Jackson Pollock: pintor expresionista abstracto, pintura de acción Traductor traducir

Para el análisis de obras de expresionistas abstractos como Jackson Pollock, ver: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).

Introducción

Un miembro influyente de la Escuela de nueva york de Expresionismo abstracto , y una de las figuras más influyentes en Arte americano Jackson Pollock fue el fundador de la innovadora técnica de pintura, conocida como Pintura de acción . Este método de hacer arte abstracto implicó gotear y untar la pintura sobre el lienzo en dramáticos gestos de barrido. Pollock vertía y arrojaba la pintura, usando palos y cuchillos, sobre un lienzo sin estirar que había sido pegado a una pared o piso duro. Esto le permitió caminar por la pintura y convertirse en parte del proceso de pintura. Este enfoque vanguardista, capturado vívidamente por Hans Namuth en sus fotos del artista en el trabajo en su estudio, tanto fascinados como horrorizados críticos de arte y le valió el apodo de "Jack The Dripper". Al rechazar el uso de un caballete y otras técnicas de pintura más tradicionales, se hizo un nicho único en la posguerra. pintura expresionista abstracta . Compañero artista Lee Krasner (1908-84) (más tarde su esposa) fue una influencia central en la vida artística de Pollock. Ahora totalmente apreciado por su originalidad, Las pinturas de Jackson Pollock son vistos por algunos críticos como las imágenes más revolucionarias de mediados del siglo XX.

Otra persona clave fue Peggy Guggenheim , un rico coleccionista de arte que se convertiría en uno de los primeros partidarios y promotores de su trabajo de Pollock. Pollock es mejor conocido por obras maestras como: One (Number 31) (1950) Museum of Modern Art, New York; Autumn Rhythm (Number 30) (1950) Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; Lavender Mist (Número 1) (1950) Galería Nacional de Arte, Washington DC; Blue Poles (No.11) (1952) Galería Nacional de Australia; Fuera de la Web (Número 7) (1949) Staatsgalerie, Stuttgart; Convergence (1952) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York; Lucifer (1947) Museo de Arte Moderno de San Francisco; Ojos en el calor (1946) Colección Peggy Guggenheim, Venecia; Orze (1950, MoMA, Nueva York); y Arabesque Número 13 (1948, Nueva York, Colección RB Bahr) . En 2006, según un informe del New York Times, su pintura No 5 (1948) fue vendida en privado por el magnate de los medios David Geffen por $ 140 millones, lo que la convierte en la pintura más cara de la historia del arte. Muchas de sus pinturas ahora están disponibles como impresiones en forma de arte del cartel . Para conocer los diferentes estilos de expresionismo abstracto, consulte la Pintura de campo de color de Mark Rothko (1903-70) Todavía Clyfford (1904-80) y Barnett Newman (1905-70) – ver en particular Las pinturas de Mark Rothko – y el gestualismo de Willem de Kooning (1904-97).

Early Days, entrenamiento en Nueva York

El quinto hijo de una familia de agricultores peripatéticos, Pollock estaba frecuentemente en movimiento en su juventud debido al fracaso de las empresas de su padre. La familia finalmente se estableció en 1924 en Riverside, un pueblo cerca de Los Ángeles. Aquí Pollock asistió a la escuela por un tiempo, antes de mudarse a la creciente ciudad en 1928, donde comenzó a estudiar arte y a asociarse con artistas. En 1929 se mudó a Nueva York para unirse a un hermano mayor, Charles, que ya era estudiante de arte, y se matriculó en el Liga de estudiantes de arte en un curso impartido por Thomas Hart Benton (1889-1975). En este período se interesó en la obra mural de los pintores mexicanos. Diego Rivera (1886-1957), Jose Clemente Orozco (1883-1949), y David Alfaro Siqueiros (1896-1974). La amistad de Pollock con Benton se mantuvo cercana incluso después de que dejó de estudiar con él: no tanto por el tema rural estadounidense de Benton, sino por su uso rítmico de la pintura y su actitud independiente como artista.

Contactos tempranos: Lee Krasner, Peggy Guggenheim

Durante la Depresión en Nueva York, Pollock era desesperadamente pobre, a menudo enfermo y ya (en 1936-7) plagado de alcoholismo. Sin embargo, durante el período 1935-1943, participó en el Proyecto de Arte Federal y comenzó a aprender algo sobre la pintura europea moderna, tanto abstracta como surrealista.

En 1941, Pollock conoció a un estudiante de Hans Hoffman, Lee Krasner (1908-84), quien se convertiría en su esposa, y quien lo presentó al círculo de jóvenes artistas para luego convertirse en los líderes del expresionismo abstracto. Incluyeron a William Baziotes (1912-63), Robert Motherwell (1915-91) y Roberto Matta (1911-2002), todos ellos fuertemente orientados hacia el surrealismo. En ese momento, en los primeros años de la guerra, muchos artistas europeos cuya reputación para los jóvenes estadounidenses era casi legendaria habían buscado refugio en Nueva York, entre ellos tan legendario. Pintores del siglo XX como Piet Mondrian (1872-1944), Max Ernst (1891-1976) y Andre Masson (1896-1987).

Esta afluencia de grandes artistas europeos llevó a Peggy Guggenheim (1898-1979), una destacada coleccionista estadounidense del siglo XX. arte Moderno , para abrir una galería en Nueva York (había cerrado su galería de Londres en junio de 1939), que era en parte museo y en parte comercial. Este lugar, conocido como su Galería de Arte del Siglo , abrió sus puertas en 1943, como parte de su plan para alentar a los jóvenes pintores estadounidenses. Se le pidió a Pollock que exhibiera y, fascinado por su trabajo, Guggenheim le dio un contrato anual a cambio de la propiedad de una parte sustancial de su producción. Al mismo tiempo, le encargó un mural para su casa de la ciudad de Nueva York. Esta pintura, ahora en la colección de la Universidad de Iowa, fue la primera obra realmente a gran escala de Pollock, y es un ejemplo clave de su fusión del modernismo europeo con la escala y el nuevo espacio que serían característicos de su propio estilo.

Influencia del surrealismo

En este momento, también, el crítico Clement Greenberg (1909-94) comenzó a escribir artículos subrayando la importancia del trabajo de Pollock. Antes del mural, Pollock había pintado algunas obras interesantes e individuales, como The She-Wolf (1943, Museum of Modern Art, New York) y The Guardians of the Secret (1943, San Francisco Museum), pero los títulos de estos insinúan su dependencia fundamental en Surrealismo , con sus intenciones y asociaciones extraídas del inconsciente. Las formas eran poderosas, pero conservaban una afinidad con las de Picasso y Andre Masson , los dos artistas del Escuela de paris quien, junto con Joan Miró, influyó más fuertemente en Pollock. Con el mural, sin embargo, de casi 20 pies de largo, un nuevo ritmo pulsante entró y dominó su trabajo. Pintado densamente, cargado de energía, creó el espacio de la nueva pintura estadounidense.

En octubre de 1945, Pollock se casó con Lee Krasner y poco después, gracias a un préstamo de Peggy Guggenheim, se mudó a una casa con estructura de madera y al granero que la acompaña (ahora conocido como Pollock-Krasner House and Studio ) en Springs en Long Island, Nueva York. Fue aquí, durante el período 1946-50, donde abandonó los métodos tradicionales de pintura de bellas artes a favor de su propia técnica de trabajo con pintura líquida: un método comúnmente conocido como "pintura de acción". Curiosamente, durante la mayor parte de este tiempo no estaba bebiendo.

La técnica de pintura de acción de Pollock

El nombre "pintura de acción" fue acuñado por primera vez en 1952 por el crítico estadounidense Harold Rosenberg (1906-78) en la edición de diciembre de Art News . Se refería a la técnica distintiva de Pollock de gotear pintura sobre un lienzo. En lugar de usar el caballete tradicional, colocó sus lienzos en el piso y goteó, salpicó y derramó pintura (pinturas a base de resina sintética llamadas esmaltes alquídicos) sobre una lata, usando palos, paletas o cuchillos, a veces usando un empaste pesado. combinando vidrios rotos u otro material.

El origen de la teoría y la práctica de la pintura de acción de Pollock no está claro.

Supuestamente se le presentó la técnica de verter pintura en 1936 en un taller de Nueva York dirigido por el pintor mexicano David Alfaro Siqueiros (1896-1974), famoso por su gran escala. Murales mexicanos , y luego lo usó en algunos de sus lienzos a principios de la década de 1940. Alternativamente, puede haber oído hablar de experimentos realizados en Nueva York durante la guerra, por el artista surrealista emigre Max Ernst (1891-1976), quien se casó con Peggy Guggenheim, una de las mecenas más importantes de Pollock. Ernst desarrolló un método para usar pintura goteada de una lata oscilante. Siguió experimentos independientes de otros pintores abstractos como su esposa Krasner y el influyente maestro de arte. Hans Hofmann (1880-1966) – vea la pintura de primavera de 1940 de este último (Colección privada, Connecticut). De hecho, se dice que tanto Krasner como Pollock fueron influenciados por la "pintura automática" de Robert Motherwell . Una tercera explicación posible es que Pollock se introdujo en la práctica de los indios navajos en Nuevo México, que hacen sus famosas pinturas de arena rociando tierra sobre el suelo para formar patrones.

Automatismo surrealista

De donde sea que venga, la pintura de acción de Pollock es similar a ciertas teorías surrealistas de la ’pintura automática’, propuesta por Salvador Dalí (1904-89), que supuestamente permiten a los artistas expresar sus estados inconscientes de creatividad. Ver, por ejemplo, Pollock’s Pasifas (1943, Museo Metropolitano de Arte).

Como el propio Pollock comentó: "Prefiero… el lienzo en la pared dura o en el piso… En el piso estoy más tranquilo. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta manera puedo caminar alrededor., trabajar desde los cuatro lados y literalmente estar en la pintura ".

Una cierta cantidad de surrealista automatismo está indudablemente involucrado en este método, aunque este elemento puede exagerarse si se considera que Pollock no tenía el control firme de sus pinturas, aunque ciertamente lo permitió e incluso alentó accidentes menores. Los bordes de sus pinturas son una clara evidencia del cuidado con el que organizó el principio y el final de su trabajo, pero el espectador no puede pasar por alto la lucha entre el control y la libertad que anima la superficie de la imagen. De hecho, es una de las fuerzas más potentes en el arte de Pollock.

Fama internacional

Pollock exhibió por primera vez sus pinturas de "estilo de goteo" en la galería de Betty Parsons en Nueva York, en 1948. Atrajeron una buena cantidad de atención, pero no fue hasta el año siguiente que se convirtió en una verdadera celebridad. Sucedió casi de la noche a la mañana como resultado de una propagación de 4 páginas en la revista Life (8 de agosto de 1949) que planteó la pregunta: "¿Es el mejor pintor vivo en los Estados Unidos?" La revisión también explicó que sus obras habían sido compradas por cinco museos de EE. UU. Y más de 40 coleccionistas privados, incluido Peggy Guggenheim. Fue el comienzo del perfil público de Pollock como uno de los grandes pintores abstractos de mediados del siglo XX.

Últimos años

En 1951, en el apogeo de su fama, Pollock dejó de usar abruptamente su método de pintura de acción. Al mismo tiempo, su paleta se oscureció; incluso produjo una serie de cuadros negros pintados con pintura al óleo y esmalte sobre lienzos de algodón sin imprimir. La serie culminó en Retrato y un sueño (1953, Museo de Arte de Dallas). Después de esto, volvió a la coloración normal y reintrodujo una serie de elementos figurativos. Durante este período (1951-55) Pollock estaba experimentando una presión comercial adicional de su galería, y su vida personal se estaba volviendo cada vez más difícil. Los comentaristas han alegado que su disputa con Hans Namuth, el fotógrafo que filmó a Pollock en el trabajo en 1950, también fue un gran irritante. En cualquier caso, comenzó a beber en exceso una vez más. En 1955, completó sus dos últimos trabajos, Scent and Search . Pollock no pintó nada en 1956, y por lo tanto no logró resolver el problema de la primacía entre los aspectos figurativos y abstractos de su estilo. El 11 de agosto de 1956 murió al volante de su automóvil cuando se salió de la carretera. Tenía 44 años.

Reputación como artista

Para 1956, las pinturas y los métodos de pintura de Pollock estaban teniendo una enorme influencia en sus contemporáneos, tanto en América como en Europa; el primero incluía gestualistas como Willem De Kooning (1904-97) y Franz Kline (1910-62); este último incluía artistas gestuales como Lobos (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (1913-51), a veces conocido como el "Jackson Pollock europeo", y el líder del grupo Cobra Karel Appel (1921-2006). Desde su muerte, la reputación de Pollock, fundada en su posición como el más representativo de los pintores de Acción y el símbolo del triunfo de la pintura estadounidense después de la Segunda Guerra Mundial, nunca ha dejado de crecer. Uno de los pocos pintores estadounidenses que fue reconocido durante su vida y después como el igual de los maestros europeos del siglo XX, su lienzo no 5 (1948) fue objeto de un informe en el New York Times que afirmaba que había sido vendido por un magnate de los medios. David Geffen al financiero mexicano David Martínez por $ 140 millones. Si es cierto, la convierte en la pintura más cara del mundo. Para más detalles, ver: Pinturas más caras – Top 10 .

Retrospectivas, Colecciones

los Museo de Arte Moderno (MoMA) en Nueva York celebró dos exposiciones retrospectivas importantes de la obra de Pollock, en 1956 y 1957. Pinturas de Jackson Pollock cuelgan en algunas de las mejores museos de arte en el mundo, incluyendo: Metropolitan Museum of Art, NY; MoMA, NY; Museo Samuel R Guggenheim, Nueva York; Galería de arte Albright-Knox ; Galería Nacional de Arte, Washington DC; Colección Lee Krasner Pollock, Los Ángeles; Museo Guggenheim, Venecia ; Tate Gallery, Londres; Musée National d’Art Moderne, París; y otros.

Las mejores pinturas de Pollock

Aquí hay una lista seleccionada de las mejores pinturas de Jackson Pollock.

El Museo de Arte Moderno She-Wolf (1943), Nueva York.
Troubled Queen (1945) Museo de Bellas Artes de Boston.
Ojos en el calor (1946) Colección Peggy Guggenheim, Venecia.
The Key (1946) Instituto de Arte de Chicago.
Shimmering Substance (1946) Museum of Modern Art, NY.
Bosque encantado (1947) Colección Peggy Guggenheim.
Lucifer (1947) Museo de Arte Moderno de San Francisco.
Número 5 (1948) Colección privada.
Composición (blanco, negro, azul, rojo sobre blanco) (1948) Museo de Nueva Orleans.
Hora de verano: número 9A (1948) Tate Modern.
Fuera de la Web (Número 7) (1949) Staatsgalerie, Stuttgart.
Número 1 (1949) Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles.
Número 10 (1949) Museo de Bellas Artes, Boston.
Lavender Mist (Número 1) (1950) Galería Nacional de Arte, Washington DC.
Autumn Rhythm (Number 30) (1950) Metropolitan Museum of Art, Nueva York.
One (Number 31) (1950) Museum of Modern Art, Nueva York.
Número 29 (1950) Galería Nacional de Canadá.
Número 7 (1951) Galería Nacional de Arte.
Convergencia (1952) Galería de arte Albright-Knox, Buffalo, Nueva York.
Blue Poles (No.11) (1952) Galería Nacional de Australia.
Retrato y un sueño (1953) Museo de Arte de Dallas.
Pascua y el tótem (1953) The Museum of Modern Art, Nueva York.

Artículo: Jackson Pollock El artista

Uno de los grandes artistas modernos , Pollock fue uno de los principales impulsores de la pintura abstracta en Estados Unidos. Su gran contribución consistió en "recorrer las nueve yardas completas" en su disposición a gastarse de manera extravagante y profana, a menudo a costa de la armonía y la coherencia de las pinturas individuales, para tomar posesión de la imagen abstracta moderna.

La energía, a veces reducida a un monótono rítmico implacable o mera violencia motriz, fue un sello distintivo de la pintura de Pollock. Al principio, estas energías eran tumultuosas, fascinadas y desesperadas; En las fases posteriores de su trabajo fueron más controlados e impersonales. La superabundancia de sus energías pictóricas, la expresión de un poder casi grotesco en relación con su situación, vincula a Pollock con el arte tribal tradición de exageración romántica e hipérbole.

Como un temperamento romántico claramente estadounidense, Pollock hizo de su propio individualismo el tema de su Art º . En un estilo "oscuro" temprano en particular, sus pinturas funcionaban como una especie de cuadro de fiebre del éxtasis y los tormentos de su sensación de aislamiento. El hecho mismo de que sentía que era necesario expresar su angustiada sensibilidad en una dimensión hercúlea también estaba en el grano estadounidense. Si Pollock parecía impulsado a registrar sus propios rencores, fantasías e impulsos, no era simplemente un acto de autocomplacencia; Este fue un registro honesto de la respuesta del hombre sensible a la crisis contemporánea, un esfuerzo por llegar a un acuerdo con un mundo en el que el orden tradicional y los valores tradicionales estaban seriamente amenazados. El emocionalismo violento de su primer estilo marca el surgimiento de una nueva escuela de sensibilidad romántica en el arte estadounidense. Es nuevo porque ha sintetizado modos indígenas de sentimiento, así como la forma y el lenguaje del modernismo europeo. El individualismo atormentado de Pollock lo conecta con toda una galería de románticos estadounidenses desde Melville y Poe hasta Faulkner. Su logro radical fue hacer viable la sensibilidad romántica estadounidense en el arte abstracto y expresarla sin sentido.

El hecho de que Pollock pudiera pasar a un estilo de pintura avanzado significativo a fines de la década de 1930, junto con varios otros artistas estadounidenses, se debió a un curioso conjunto de circunstancias. Lo más importante fue la crisis internacional, que hizo que el sentimiento regionalista prevaleciente y el optimismo complaciente de la pintura de escena estadounidense parecieran repentinamente absurdamente provinciales. Un mundo en disolución merecía más del artista que un incómodo aislacionismo estético que identificaba la virtud en el arte con el idilio occidental rural de Thomas Benton, el folklore de John Steuart Curry y el culto a los antepasados ​​algo satírico de Grant Wood . La dramática crisis en la cultura europea acercó a los artistas estadounidenses al espíritu del modernismo continental, y la migración de intelectuales y artistas europeos a estas costas renovó los contactos artísticos vitales que habían permanecido moribundos durante muchos años. Había una sensación incluso a finales de los años treinta, como John Peale Bishop ha señalado, que el pasado europeo nos había sido confiado, ya que solo podíamos "prolongarlo en el futuro". El estímulo inmediato para la vanguardia estadounidense provino del grupo de Artistas surrealistas quien se reunió alrededor del comerciante, Peggy Guggenheim; en los primeros años de la guerra, y de la influyente enseñanza del modernista alemán, Hans Hofmann, quien había abierto una escuela de arte en Nueva York. El Proyecto Federal de Arte de la WPA fue otro factor en la aparición de un arte avanzado. Como experiencia nacional en autodescubrimiento, reforzó y compensó el nuevo acercamiento con los modos europeos modernos. En su afán por encontrar una nueva forma de arte, los estadounidenses comenzaron nuevamente a consultar ejemplos continentales; pero un sentido recién despertado de sus propios poderes los hizo hacerlo con un espíritu más crítico e independiente.

De todas las influencias artísticas en el aire, el descubrimiento tardío del surrealismo fue quizás el más importante. El surrealismo fue una de las principales lagunas en nuestra cultura artística, y su ausencia dejó al artista estadounidense moderno sin una parte del patrimonio romántico. La importancia de ambos Dada y el surrealismo surgió tanto de su estado de ánimo de protesta romántica, su estado mental, como de su programa real o dispositivos artísticos. Aunque este espíritu nunca se había apoderado de la imaginación estadounidense, en Europa los surrealistas ocuparon un lugar destacado en la continua revolución del arte que buscaba liberar al artista de las duras compulsiones de la vida moderna, de lo que un crítico ha descrito como la "reglamentación de los hombres y la cultura". de cosas."

Los surrealistas, por su presencia en Estados Unidos durante la guerra, debían ofrecer algunas pistas cruciales para una nueva síntesis de forma abstracta y un contenido de sentimiento romántico. Su "automatismo" y la rehabilitación del instinto proporcionaron una alternativa vital al diseño geométrico y la creación de patrones de los académicos de Cubismo y arte abstracto. Si bien las construcciones racionales de los cubistas le habían dado al arte moderno quizás su estilo más impresionante y elevado, a finales de los años veinte gran parte del poder generativo del movimiento se había perdido o suplantado por un academismo abstracto. En Estados Unidos, una década después, una especie de bizantinismo poscubista se consideraba nuestro estilo más avanzado; se reflejó en el competente, doctrinario, arte no objetivo del grupo de artistas abstractos estadounidenses . A tales corrientes en el arte, el surrealismo, encarnado por su principal teórico Andre Breton (1896-1966) – planteó la alternativa de lo espontáneo, del impulso no premeditado y otorgó una nueva primacía a la libertad creativa. Varios estadounidenses se apresuraron a aprovechar esta alternativa y la utilizaron para ampliar las posibilidades expresivas de su arte. Finalmente, subordinaron las intuiciones surrealistas completamente a sus propias necesidades y propósitos artísticos.

El impacto de las libertades surrealistas en la vanguardia estadounidense fue agudo, aunque algo oblicuo. Pollock fue indudablemente afectado por el entorno alrededor de Peggy Guggenheim, su primer comerciante, y sus propios métodos fueron "automáticos" hasta cierto punto. Más tarde escribió: "La fuente de mi pintura es el inconsciente. Me acerco a la pintura de la misma manera que me acerco. dibujo , es decir, directamente, sin estudios preliminares. Cuando estoy pintando, no soy muy consciente de lo que está sucediendo; es solo después de eso que veo lo que he hecho ".

Arshile Gorki , un virtuoso elegante y educado en los modos figurativo y abstracto durante los años treinta, en los primeros años de la década siguiente estuvo profundamente influenciado por las formas inestables y el espacio fundido de Yves Tanguy (1900-55), Joan Miró (1893-1983) y Matta Echaurren. Más tarde, Andre Breton reclamó a Gorky por el surrealismo cuando sugirió que Gorky trataba a la naturaleza "como un criptograma". Las primeras obras de pintores como Adolfo Gottlieb , Mark Rothko, William Baziotes y Clyfford Still estaban, todos en diversos grados, preocupados por el mito y lo "primitivo"; y estos artistas trabajaron en una forma de abstracción simbólica, surrealista. Junto con Motherwell y Pollock, todos confiaron en el "accidente", feliz o disruptivo, para dar vitalidad a sus creaciones.

En Nueva York, a principios de los años cuarenta, había dos templos privados de surrealismo, la Galería Julien Levy y el Arte de este siglo de Peggy Guggenheim. El más activo y significativo fue Peggy Guggenheim, quien no solo se convirtió en un punto de transmisión para la pintura del surrealismo internacional, sino que también presentó a sus creadores, en la carne, a la escena artística estadounidense. Ella hizo accesible a los jóvenes pintores de Nueva York cuyo trabajo exhibió artistas como Breton, Masson, Ernst, Tanguy y Matta. Por primera vez desde que Duchamp y Picabia habían invadido Nueva York en el período del Armory Show, los artistas estadounidenses sabían lo que realmente era vivir en medio de un activo medio artístico internacional. Pudieron mantenerse al tanto de las nuevas corrientes, no recurriendo al último número de Cahiers d’Art como lo hicieron en el pasado, sino simplemente escuchando y observando. Deben haber sentido el arte moderno recientemente y con una nueva sensación de que realmente lo estaban viviendo; El contacto con muchas de las reputaciones impresionantes de París había hecho algo para liberarlos de su timidez provincial.

Más que cualquier otra cosa, parece ahora en retrospectiva, la repentina eflorescencia del cosmopolitismo durante la guerra fue la inspiración del nuevo movimientos de arte abstracto . Durante los años treinta hubo muchos indicios prometedores de una nueva síntesis, especialmente en la pintura de Pollock, Gorky y Hofmann, pero no fueron del todo decisivos. El momento de la cristalización tuvo que esperar hasta los primeros años de los años cuarenta, y fue entonces cuando la búsqueda de expresiones abstractas asumió la unidad de un esfuerzo colectivo sostenido. Hans Hofmann había comenzado a esparcir pigmento libremente sobre el lienzo ya en 1938, pero su influencia no fue tan decisiva como la de Pollock. Gorki había anticipado de alguna manera a Pollock, particularmente cuando comenzó a parafrasear Picasso a finales de los años treinta; pero a pesar de todos sus notables instintos y dones pictóricos, Gorky carecía de la fuerza primitiva y la energía que parecen necesarias para traer lo nuevo al arte. Siguió siendo una sensibilidad epicúrea hasta los últimos años de su vida, cuando de repente pareció incendiarse por la atmósfera de pintura que él mismo había sido instrumental en la creación. Luego, su arte estalló en el cumplimiento apasionado de su gran promesa.

La primera y más decisiva expresión pública del nuevo estado de ánimo provino de Pollock. Todo lo que había sido amorfo, dependiente de las circunstancias e inestable en la pintura avanzada, se enfocó por primera vez en su arte con su primera exposición en Nueva York en 1943. El tono inquebrantable en el que registró sus propias sensaciones e incluso reveló sus incertidumbres, prestó una nueva confianza y seguridad a la vanguardia estadounidense. Su espíritu de intransigencia monumental y dinamismo ayudó a liberar energías que habían estado acumuladas en el arte estadounidense durante veinte años. La primera expresión de Pollock fue oscura y estrecha, obsesionada por temas obsesivos y un romanticismo absorto en sí mismo; sin embargo, logró milagrosamente preservar una lógica de pintura plástica derivada de los estilos modernos más elevados. Lo logró incluso cuando muchos compañeros artistas, a quienes ahora asociamos con él, parecían preparados para abandonar el camino de la tradición de la pintura del siglo XX por los caminos del mito y el simbolismo. Desde el principio hubo un toque de revolución en la pintura de Pollock; Muchos artistas que ahora parecen más drásticos o avanzados todavía están elaborando alguna fase de esa revolución. Pero seguramente ninguno dudaría en nombrar a Pollock como la figura más crítica en el surgimiento del nuevo género de abstracción.

Pollock murió en un trágico accidente automovilístico en el verano de 1956 a la edad de 44 años. Creció en Arizona y el sur de California. Las impresiones geográficas pueden muy bien haber jugado un papel importante en el desarrollo de su pintura. Él describió su deleite cuando era joven al ver el paisaje occidental, inmenso, ilimitado, desenrollarse ante él desde los trenes de carga o su viejo Ford. Sus primeras peregrinaciones lo llenaron incluso de madurez con cierta nostalgia, como si la libertad de la infancia y el camino abierto fueran lo mejor. Retuvo algo de la inquietud de su juventud y un sentido primitivo y no formulado de la inmensidad de las cosas estadounidenses. Un sentimiento desarraigado tan agudo como su desagrado instintivo por las restricciones sociales, reales o imaginarias, persistió durante toda su vida.

El sesgo romántico del individualismo de Pollock y su sentido de libertad como se expresa en su arte se destacan en una definición más nítida cuando su trabajo se compara con la pintura abstracta de la nueva generación europea. Ningún pintor de la vanguardia francesa, muchos de los cuales han sentido la influencia de Pollock, se permiten las libertades que él toma. Salvo algunas excepciones notables, el artículo abstracto extranjero generalmente todavía tiene el aspecto de la fabricación de un estudio y un aire de conocimiento, aunque superficial, de profesionalismo. La franqueza directa de Pollock y su falta de acabado impresionan a la mayoría de los críticos europeos contemporáneos por tener un mal gusto terrible. Aquellos pintores que han seguido su ejemplo en Francia, bajo la bandera general de art informel o el estilo específicamente gestual de taquismo y han adoptado sus dispositivos formales y su escala, no quieren o no pueden perseguir las implicaciones más radicales de su arte. Un hedonismo francés tradicional, al que hoy se le da una elaboración cada vez más decorativa, los pone a la altura del umbral del descubrimiento. Los franceses en su mayoría ven en artistas como Pollock poco más que una promesa, y están convencidos de que la pintura solo comienza donde el arte abstracto estadounidense termina de manera tan sugerente pero decepcionante. Detrás del arte de Pollock hay una convicción, igualmente fuerte, de que en el momento en que la pintura se entrega a un pictorismo derivado, en el momento en que se convierte en un artefacto consciente, pierde su significado creativo. El europeo encuentra audacia, originalidad y ciertos efectos intrigantes en la nueva pintura estadounidense, pero pierde su proceso interno de trabajo.

Un compañero pintor dijo que al principio Pollock parafraseó a Picasso y luego se volvió contra su inspiración y eliminó violentamente toda evidencia de su deuda. La búsqueda de la vanguardia estadounidense por la autoridad ha sido problemática, moviéndose entre una Scylla del modernismo de moda y un Caribdis del expresionismo provincial. La historia de ese viaje es la historia de la evolución de Pollock como pintor.

Pollock comenzó su educación artística en 1929 cuando llegó a la Art Students League en Nueva York y estudió con Thomas Benton. Benton hogareño Pintura de escena americana en ese momento era convincente, y era una personalidad vital que ejerció una fuerte influencia en sus alumnos. Aunque Pollock estudió con él durante solo dos años, no comenzó a sacudirse el estilo de Benton hasta mediados de los años treinta. Es significativo que el artista más joven descubriera su independencia no tanto en reacción a Benton sino a través de él, al recrear, amplificar y exagerar las distorsiones rítmicas de su primer maestro en condiciones de mayor intensidad hasta que sus formas lograron un orden de vida diferente. En cierto sentido, Pollock llegó a la abstracción empujando Expresionismo hasta un punto donde el tema era tan improbable que no había necesidad de retenerlo. A mediados de los años treinta, Pollock encontró en el mexicano José Orozco un drama de violencia más satisfactorio. Sus pinturas de este período son fangosas, toscas e incipientes, pero ya están estampadas con un temperamento genuino; todavía describen, aunque con mucha libertad, grupos de figuras o paisajes.

En 1936, Pollock comenzó a eliminar el tema reconocible y lo reemplazó por formas angulares, no representativas y bobinas gruesas y rítmicas de línea negra alquitranada, que destacaban por su textura y relieve asertivos. Sus combinaciones de colores de verdes azulados, rojos de ladrillo y amarillos eran ruidosos y violentos; las formas, elementales en su simplicidad pero llenas de carácter. Estas pinturas todavía estaban cerca de Orozco en espíritu. Curiosamente, los esquemas de color y las superficies rugosas y enlucidas eran similares a algunos bodegones de Gorky de la misma época, sin embargo, pinturas que Pollock ha dicho que nunca vio.

Hay un pequeño crayón y una pintura de acuarela de este período de un carácter bastante más representativo que merece atención por lo que revela de la lucha interna de Pollock. Es un pequeño paisaje alternativamente fangoso y vívido, con un agujero negro en primer plano sosteniendo una escalera y un cielo nocturno en el fondo iluminado por llamas rojas como la sangre. El artista siempre sintió una relación muy personal con la pintura, que era un símbolo privado de frustración y esperanza y representaba un viaje del alma de la oscuridad a la luz. El hecho de que la luz en la pintura emanara de una conflagración aparentemente significaba que la crisis de Pollock se resolvería con una catarsis violenta.

En un sentido que es exactamente lo que sucedió inmediatamente después, primero en sus audaces distorsiones basadas en la pintura mexicana y luego en sus asimilaciones rápidas y agresivas de Picasso y el modernismo europeo. A finales de los años treinta, Pollock llenó cuadernos con temas anatómicos abstractos que eran picassoides, pero con una diferencia. A las imágenes abstractas delimitadas y contenidas de Picasso del período, Pollock aplicó sus propias energías expansivas con resultados sorprendentes y novedosos. Su línea nerviosa y rota destrozó las fantásticas anatomías de Picasso, reduciéndolas a un sistema de acentos expresivos; variaciones temáticas más generalizadas. Llevado quizás por una inventiva aleatoria en línea, Pollock comenzó a crear efectos distribuidos de manera más uniforme que rompieron la unidad de la figuración abstracta de Picasso, y fueron el primer paso hacia una caligrafía cursiva libre y posterior que prescindía por completo de la sugerencia de imagen.

Estos dibujos también revelaron una tensión entre fealdad y elegancia, torpeza y delicadeza, que ha persistido en todo el trabajo de Pollock. A menudo parecía desear destruir sus grandes dones naturales como dibujante rompiendo deliberadamente el ritmo de su línea cuando solo había logrado los signos o configuraciones más rudimentarios. Sin embargo, si Pollock persiguió la afirmación grosera y aparentemente incompleta, fue con el propósito de liberarse del prejuicio del diseño geométrico. Aún más, trató de repudiar cualquier compromiso en cuanto a estilo o manera; En este primer trabajo hubo, de hecho, casi un fetiche de no estilo .

En 1942, Pollock participó en su primera exposición colectiva en Nueva York, organizada por John Graham en la Galería MacMillan. Mostrando con él estaban Graham, Lee Krasner (más tarde la señora Pollock) y Willem de Kooning, otro miembro no anunciado de la vanguardia que menos de diez años después iba a compartir el liderazgo de la pintura progresista estadounidense. Pollock mostró una pintura abstracta de color verde azulado con sabor expresionista. Su figuración abstracta tenía un aspecto de fantasmagoría y ya se parecía a esos ojos astrales sin cuerpo que luego se convirtieron en un tema clave en su pintura. En estos movimientos agitados y remolinos grotescamente sugestivos de línea, Pollock encontró un tótem privado que se ha negado persistentemente a ser expulsado de su pintura. Algún tiempo después, De Kooning también descubrió que sus pinturas abstractas todavía estaban habitadas por una realidad obsesiva.la figura humana de una fase anterior, o más exactamente, "La mujer". Una atmósfera altamente cargada sobrevivió en las transposiciones abstractas más libres de Pollock de Picasso, y estas pinturas a menudo terminaban, como si fuera incapaz de evitarlo, al parecer fantasías del inconsciente.

En 1942, Robert Motherwell presentó a Pollock a Peggy Guggenheim, y ese año expuso en una exposición colectiva en su galería la pintura, Figura estenográfica . Era un arreglo de formas sueltas y unidas de Picasso con una especie de sobreescritura "automática" errática. Los colores eran extraños mauves y azules verdosos, en contraste con grises y blancos, lo que sugiere algo la clave de color de las decoraciones mexicanas de papel maché o la paleta del noroeste Arte indio americano . Esta fue probablemente la primera pintura en la que las formas vermiformes de Pollock se dividieron en áreas de energía y una caligrafía gratuita. Al año siguiente, a la edad de 31 años, Pollock recibió su primera exposición individual en la galería Art of This Century y con ella comenzó una producción prolífica que lo llevó a través de once exposiciones en un período de doce años.

Desde los años entre 1943 y 1947 datan los temas anatómicos y los esquemas compositivos compactos de pinturas como The She-Wolf , Pasiphae y el gótico más abstracto. Pollock ya había comenzado a unificar sus imágenes "escribiendo" libremente sobre la superficie con una enérgica línea de latigazo cervical. Había aprendido a liberar una amargura confusa y opaca por pura energía, por la misma furia de su ataque. El resultado fue que literalmente rehizo la imagen abstracta, y bajo nuevas condiciones de extraordinaria intensidad.

En Pasifae y la loba Las energías barrocas de Pollock lo llevaron a una nueva forma de expresión que alivió las densas e impactadas superficies del cubismo tardío de Picasso con las imágenes fluidas y abstractas de Miro y otros surrealistas como Masson. A los surrealistas les debía no tanto la forma de su propia "escritura" distintiva, sino la noción de que la pintura debía ser expulsada como una "corriente", en una aparente explosión. La línea ondulada y los movimientos agitados de estas dos pinturas recuerdan a Miro de su período de 1924-1926. Miro, sin embargo, flotaba sus formas en el suelo, dando a su incidente pictórico un escenario e insinuando una ilusión representativa. Sus formas mantuvieron su integridad como formas individualizadas a pesar de las transformaciones metamórficas a las que se sometieron. Fuera de miroLa mente ingeniosa e inventiva transmitió una abundancia anárquica de nueva vida e incidente pictórico, con un efecto de multiplicidad y particularidad. Arraigado en la tradición moderna, podía permitirse jugar y jugar juegos de palabras, hacer deporte con sus propios miedos, como lo expresó un crítico, y hacer un juego encantadoramente ingenioso de ellos. Para Pollock, por otro lado, la pintura abstracta era una cuestión totalmente más solemne.