Virgin of Tenderness evil hearts. 1914-1915
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin – Virgin of Tenderness evil hearts. 1914-1915
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Pintor: Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin
Ubicación: State Russian Museum, St. Petersburg (Государственный Русский Музей).
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Kuzma Sergeyevich Petrov-Vodkin es sin duda uno de los artistas más famosos. Este pintor soviético y ruso contribuyó en gran medida al desarrollo del dibujo, la pintura y la pedagogía. En 1930, Petrov-Vodkin fue reconocido como Artista de Honor. Sus lienzos están influenciados por muchos artistas extranjeros. Sus cuadros están impregnados de modernismo y simbolismo. A lo largo de su vida, Kuzma realizó numerosos retratos, bodegones y obras temáticas. El artista adquirió una considerable experiencia en imágenes religiosas anteriormente, durante la pintura de las paredes de la iglesia del Instituto Ortopédico de San Petersburgo.
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Descripción del cuadro de Kuzma Petrov Vodkin "Nuestra Señora de la complacencia de los corazones malvados".
Kuzma Sergeyevich Petrov-Vodkin es sin duda uno de los artistas más famosos. Este pintor soviético y ruso contribuyó en gran medida al desarrollo del dibujo, la pintura y la pedagogía. En 1930, Petrov-Vodkin fue reconocido como Artista de Honor. Sus lienzos están influenciados por muchos artistas extranjeros. Sus cuadros están impregnados de modernismo y simbolismo. A lo largo de su vida, Kuzma realizó numerosos retratos, bodegones y obras temáticas.
El artista adquirió una considerable experiencia en imágenes religiosas anteriormente, durante la pintura de las paredes de la iglesia del Instituto Ortopédico de San Petersburgo. El maestro participó entonces en la decoración de los muros de una catedral situada en Kronstadt. El templo de Suma también está pintado por su mano. Las actividades de la Iglesia influyeron en la percepción de Petrov-Vodkin. En 1915, terminó su obra sobre la imagen de la Madre de Dios en la imagen de una simple campesina amamantando a su hijo. El título del lienzo era "Madre.
"Nuestra Señora de la Consolación de los Malos Corazones" fue pintada por el autor en 1915, durante la Primera Guerra Mundial. Su título se hace eco de la noción de la pintura de iconos ortodoxa rusa "Ablandamiento de los corazones malvados". El cuadro lleva la huella de las tragedias de la guerra para el país y el pueblo. A pesar de su tamaño relativamente pequeño, el cuadro es un espécimen monumental de pintura. La Madre de Dios en el lienzo cubre su cabeza con un pañuelo rojo. Sus palmas son portadoras de alivio y bendición.
En la parte izquierda del cuadro hay una silueta de la Virgen con el Niño. A la derecha está Jesucristo en la crucifixión. La imagen, perturbada, reverente y compasiva, es una de las obras maestras más poderosas de su género, que afecta a las emociones y los sentimientos del espectador.
Comentarios: 3 Ответы
¿Por qué nadie menciona que este cuadro es un regalo del coleccionista Boris Nikolaevich Okunev al Museo Ruso? Aunque ellos (Boris Nikolaevich, Natalia Nikolaevna – su esposa, y Kira Borisovna – su hija) ya no están en este mundo, el Museo Ruso no debería olvidar de dónde provienen las 300 pinturas que forman parte de su colección. Además, los familiares aún viven.
No tuve la oportunidad de conocer a Boris Nikolayevich personalmente, pero recuerdo perfectamente a dos encantadoras damas, N. N. y K. B. Okunevas, quienes nos mostraron una enorme colección expuesta en cada rincón del apartamento en San Petersburgo. La Virgen María colgaba en el salón, justo encima de la gran mesa de comedor y las oscuras sillas de madera con intrincados adornos en los respaldos altos. Las anfitrionas prepararon la mesa (había un delicioso pollo al vapor y remolacha rallada), pero no podía dejar de mirar a este cuadro. La colección ya había sido descrita, y el destino de las pinturas estaba decidido. Es una lástima que en el sitio web del Museo Estatal Ruso de Arte no haya espacio para la conocida familia Okunevas.
La información sobre los Okunev ha sido añadida al artículo Virgen de la Compasión de los corazones afligidos en la Wikipedia rusa. https://ru.wikipedia.org/w/index.php?title=%D0%91%D0%BE%D0%B3%D0%BE%D0%BC%D0%B0%D1%82%D0%B5%D1%80%D1%8C_%D0%A3%D0%BC%D0%B8%D0%BB%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D0%B5_%D0%B7%D0%BB%D1%8B%D1%85_%D1%81%D0%B5%D1%80%D0%B4%D0%B5%D1%86&redirect=no#%D0%9F%D1%80%D0%B8%D0%BC%D0%B5%D1%87%D0%B0%D0%BD%D0%B8%D1%8F
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La obra presenta una figura femenina central, frontal y de rostro sereno aunque con un dejo melancólico. La paleta cromática se centra en tonos intensos de rojo para el manto que cubre su cabeza y hombros, contrastando fuertemente con el azul difuso del fondo. El rostro es pálido, casi marmóreo, delineado con precisión pero sin excesivo detalle; la mirada es directa, aunque no participa activamente de una expresión emocional evidente.
Un elemento distintivo reside en la fragmentación aparente del velo que cubre parte de su cabeza y rostro. Esta ruptura formal sugiere una dislocación o un proceso de desintegración, posiblemente aludiendo a un sufrimiento interno o una vulnerabilidad oculta. La composición se caracteriza por la simetría, reforzada por las manos abiertas en un gesto que puede interpretarse como ofrenda, súplica o aceptación.
En el fondo, tenuemente visible, se distingue la silueta de una cruz. Su presencia introduce un elemento de sacrificio y dolor, vinculando a la figura central con una narrativa religiosa implícita. No obstante, la representación no es explícitamente devota; la atmósfera general es más introspectiva que extática.
La textura pictórica parece lisa, casi plana, lo cual acentúa el carácter bidimensional de la imagen y recuerda a las iconografías tradicionales. Sin embargo, la intensidad del color y la fragmentación del velo introducen una tensión moderna, alejándose de la representación mimética y acercándose a una expresión más simbólica.
La combinación de elementos clásicos –la frontalidad, el gesto de las manos– con la disrupción formal y la paleta cromática inusual sugieren un conflicto interno o una reevaluación de los valores tradicionales. La obra podría interpretarse como una reflexión sobre el dolor, la fe y la fragilidad humana, expresada a través de una iconografía desestabilizada.