Arte prorrenacentista: definición, características, historia Traductor traducir

En las artes visuales, el término «Proto-Renacimiento» se refiere al periodo anterior al Renacimiento (c. 1300-1400) en Italia y a las actividades de artistas progresistas como Giotto (1267-1337), pionero de una nueva forma de realismo «figurativo», que desarrollaron plenamente los artistas durante el Renacimiento propiamente dicho . Sin embargo, el arte innovador de Giotto no representaba la corriente dominante europea, ni siquiera la italiana. Derivado de tradiciones heredadas del arte bizantino cristiano -que a su vez influyó en los frescos de la pintura románica) - el estilo conocido como arte gótico, que apareció en Italia, entre otras, en la ciudad de Siena, seguía siendo el estilo predominante de pintura y escultura.

De hecho, el estilo gótico sobrevivió hasta el siglo XV en forma de un movimiento conocido como Gótico internacional que se popularizó en muchas cortes reales de Europa, sobre todo en Francia, España, Bohemia e Inglaterra. El Renacimiento propiamente dicho comenzó hacia 1400 en Florencia, pero sus ideales y métodos no se convirtieron en una fuerza dominante en el arte europeo hasta mediados del siglo XV. Las principales artes practicadas durante el periodo proto-renacentista fueron la pintura mural al fresco, la pintura al temple, las iluminaciones de libros, la escultura en relieve, la orfebrería y otros trabajos en metal. La mayoría de los logros artísticos del Trecento Protorrenacimiento influyeron directamente en la pintura del Renacimiento temprano (c. 1400-90) Quattrocento .

Iglesia de San Francisco

La proximidad de Roma y la influencia de la Iglesia en todos los aspectos de la cultura italiana hicieron que gran parte del arte (pintura y escultura) fuera arte religioso . No es de extrañar, por tanto, que dos iglesias constituyan la puerta de entrada al Renacimiento. La primera fue la iglesia monástica de San Francisco en Asís . En las últimas décadas del siglo XIII fue completamente decorada con frescos, ejecutados por Cimabue (Cenni di Peppi), uno de los pintores más famosos de la época. Su ayudante fue un joven llamado Giotto di Bondone (1267-1337), a quien contrató tras ver a un joven pintando las ovejas de su padre. Las escenas pintadas al fresco de la vida de San Francisco fueron representadas con mucho más realismo que los estilos contemporáneos del arte bizantino .

La capilla de Scrovegni

La segunda iglesia fue la Capella Scrovegni (también llamada Capilla de la Arena), construida en la década de 1300 por Enrico degli Scrovegni en Padua. También fue decorada con frescos, pero esta vez por Giotto. Giotto representó toda la historia bíblica de las tres generaciones de la Sagrada Familia: los padres de la Virgen, la Virgen misma y Jesús. La narración se representa con gran dramatismo en forma de tiras cómicas sobre paneles de madera dispuestos en tres filas a lo largo de las paredes. A diferencia de las tradiciones anteriores, estas pinturas religiosas tienen una calidad tridimensional, una sensación de profundidad y espacio conseguida gracias al uso sin precedentes que Giotto hace del modelado, las sombras y la perspectiva lineal . Sus figuras no sólo parecen reales, sino que poseen una quietud heroica, un atributo que se convierte en un rasgo distintivo clave del arte cristiano durante el Renacimiento italiano .

Giotto - «Padre de la pintura»

Giotto di Bondone (c. 1266-1337) abrió las puertas a todo un nuevo mundo de la pintura, como Giorgio Vasari fue el primero en reconocer en su libro «Vidas de los artistas» (1550) cuando atribuyó a Giotto el mérito de revivir el verdadero arte de la pintura, introduciendo el dibujo del natural y devolviendo al arte italiano su antigua grandeza y prestigio. En consecuencia, llamó al artista «padre de la pintura». Con Giotto, la pintura italiana se convirtió en el principal estilo artístico europeo hasta el siglo XVII.

Alumno del pintor Cimabue, Giotto pintó primero en la iglesia superior de San Francisco de Asís. Después, entre 1304 y 1310, pintó un enorme ciclo de obras bíblicas en la Capella degli Scrovegni de Padua (Capilla de la Arena). Véanse, por ejemplo, sus frescos sobre «La traición de Cristo (El beso de Judas)» (1305) y «El luto de Cristo» (1305).

Después de 1311, aparte de una estancia más larga en Milán y Nápoles, se encuentran rastros suyos en Florencia. Otras obras importantes se conservan parcialmente en los frescos de las capillas Bardi y Peruzzi (realizados después de 1320) de la iglesia franciscana de Santa Croce de Florencia. Giotto también fue pintor de retablos y arquitecto (el Campanile de la catedral de Florencia). Para más información sobre el Renacimiento florentino y el famoso Duomo, véase: La catedral de Florencia, Brunelleschi y el Renacimiento (1420-36).

Entre los contemporáneos de Giotto, los poetas Dante y Petrarca señalaron que fue el primero en introducir la realidad en las artes plásticas . Llenó el espacio pictórico inteligible con rostros realistas de formas redondeadas naturalistas, en contraste con las imágenes planas y linealizadas de las madonas bizantinas o incluso de las madonas de su maestro Cimbue. En resumen, Giotto subvierte la irreal imaginería religiosa medieval y permite al espectador identificarse con la mujer del trono, un modo de pintar que sacudió el arte religioso hasta la médula.

Además, en su pintura de historia religiosa Giotto fue capaz de representar simultáneamente una secuencia de momentos en el tiempo, ampliando así en gran medida la práctica contemporánea de la narrativa pictórica. Dispuso en un marco pictórico escenas que en realidad ocurrieron secuencialmente en el texto bíblico.

Hacia el final de la vida de Giotto (1267-1337), las autoridades florentinas completaron la construcción de la Piazza della Signoria, que se convirtió en el centro de la ciudad. Con su ayuntamiento románico, el Palazzo Vecchio, y numerosas estatuas, se convirtió en el centro artístico y cívico de Florencia.

Los discípulos más importantes de Giotto son Maso di Banco (activo hacia 1330-1350), que desarrolló un sentido particular de los efectos abstractos de superficie (Capilla Bar di Vernio, Santa Croce, Florencia. c. 1330-1340) y Taddeo Gaddi (c. 1300-1366), que introdujo efectos experimentales de iluminación en la pintura al fresco. Giotto también influyó notablemente en la escuela de pintura sienesa , más conservadora, de Siena, acérrima rival civil de Florencia.

Además, todos los maestros posteriores del Renacimiento, incluidos los italianos Mazaccio, Mantegna, Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano, así como los pintores holandeses y alemanes Roger van der Weyden, Van Eyck, Hieronymus Bosch y Albrecht Dürer, conocían bien la obra de Giotto y reconocieron su contribución a la historia del arte .

Los frescos Neresi

La pequeña iglesia del monasterio bizantino de San Panteleimón en Gorno Nerezi, República de Macedonia, fue construida en 1164, y sus frescos son famosos ejemplos del arte bizantino de la época comneniana, representando la Pasión de Cristo y varias otras ilustraciones hagiográficas. Ejemplos similares de pinturas murales medievales macedonias se encontraron en el monasterio de Latomou, en Tesalónica.

Por encima de todo, estos frescos demuestran que la pintura bizantina (y su vástago más famoso, el gótico) no era la forma de arte estática que algunos estudiosos del Renacimiento creían que era. En la medida en que esto plantea la posibilidad de que el estilo bizantino o gótico pudiera haber evolucionado independientemente hasta convertirse en algo parecido «al estilo renacentista» ) existen dudas al respecto), matiza la enorme contribución de Giotto al desarrollo de la pintura occidental.

La escuela de Siena: Duccio de Buoninsegna

En Siena la pintura religiosa tardó más en alejarse de la tradición bizantina (véase La pintura románica en Italia). - Una evolución que Giotto logró de un salto. Como resultado, durante muchos años la pintura sienesa de principios del siglo XIII se vio injustamente eclipsada por Giotto y su escuela. Donde Giotto utilizó volúmenes en bloque para realzar su pintura de figuras, la línea lo siguió siendo todo para el líder sienés Duccio de Buoninsegna (1255-1318).

Sin embargo, tanto en belleza de línea y desarrollo gráfico, como en riqueza de materiales y colores, Duccio no tiene nada que envidiar a Giotto, y en imaginería narrativa, en dibujo, en sensibles gradaciones de color y en espacios pictóricos y paisajísticos sorprendentemente profundos, superan incluso al pintor florentino, como puede verse en «las Escenas de la vida de Cristo» de Duccio en el reverso del Retablo de la Maestina (1308, Museo dell’Opera Metropolitana, Siena), un gigantesco antiguo retablo de la catedral de Siena. En el anverso, María está sentada entre un círculo de santos, en una temprana interpretación «de la santa conversación», un tema pictórico que más tarde se popularizó en el Quatrocento florentino.

Al igual que Giotto, Duccio exploró formas diferentes pero armoniosas en las que el arte podía referirse a la experiencia del mundo cotidiano del espectador sin perder su sentido de lo sagrado. Giotto -primero en Asís en la década de 1290 y después en la Capilla de la Arena de Padua (c. 1305)- pobló espacios elaborados con figuras tridimensionales en poses significativas. Por el contrario, Duccio prefirió hacer hincapié en el color, los efectos decorativos y las figuras finamente articuladas para crear un efecto más lírico pero no menos humano. Véase también: reducida La Madonna Stroganoff de Duccio (1300). (Véase también: Los mejores dibujos del Renacimiento .)

Escuela de Siena: Simone Martini

Alumno de Duccio , Simone Martini (1284-1344) representa un abanico aún más amplio de temas y estilos. También empezó en Siena, pintando «Maesta» (1315) como fresco para el Palacio Público, en una variación cortesana sobre el tema del retablo de Duccio en la catedral. Su obra maestra, sin embargo, es el exquisito Tríptico de la Anunciación (1333), pintado para la catedral de Siena. La obra posterior de Martini en Italia revela cada vez más la influencia de la pintura de libros del gótico tardío francés, como se aprecia en los frescos de la capilla Martín de la iglesia baja de San Francisco de Asís, y el artista llegó a ser pintor de la corte de Nápoles bajo el reinado de Roberto I de Anjou en 1317.

De Martini aprendemos mucho más sobre la vida cortesana del Trecento que de Giotto, que buscaba imágenes religiosas eternamente clásicas que existieran al margen de la vida cotidiana. Martini llegó poco a poco a Aviñón, aunque su obra no ha sobrevivido allí.

La escuela de Siena: Ambrogio y Pietro Lorenzetti

Otros dos notables artistas sieneses fueron los hermanos Ambrogio Lorenzetti (c. 1290-1352) y Pietro Lorenzetti (c. 1280-1348), con toda probabilidad alumnos de Duccio. Sus retablos y frescos, que también muestran cierta influencia de Giotto, son más emotivos y vivos que los de sus contemporáneos sieneses. La mayor obra maestra de Ambrogio Lorenzetti, la monumental «Alegoría del buen y mal gobierno» (1338-9, Palazzo Pubblico, Siena), no sólo es el primer paisaje urbano y paisajístico del arte europeo, sino que también revela una comprensión del gobierno urbano de Siena en sus innumerables detalles.

Aviñón: la pintura francesa del libro

En 1309, la anarquía en Roma provocó el traslado de la corte papal a la antigua ciudad meridional francesa de Aviñón. La presencia de tan rica fuente de mecenazgo atrajo a muchos artistas, entre ellos Simone Martini y, según se rumorea, Giotto. Como resultado, Aviñón floreció como centro artístico y se convirtió en la plataforma de lanzamiento para la difusión del arte italiano hacia el norte, en Borgoña, el centro de Francia y los Países Bajos.

En la corte de Aviñón, la observación tardogótica de la naturaleza, la poesía, la teología mística devotio moderna, se unieron a la belleza italiana de la línea. La pintura de libros se convirtió en el medio artístico de la época: a la vez lujosos y fáciles de empaquetar y transportar, los libros iluminados se convirtieron en objetos de coleccionista. A la vez, realzaban el honor de cortesanos y príncipes, como el duque de Berry en Bourges (hermano de Felipe II el Temerario, de Borgoña), y servían para el culto privado.

Entre las numerosas miniaturas de gran calidad, la primera mitad del siglo XIV estuvo dominada por la obra del maestro parisino Jean Pucel (c. 1290-1334) y más tarde por los hermanos Limbourg (c. 1380-1416). El duque de Berry les encargó varios manuscritos iluminados o «libros de horas», entre ellos obras maestras como «Les Belles Heures» (1408, Metropolitan Museum of Art, The Cloisters, Nueva York) y el magnífico libro de relojes del duque de Berry (1413-16, Musée de Condé, Chantilly) «la creación más delicada y bella del arte en miniatura», según el historiador Johan Huizinga. Estos libros de horas de principios del siglo XV, con sus detalladas ilustraciones del ciclo anual de la naturaleza, representan la primera serie de cuadros de género de la historia de la pintura. Anticiparon el ingenio pictórico religioso posterior, y sus interiores profundamente enmarcados allanaron el camino para el arte de Jan Van Eyck «en miniatura».

Las pinturas sobre tabla y los frescos muestran un perfil correspondientemente menos independiente, con la excepción de las obras de varias escuelas regionales, como la escuela de Provenza hacia 1400. Jean Fouquet (c. 1420-1481), como miniaturista y pannost, es también una excepción, y fundó esencialmente la pintura francesa: véase su excepcional díptico de Melun (1450-55).

El movimiento internacional del arte gótico

Entre 1370 y 1430, aproximadamente, aparece un fenómeno similar en la pintura europea, desde Inglaterra hasta Italia, pasando por Francia, Borgoña, el norte y el centro de Alemania, Bohemia y Austria. Los rasgos del estilo gótico internacional eran evidentes en las esculturas «de las Bellas Madonas», en los paneles, frescos y pintura de libros de la época, y en la joyería.

La escultura, los manuscritos iluminados y las imágenes devocionales sirvieron como medio de diplomacia y regalos entre cortes y gobiernos. La sofisticada cultura cortesana -cuyo estilo, primero la corte bohemia del emperador Carlos IV de Habsburgo y luego las cortes de los duques de Borgoña marcaron las pautas europeas- se hizo famosa en la pintura en forma de relucientes fondos dorados, colores delicadamente cambiantes, ropajes sutilmente movidos, gestos exquisitos y rostros ambiguamente sonrientes de santos y ángeles. Las capillas privadas del emperador Carlos de la primera época son obras de arte completas que combinan piedras preciosas con pintura sobre tabla, frescos y mobiliario litúrgico.

En Italia, el Gótico Internacional tardío surgió al mismo tiempo que el Renacimiento temprano y gozó del mismo favor que sus contemporáneos. La influencia de las obras de Lorenzo Monaco (c. 1370-1425), Gentile da Fabriano (c. 1365-1427) y Masolino (1383-1440) sigue siendo evidente después de 1498 en las obras religiosas tardías de Botticelli .

En Borgoña, el innovador flamenco Melchior Broderlam (c. 1350-1411) señaló el camino para el arte de Robert Kampen y Jan van Eyck, mientras que en Alemania los artistas de la Escuela de Colonia, especialmente Stephan Lochner (c. 1405-1451), y en el norte los maestros Bertram (c. 1340-1415) y Franke (c. 1380-1430), combinaron la linealidad del arte cortesano bohemio con la riqueza de detalles característica de la pintura francesa de libros y de los primeros maestros holandeses.

Nota: obras que reflejan el estilo proto-renacentista de pintura e iluminación pueden verse en algunos de los mejores museos de arte del mundo.