Arte medieval: manualidades cristianas en la Edad Media Traductor traducir
Para una guía general sobre la evolución de la pintura, la escultura y
otras formas de arte, ver: Historia del Arte (2.5 millones de BCE-presente).
Orígenes e historia
En arte visual , el término "era medieval" (también conocida como la Edad Media) describe el período comprendido entre la caída de Roma (c. 450) en el oeste, hasta la caída de Constantinopla (1453) en el este. Sin embargo, los primeros siglos (450-1000), comúnmente conocidos como la Edad Media, se vieron empañados por la violencia y la agitación bárbaras. Durante este período inicial, la única actividad cultural significativa que existió tuvo lugar dentro de monasterios aislados de la joven Iglesia Cristiana.
Período Temprano (desde 450)
Uno de los primeros tipos de Arte cristiano primitivo surgir eran los hermosos manuscritos iluminados y el eclesiástico Carpintería metálica de estilo celta producido en Irlanda y el norte de Gran Bretaña – ver especialmente Arte monástico irlandés (500-1200). Aunque es anterior tanto a los etíopes Evangelios de Garima (390-660, Monasterio de Abba Garima) y los Evangelios de la Rabbula siria (c.586, Biblioteca Laurentiana, Florencia), el Arte bíblico creado en Irlanda en este momento era parte de una tradición monástica de artesanía que continuó sin interrupción de aproximadamente 500 a 1200. Incluyó obras maestras como el Libro de Durrow (650-80), el Libro de Kells (800), el Cáliz Ardagh (Siglo VIII / IX), y una serie de estilo celta Esculturas de alta cruz (750-1150).
Periodo carolingio / otoniano (750-1050)
Las artesanías medievales realmente no comenzaron en el continente europeo hasta la llegada del rey Carlomagno y sus sucesores ottonianos. Durante este período de Arte carolingio (750-900) y Arte otoniano (900-1050) – gracias al apoyo de líderes seculares – Arte cristiano experimentó un renacimiento en toda Europa. Las artes y artesanías que se beneficiaron de este patrocinio incluyeron arquitectura y diseño, orfebrería y platería, así como escultura y talla de marfil . además, el elaboración de manuscritos iluminados (que a su vez involucraba la artesanía de ilustración de libro y pintura en miniatura , más orfebrería) se amplió enormemente para mantener el ritmo de la demanda de textos bíblicos. De 450 a 750 la Iglesia en Roma había mantenido viva la práctica de arte cristiano medieval en sus monasterios remotos en Irlanda y el Medio Oriente. Pero no fue hasta que Carlomagno fue coronado Emperador del Sacro Imperio Romano en 800 y procedió a establecer una red de monasterios y centros culturales de excelencia, que se produjo un renacimiento de las artes y oficios en el continente europeo. En el Medio Oriente, sin embargo, la cultura cristiana medieval fue mucho más fuerte, gracias a las tradiciones de Arte bizantino (400-1200). Arte cristiano bizantino fue especialmente fuerte en metalistería y bronce, alcanzando un pico entre 800 y 1200. En Kiev (.950-1237), por ejemplo, tanto el cloisonné como el niello fueron llevados a nuevas alturas por los orfebres y plateros ortodoxos orientales.
Arte de la catedral: estilos románico y gótico (1000-1400)
La siguiente fase principal de las artes y oficios medievales fue provocada por el programa de construcción de la catedral de la Iglesia, que se desarrolló durante el siglo XI en Francia antes de extenderse al resto de Europa. Su programa inicial de Arquitectura románica (c.1000-1150) presentaron estructuras como la gran iglesia de la abadía de Cluny (927), la catedral de Durham (1093), la catedral de Speyer (1106) y la catedral de St Lazare, Autun (1146). Fue seguido por un segundo programa en el nuevo estilo de arquitectura gótica (desde aproximadamente 1150 en adelante) que contó con una serie de impresionantes Catedrales góticas incluso Catedral de Notre Dame (1163-1345) y Catedral de Chartres (1194-1250). Para una explicación, vea el Estilo arquitectónico gótico (c.1120-1500).
Cada catedral necesitaba mucho arte de vidrieras y piedra estatuas por sus muros; talla de madera por sus puestos de coro y púlpitos; y precioso metalistería por sus altares, relicarios, vasijas litúrgicas y cruces ceremoniales, muchas de las cuales involucraban decoraciones esmaltado técnicas como esmaltado cloisonné y esmaltado champlevé . Como resultado, este programa de construcción a nivel europeo creó una demanda masiva de artistas medievales y artesanos de todo tipo, en particular para expertos en escultura medieval y iluminación de manuscritos medievales .
NOTA: Para obtener información sobre los avances en iluminaciones, murales y retablos pintados, consulte: Pintura medieval (c.1180-1420). Para obtener detalles sobre los desarrollos de pintura en Italia durante el trecento (siglo XIV), consulte nuestro artículo sobre Pintura prerrenacentista (c.1300-1400) así como Arte protorrenacentista (1300-1400). Para los nombres de los pintores involucrados, ver Artistas proto-renacentistas .
A principios del quattrocento (siglo XV), la era medieval fue superada, al sur de los Alpes, por el Renacimiento italiano (1400-1530). Pero en Alemania y otras áreas del norte, el estilo medieval persistió durante varias décadas. Ver, por ejemplo, lo medieval Escultura gótica alemana de Tilman Riemenschneider (1460-1531) y Veit Stoss (1450-1533).
Patronato de la Iglesia de Artes y Oficios Medievales
El mayor mecenas de las artes durante la Edad Media fue, sin duda, la Iglesia. Era la era de la fe. La Iglesia encargó grandes catedrales y monasterios, lujosas túnicas, santuarios y relicarios para reliquias sagradas y vasijas para la misa. Ningún otro patrón, ni siquiera el rey, podría igualar sus recursos. La reconstrucción de una catedral recibiría más donaciones de los fieles de lo que cualquier impuesto podría aumentar y los propios obispos a menudo eran inmensamente ricos por derecho propio.
NOTA: La fundación de nuevas órdenes religiosas a principios de los años 1200, como los agustinos, dominicanos y franciscanos, cada uno con su propia red de monasterios, proporcionó a la Iglesia una infraestructura en expansión de sitios y personal para ayudar a gestionar la puesta en servicio de todos tipos de arte y arquitectura.
El gran obispo John Grandisson, elegido para ver a Exeter en 1327, reveló sus lujosos gustos en su testamento. A su catedral dejó estatuas doradas de plata de San Pedro y San Pablo, una cruz de plata dorada que descansa sobre cuatro leones de pie sobre una gran base de esmalte, libros iluminados, vestimentas bordadas, manteles y otros objetos. Su capa de terciopelo morado, una túnica procesional, bordada con figuras, fue dejada al Papa, Urbano V. Los laicos ricos también emplearon artesanos para el trabajo religioso: comisionaron capillas de la capilla, donde se cantaban masas para sus almas y esculturas para sus tumbas.
Junto a la Iglesia, el rey era el mecenas más importante de las artes. Tenía derecho a ordenar a todo tipo de artesanos que vinieran a trabajar para él. En 1343, John de Walworth, un vidriero de Londres, recibió la orden de esmaltar las ventanas de la Capilla del Rey y las nuevas cámaras en el Palacio de Westminster. La influencia del rey podría ser muy grande para establecer o fomentar un nuevo oficio. Para llevar el tejido de tapices a Bohemia, Carlos IV de Alemania trajo una colonia de tejedores persas a Praga, mientras que el matrimonio de Enrique III con Leonor de Provenza en 1236 probablemente causó la introducción en Inglaterra del estilo mediterráneo. arte mosaico de pavimento con azulejos incrustados.
Los nobles, y en los siglos XIV y XV, la creciente clase de ricos burgueses, también eran mecenas. Colgaron sus casas con tapices, bebieron de vasos de plata y se lavaron las manos en platos esmaltados. Desde el siglo XIV en adelante, la demanda de placa secular y arte de joyería aumentó enormemente e incluso las esposas de los plebeyos tenían grandes colecciones. Por ejemplo, la última voluntad de la cuñada de un maestro de gremio de Glaziers muestra que tenía un broche de oro que representaba los cuatro puntos de la brújula, un par de rosarios de ámbar, una faja de seda con rosas de plata y una copa de plata. Hecho en Paris.
Aprendizajes y gremios
Durante la Edad Media, casi todos los artesanos, desde panaderos hasta plateros, se fueron organizando gradualmente en organismos profesionales llamados gremios o empresas. A mediados del siglo XIV, en su mayoría eran instituciones bien establecidas que combinaban actividades caritativas y sociales con su papel como organismos de control profesional.
Los gremios establecieron cómo deberían entrenarse los artesanos. The Long Masons ’Company, por ejemplo, declaró en 1360 que un aprendiz debería ser entrenado por un período de siete años. Además de la capacitación práctica, se esperaba que los maestros enseñaran lectura y escritura y fueron multados si no lo hacían. En el continente en particular, el aprendiz tendría que terminar su matrícula ejecutando una obra maestra. En la mayoría de los gremios de orfebres alemanes, se le exigió que produjera una copa, un sello y un anillo. Si pasa esta prueba, podría tomar la libertad de la empresa y convertirse en un maestro. Hacia el final de la Edad Media, este sistema comenzó a fallar y, para restringir el número de maestros, el aprendiz a menudo tuvo que pagar una tarifa considerable antes de ser admitido.
Los gremios también se preocuparon por las condiciones de trabajo de los artesanos y se ocuparon del mantenimiento de los estándares profesionales. Leímos que en 1374 cierta Catherine Duchemin había estado haciendo una tela "a la manera de Arras", pero con hilo de lino en lugar de lana. Por lo tanto, el director del gremio de tejedores de tapices solicita al concejal de la corte de Londres permiso para quemar el artículo ofensivo.
Aunque los gremios fijaron los salarios que los maestros deberían pagar a sus aprendices y jornaleros, el pago que los mismos maestros recibían generalmente se negociaba individualmente con el empleador, el patrón.
El patrocinio era muy importante para el artesano medieval. En contraste con el día de hoy, el papel del intermediario con un stock de artefactos para vender al por menor, como una joyería moderna, era muy limitado.
Sin intermediarios, se produjeron muy pocas obras de arte medievales en cantidad, pero hubo excepciones notables. Grandes cantidades de cruces baratas de cobre esmaltado, relicarios, cuencas, etc. se produjeron en la región francesa de Limoges durante el siglo XIII. A finales de los siglos XIV y XV, se exportaron cientos de estatuillas y retablos de alabastro, a veces tallados de manera muy tosca, desde Nottingham, Lincoln y York a otras áreas de Inglaterra y el continente.
La otra gran diferencia entre el artesano medieval y el artista moderno es que el artesano no consideraba su propia personalidad como una parte importante de su trabajo. El artista casi nunca dejó una firma y rara vez fue mencionado en los registros de la época: un panadero, después de todo, no soñaría con firmar sus panes. Hay ideas aisladas y tentadoras sobre este anonimato casi total, como cuando Mathew Paris, él mismo pintor, se interesó en la decoración de su monasterio y proporcionó una lista de algunos de los pintores involucrados. Sin embargo, en términos generales, se pensaba que no había nada mágico en ser un escultor o un platero. Hay muchas instancias registradas, por ejemplo, de autoridades de la Iglesia que emiten un contrato escrito para (digamos) una pintura retablo , que especifica: (1) la escena o tema bíblico exacto que se retratará; (2) qué Santos y miembros de la Sagrada Familia deberían incluirse, junto con sus tamaños relativos; (3) el tipo de pigmentos de color que se utilizarán; y así.
Arte de orfebrería
La más prestigiosa de todas las artesanías fue la de orfebrería y esmaltado. Con frecuencia era un hombre muy rico, en condiciones de otorgar préstamos a reyes y nobles, lo que le otorgaba un estatus considerable. Hasta cierto punto, también compartió el aura de santidad y prestigio que rodeaba los vasos sagrados y relicarios que hizo. Los orfebres también fabricaron y diseñaron monedas, cortaron sellos e incluso a veces estuvieron involucrados en escultura de bronce . Orfebres y esmaltes sobresalientes como Godefroid de Claire (c.1100-73) (uno de los creadores del Tríptico Stavelot – un famoso depósito de dos fragmentos de la Cruz Verdadera propiedad del monasterio Stavelot), y Nicolás de Verdún (c.1156–1232) (creador del Santuario de los Tres Reyes ahora en la Catedral de Colonia) – ambos Escuela Mosan – Tenían demanda en toda Europa. Su trabajo, como el de muchos orfebres y plateros, es muy escultórico, ilustrando la estrecha conexión entre su arte y el arte plástico del albañil
Manualidades de escultura, talla de madera y vidrieras
Hay algunas dudas sobre cómo se dividió el trabajo entre los diferentes oficios. Claramente algunos de los escultura de piedra fue realizado por albañiles que a menudo se llamaban "generadores de imágenes". No es seguro si esto significa que el mismo hombre que talló decoraciones en pilares tallaría las estatuas en la fachada de la catedral. Los coros parecen haber sido diseñados por el albañil a cargo del programa de construcción, pero ejecutados por carpinteros. Algunos artesanos, hacia el final de la Edad Media, parecen haber trabajado tanto en madera como en piedra, pero también surgieron ’kervers’ especializados que se concentraron en la escultura de madera.
No está claro cuántos carpinteros tuvieron talleres permanentes y cuántos simplemente viajaron llevando sus herramientas con ellos. Más bien se sabe más sobre los vidrieros. Generalmente tenían talleres en las ciudades más grandes. Su trabajo fue transportado por agua o por tierra a la iglesia que lo había encargado. En Inglaterra, los grandes centros de producción fueron Londres, York, Norwich, Bristol y Oxford. Ver: Vidrieras: materiales, métodos de fabricación de vidrio (desde 1100).
Las vidrieras son en realidad vidrios coloreados, unidos por plomo. La única mancha real utilizada fue el esmalte negro parduzco que se utilizó para los detalles más finos. En el siglo XIV también se introdujo la ’mancha plateada’ que le dio un color dorado. Solo el vidrio liso se fabricó en Inglaterra hasta el siglo XV, por lo que se importó vidrio coloreado.
Los vidrieros no estaban de ninguna manera arriba usando un diseño más de una vez. La ventana de Parker en York, por ejemplo, tiene una imagen de San Guillermo que es del mismo ’dibujo animado’ que San Nicolás en la ventana de Wolveden. Esta repetición no resta valor a las ventanas porque su efectividad depende más de la interrelación de las diversas formas y colores que de un solo detalle.
Tejido de tapices
Tapiz de arte era el único oficio que no estaba estrechamente relacionado con la Iglesia. La creciente riqueza de los laicos a lo largo del siglo XIV produjo un deseo de comodidad, y estos tapices de lana se convirtieron en la parte más importante del mobiliario de una habitación. Los tapices se vendieron en lo que se llamó una ’cámara’ que comprendía un dosel, una cabecera, una colcha y seis cortinas o tapices de pared. La nave fue establecida en Inglaterra por el reinado de Enrique III (1216-72), pero la mayoría de los tapices parecen haber sido importados de Flandes. Este era un gran centro de tejido que Arras, el nombre de la ciudad principal, se convirtió en otra palabra para tapiz. El duque local, Philip the Bold, poseía tantos tapices que tuvo que construir un edificio especial de piedra en Arras para alojarlos a todos. Ver también: Tapiz de Bayeux (1075).
Debido a que las cortinas eran a menudo para palacios y castillos, su tema con frecuencia no era religioso. Mostraron episodios de los grandes cuentos de la época como el Roman de la Rose. En el siglo XIV había numerosos trabajadores de tapices en Inglaterra, muchos atraídos de Flandes por el Estatuto de York, una ley destinada a estimular el oficio. En 1331, los tejedores de tapices de Londres recibieron su estatuto del Rey, pero el arte nunca echó raíces en Inglaterra como lo hizo en Flandes. Para trabajos posteriores, consulte: Tapiz de duendes (1601-presente).
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