muertos resucitan, después de lo cual se dirigen a sus lugares designados, ya sea levantándose para unirse a Cristo El cielo o caer en el abismo del infierno. Muestra las heridas en sus manos, pies y costados, recordándonos que él es el Cristo resucitado y también su sufrimiento y a qué costo se ganó esta vida eterna para nosotros.

La Virgen gira la cabeza hacia un lado y cruza los brazos, como para decir que ha pasado el momento de su misericordiosa intercesión. La luz dorada detrás de Cristo, que Miguel Ángel se tomó la molestia de pintar un secco en pigmentos amarillos brillantes que no utilizó en ningún otro lugar en el fresco, se convierte en el sol alrededor del cual se mueve todo el evento en una rotación inevitable. Esta característica visual ha dado lugar a declaraciones sobre el parecido de Cristo con Apolo, el Dios del Sol, en torno al cual giran todos los planetas.

Los elegidos

Alrededor de Cristo y la Virgen hay multitudes de santos, mártires y otros que han resucitado al paraíso. Algunos tienen atributos a partir de los cuales podemos identificarlos, pero la mayoría no. Reconocemos a San Lorenzo con su reja y a San Bartolomé con su cuchillo y su piel desollada, San Pedro con las llaves del Reino, San Andrés con su cruz, San Sebastián sosteniendo las flechas con las que le dispararon, San Blaise con sus peines de lana. y Santa Catalina con su rueda. Dos figuras de la Crucifixión: el buen ladrón, Dismas y Simón de Cirene, que llevó la cruz de Cristo por él, nos recuerdan nuevamente el significado de la muerte y resurrección sacrificial de Cristo como el precursor necesario del evento representado.

El ascendente

Desde la parte inferior izquierda, donde las tumbas están dando los muertos, los cuerpos se elevan hacia los elegidos. Algunos están tomando vuelo, otros son llevados por ángeles, un par de agarradores de un rosario está siendo izado por un ángel musculoso, aparentemente en una demostración del poder de la fe. Otras virtudes cardinales pueden reconocerse en otras figuras.

Los condenados

Frente a los de la izquierda que se elevan hacia los elegidos, están los de la derecha que descienden al infierno. Algunos están siendo maltratados por ángeles frustrando sus frenéticos intentos de ascender; algunos son arrojados de cabeza mientras que otros son arrastrados por demonios. Según Condivi, los pecadores son arrastrados por la parte del cuerpo con la que pecaron; los orgullosos por su cabello, los lascivos por su pudenda. De hecho, muchas figuras parecen ser alegorías de los Vicios, algunas incluso con atributos, como el monedero que significa un alerta.

Caronte

En la mitología clásica, Charon es el barquero que transporta a los condenados a través del río Styx (o Acheron) al inframundo. Al igual que Minos, también presentado aquí, Charon figura en la Divina Comedia de Dante, donde se lo describe como un demonio que atormenta a los condenados con su desesperada situación y acosa al reacio con golpes de su remo. Como hay muy poco en las escrituras que describan el más allá, las vívidas imágenes de Dante llenaron el vacío para Miguel Ángel, que conocía tan bien a su Dante, sus contemporáneos nos dicen que él puede recitar gran parte de él de memoria. Sin embargo, durante la era de Arte católico de contrarreforma (c.1560-1700), la inclusión de una figura pagana como Caronte fue muy criticada.

La cueva

Al pie de El juicio final, en el centro de la pintura, se encuentra la Cueva, una caverna negra llena de demonios. Otra figura se perfila con un resplandor ardiente. No está claro exactamente qué representa esta caverna, aunque los expertos ahora creen que significa Purgatorio. Es solo desde el Purgatorio que uno puede escapar, y el sacerdote en el altar sabría que su celebración de la Misa estaba ayudando a las almas que sufren en el Purgatorio. El Consejo de Trento posterior a la Reforma de Trento confirmó rápidamente la existencia del Purgatorio frente a la afirmación protestante de que se trataba de un fraude cínico diseñado para enriquecer a la Iglesia mediante la venta de indulgencias.

Infierno

En la esquina inferior derecha, la tonalidad cambia abruptamente. En el Infierno de Dante, la luz es tan tenue que es difícil distinguir las formas. Por lo tanto, el pintor, siguiendo a Dante, cuando llegó a lidiar con los demonios y Damned en la entrada al Infierno, necesitaba una paleta más profunda que la que el fresco puede proporcionar, con su técnica de aplicar tonos semitransparentes sobre un fondo blanco. El cielo no marino no penetra aquí; En cambio, vemos las aguas turbias del río Styx y figuras lúgubres apenas distinguibles en la penumbra prohibida. Para obtener el efecto sombrío que buscaba, Miguel Ángel cubrió el intonaco blanco con un número marrón rojizo, luego pintó los tonos medios y las luces en la parte superior. En algunos pasajes en esta zona donde quería usar ciertos pigmentos metálicos verdes y azules que no son compatibles con el fresco, usó el aceite como su medio, siguiendo los exitosos murales de Sebastanio del Piombo en la Capilla en San Pietro. En un aspecto alegre de la representación del infierno de Miguel Ángel, según lo informado por el biógrafo Giorgio Vasari, el artista pintó a Minos (el Juez de las almas) con las orejas de un asno y la cara del Maestro papal de ceremonias, Biagio da Cesena, que frecuentemente se había opuesto a Su Santidad sobre la desnudez de las figuras de Miguel Ángel. Cuando Cesena se quejó histéricamente al Papa sobre este desenfreno, ¡se dice que el Papa respondió que tenía las manos atadas ya que su jurisdicción no se extendía al Infierno! (Ver también: Paleta de colores renacentistas.)

¿Por qué se pintó el juicio final?

En una beca pasada, el Juicio Final de Miguel Ángel fue considerado como una "expiación", creada a raíz del saqueo de Roma en 1527 por las tropas del emperador Carlos V, que saquearon la ciudad y obligaron al Papa a abandonar el Vaticano y huir a Orvieto.. Estos eventos fueron vistos por muchos como una indicación de ira divina. Según este punto de vista, al igual que Sodoma y Gomorra, Roma había sido invadida porque se había convertido en un lugar de decadencia y pecado, y El Juicio Final reflejó el estado de ánimo de penitencia que siguió a estos eventos traumáticos. La comisión del papa Clemente a Miguel Ángel, de hecho, ha sido descrita como una "ilustración de la catástrofe de su reinado". De hecho, esta puede haber sido la opinión del Saco en poder de los protestantes, e incluso puede haber sido la respuesta inicial de algunos católicos romanos inmediatamente después del evento. Los historiadores modernos, sin embargo, están de acuerdo en que la Iglesia Católica recuperó su autoestima mucho más rápidamente. El papa Clemente firmó un tratado de paz con Carlos V, luego en 1533 le dio a Miguel Ángel la comisión para El juicio final y luego en 1534 murió. Así que fue el Papa Farnese, Pablo III, quien supervisó el trabajo, y no hay evidencia de penitencia desmedida en su personalidad.

Respuesta al fresco del juicio final de Miguel Ángel

Tan pronto como se presentó el fresco en 1541, fue reconocido instantáneamente como uno de los grandes pinturas religiosas del Renacimiento italiano, y se convirtió en un nuevo modelo para artistas. En 1586, el pintor y escritor, Armenini, recordó cómo, cuando era joven, cuando dibujaba en la Capilla, se encontraría entre muchos otros y escucharía las discusiones sobre detalles minuciosos del trabajo de Miguel Ángel. Se convirtió en una especie de escuela de anatomía, el mejor lugar en Roma, o en cualquier otro lugar, para estudiar la figura desnuda.

A menudo se dice que el modelado de las figuras de Miguel Ángel es exagerado. A finales del siglo XVI, el gran manierista Annibale Carracci describió los desnudos en El juicio final, en contraste con las figuras en el techo Sixtino, como "demasiado anatómicos". Incluso el crítico Raffaello Borghini, escribiendo en 1584 en la ciudad natal de Miguel Ángel de Florencia, donde Il Divino continuó siendo considerado como más grande que el mejores artistas de todos los tiempos, advirtió a los artistas contra los excesos que surgieron al copiar la anatomía de Miguel Ángel. No se le dice a una mujer delicada las extremidades y los músculos de un hombre, se le dice al pintor. El modelado de los músculos no debe ser exagerado.

Explicación de las pinturas manieristas

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