Arte prorrenacentista: definición, características, historia Traductor traducir
¿Qué es el Proto Renacimiento? – Características
En bellas artes, el término "Proto Renacimiento" se refiere al período prerrenacentista (c.1300-1400) en Italia, y las actividades de pintores progresistas como Giotto (1267-1337), quienes fueron pioneros en la nueva forma de "realismo" figurativo, que fue completamente desarrollado por artistas durante la era de Arte renacentista apropiado. Sin embargo, el innovador arte de Giotto no representaba a la corriente principal europea o incluso italiana. Derivado de tradiciones heredado de Arte bizantino cristiano – que influyó en los murales de Pintura románica ) – el estilo conocido como Arte gótico , defendido en Italia por la ciudad de Siena, entre otros, seguía siendo el estilo predominante de pintura y escultura. De hecho, el idioma gótico sobrevivió hasta el siglo XV en la forma de un estilo conocido como Gótico internacional , que se hizo popular en muchas de las cortes reales de Europa, especialmente en Francia, España, Bohemia e Inglaterra. El Renacimiento propiamente dicho comenzó alrededor de 1400 en la ciudad de Florencia, pero sus ideales y métodos no se convirtieron en una fuerza dominante en el arte europeo hasta mediados del siglo XV. Los principales tipos de arte practicados durante el período del Proto-Renacimiento incluyeron: pintura mural al fresco, pintura de paneles de temple, iluminaciones de libros, escultura en relieve, orfebrería y otras formas de trabajo en metal. La mayoría de los desarrollos artísticos del período trecento del Proto-Renacimiento tuvieron un efecto directo en Pintura renacentista temprana (c.1400-90) de la quattrocento .
Iglesia de san francisco
La proximidad de Roma y la influencia de la Iglesia en todos los aspectos de la cultura italiana, significaron que la mayoría del arte (pintura y escultura) era arte religioso . No es sorprendente, por lo tanto, dos iglesias formar la puerta de entrada al Renacimiento propiamente dicho. La primera fue la iglesia del convento de San Francisco en Asís . En las últimas décadas del siglo XIII, fue decorada completamente en fresco por Cimabue (Cenni di Peppi), uno de los pintores más famosos del día. Su asistente era un joven llamado Giotto di Bondone (1267-1337), a quien empleó después de ver al joven dibujar las ovejas de su padre. Las escenas al fresco de la vida de San Francisco fueron retratadas con mucho más realismo que los estilos contemporáneos de Arte bizantino .
La capilla Scrovegni
La segunda iglesia fue la Capilla Scrovegni (también llamada Capilla Arena) construida en 1300 por Enrico degli Scrovegni, en Padua. Esto también fue decorado con frescos murales , solo que esta vez fueron totalmente creados por Giotto. Pintó toda la historia bíblica de tres generaciones de la Sagrada Familia: los padres de la Virgen, la Virgen misma y Jesús. La narración está representada con gran drama en un conjunto de paneles de madera de tiras cómicas, en tres filas a lo largo de las paredes. A diferencia de la convención anterior, estos pinturas religiosas tienen una calidad tridimensional, una sensación de profundidad y espacio, lograda a través del uso sin precedentes de modelado, sombra y perspectiva lineal . Sus figuras no solo parecen reales, sino que poseen una quietud heroica, un atributo que se convierte en un sello distintivo clave de Arte cristiano durante el Renacimiento italiano apropiado.
Giotto – El "Padre de la pintura"
Giotto de Bondone (c.1266-1337) abrió la puerta a un mundo completamente nuevo de pintura, ya que Giorgio Vasari Fue el primero en reconocer, en sus Vidas de los artistas (1550), cuando le dio crédito a Giotto por revivir el verdadero arte de la pintura, introducir el dibujo de la naturaleza y restaurar el arte italiano a su antigua grandeza y prestigio. Como resultado, designó al artista como el "Padre de la pintura". Bajo Giotto, la pintura italiana se convirtió en el principal estilo de arte europeo hasta bien entrado el siglo XVII.
Alumno del artista Cimabue, Giotto pintó por primera vez en la Iglesia Superior de San Francesco en Asís. Luego, entre 1304 y 1310, pintó el ciclo masivo de arte bíblico en la Cappella degli Scrovegni en Padua (Capilla Arena). Ver, por ejemplo, sus frescos en The Traición de Cristo (Beso de Judas) (1305) y El Lamentación de cristo (1305)
Después de 1311, aparte de estadías más largas en Milán y Nápoles, sus rastros se pueden discernir en Florencia. Otras obras importantes se han conservado parcialmente en los frescos de las capillas Bardi y Peruzzi (creadas después de 1320) en la iglesia franciscana de Santa Croce en Florencia. Giotto también estuvo activo como pintor de retablos y como arquitecto (campanario de la Catedral de Florencia). Para más sobre el Renacimiento Florentino y el famoso duomo de la ciudad, ver: Catedral de Florencia, Brunelleschi y el Renacimiento (1420-36).
Entre los contemporáneos de Giotto, los poetas Dante y Petrarca han comentado que fue el primero en introducir la realidad en pintura de bellas artes . Llenó un espacio pictórico comprensible con individuos realistas con formas redondeadas naturalistas, en contraste con las imágenes planas y decoradas linealmente de una madonna bizantina, o incluso una imagen de madonna de su maestro Cimbue. En resumen, Giotto desecha las imágenes religiosas medievales poco realistas y permite a los espectadores identificarse con la mujer en el trono, una forma de pintar que sacudió el arte religioso hasta sus cimientos.
Además, en su religión pintura de historia Giotto pudo representar simultáneamente una sucesión de momentos en el tiempo, mejorando enormemente la práctica actual de la narración pictórica. Él arregló en un solo cuadro pictórico escenas que realmente ocurrieron secuencialmente en el texto bíblico.
Hacia el final de la vida de Giotto (1267-1337), las autoridades florentinas completaron la construcción del Piazza della Signoria , que se convirtió en el punto focal de la ciudad. Con su ayuntamiento de estilo románico, el Palazzo Vecchio, y sus numerosas estatuas, se convirtió en el centro artístico y cívico de Florencia.
Los estudiantes más importantes de Giotto son Maso di Banco (activo alrededor de 1330-1350), que desarrolló un sentido especial para los efectos de superficie abstractos (Capilla Bar-di-Vernio, Santa Croce, Florencia. C.1330-1340) y Taddeo Gaddi (c. 1300-1366) que introdujo efectos de iluminación experimentales en la pintura al fresco. Giotto también tuvo una influencia significativa en los más conservadores. Escuela de pintura de Siena , en Siena, un feroz rival cívico de Florencia.
Además, todos los posteriores Viejos maestros de la época del Renacimiento, incluidos los italianos Masaccio, Mantegna, Leonardo Da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano, así como los pintores holandés y alemán Roger Van der Weyden, Van Eyck, Hieronymus Bosch y Albrecht Durer estaban muy familiarizados con el trabajo de Giotto y reconocieron su contribución a la historia del Arte .
Los frescos de Nerezi
La pequeña iglesia del monasterio bizantino de San Panteleimon en Gorno Nerezi, República de Macedonia, fue construida en 1164 y sus frescos son ejemplos célebres del arte bizantino de la era comneniana, que representan la Pasión de Cristo y varias otras ilustraciones hagiográficas. Se han encontrado ejemplos similares de pintura mural medieval macedonia en el monasterio de Latomou en Salónica. Sobre todo, estos murales demuestran que la pintura bizantina (y su descendencia gótica más famosa) no era el tipo de arte estático que algunos estudiosos del Renacimiento han asumido que era. En la medida en que esto plantea la posibilidad de que el estilo bizantino / gótico se haya desarrollado por sí solo en algo como el "estilo renacentista" ( tengo mis dudas sobre esto, editor ), califica la enorme contribución de Giotto al desarrollo de la pintura occidental.
Escuela de Siena: Duccio de Buoninsegna
En Siena, la pintura religiosa tardó más en alejarse de la tradición bizantina (ver Pintura románica en Italia ) – un desarrollo que Giotto había logrado de un salto. Como resultado, durante muchos años, la pintura senesa de principios del siglo XIII permaneció injustamente a la sombra de Giotto y su escuela. Donde Giotto empleó volúmenes en bloque para mejorar su pintura de figura , la línea siguió siendo todo para el líder de Siena Duccio de Buoninsegna (1255-1318). Sin embargo, tanto en la belleza de la línea y el desarrollo gráfico, como en la riqueza de sus materiales y colores, Duccio no es de ninguna manera inferior a Giotto, y de hecho su narración imaginativa, su dibujo , sus sensibles gradaciones de color y sus espacios pictóricos y paisajísticos sorprendentemente profundos, incluso superan a los del artista florentino, como se ve en las escenas de Duccio de la vida de Cristo en el reverso de la Retablo de Maesta (1308, Museo dell’Opera Metropolitana, Siena), la gigantesca pintura del antiguo altar de la Catedral de Siena. En el frente, Mary se sienta en medio de un círculo de santos, en una interpretación temprana de la ’conversación sagrada’, un tema de pintura que luego se hizo popular en el quattrocento florentino.
Al igual que Giotto, Duccio exploró formas diferentes pero armoniosas en las que el arte podría hacer referencia a la experiencia del espectador del mundo cotidiano sin perder el sentido de lo sagrado. Giotto, primero en Asís en la década de 1290 y luego en la Capilla de la Arena en Padua (c. 1305), pobló espacios cuidadosamente diseñados con figuras tridimensionales en poses significativas. En contraste, Duccio prefirió enfatizar el color, los efectos decorativos y las figuras delicadamente articuladas para presentar un efecto más lírico pero no menos humano. Ver también: diminutivo de Duccio Stroganoff Madonna (1300). (Ver también: Mejores dibujos renacentistas .)
Escuela de Siena: Simone Martini
Estudiante de Duccio Simone Martini (1284-1344) presenta un espectro aún más amplio de temas y estilos. También comenzó en Siena con una Maesta (1315), pintada como un fresco para el Palazzo Publico en una variación cortesana en la pintura del altar de Duccio en la catedral. Sin embargo, su obra maestra es la exquisita Tríptico de Anunciación (1333), pintado para la catedral de Siena. El trabajo posterior de Martini en Italia revela cada vez más las influencias de la pintura de libros del gótico francés tardío, como se evidencia en los frescos de la Capilla de Martin en la iglesia inferior de San Francesco en Asís, y el artista se convirtió en pintor de la corte en Nápoles para Robert I de Anjou en 1317.
De Martini aprendemos mucho más sobre la vida cortesana del trecento que de Giotto, que persiguió imágenes pictóricas religiosas clásicas e intemporales que existían aparte de la vida cotidiana. Martini se abrió camino lentamente hacia Aviñón, aunque sus obras allí no han sobrevivido.
Escuela de Siena: Ambrogio y Pietro Lorenzetti
Otros dos pintores de Siena notables fueron los hermanos. Ambrogio Lorenzetti (c.1290-1352) y Pietro Lorenzetti (c.1280-1348) – con toda probabilidad estudiantes de Duccio. Sus pinturas y frescos del altar, que también revelan cierta influencia de Giotto, son más emotivos y más vivos que los de sus contemporáneos de Siena. La obra maestra más grande de Ambrogio Lorenzetti, la monumental Alegoría del buen y mal gobierno (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena), no solo es el primer paisaje y paisaje urbano en el arte europeo, sino que también revela una comprensión del gobierno de la ciudad de Siena en sus innumerables detalles.
Aviñón: pintura francesa del libro
En 1309, la anarquía en Roma llevó a la transferencia de la corte papal a la antigua ciudad de Aviñón, en el sur de Francia. La presencia de esta rica fuente de mecenazgo atrajo a muchos artistas, incluidos Simone Martini y, según los informes, Giotto. Como resultado, Aviñón floreció como un centro artístico y se convirtió en la plataforma de lanzamiento para la dispersión del arte italiano hacia el norte en Borgoña, el centro de Francia y los Países Bajos. En la corte de Aviñón, la observación gótica tardía de la naturaleza, la poesía, la teología mística de la devoción moderna , unida a la belleza italiana de la línea. La pintura de libros se convirtió en el medio de la hora: a la vez lujosos y fáciles de empacar y transportar, los libros iluminados se convirtieron en artículos de colección. Ambos mejoraron el honor de cortesanos y príncipes como el duque de Berry en Bourges (el hermano de Felipe II, el audaz, de Borgoña) y sirvieron en el culto privado.
Entre la multiplicidad de miniaturas de alta calidad, el trabajo del maestro parisino Jean Pucelle (c.1290-1334) dominó la primera mitad del siglo XIV, seguido más tarde por el Hermanos Limbourg (c.1380-1416). Por encargo del duque de Berry, produjeron varios manuscritos iluminados o ’libros de horas’, que incluyen obras maestras como Les Belles Heures (1408, Metropolitan Museum of Art, The Cloisters, Nueva York) y el Tres Riches Heures du Duc de Berry (1413-16, Museo Conde, Chantilly) "la creación más tierna y fina del arte en miniatura", según el historiador Johan Huizinga. Con su ilustración detallada del ciclo anual de la naturaleza, estos libros de horas de principios del siglo XV representan la primera serie de imágenes de género en la historia de la pintura. Anticiparon la inventiva pictórica religiosa posterior, y sus interiores profundamente enmarcados prepararon el camino para el arte de Jan Van Eyck "en miniatura".
Pinturas de paneles y los murales revelan un perfil correspondientemente menos independiente, aparte del trabajo de varias escuelas regionales, como el de Provenza alrededor de 1400. Jean Fouquet (c.1420-1481), como miniaturista y pintor de paneles, también constituye una excepción, y esencialmente fundó la pintura francesa: vea su extraordinario Díptico Melun (1450-55).
Movimiento Internacional de Arte Gótico
Entre aproximadamente 1370 y 1430, un fenómeno similar aparece en toda la pintura europea desde Inglaterra, pasando por Francia, Borgoña, el norte y centro de Alemania, Bohemia, Austria e Italia. Las características del estilo gótico internacional se unieron en las esculturas de las "Hermosas Madonnas", en las pinturas de paneles, murales y pintura de libros de la época, así como en la orfebrería de orfebrería. La escultura, los manuscritos iluminados y las imágenes devocionales funcionaban como un medio de diplomacia y como obsequio entre cortes y gobiernos. Una cultura cortesana refinada, por cuyo estilo inicialmente la corte bohemia de Habsburgo del emperador Carlos IV, y luego las cortes de los duques de Borgoña, establecieron estándares europeos – se celebró en la pintura en forma de Brillantes fondos dorados, colores delicadamente cambiantes, prendas que se mueven sutilmente, gestos preciosamente refinados y los rostros ambiguamente sonrientes de santos y ángeles. Provenientes de los primeros años del período, las capillas privadas del emperador Carlos son obras de arte integrales que incorporan piedras preciosas con paneles pintados, frescos y equipamiento litúrgico.
En Italia, el gotico internacional tardío se produjo al mismo tiempo que el Renacimiento temprano, y gozó del mismo favor de los contemporáneos. Influencias derivadas del trabajo de Lorenzo Monaco (c. 1370-1425) Gentile da Fabriano (c.1365-1427) y Masolino (1383-1440), siguen siendo evidentes después de 1498 en Botticelli Trabajo religioso tardío.
En Borgoña, el pionero flamenco Melchior Broederlam (c.1350-1411) señaló el camino hacia el arte de Robert Campin y Jan van Eyck , mientras que en Alemania, pintores de la Escuela de Colonia, en particular Stefan Lochner (c.1405-1451), y en el norte los Maestros Bertram (c.1340-1415) y Francke (c.1380-1430), combinaron la linealidad del arte cortesano bohemio con la riqueza de detalles encontrados en la pintura de libros franceses y Los primeros maestros holandeses.
Nota: Las obras que reflejan el estilo de la pintura y las iluminaciones de Proto Renaissance se pueden ver en algunos de los mejores museos de arte en el mundo.
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