Pasiphae, Jackson Pollock: análisis, interpretación Traductor traducir

Descripción

Nombre : Pasifae (1943)
Artista Jackson Pollock (1912-56)
Medio : Óleo sobre lienzo.
Género : Arte abstracto
Movimiento / Estilo : Pintura expresionista abstracta
Ubicación : Museo Metropolitano de Arte

Para una interpretación de otras imágenes de los siglos XIX y XX, ver: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

EVALUACIÓN DE ARTE
Para una comprensión de pinturas
por Pintores del siglo XX
como Jackson Pollock, ver:
Cómo apreciar las pinturas.

Antes de 1940 Arte americano simplemente refleja los estilos actuales de los movimientos artísticos europeos. Durante la década de 1940 esta situación iba a cambiar dramáticamente a medida que artistas como Jackson Pollock desafiaron con éxito el dominio de las Escuelas Europeas y, en el proceso, desarrollaron un tipo radicalmente nuevo de arte Moderno. El grupo de pintores estadounidenses más progresistas y sueltos se llamaba Escuela de Nueva York ya que la mayoría de ellos trabajaban en la ciudad. Serían estos pintores, incluidos Willem de Kooning (1904-97), Mark Rothko (1903-70) y Pollock, con el apoyo de expatriados europeos como Hans Hofmann (1880-1966) – quien desarrolló el movimiento general llamado Expresionismo abstracto, tanto como pintura de acción (Pollock) pintura gestual (de Kooning) y Pintura de campo de color (Rothko)

Sin embargo, la independencia no se logró sin una lucha. Para Pollock y otros de su generación, Cubismo y Surrealismo fueron los más importantes de los europeos movimientos de arte moderno y, en muchos sentidos, las obras de Pollock de 1942-46 son producto de estas dos influencias. El andamio plano de composición cubista le proporcionó una base sólida para su pintura, y en la distorsión cubista tardía de Picasso encontró un modelo para sus figuras. Si el cubismo inspiró la "mirada" de Pollock pinturas abstractas El surrealismo proporcionó el contenido.

Artistas surrealistas, muchos de ellos refugiados de Europa que vivieron en Nueva York durante los años de guerra, trajeron consigo un interés en temas primitivos y arquetípicos, junto con la técnica de automatismo, en el que el artista, al renunciar al control consciente sobre el lápiz o el pincel, crea marcas que pueden desencadenar asociaciones visuales o conceptuales.

Pasiphae se completó en 1943, justo después de la primera exposición individual de Pollock en Art of This Century, la galería de Nueva York propiedad de Peggy Guggenheim. Es la más grande de las imágenes "mitológicas" del pintor de mediados de la década de 1940.

A través de los patrones rítmicos de pinceladas enredadas en Pasiphae, la estructura compositiva firme de la obra es visible. La base geométrica simple de la pintura consiste en bloques verticales al mando de cada extremo del lienzo que sostienen bandas horizontales entre ellos. Estas formas están a su vez divididas por formas irregulares más pequeñas y un complejo de florituras ’automáticas’. En las verticales que flanquean hay una serie de figuras totémicas que recuerdan, en sus poses frontales y anatomía esquemática, las tallas tribales. Entre estas figuras, en el centro de la pintura, hay una bestia activa y musculosa encerrada por una forma ovalada.

Pollock comenzó Pasiphae pintando ligeramente en los contornos de las figuras, y luego aplicó color en lavados finos, construyendo gradualmente capas de pintura opacas más gruesas. Luego se introdujeron dramáticos acentos lineales, primero alrededor de los contornos de los parches de colores y luego cortando estas formas para establecer ritmos independientes. Para controlar este impulso y restablecer el orden, Pollock luego pintó en exceso las partes de la pintura, particularmente notable es la pintura gris en la parte superior del lienzo. Aplicó cada capa de pintura directamente y con mayor vigor, usando no solo pincel, sino también espátula y pintura exprimida directamente del tubo, para animar y extender el poder de su drama.

La luchadora bestia blanca y ocre sirve como una metáfora de la tensión sexual o violenta entre las figuras opuestas, cuya postura y ubicación sugieren rituales de un pasado mítico. Para Pollock, las referencias al mito nunca son una excusa para ilustrar un incidente específico. Su actitud hacia la mitología, una actitud compartida por sus contemporáneos, fue que los mitos encarnaban verdades humanas universales en forma simbólica.

El título de la pintura es una referencia a la mitología griega. Pasifae era la esposa de Minos, rey de Creta, quien incurrió en ira divina al negarse a sacrificar un toro blanco a los dioses. Como castigo, Pasiphae se enamoró de la bestia, y la unión resultante produjo al minotauro, un monstruo mitad humano y mitad toro. En general, se acepta que el título original de esta pintura era ’Moby Dick’, y fue solo más tarde, sin alterar la imagen, que Pollock cambió el título a Pasiphae. El nuevo título fue sugerido por James Johnson Sweeney, entonces Curador en el Museo de Arte Moderno. Aparentemente, la primera respuesta de Pollock fue: "¿Quién diablos es Pasifae?", Pero al escuchar la historia, que se refería a los orígenes del minotauro (una criatura comúnmente utilizada por Picasso y los surrealistas para simbolizar los aspectos conflictivos de la psique humana), él renombró su trabajo.

Las pinturas de Jackson Pollock nunca fueron planificados previamente. Siempre fueron improvisados ​​y titulados después de la finalización, lo que refleja la interpretación del artista de su trabajo después del hecho. Por lo tanto, el título ’Moby Dick’ no debería sugerir que esta pintura es una representación literal de la gran ballena blanca de la novela de Herman Melville. Una poderosa bestia blanca sirve en cada caso como foco de las pasiones y obsesiones humanas, pero la disposición de Pollock para cambiar el nombre de la pintura indica que pretendía que sus títulos fueran vagamente evocadores y no descriptivos.