Jan Vermeer: ​​pintor de género holandés, retratista, escuela de Delft 1 344 Traductor traducir La edición de esta sección aún no ha terminado

Biografía

El líder de la Artistas realistas holandeses , Jan (o Johannes) Vermeer especializado en pintura de género e informal arte de retrato (en su mayoría interiores domésticos con una o dos figuras), aunque también pintó un número muy pequeño de paisajes urbanos y obras alegóricas. Activo en Delft, fue un pintor moderadamente exitoso mientras estaba vivo, pero después de su muerte, su trabajo fue en gran parte olvidado. Eso fue hasta 200 años después, cuando el crítico de arte Thore Burger publicó un ensayo en 1866 reconociéndolo como uno de los mejores Viejos maestros de la escuela de Pintura holandesa del siglo XVII y una figura clave en Arte de la reforma protestante del norte de Europa. Como Vermeer trabajó extremadamente lento, solo produjo alrededor de 45 pinturas en su vida.

Sus obras más conocidas incluyen Girl with a Pearl Earring , (c.1665, Mauritshuis, La Haya), The Milkmaid (c.1658, Rijksmuseum, Amsterdam), The Art of Painting: An Allegory (c.1666, Kunsthistorisches Museum, Vienna), Chica con el sombrero rojo (1665-6, National Gallery Washington DC), Mujer leyendo una carta en una ventana abierta , (Gemaldegalerie, Dresden), Woman Holding a Balance (1662-3, National Gallery of Art, Washington DC) y Vista de Delft (1661 Mauritshuis). Es considerado como uno de los mejores pintores de género en la historia del arte, y uno de los mejores retratistas de la edad de oro holandesa.

Vida temprana

Poco se sabe de los primeros años de vida de Vermeer, pero nació en 1632 en Delft, Países Bajos, en una familia de clase media baja. Su padre era un tejedor de seda y comerciante de arte que luego también se convirtió en posadero. Cuando murió su padre, Jan heredó el negocio de posadas y ventas de arte, lo que ayudó a complementar su carrera en la pintura. Sus primeros años de aprendizaje son vagos, pero se cree que pudo haber estudiado con los artistas holandeses Leonaert Bramer (que pintó escenas nocturnas y frescos) y / o Carel Fabritius. Otras posibles influencias fueron Dirck van Baburen y Hendrick Terbrugghen (miembros destacados de un grupo de artistas holandeses que fueron influenciados por Caravaggio , el llamado Utrecht Caravagismo grupo).

Es difícil dar una descripción cronológica de las pinturas de Vermeer, ya que solo fechaba tres. Estos son The Procuress , 1656 (Gemäldegalerie, Dresden), The Astronomer , (1668, colección privada) y The Geographer , (1669, Städelsches, Frankfurt). Sus primeros trabajos tendieron a ser más grandes en escala y más brillantes en paleta. A medida que maduró, sus pinturas se hicieron más pequeñas y su color paleta más fresca, dominada más por amarillos, grises y azules.

Técnica pictórica

Vermeer es particularmente conocido por su tratamiento de la luz que adquiere una apariencia casi perlada. Lo logró mediante un método llamado pointillé , que implica el uso de capas de pintura granular para dar un efecto final transparente. No estamos seguros de cómo Vermeer se preparó para sus pinturas, ya que no existen dibujos previos, pero se cree que pudo haber usado una cámara oscura para lograr el posicionamiento en sus composiciones. Este fue uno de los primeros dispositivos de imágenes, y cuando se veía una composición a través de la lente, proyectaba una luz tenue sobre el sujeto, como la iluminación lograda en las pinturas de Vermeer. Estos efectos de luz se conocen como halation. Cuando se trataba de color, a diferencia de muchos de sus contemporáneos, Vermeer utilizó liberalmente el ultramar, creado a partir del pigmento increíblemente caro lapislázuli. Esto se puede ver mejor en el turbante de su famosa pintura The Girl with a Pearl Earring .

Luz y color

Sobre todo, Vermeer estaba interesado en los efectos del color, la luz y la luz reflejada. Por lo general, trata de capturar el momento en que la luz natural inunda un espacio, o los reflejos brillantes en recipientes o superficies de metal, o telas.

Una de las curiosidades de la paleta de colores de Vermeer, en comparación con la de sus contemporáneos, como Pieter de Hooch, era su preferencia por el ultramar natural (uno de los pigmentos de color más costosos, hecho de lapislázuli triturado) en lugar de la azurita alternativa más barata. También fue un exponente supremo en el uso de plomo blanco, ámbar y negro de carbón para crear paredes blancas que reflejan la luz natural del día con diferentes intensidades, lo que permite la visualización de texturas irregulares en la superficie enyesada de la pared.

En 1653, Vermeer se convirtió en miembro del Delft Guild of Saint Luke, una asociación comercial local para pintores, que demostró respeto entre sus compañeros. Los registros del gremio indican que inicialmente no pagó su tarifa de ingreso, lo que sugiere que tuvo dificultades financieras. Alrededor de 1662 fue elegido jefe del gremio.

Vermeer murió en 1675, solo tenía unos 43 años en ese momento. Si hubiera vivido más tiempo, al mundo no se le habría negado la oportunidad de ver cómo habrían madurado las obras de este maestro. Tal como están las cosas, gracias a su ’redescubrimiento’ en la década de 1860, Vermeer ahora se considera una de las figuras más grandes de Arte barroco holandés y, debido a su pequeño rendimiento, sus obras se encuentran entre las más valiosas en el historia del Arte .

Pinturas famosas de Vermeer

Vermeer produjo algunas de las mejores pinturas de género en la historia del arte, entre los cuales se encuentran los siguientes:

La procuradora (1656) Óleo sobre lienzo. Alte Meister Gallerie, Dresde.
Niña dormida en una mesa (c.1657) Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
Soldado y una niña riendo (c.1658) Óleo sobre lienzo. Colección Frick, Nueva York.
Niña leyendo una carta en una ventana abierta (c.1657) Alte Meister Gallerie, Dresden .
La lechera (c.1658-1660) Óleo sobre lienzo. Rijksmuseum, Amsterdam.
La pequeña calle (c.1657-1658) Óleo sobre lienzo. Rijksmuseum, Amsterdam.
Vista de Delft (c.1660-1661) Óleo sobre lienzo. Mauritshuis, La Haya.
Hombre y mujer con una copa de vino (c.1658-1660) Gemaldegalerie, Berlín.
Una mujer y dos hombres (c. 1660) Museo Herzog Anton Ulrich, Brunswick.
Mujer joven con una jarra de agua (c.1662) Museo Metropolitano, Nueva York.
Mujer con collar de perlas (c.1664) Staatliche Museen zu Berlin.
Mujer sosteniendo un equilibrio (1662-3) Galería Nacional de Arte, Washington DC.
Mujer de azul leyendo una carta (c.1664) Rijksmuseum, Amsterdam.
Mujer tocando un laúd cerca de una ventana (c.1664) Museo Metropolitano, NY.
The Music Lesson (Lady and Gentleman at the Virginals) 1665 Royal Collection.
El concierto (c.1665-1666) Museo Isabella Stewart Gardner, Boston, MA.
Chica con un arete de perla (c.1665) Mauritshuis, La Haya.
Lady Writing a Letter (c.1665-1670) Galería Nacional de Arte, Washington DC.
La carta de amor (c.1669-1670) Óleo sobre lienzo. Rijksmuseum, Amsterdam.
El arte de la pintura (c.1666-1673) Kunsthistorisches Museum, Viena.
Señora de pie en un virginal (c.1673-1675) National Gallery, Londres.
Señora sentada en un virginal (c.1673-1675) National Gallery, Londres.
La encajera (c.1669-1670) Óleo sobre lienzo. Louvre, París.
Chica con un sombrero rojo (c.1666) Óleo sobre panel. Galería Nacional, Washington DC.
Chica con flauta (c.1666) Óleo sobre tabla. Galería Nacional, Washington DC.
Señora escribiendo una carta con su doncella (1670) Galería Nacional de Irlanda.
El guitarrista (c.1672) Óleo sobre lienzo. Legado de Iveagh, Kenwood, Reino Unido.

El arte de Jan Vermeer (1632-75)

Recuperado del olvido completo por la investigación moderna, las cuarenta imágenes más o menos que se pueden atribuir con confianza a Jan Vermeer de Delft ahora se consideran la consumación de Pintura barroca en Holanda. Considerado técnicamente, Vermeer es simplemente el practicante más capaz y exquisito del estilo brillante que produjo Holland. Nunca hubo una observación más exquisita que la de los grados de luz absorbida o reflejada, un cuidado más escrupuloso en los bordes decorativos y de modelado, una consideración más cuidadosa de la sustancia y la textura, un método de construcción más simple y gracioso. También fue el máximo exponente de la fórmula holandesa de composición. nadie le dio mayor valor al arabesco de la figura encerrado en un patrón de cuadriláteros arquitectónicos. Tenía refinamientos de color propios: armonías inefables de azul pálido y amarillo pajizo. Más brevemente, como creador de la luz, Vermeer ejerce una "magia blanca" exclusivamente suya.

Después de los primeros experimentos en escenas de burdel, temas religiosos y mitología, se decidió prácticamente por un tema: las mujeres que sirven o reinan en un hogar exquisitamente conservado.

Sus mejores imágenes muestran solo a una mujer: la lechera , el collar de perlas, la niña preparando el té , la mujer leyendo una carta **, el retrato de una niña , la mujer con una jarra de agua : estas son las mejores Vermeers. Cuando agrega una segunda figura, la imagen pierde; cuando agrega un tercero, la imagen deja de ser un buen Vermeer. En resumen, las personas relacionadas entre sí, el elemento básico de la pintura de género holandés, no captaron su interés. Estaba absorto en otra relación: la de una mujer con su hogar. Que hizo bastante sacramental, y tal fue la raíz de su peculiar poesía. También se podría decir que, en manos de Vermeer, estas imágenes de una sola mujer se convierten en una forma única de pintura de vanitas , tan moralista como cualquier trabajo de Harmen van Steenwyck (1612-56), Jan Davidsz de Heem (1606-83), Willem Kalf (1622-93), Willem Claesz Heda (1594-1681) o Pieter Claesz (1597-1660).

** Uno de los pintores influenciados por la Mujer escribiendo una carta de Jan Vermeer fue el pintor de género danés Vilhelm Hammershoi (1864-1916)

La actitud de Vermeer ha sido descrita como caballeresca y, sin aceptar completamente el término, uno no tiene que pelear con él. Tampoco parece sentimental enfatizar el hecho de que este culto del hogar, este feminismo delicadamente venerable, parece centrarse en su esposa justa y sin duda eficiente, Catherine Bolenes , con quien se casó a los veintiún años y que todavía estaba en su modestia. belleza cuando murió a los cuarenta y tres.

Jan Vermeer nació en Delft en All Hallows de 1632, el año joven Rembrandt Firmó la Lección de Anatomía del Dr. Tulp . En abril de 1653, Venneer se casó y, a finales de año, fue admitido como maestro por el gremio de pintores. Fue el jefe en 1662, 1670 y 1671. Murió en diciembre de 1675, dejando una viuda y ocho hijos y considerables deudas con su panadero. Biográficamente, sabemos poco más sobre él que eso.

Solo una de sus primeras imágenes, La Procuradora (1656), está fechada. Por lo tanto, cualquier cronología depende de las inferencias del estilo y debe considerarse como incierta. The Sleeping Servant , es más Rembrandtesque y se ve más temprano que cualquier otro Vermeer. Se ejecuta con sensibilidad en marrones, de una manera sugestiva de Rembrandt, y aún más de Nicolas Maes, entonces un joven alumno de Rembrandt. Ninguno de los luminosos grises azules tan característicos del estilo desarrollado de Vermeer está presente. La composición es suelta y sin los posteriores refinamientos complicados.

Dos cuadros bastante grandes, Cristo en la casa de Marta y María (1654-55, Galería Nacional de Escocia ) por Jan Vermeer Cristo con María y Marta , y Diana y sus ninfas , ofrecen un curioso problema. Ambos son claramente italianos. La luminosa tonalidad azul grisácea ya se utiliza de forma deliciosa. Cristo con María y Marta es quizás el mayor invento de Vermeer, si no su mejor imagen. La mayoría de los pintores. de este tema se han puesto del lado de la idealista, Mary, contra su práctica hermana. Vermeer sigue fielmente el Nuevo Testamento al darle a María una superioridad en belleza espiritual y física, pero hace que Marta, insistiendo en la dignidad de su tarea doméstica, sea igualmente noble e impresionante. Dado que la dignidad de la tarea doméstica iba a ser el mejor tema de Vermeer, esta imparcialidad es significativa. Además de estas consideraciones literarias y morales, la imagen está muy fuertemente construida y compuesta. los escorzo , balanceándose hacia adentro y hacia afuera de los cuerpos poderosamente realizados, produce una sensación poco común de espacio y actualidad. El patrón lineal parece tener poca consecuencia, y esto nuevamente es curioso en un artista que pronto haría el uso más fastidioso del patrón lineal.

Todavía de un tipo diferente es Diana y sus ninfas . La composición es de tipo barroco, se mueve de izquierda a derecha en equilibrio asimétrico. La tonalidad azul grisácea, ahora con contrastes de amarillo, se trata de la de Mary y Martha. El aspecto nuevamente es italiano, pero con una diferencia, ya que un italiano habría representado a Diana y sus ninfas desnudas. Vermeer, en cambio, da la sensación general de un grupo de muchachas holandesas sanas modestamente vestidas, pero descalzas, y a punto de ir a una fiesta para niños. Pero esta primera impresión encantadora y rústica es engañosa. Estas son chicas holandesas gorditas y atractivas, sin duda, pero no visten nada que sus admiradores reconozcan como vestimenta contemporánea. Estas túnicas son una especie de compromiso con el ideal de las cortinas clásicas. En esto, como en Mary y Martha, ciertas soluciones del problema pictórico que a primera vista parecen obvias realmente descansan en un acto de gusto muy discriminatorio. En todo momento podemos estar seguros de que Vermeer pintó solo después de una prolongada contemplación de su tema. Estas dos imágenes pueden fecharse razonablemente en 1654 o 1655.

Muestran a Vermeer muy seriamente ocupado asimilando al italiano Renacimiento estilo interpretado por el mejor ecléctico o barroco Maestros Uno tiene la tentación de preguntar qué tan lejos podría haber llegado, si hubiera continuado la vena. Evidentemente, podría haberse mantenido firme con los mejores pintores barrocos de Venecia y Nápoles.

La cena de Vermeer en Emaús ya muestra en su incipiencia el equilibrio favorito de azules pálidos y amarillos. La pintura está buscando, con la mayor preocupación por todas las texturas, tanto que a primera vista uno podría pensar que la imagen es española. El grupo está admirablemente organizado; El claro y definido oblongo del mantel y el toque de la ventana a la izquierda contrastan efectivamente con las formas de redondeo masivo. La colocación de las cuatro figuras a cuatro distancias se logra magníficamente; Todas las masas están establecidas de forma segura, pero se mantienen bien detrás del plano de la imagen y llevan consigo más sentido del espacio que lo habitual en las imágenes posteriores de Vermeer.

En la expresión de los rostros, Vermeer se ha gastado. El Cristo revelándose a sí mismo mientras rompe el pan es infinitamente patético y benigno. Uno siente profundamente la cercanía de la terrible experiencia del Calvario. La atención embelesada de los dos peregrinos y de la mujer asistente se expresa con conmoción y varía cuidadosamente según el personaje involucrado. Muy magistral es la expresión del peregrino con la espalda vuelta y sus rasgos ocultos. Un pasaje compositivo más exquisito es la disposición de las tres manos visibles en una especie de media luna invertida.

Algunos expertos en arte consideran que la distribución de la luz y el método de construcción de esta imagen implica el estudio de los Caravaggianos de Utrecht y específicamente del trabajo de Hendrik Ter Brugghen. Lo que parece ser el caso es que el joven Vermeer era singularmente impresionable para el mejor sentimiento italiano e italiano del momento y, si las circunstancias lo hubieran favorecido, se habría desarrollado como uno de los mejores pintores de temas religiosos y mitológicos de su época. Pero tal carrera no fue posible para un joven pintor que tuvo que mantener a una familia con su arte en la ciudad protestante de Delft. La frustración de la ambición más querida de Vermeer puede, después de todo, haber sido una ganancia para nosotros, como veremos.

Para otro artista famoso en Delft, vea Emanuel de Witte (1615-92), el pintor arquitectónico se destacó por sus interiores encalados de la iglesia.

La pregunta de cómo Vermeer llegó a estudiar a los italianos, qué imágenes pudo haber visto, es interesante pero realmente no muy importante. Es probable que Leonard Bramer haya traído imágenes o grabados italianos que conmoverían profundamente un espíritu tan sensible y penetrante como el de Vermeer. En cualquier caso, abundan los buenos grabados reproductivos de pinturas italianas anteriores y recientes, y no es necesario mirar más allá de dicho material para explicar los comienzos italiano de Vermeer. Tampoco se desperdició este esfuerzo, incluso si no fue seguido. El estudio que Vermeer dedicó a la creación de Mary y Martha , Diana y sus ninfas y la cena en Emaús equivalía a una educación liberal en composición y gusto en general, y esta educación pronto la utilizaría siguiendo las líneas holandesas.

Probablemente fue principalmente debido a que no había medios de vida en Delft en tal trabajo que intentó un nuevo experimento, en Procuress , con fecha de 1656. Este estudio de personajes de colores brillantes en medias longitudes y en un cuadrado curiosamente dividido sugiere compositivamente a Caravaggio y su escuela, y aún más llamativo, aunque el estado de ánimo es completamente diferente, los cómics del italiano holandés Van Laer, apodado "Il Bamboccio". Está bellamente pintado, los colores nítidos están tan equilibrados y armonizados como los del famoso retratista. Frans Hals veinte años antes A excepción de la joven cortesana, cuyo rostro es tan puro como el de María de Betania, la caracterización es definitiva y magistral. El deporte joven y sensual y el viejo intrigante bawd están completamente vivos. Pero hay poco sentido de relación entre las figuras, y las alegrías sociales del burdel ni siquiera se sugieren. Piense en ello como un magnífico caldero que felizmente no logró atraer el patrocinio.

Probablemente, mientras participaba en estos experimentos, pintó la primera imagen que el amante del arte promedio de hoy reconocería como suya, la Lechera . Muestra el esplendor fresco de su luminosidad azul grisácea, la figura amplia es grande y noble en su construcción, el acto ordinario de derramar leche cuidadosamente está investido de una solemnidad casi sacramental. La actitud de la mujer parece verse de inmediato, incluso sorprendida, pero funcionó con la más severa reflexión. Tal sentimiento no volvería a aparecer en el arte de la pintura hasta dos siglos después. Jean Francois Millet pintó en Barbizon, y nunca buscó ni capturó la "magia blanca" de Vermeer, que primero afirma su hechizo en esta imagen admirable. Quizás porque una cocina no ofrece, en muebles, cuadros, etc., los elementos de las complejidades compositivas posteriores de Vermeer, el patrón de esta imagen puede parecer poco interesante, en comparación con el de las obras posteriores. Siento que la imagen es mejor para una simplicidad que es esencial, y no me parece que Vermeer haya superado realmente a la Lechera .

Las imágenes que consideraremos a continuación probablemente fueron todas pintadas entre 1656 y 1666, el año veinticuatro al treinta y cuatro de Vermeer. En ellos capitalizó la pesada pero benigna carga de una casa cara y una familia en rápido crecimiento. Estas pequeñas imágenes generalmente están construidas alrededor de la figura de una mujer que trabaja o está libre en una habitación de una casa cuidadosamente cuidada y cuidada. La luz generalmente cae suavemente desde un marco a la izquierda, robando paredes grises y frías, acariciando peltre o jarras de madera, extrayendo los tonos profundos de una alfombra oriental que sirve como mantel, brillando en la talla de sillas o cuadros masivos. marcos, insinuando el patrón geográfico en un mapa colgante, finalmente, y lo más importante, resaltando las formas redondeadas de la mujer con una autoridad tan convincente como gentil. Este manejo de la luz, sin fuertes contrastes, como factor de construcción es el mérito técnico distintivo de la pintura de Vermeer, y lo alía con el mayor pintores de figuras de todos los tiempos.

De estas imágenes con una mujer como foco, el Collar de Perlas es el más exquisitamente pintado, en la perfección de su esmalte y sus irisaciones de amarillo pálido y azul. La postura, las manos que levantan el borde del collar, es, aunque aparentemente casual, realmente muy estudiada, ya que expresa un modesto orgullo por la posesión. Todo parece emanar de las perlas y la delicadeza perlada del rostro de su portador. Toda la pintura es del tipo más exquisito.

Más concebidos meditativamente, y posiblemente más ricos en variedad de superficie, aunque menos valiosos como el color, son dos imágenes (en Amsterdam y Dresde), sobre el tema de una mujer parada en silencio mientras lee una carta. Posiblemente un tono más fino es la imagen en Amsterdam, por la amplitud de la construcción de la figura y el patrón cercano y despreocupado del mapa y los rectángulos hechos por él y los respaldos de las sillas. También tiene un atractivo hogareño del que carece la versión más aristocrática en Dresde.

Otra joya entre estos interiores con una ama de casa es la magnífica y pequeña Vermeer, que se llama mujer en un marco , o con una jarra. La mujer simplemente deja entrar el aire de la mañana mientras arregla, pero ella arregla con un gesto tan grandioso como el de una sibila. Miguel Ángel . La grandeza es esencial, y no imputada estilísticamente. Vermeer había visto y recordado con precisión tal actitud como el ritual diario que hacía que su hogar fuera un placer. Lo graba con gratitud y afecto, lo mejora con cada dispositivo de composición que pueda expresar su dignidad y transmitir el carácter del lugar. Todas sus perfecciones en equilibrio y manipulación del color que crea luz y da forma están tan silenciosamente presentes en esta imagen que es fácil pasarlas por alto. Para una elegancia concentrada en el sentimiento y el tono, la niña que hace encaje no tiene rival. Y nuevamente, no se trata de ninguna elegancia impuesta arbitrariamente a la chica eficiente en su tarea femenina: la elegancia está en el acto mismo, en las manos ocupadas y hábiles que realizan cuidadosamente un acto de rutina. En el sentido ordinario, Vermeer no idealiza, y nunca sentimentaliza estas oficinas domésticas, sino que las descubre y revela en una belleza que generalmente está oscurecida por el uso y la costumbre.

En sus pocos retratos formales, Vermeer sigue discretamente el ejemplo de Rembrandt en su primera forma objetiva, y renuncia sensiblemente al efecto decorativo y estudiado de sus imágenes de género. Tal trabajo no cautivó profundamente su imaginación, y en esta fase él es simplemente uno de una docena de retratistas holandeses superiores del momento. Se debe hacer una excepción para la cabeza de una niña . Con su extraordinaria realidad, es más un estudio de personajes que un retrato en el sentido formal. Simplemente como la construcción de la forma en tonos que tienen el valor de la luz, es quizás una de las doce mejores imágenes del mundo. Y aquí puede observarse que las formas de un pintor fino nunca son protuberancias, nunca se empujan hacia el ojo, no tienen relación con las formas de la escultura. Simplemente existen en un mundo pictórico que el ojo está invitado a entrar y explorar. Explora y determina la presencia de las formas y su validez. Tal es el camino de Rembrandt, Hals, Velázquez , y técnicamente Vermeer es de su gran compañía. Además de la perfección técnica de esta Cabeza de Niña , está su riqueza de caracterización, su sugerencia de vitalidad física y moral, de valor humano y amabilidad. El estudio de esta pequeña imagen, que tiene el genio de Vermeer en su epítome, debería mostrar que los imponderables humanos de admiración y simpatía son tan importantes como su precisión de observación y su perfección en el ingenio técnico.

Algunas composiciones muy finas con dos figuras probablemente caen dentro de esta maravillosa década. El maestro de música y su alumno , es el más notable. Las dos figuras, la chica de la espineta vista desde atrás, se colocan profundamente en la imagen y se subordinan, como repeticiones de formas redondas como el violonchelo en el piso y el jarrón de gres en la mesa. Si bien las figuras son muy necesarias, y la relación del maestro con el alumno está bien realizada, la imagen realmente se ha convertido en un retrato de una habitación. El patrón general severo de los cuadriláteros variados es variado por la alfombra oriental pesada que cae pesada e irregularmente de la mesa y se extiende sobre el piso. Absolutamente indispensable es la pequeña jarra gris sobre la mesa que resalta los pocos elementos redondos en una composición generalmente rectangular. Piense en la jarra, o cúbrala con un dedo en una reproducción, y toda la imagen se vuelve opaca. Excepto por la Carta de Amor , donde las complicaciones compositivas son quizás demasiado manifiestas y sofisticadas, esta es la más complicada de todas las Vermeers, y sin pérdida de naturalidad de efecto.

Su imagen al aire libre, la Vista de Delft, se basa en el contraste del rojo opaco de los tejados con un gris predominante que aquí y allá florece en un azul profundo. La sensación de textura en las casas de ladrillo y las barcazas pesadas viene dada por un sistema de puntos pesados ​​que producen una corrugación positiva. El tono neutro de la hebra cercana es una terracota que se inclina al rosa salmón. En todo momento, la pintura es del tipo más preciado, aunque el efecto es simplemente natural y correcto. No podría haber un homenaje más delicado de un pintor a una querida ciudad natal.

Entre lo que parece ser Vermeers tardío, Lady and Servant , está muy bien pintado, pero el leve motivo apenas justifica la gran escala. La imagen se equilibra con incertidumbre entre el retrato y la pintura de género, y no es convincente en ninguna de las partituras. Para las complejidades de la composición, la Carta es uno de los Vermeers más interesantes. Está construido en fuerte oposición de rectángulos altos, oblongos y el patrón de diamante del pavimento. Uno mira a través de un vestíbulo, a través de una puerta abierta hacia donde mira una mujer ricamente vestida, sentada y sosteniendo el teclado de un laúd. bruscamente sobre su hombro a una sirvienta respetuosa que acaba de entregar la carta aún sin abrir en la mano libre de la dama. Un pequeño drama está implícito. Hay un extraño efecto de aparición, como un evento que ocurre bajo otra luz, y casi en otro mundo que el del espectador. Ingenioso.

Vermeer era un ojo inerrante, un artista fastidioso y consciente de sí mismo, un devoto admirador de las mujeres, ya sea en el aspecto de la gracia o la facilidad de servicio, un amante de su hogar. Parece como si él sintiera que una estimación moral tan amplia debe ser suficiente, ya que el solo retrato de sí mismo nos da la espalda. La imagen famosa y bastante grande, el Atelier (también conocido como The Artist’s Studio ), muy bien pintada, repite en forma discreta aquellos refinamientos de composición que acabamos de discutir en el caso de la Carta . El pintor del caballete, con su fantástico chaleco a rayas y medias de seda arrugadas, está en nuestro mundo. La pesada cortina de brocado, la mesa, las vigas, el gran mapa, cortaron otro espacio, otro mundo a través del cual está pasando la más extraña de las apariciones: una mujer de aspecto bastante javanés, sus ojos cerrados, su cabello increíblemente adornado con grandes hojas, su mano izquierda sujeta firmemente un gran volumen de folio, su mano derecha equilibra delicadamente horizontalmente una trompeta larga y recta. Que significa todo esto? Quizás nunca se suponía que supiéramos, posiblemente Vermeer mismo no lo sabía. Es fácil ver que el contorno abultado y roto de las cortinas de la mujer, es eso, y no un vestido, era justo lo que se necesitaba entre la esquina de la mesa y la del mapa, que el cuadrilátero acortado del gran libro lleva el pañal del pavimento a la parte superior de la imagen, para que el fantástico tocado alivie el óvalo de la cabeza de lo que de otro modo podría haber sido una presentación insípida. En resumen, hay razones estilísticas sólidas para lo que pueda parecer extraño y enigmático en la imagen.

Muchos pintores de género de Holanda excedieron a Vermeer en energía y alcance. Ninguno, ni siquiera Rembrandt, produjo un estilo de pintura de bellas artes a la vez tan lírico y tan completamente veraz. Su tema, la santidad de la mujer que hace un hogar feliz y bien ordenado, le pareció admitir algunas variaciones y no necesitaba énfasis ni ornamentación. Hasta ese punto, su arte puede parecer objetivo y, en cierta medida, austero. Pero la austeridad es cálida con un sentimiento implícito y se expresa en un estilo que siempre es suntuoso, aunque moderadamente.

Las obras de Jan Vermeer se pueden ver en el mejores museos de arte en todo el mundo, incluido el Rijksmuseum y el Mauritshuis en los Paises Bajos.