Escultura Griega, Periodo Arcaico 3 987 Traductor traducir Autor del texto original - Neil Cоllins

Introducción

Para la escultura, es más conveniente restringir ’arcaico’ al estilo que tuvo éxito Daedalic hacia finales del siglo VII y duró hasta principios del quinto (c.600-500 aC), cuando dio paso a la período clásico temprano . Este estilo arcaico se distingue de Daedalic por su interés en profundidad y una anatomía más sólida y creíble, y el cambio parece haber sido rápido, si no repentino.

En europeo Arte griego uno puede ver algunos signos de una transición, aunque también puede haber habido un estímulo del estatuario más maduro de Escultura egipcia , donde los griegos se estaban asentando ahora; pero en la Grecia griega parece que los modelos sirios tuvieron una influencia más directa. De todos modos, con la aparición del estilo arcaico, la salida de Escultura griega se hizo mucho mayor, y con la nueva confianza en el arte, las estatuas más grandes se volvieron normales, algunas de ellas, especialmente al principio, muy por encima del tamaño natural.

Desafortunadamente, solo dos áreas artísticamente importantes, Attica y Samos, han producido una serie considerable de esculturas y pertenecen una a la región europea y la otra a la región griega del este. En otros lugares hay suficientes kouroi del santuario de Ptoion cerca de Tebas y relieves de Esparta y su vecindario para mostrar que los escultores locales de Beocia y Laconia eran tan provinciales como los pintores de los floreros. Pero desde los territorios de Corinto, Sicyon, Aegina, Argas, Naxos y Paras, todos, según registros posteriores o firmas sobrevivientes, las casas de notables escultores arcaicos, solo tenemos obras aisladas, por lo que, por ejemplo, no sabemos si Las formas pesadas de Cleobis son características del Argolid o lo que, en todo caso, es peculiarmente Aeginetan sobre las figuras del frontón Aegina. Más grave es nuestra ignorancia sobre Paros, que ahora suministraba desde sus canteras el mármol más preferido por los griegos y estaba, al menos geográficamente, a medio camino entre los continentes de la Grecia europea y asiática. Tal como están las cosas, la historia reconstruida de la escultura arcaica tiene un fuerte sesgo hacia Atenas.

Kouros y Kore

Los dos principales tipos arcaicos de estatua seguían siendo los kouros (el hombre desnudo de pie) y los kore (la mujer vestida de pie). De la Grecia europea también tenemos algunas figuras sentadas, hombres a caballo y, especialmente de monumentos funerarios anteriores, esfinges en cuclillas sobre sus patas traseras. En la región griega oriental, donde los escultores tenían diferentes ideales, el hombre cubierto era bastante común, generalmente sentado pero a veces de pie o incluso reclinado. Otros tipos eran muy raros. Hasta la transición al final del estilo arcaico, las poses de estatuas permanecieron frontales y simétricas, y las excepciones que ocurrieron no fueron significativas. Algunos de los últimos korai tienen un giro muy leve de la cabeza o la inclinación de los hombros y, dado que el nivel de mano de obra era meticuloso, estas desviaciones pueden haber sido intentos deliberados de dar una pequeña variedad subrepticia a la fórmula estándar. Otras excepciones más obvias pueden explicarse por el requisito de una vista completamente frontal del rostro humano. Con las esfinges, si el cuerpo se presentaba en una vista lateral, era razonable girar la cabeza en ángulo recto completo; y cuando en un estatua ecuestre la cabeza del caballo habría bloqueado la vista de la cabeza del jinete para el espectador parado directamente en frente, era un compromiso lógico girar la cabeza del jinete un poco hacia un lado. Los relieves y la escultura pediátrica con su necesariamente mayor variedad de poses tenían reglas comparables, que se discutirán más adelante.

[Nota: para biografías de importantes escultores de la antigua Grecia, ver: Fidias (488-431 a. C.), Myron (Activo 480-444), Polykleitos / Polyclitus (Siglo V), Callimachus (Activo 432-408), Skopas / Scopas (Activo 395-350), Lisipo / Lisipo (c.395-305 a. C.), Praxiteles (Activo 375-335), Leochares (Activo 340-320).]

Coloración de esculturas

En el color de la escultura arcaica, por lo que sucede, estamos bastante bien informados, ya que debido a la invasión persa de 480 muchas obras, recientemente pintadas o bien mantenidas, fueron dañadas y enterradas (o enterradas para escapar del daño) y, a veces, como en el Acrópolis de Atenas, las condiciones bajo tierra demostraron ser amables. Para el mármol, la práctica era al principio pintar toda la superficie excepto la carne; más tarde, a partir del tercer cuarto del siglo sexto, grandes áreas de cortinas a menudo quedaron sin pintar, excepto por bandas de patrones a lo largo de los bordes y en el centro de las faldas y una dispersión de pequeños adornos en otros lugares. No sabemos cuál era la regla para la carne de los hombres, pero a veces estaba teñida de un marrón claro. Los colores principales fueron rojo, azul y amarillo, otros fueron negro, verde y marrón. La elección de los colores puede haber estado limitada por los pigmentos disponibles, pero su objetivo era en gran parte decorativo sin prestar mucha atención a los tonos naturales. En las figuras de piedra caliza, la superficie era de peor calidad que el mármol y, por lo general, estaba pintada por todas partes. Arcaico esculturas de bronce , que son extremadamente raros, no muestran peculiaridades especiales.

Cronología

Muy pocas esculturas arcaicas están fechadas útilmente por contexto o registros. los arte antiguo El historiador Heródoto implica que el Tesoro Siphniano en Delfos se construyó alrededor de 525 a. C. y las últimas estatuas de los escombros de la Acrópolis de Atenas deberían ser muy poco anteriores a 480 a. C., cuando los persas lo saquearon. Entonces, como de costumbre, la cronología aceptada depende de criterios estilísticos, principalmente del progreso en la representación natural de la anatomía. El criterio anatómico tiene dificultades para las figuras femeninas, ya que fueron cubiertas, y no permite el conservadurismo o el atraso, pero como una guía aproximada parece funcionar. Para fechas absolutas antes del Tesoro de Siphn, los historiadores del arte confían casi por completo en las conexiones con la pintura de jarrones, desafortunadamente solo de ayuda limitada, ya que las convenciones de las dos artes no eran tan cercanas ni la datación absoluta de los jarrones es confiable. Esto hace que sea aún más arriesgado conectar los cambios en el estilo escultórico con personajes históricos como Pisistratus y Polycrates, aunque estas conexiones siempre son tentadoras.

Tipos de escultura

Los tres tipos principales de arcaico escultura son (1) estatuas; (2) Esculturas pediátricas y (3) Relieves. la estatua: en particular, el desarrollo de la forma masculina y femenina.

[Nota: para obtener información sobre la cerámica de la antigua Grecia, incluida la técnica geométrica, de figura negra, de figura roja y de fondo blanco, consulte: Cerámica griega: historia y estilos .]

Fue en los kouros que los escultores arcaicos hicieron su progreso más duradero, ya que los kouros arcaicos estaban desnudos, más desnudos incluso que el Daedalic que llevaba un cinturón, por lo que los problemas de anatomía no podían ser ignorados. Dado que sobreviven más de cien estatuas de kouros, completas o en fragmentos considerables, podemos seguir en detalle la tendencia hacia proporciones y articulaciones más naturales.

Generalmente las frentes se volvieron más altas y los cráneos más redondeados, los ojos más pequeños, los hombros más estrechos y las cinturas más gruesas; la estructura de la cara, las orejas, el cuello, el pecho, el vientre, las caderas y las rodillas se representó con una comprensión más cercana y menos énfasis en las características seleccionadas; y modelando incisiones de detalles cada vez más superadas. Evidentemente, los escultores observaron los cuerpos humanos, pero sus observaciones se combinaron y resolvieron en una especie de sistema teórico generalizado que no consideraba las peculiaridades de ningún modelo en particular: en otras palabras, la escultura arcaica era "ideal".

A finales del siglo VI, la anatomía de los kouros se había vuelto lo suficientemente natural como para que su postura pareciera antinatural, y era hora de abandonar la frontalidad rígidamente simétrica. En cuanto al tamaño, algunos de los primeros kouroi arcaicos son mucho más grandes que la vida; luego, las estatuas bastante pequeñas se volvieron comunes, pero gradualmente surgió un estándar de una figura de poco más de seis pies de altura, impresionante pero no sobrehumana.

Kleobis y Biton

La estatua generalmente llamada ’ Kleobis ’ es un ejemplo conveniente del estilo arcaico temprano de alrededor del año 600 a. C. Es el mejor conservado de un par de kouroi encontrados en Delphi e identificados por la inscripción en sus zócalos y un pasaje de Herodoto como representaciones de Kleobis y Biton, aunque no es seguro qué estatua es de cuál. La historia es que en un festival de Hera, cuando su madre (que era una sacerdotisa) fue detenida por falta de bueyes, Kleobis y Biton llevaron su carro las cinco millas hasta el santuario, que como recompensa la deidad los dejó morir. noche dormida, y que en conmemoración los argivos colocaron estatuas de ellos en Delphi. Las estatuas, de una canica que se dice que es cicládica, tienen más de siete pies de altura y son tan esperadas como las de la talla a mano libre.

Se pueden observar rastros de Daedalic en la parte baja de la frente y en la persistente triangularidad de la vista frontal de la cara; pero hay un nuevo énfasis en la solidez y la profundidad, el cuerpo aparece como una parte integral e interesante de toda la figura y ya no es principalmente un soporte para la cabeza, y la anatomía, aunque todavía es muy inexperta, se ha considerado. Los pómulos se manejan con una lógica bastante mejor que antes. Se ha prestado atención a la oreja, la garganta y las clavículas; el cabello (siempre difícil de tallar tallando) se divide en mechones nudosos que ahora se parecen más a mechones que a pelucas; los músculos pectorales y las rodillas se modelan fuertemente; los músculos del costado de los muslos están delineados por surcos; pero el límite superior de la barriga solo tiene una incisión, y la cintura todavía forma una curva cóncava simple que ignora las caderas. Aunque estos dos kouroi no son retratos en ningún sentido, se hace alguna concesión a su tema; Como transportistas, Kleobis y Biton usan botas, ajustadas pero originalmente diferenciadas por color, y tal vez fue para mostrar la fuerza por la que se hicieron famosos que las figuras son tan proporcionadas, no porque esas proporciones fueran típicas de una escuela argiva. de escultura. Para el escultor era un argivo, por lo que dice la inscripción, con un nombre que termina en ’medes’, a menudo restaurado como ’Polymedes’, aunque hay otras posibilidades. Por cierto, Cleobis y Biton se encuentran entre la docena de estatuas griegas originales que ahora sobreviven, que se mencionan en lo que tenemos de la literatura griega y latina.

Kouros (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)

El New York Kouros (c.600 AEC), de mármol de las Cícladas y seis pies de altura, es el más completo de un grupo de primeros kouroi encontrados en Attica y tan cerca uno del otro en estilo que deben haber sido hechos por un escultor o taller. La cara de la figura de Nueva York con su contorno ovalado y su frente y cráneo redondeados es la antítesis de Daedalic, tal vez deliberadamente, y los ojos son la característica dominante, como se puede ver en la ilustración si uno pasa un lápiz sobre ellos. Lamentablemente, la nariz está rota, pero debe haber sido estrecha y prominente. Aquí hay más indicios que en Cleobis de las características anatómicas del cuerpo, por modelado y ranurado, y una conciencia, si no más, de la existencia de las caderas. Algunos rastros de pintura roja sobreviven en las fosas nasales, en los pezones y en las bandas que atan las puntas del cabello en la parte posterior. Si uno compara la estatua de Nueva York con Cleobis, es notable qué diferencia en efecto podrían producir los escultores contemporáneos dentro de la estricta fórmula del tipo kouros. La longitud de los brazos es particularmente esclarecedora: corta en los Cleobis compactamente equilibrados, que se adentran más abajo en los muslos en la estatua de Nueva York para compensar el peso de la parte superior; si uno oscurece la figura debajo del cofre, se podría esperar una subestructura bastante diferente. La fecha de los kouros de Nueva York debería ser muy similar a la de Cleobis, alrededor del 600 a. C., ya que en algunos detalles es más avanzada, aunque su efecto general es más primitivo. La razón es probablemente que el escultor de los kouros de Nueva York no era ortodoxo. No tiene ascendencia obvia y bien pudo haber sido el primer escultor en establecerse en Attica; de todos modos, aunque se ha encontrado tanta escultura arcaica en Attica, hasta el momento no hay nada anterior a su trabajo. Es curioso que la estatua de Nueva York, el primer kouros para el que la correspondencia cercana con Arte egipcio Se ha afirmado que, en el nivel de las rodillas, el ombligo, los pezones, los ojos y quizás las manos, el estilo no parece particularmente egipcio.

Apolo de Tenea

El ’ Apolo de Tenea ’, que se encuentra en Tenea cerca de Corinto y no es una imagen de Apolo sino un monumento grave, también es de mármol de las Cícladas, de cinco pies de altura y en condiciones inusualmente finas. Su fecha es aproximadamente 560 a. C., una buena generación posterior a Cleobis y los kouros de Nueva York. La figura humana ahora tiene una proporción mucho más natural, aunque todavía es demasiado ancha en los hombros y demasiado estrecha en la cintura, y las características de la anatomía están modeladas orgánicamente y sin exageración, en fuerte contraste con los kouros de Nueva York, donde aparecen como superficiales. y complementos casi decorativos. En el Apolo de Tenea, la cabeza, al menos de frente, es apenas más interesante que el cuerpo; el cabello se ha simplificado, los ojos, de tamaño reducido, están empotrados en la esquina interna y los labios se curvaron alegremente en la "sonrisa arcaica"; pero el modelado del vientre muestra mucha más sutileza y si la figura es decapitada, sufre sorprendentemente poco. En la construcción, las vistas frontal y lateral siguen siendo cardinales, aunque las transiciones se manejan mejor que en trabajos anteriores y, en conjunto, esto es una representación de un hombre que parece capaz de moverse con flexibilidad humana. Es cierto que el Apolo de Tenea es excepcional en calidad para su época, pero es una pena que no haya más escultura arcaica de la Corintia.

Kouros de Aristodikos

El kouros de Aristodikos es otro monumento grave, encontrado al este del monte Hyrnettus, donde los nobles atenienses tenían propiedades. El título ’de Aristodikos’ está tallado en el escalón superior de la base, con las letras escogidas en pintura roja. Presumiblemente, como algunas otras estatuas arcaicas de Attica, fue enterrado en el momento de la invasión persa, pero desafortunadamente en su espalda, por lo que su arado moderno ha marcado su cara. El Aristodikos kouros tiene casi seis pies y medio de alto, de mármol de Paria y data de aproximadamente 500 a. C. En este momento, la estructura del cuerpo se entiende ampliamente, incluso en la cintura, y de manera similar, la cara tiene una forma unificada sin especial énfasis en ninguna característica. Incluso el cabello de la cabeza no puede distraer la atención de la anatomía. Corto y ajustado, tiene dos hileras de rizos convencionales simples alrededor del borde, mientras que la parte restante está terminada aproximadamente con un punto, una alternativa inusual a la corriente de ondulación fina en ese momento a menos que fuera una cama para estuco.

Para revisiones de famosas estatuas griegas, ver: Venus de Milo (c.130-100 AEC) por Alexandros de Antioquía, y Laocoon y sus hijos (c.42-20 aC) por Hagesander, Athenodoros y Polydorus.

El detalle ornamental más notable de esta figura sobria es el vello púbico, conformado según una convención de moda a finales del siglo VI y principios del quinto. En general, los kouros de Aristodikos han alcanzado los límites del estilo arcaico; Para una figura construida de forma tan natural, la pose se ha vuelto incómodamente rígida. Tal vez el escultor también sintió esto y, por variedad, inclinó los brazos hacia adelante en los codos, aunque requirió el uso desagradable de los puntales. De todos modos, aunque la composición todavía se basa en las cuatro elevaciones regulares, hay más vivacidad en una vista intermedia.

Los cuatro kouroi que se han discutido provienen de la Grecia europea y, a excepción de la estatua de Nueva York, son típicos del estilo general de esa región. Las escuelas de las Cícladas parecen haber estado bastante cerca, aunque algunas piezas muestran un tratamiento más suave. Más lejos, la suavidad era dominante en los talleres de Grecia oriental, que se concentraban en formas regordetas y superficiales e incluso disfrutaban de los pliegues de un vientre bien redondeado. Aún así, tanto los ideales europeos como los griegos orientales pueden considerarse aristocráticos, uno que representa al caballero con tiempo para disfrutar del atletismo y el otro al hombre de propiedad que puede permitirse el lujo de comer.

Korai arcaico

El core arcaico se desarrolló de una manera muy diferente a la de los kouros. Como tenía que estar completamente vestido, los escultores no sintieron tanto incentivo para explorar la anatomía femenina y, hasta que apareció un estilo más robusto poco después del 500 a. C., sus objetivos eran cada vez más decorativos. Esto se muestra en el tratamiento del cabello e incluso de las características de la cara, así como en las cortinas, para lo cual se ideó una nueva fórmula a mediados del siglo VI. La vestimenta griega, aunque básicamente simple, necesita cierta consideración. Las dos prendas principales, tanto para hombres como para mujeres, eran los ’peplos’ sin mangas pesados ​​y el ’chiton’ de manga ligera (para usar estos nombres como los arqueólogos han elegido definirlos) y se dice que ambos consistieron en piezas rectangulares sin forma de material, que fue fijado o abrochado o cosido según sea necesario y fue recogido en la cintura por una faja. Entonces, la Diosa Auxerre usa unas simples peplas con una capa separada sobre los hombros; las heroínas del frontón este en Olympia visten un peplos con caída (es decir, la parte superior del rectángulo se ha doblado hasta el doble hasta la cintura); y el Acropolis kore lleva un quitón y encima una especie de capa (o ’himation’), envuelta en diagonal sobre un hombro. Sin embargo, el quitón de este kore está tallado como si las partes superior e inferior fueran dos prendas separadas, e incluso en la diosa Auxerre el patrón de los peplos, con escamas en el pecho pero no en la parte posterior y la franja de meandro en la parte delantera de la falda: parece improbable en una sola pieza de material, si se piensa que se abrió. Bien puede ser que la ropa griega a veces fuera más sofisticada de lo que se supone, pero los artistas a menudo han ignorado la lógica de las cortinas.

Nota sobre la evaluación del arte
Para apreciar el arte plástico de la antigua Grecia, ver: Cómo apreciar la escultura . Para trabajos posteriores, consulte: Cómo apreciar la escultura moderna .

Diosa de pie de Berlín

Se dice que la ’ Diosa Permanente de Berlín ’ fue encontrada en el campo de Attica, envuelta en láminas de plomo y enterrada, presumiblemente en 480 a. C. para escapar de la destrucción de los persas. Es de mármol local, de seis pies de altura y data de aproximadamente 575 a. C. Del color original, el rojo es bastante y el amarillo está menos conservado, y hay algunos rastros de azul. La carne no estaba pintada, el cabello era amarillo, el quitón era rojo, pero no sabemos el color del chal. De detalles decorativos, las flores en los polos (o gorro) eran rojas; el meandro en el cuello del ehiton fue escogido en rojo, amarillo, azul y blanco, y el de la parte delantera de la falda en rojo, amarillo y azul; y las sandalias tenían correas rojas y suelas amarillas.

En cuanto a la talla, la cabeza no muestra rastros del esquema Daedalic y el cabello se hace con una simplicidad que se ajusta razonablemente a la naturaleza y no distrae la atención de la cara con sus enfáticos ojos, nariz, mejillas y boca, fijados de esa manera. del Apolo de Tenea en la ’sonrisa arcaica’. Esta sonrisa puede, como afirman algunos historiadores del arte, provenir de un corte más profundo en las comisuras de los labios, aunque eso no explica su curva ascendente; pero sea cual sea su causa, pronto se convirtió en un manierismo, incluso, en relieves y frontones, para figuras cuya situación no deja nada para sonreír. La postura es, por supuesto, simétrica, aunque por variedad ambos brazos se cruzan por el cuerpo. La cortina también ha avanzado más allá de la planicidad Daedalic y está tallada en pliegues anchos y poco profundos, que caen verticalmente, excepto en la parte posterior del chal, donde forman un conjunto de bucles simples que cuelgan de un hombro al otro hasta la cintura. A quién representa la figura es incierto. La estatua de Berlín es una figura femenina sólidamente efectiva, aunque tampoco hay nada específicamente femenino en la cara ni el cuerpo, en la medida en que se puede ver debajo del vestido envolvente.

Por esta época, algunos talleres más al este estaban experimentando con una versión diferente del kore. La forma de algunas de estas estatuas es mucho más cilíndrica, que uno puede sospechar la influencia de las figurillas de marfil, ya sean sirias o sus sucesores griegos, que en forma tendían a mantenerse en la forma del colmillo del que fueron talladas.

El vestido aquí es el quitón, que pronto se complementa regularmente con una capa que se usa en un hombro y cruza el cofre, y cada prenda está decorada con pliegues cercanos y poco profundos que siguen su mentira. Solo una estatua de este tipo aún conserva su cabeza, y tiene una plenitud sólida que podría derivarse de trabajos anteriores como los kouros de Nueva York. A menudo, una mano se coloca sobre los senos, sosteniendo una pequeña ofrenda y la otra cuelga al costado del muslo. Pero pronto, quizás alrededor de 560 a. C., esta mano se emplea para agarrar el costado de la falda, desviando así sus pliegues; y el siguiente paso, a más tardar 550 BCE es explotar las consecuencias del embrague colocando la falda en pliegues radiantes en la parte delantera y ajustada a la piel en las nalgas y la parte posterior de las piernas, mientras que para contrastar aún más los pliegues de la la capa se escalona y se corta más profundamente. La cara y el cabello también se embellecen, y generalmente un pie está ligeramente avanzado, ya sea para animar la pose o para mejorar la estabilidad mecánica de la estatua. Este tipo de kore generalmente se cree que es una invención jónica o griega del este, pero los especímenes más elaborados parecen ser cicládicos, mientras que los que se encuentran hasta ahora en Ionia son bastante simples y, por lo que vale, los primeros completamente iónicos Se han encontrado ’korai en la Grecia europea. Aún así, donde se inventó o desarrolló el nuevo kore, se extendió rápidamente por todo el mundo griego.

Estatua Número 682: Acrópolis

La estatua no. 682. de la Acrópolis de Atenas es uno de los korai más maduros, a más tardar alrededor de 525 a. C. Tiene casi seis pies de altura, de mármol de las Cícladas y, inusualmente, está hecho en dos partes principales, la unión está en las rodillas. El antebrazo derecho también, que se estiraba hacia adelante, era, como generalmente, una pieza separada, cuyo muñón todavía está fijo en su zócalo. El extremo de la capa que cuelga en la parte delantera también se talló por separado, y en el cofre se pueden ver los agujeros de perforación donde se pegaron largos mechones. El pelo era rojo, las cejas negras, la diadema decorada con palmetas rojas y azules. La parte superior del quitón era quizás amarilla o azul, el resto de las cortinas sin pintar, excepto por bandas de patrones a lo largo de los bordes y en la parte delantera de la falda y una dispersión de pequeños adornos en otro lugar; esta decoración era principalmente en rojo y azul con probablemente toques de verde y amarillo. También había un collar, pintado pero no tallado; el brazalete era de color azul; y las sandalias eran rojas con detalles azules. Para completar el efecto original, la varilla de metal en la parte superior de la cabeza debe enderezarse y cubrirse con un pequeño paraguas de bronce (los ’meniskos’), una protección común contra las aves cuando las estatuas permanecían al aire libre. En comparación con el kouroi contemporáneo, la cabeza de la Acrópolis 682 es interesante. Obviamente, estaba destinado a ser de moda femenina con su cráneo con cúpula alta, ojos oblicuos (una vez llenos de pasta), párpados sobresalientes medio cerrados y prominentes pómulos; pero aparte de los senos inverosímiles, no se presta mucha atención a las formas características del cuerpo femenino y, aunque el escultor se dio la oportunidad suficiente en la parte inferior de su figura, parece que utilizó el kouros como modelo. Esta revelación de las formas de los glúteos y las piernas fue una vaguedad escultórica, que no se encontró tan temprano en la pintura de jarrones; y el truco de hacer que el material bien estirado siga las curvas internas de las piernas también es escultórico, no es un sustituto de la transparencia que es posible en la pintura, ya que los pintores de esa época evitaban la parte posterior e incluso la vista frontal. El estilo de un korai como este es inteligente e incluso brillante, pero no llevó más allá, y dentro de una generación los escultores se estaban volviendo hacia un estándar más austero pero más prometedor para sus figuras femeninas.

El kore fragmentario dedicado por Euthydikos es una de las últimas estatuas de los escombros persas de la Acrópolis ateniense y puede datarse en el año 480 a. C. El centro está perdido, pero originalmente debe haber tenido unos cuatro pies de altura, sin incluir la columna Done no contaminada en la que estaba encaramado. El sistema de cortinas y el estilo del cabello son los del core ’Ionic’, aunque gran parte de los detalles son superficiales e incluso duros, pero también hay innovaciones positivas. Esto es más obvio en la cara con su estructura unificada severa, el rechazo del encanto femenino y la boca agresivamente sin sonreír; y el cuerpo también es más sólido, especialmente en su profundidad de adelante hacia atrás. Esta es una estatua de más valor histórico que estético, y su efecto debe haber sido aún más incongruente cuando se completó. La fórmula ’iónica’ para el kore no se ajustaba a los austeros estándares a los que los artistas se sentían atraídos en los primeros años del siglo V y lo que se necesitaba no era adaptación, sino un cambio revolucionario.

Para obtener una lista de las mejores estatuas, estatuillas y relieves que sobreviven del arte de la antigüedad clásica , por favor mira: Las mejores esculturas jamás . Para el neoclasicismo, ver: Escultores neoclásicos .

Arcaico escultura en relieve se divide en tres clases según la forma del campo. Muchas lápidas del siglo sexto eran losas altas y estrechas, talladas (o simplemente pintadas) con una sola figura, de pie y de perfil. Este tipo de monumento funerario es mejor conocido en Attica, donde podría estar coronado por una pequeña estatua compacta de una esfinge sentada o más tarde por una palmeta. El cambio se produjo poco después de mediados de siglo cuando, a medida que la habilidad y el gusto anatómicos mejoraron, los monstruos y animales (además del caballo) se convirtieron en sujetos indignos del escultor serio. Por cierto, tanto la esfinge como el león (que también se encuentran en los primeros monumentos funerarios) podrían usarse como dedicatorias en santuarios y, por lo tanto, apenas eran símbolos de la muerte. Los griegos pueden haber tenido alguna noción de que eran una especie de perro guardián, pero como muestran las pinturas de jarrón, tales criaturas no habrían sido toleradas en el arte a menos que se las hubiera pensado decorativas. La segunda clase de relieves, más o menos cuadrados, incluye las tabletas de metopas talladas de templos dóricos y tesoros, así como algunos relieves graves. Aquí, para llenar el espacio, es habitual un grupo de dos o tres figuras; y si solo hay una figura, se plantea que se extienda hacia los lados, como las figuras individuales de la pintura del florero dentro de las tazas arcaicas. Por último, hay largos relieves, para los frisos de la arquitectura jónica o las bases de las estatuas. En tales campos, las escenas de acción son casi inevitables.

La composición y las posturas son muy similares a las de la pintura en florero. Los jefes de las figuras normalmente alcanzan la parte superior del campo, en los grupos hay una superposición que evade en lugar de indicar la profundidad de la escena, y es muy raro que el escenario se sugiera. Por lo general, las caras son de perfil, aunque las vistas totalmente frontales son quizás menos comunes que en jarrones; los hombros y el pecho son frontales o de perfil según la acción de la figura, y el vientre y las piernas están de perfil Las uniones entre las vistas frontal y de perfil son abruptas, sin ninguna transición orgánica, aunque más tarde algunos escultores sensibles intentaron enmascarar el torpe giro en la cintura de una figura desnuda al pasar un brazo por delante. La dirección del movimiento es, por supuesto, lateral, y las posturas y los gestos son claros y enfáticos. La profundidad de la talla varía; Las lápidas, por razones obvias, generalmente tienen un relieve mucho más superficial que la escultura arquitectónica.

El primer pedimental escultura de piedra que sobrevive es de aproximadamente 580 a. C. y proviene del Templo de Artemisa en Corcyra o, para usar el conocido nombre veneciano, Corfú. El material era piedra caliza, el campo de unos 55 pies de largo por 8.5 de alto en el centro, y el diseño de ambos frontones inusualmente similares. En el frontón oeste, que está mucho mejor conservado, el grupo central está compuesto por la Gorgona Medusa con sus dos hijos, el caballo alado Pegaso y el humano Crisaor. A cada lado se encuentra una ’pantera’ (o mejor dicho, ya que tiene manchas, un leopardo); en el extremo derecho, Zeus, reconocible por su rayo, está matando a un Gigante al lado de un árbol, y en la esquina izquierda hay otro cadáver, luego una pared en el extremo y una figura sentada amenazada por otra figura con una lanza, ya sea un incidente del Saco de la Bandeja u otro extracto de la batalla de los Dioses y los Gigantes. Algunos estudiantes invierten a las panteras con vagas funciones sobrenaturales, pero es más creíble que sean principalmente decorativas, elegidas porque encajan convenientemente en el campo y podrían ser talladas rápidamente, una economía deseable en un trabajo tan grande; ni Medusa es necesariamente "apotropaica". El diseño de este frontón es impresionante, excepto quizás en los extremos, pero no hay unidad de escala o tema. Así que Zeus, aunque el más grande de los dioses, es un enano en comparación con Medusa, que era solo un personaje menor en la mitología y ni siquiera inmortal. También existe la consecuencia insatisfactoria de que las figuras grandes aparecen en un relieve relativamente bajo, mientras que los grupos artísticamente subordinados en las esquinas se destacan casi en la ronda, y el contraste debe haber sido aún más inquietante originalmente cuando las esculturas fueron expuestas a la luz solar directa. Parece que el escultor debe haber sido uno de los pioneros de la composición pedimental.

Frontón Barba Azul

El ’ frontón de Barba Azul ’ se ha creado a partir de fragmentos encontrados en y cerca de la Acrópolis de Atenas, aunque algunos aún dudan de si el centro y los dos lados se pertenecen. También es de piedra caliza, de aproximadamente el mismo tamaño que el frontón de Corfú y, a juzgar por las cabezas humanas, solo unos años más tarde. Aquí, el centro está lleno de dos leones maullando un toro, un tema que también se usa decorativamente en la pintura de jarrones. A la izquierda, Heracles está luchando con Tritón, y a la derecha hay un monstruo de tres cuerpos y espacio para otra figura, ahora desaparecida pero posiblemente un hombre corriendo. Los colores se conservan notablemente: rojo para la carne y rojo y azul para otras partes. En composición, este frontón es menos ambicioso y más exitoso que el de Corfú; Las cabezas se plantean para dar varias vistas, una indicación de que este tipo de escultura ahora estaba estableciendo sus propias reglas, y las figuras coinciden bastante bien en tamaño, pero el llenado de las esquinas con peces y colas de serpiente es bastante fácil. El esquema se repite en esqueleto en el otro frontón del mismo templo, si se ha restaurado correctamente con dos leones agachados, cada uno flanqueado por una gran serpiente. Nuevamente, existe una discrepancia, aunque menos enfática que en Corfú, entre los grupos centrales y secundarios, uno en relieve y los otros tallados en parte en la ronda.

También se encontraron otros conjuntos de esculturas pediátricas, contemporáneas con el frontón de Barba Azul o no mucho después, en la Acrópolis ateniense. Estos también son de piedra caliza, pero de edificios menores (como tesoros) y quizás debido a su pequeño tamaño más experimental, aunque el experimento consiste en parte en forzar en un marco triangular una composición diseñada para un campo rectangular. La técnica varía desde bajo relieve hasta figuras en la ronda y ofrecen temas unificados de la mitología. The east pediment of the Siphnian Treasury at Delphi , which measured 19 by 2.5 feet, is hardly more advanced, although it is of marble and as late as 525 BCE. Its subject is the brawl between Heracles and Apollo over the Delphic tripod with a fully dressed Zeus intervening. On either side there are bystanders and the sculptor has not made much effort to vary their poses, so that the composition is monotonous and the figures are fitted into the field by the unhappy expedient of reducing their height away from the centre. A stranger piece of clumsiness is the wall that reaches halfway up the pediment and involves the carving of the lower parts of some figures in relief, while their upper parts stand free. Very obviously the man who made this pediment was not the creator of the east frieze.

Gigantomachy Pediment

The Gigantomachy pediment , also of about 525 BCE, is the first big marble pediment we know of. It belonged to a temple of the Acropolis of Athens and its field is estimated at about 65 by 8 feet. What remains, suggests that Zeus and Athena were placed back to back in the centre, striking at opponents, and there are also three Giants either collapsing or crawling on the ground. The original total of figures was probably only ten, but though the composition was loose it provided a satisfactory solution to the main problem of pedimental art; a battle, with fallen and crouching combatants, allows a logical and integrated filling of the field with figures of the same scale. See also the gigantomachy in the Partenón metopes.

Temple of Aphaia on Aegina

The Temple of Aphaia on Aegina was built near the end of the Archaic period and we have much of its two sets of marble pedimental sculpture and, puzzlingly, fragments of extra figures and an acroterion in the style of the west pediment. These seem to have been intended for the east pediment, but could have been discarded before being put in place. The west pediment, about 43 feet wide and 6 feet high, has at the centre Athena standing apart, a head taller than mortals, and on each side of her, six soldiers stabbing and shooting it out towards the corner. The poses are varied thoughtfully and the composition is held firmly together by a system of oblique lines. In the east pediment, Athena is again in the centre, though less stationary, and on each side there is a group of four figures engaged in battle while a fifth twists dying in the corner. The soldiers falling backwards, one on each side, are an experiment that did not succeed. For figures fully in the round (as pedimental sculptures now regularly were) Greek sculpture never brought itself to approve of such apparent defiance of gravity. The style of the east pediment looks a little more advanced than that of the other, but it still makes no attempt to represent torsion in the body and, if the theory of later replacement can be discounted, the two sets may as well be contemporary works of about 510 to 500 BCE, one by a conservative and the other by a modern master. The Aegina pediments are so crisply carved that some students think that they were inspired by bronze work and so assuredly composed that they give the impression almost of academic exercises in the filling of a tapering field.

Though the sculpture of the pediments was the most imposing decoration of the outside of a temple, the Greeks felt no need for its subject to be particularly connected with the god or goddess to whom the temple belonged. The Corfu pediments have nothing to do with Artemis, nor the Bluebeard pediment and its counterpart with Athena, though the subject of the Siphnian Treasury is appropriate to Delphi and in the Gigantomachy pediment Athena has a leading part. As for the Aegina pediments, Aphaia to whom the temple was dedicated is for us a shadowy deity connected with Artemis, but the goddess dominating each set of sculptures is unmistakably Athena. So it seems that the sculptures of pediments, like those of metope tablets and friezes, were intended more to delight than to glorify the patron deity.

Already in the Corfu pediment some figures had been carved almost in the round and, as this practice became commoner, even backs were often finished with more or less careful detail, so that in their form pedimental figures might often be considered as statues. Yet the free poses of these pedimental statues had no influence on ordinary statues, which till the beginning of the fifth century were still governed by the rules of frontal symmetry. In effect then, pedimental sculpture was regarded as a special kind of relief, at least till the remarkable innovations of the Parthenon, and the reason why it was carved in the round was presumably to make it stand out more emphatically in its exalted position.

For information about architectural styles and designs in Ancient Greece, see: Arquitectura griega .

The Greeks of South Italy and Sicily naturally accepted the Archaic style of sculpture, in the main following the lead of European Greece though often belatedly. This backwardness was certainly not due to poverty or inertia, and the chief reason may have been remoteness from supplies of marble, so that the local workshops had to make do much longer with the inferior medium of limestone. One curious idiosyncrasy is a liking for carving on the metopes but not in the pediments of Daric temples, the contrary of the fashion of contemporary Greece. In Etruria, the ingredients of the local Archaic sculpture were more varied and there were more vagaries in their use, so that it is hard to define a general Arte etrusco style. Here the local stone, a soft tufa, did not allow any delicacy of carving and the best work was done in terracotta, even for architectural statuary. Whether because of difficulty in attracting Greek artists or some peculiarity of native taste, much Etruscan sculpture remained basically Archaic till near the end of the fifth century. In the opposite direction, Cyprus borrowed some features of Greek Archaic for its hybrid limestone statues, with characteristically unhappy results. Cyprus was partly a Greek country, but in the later sixth century Greek art was making an impression on the non-Greek civilizations of the East. Along the Syrian and Phoenician coast local figurines began to borrow from the Archaic style, and the court sculptural art of the Persian empire (which had annexed Ionia and the rest of western Anatolia in 547 BCE) included some Greek features in its formula.

In Greece itself few Archaic details survived the transition to Classical in the early fifth century. The most notable example is the Hair of Herms – those rectangular blocks of stone with a head on top and a phallus in front which, anyhow in Athens, became familiar objects of private piety. There are also the cult statues which occur in some Classical vase paintings and reliefs and are often represented in a stiff Archaic manner, less perhaps to give them an air of age and venerability than because otherwise they could not be distinguished easily from animate figures. In time, though, some sculptors became mildly interested in the Archaic style, and from the later fifth century on, there are occasional reminiscences or adaptations in the treatment of hair or of drapery. Later, during the Hellenistic period of greek sculpture and much more so towards its end, small Archaistic schools developed, producing mainly reliefs for eclectic customers. In most Archaistic works the poses were stiff enough and the hair was fairly true to the Archaic formulas, but usually the drapery was distorted to give exaggerated swallowtail folds and the faces were modernized – deliberately, since plenty of Archaic sculpture was around to study and, when required, good copies or forgeries could be turned out. During the Roman period there was from time to time a limited vogue for the Archaic style, but generally antiquarian taste went back no further than the High Classical period .

In modern times, the first recognition of Archaic sculpture came with the discovery of the pedimental figures of Aegina in 1811 and their exhibition in Munich in 1830, but they were alien to the taste of the period and, though Thorvaldsen restored them with creditable understanding and even attempted original work in their style, they had no appreciable effect. Gradually more Archaic statues and reliefs came to light and in the 1880s there was the rich haul from the Athenian Acropolis, so that the archaeologists at least became familiar with the Archaic style, even if most of them still judged it by Classical standards. It was not till early in this century that some sculptors, for instance Mestrovic and Eric Gill, found something congenial in Greek Archaic sculpture, though true to the tradition of Praxiteles they did not abandon the female nude. Cultured taste has followed and since the 1920s Archaic sculpture has been admired, though not always critically. Certainly its composition is simple, there is a studied contrast between strong forms and decorative details (though the decoration may seem rather overdone on many of the korai), the quality of finish is very high, more so in fact than in any other period of Greek sculpture, and appreciation is not soured by inferior copies. Yet though the merits of the Archaic style are obvious, so too are its limits.

Recursos:
For articles about the visual arts of classical antiquity, see:

Escultura de la antigua Grecia (Introducción)
Pintura griega arcaica (c.600-500)
Escultura griega clásica tardía (c.400-323 a. C.)
Greek Painting Classical Era (c.500-323 BCE)
Estatuas y relieves de estilo helenístico (c.323-27 a. C.)
Greek Painting of the Hellenistic Period (c.323-27 a. C.)
Greek Painting Legacy
Arte griego de metalistería (Siglo VIII AEC en adelante)