Arte contemporáneo: artes visuales posmodernas Traductor traducir

Nadie se pone de acuerdo sobre el significado exacto del arte actual. Críticos, comisarios e historiadores lo definen de distintas maneras. Una de las razones de la confusión es que «El arte (contemporáneo) actual» precede a «El arte (contemporáneo) moderno», y no existe un acuerdo preciso sobre cuándo terminó «Moderno» y comenzó «Actual».

Para complicar aún más las cosas, el tercer término «Arte posmoderno» se utiliza a veces como sinónimo de «Arte actual». El postmodernismo denota la principal tendencia estilística después del modernismo, pero también se refiere a docenas de otras disciplinas, como la arquitectura, la música, el cine, la literatura, la sociología, el diseño, la moda y la tecnología, todas ellas con diferentes marcos temporales, por lo que es difícil precisar con exactitud cuándo comienza el postmodernismo. Además, no es sinónimo de arte posmoderno propiamente dicho. Este último se refiere a una época (periodo de tiempo), mientras que el posmodernismo es más bien una actitud y un estilo dentro de ese periodo. Con el tiempo, el posmodernismo será sustituido por un nuevo «-ismo», pero ambos serán formas de arte actual.

Pero eso no es todo. La comprensión se complica aún más por el hecho de que las distintas fuentes se refieren a estos periodos de manera diferente.

Lo que aquí llamamos «arte actual» se denomina muy a menudo «arte contemporáneo», y la fase anterior, por ejemplo, «la era moderna». Esto no es incorrecto si se entiende el contexto y lo que quería decir el autor. Y además, resulta más familiar si consideramos que la palabra «moderna» se ajustaría mejor a nuestra época actual que a la que finalmente terminó en 1970. Por esta razón, llamamos explícitamente arte postmodernista «actual» (y arte modernista «contemporáneo») sólo cuando la división en épocas es relevante. Y esto, por supuesto, no nos prohíbe utilizar la palabra «moderno» también en su significado normal, refiriéndonos a aquellas personas y fenómenos de los que somos contemporáneos.

¿Cuál es una definición sencilla del arte actual?

Dejando a un lado la teorización, hay tres significados o usos principales del término «arte actual».

En este artículo vemos los años 60 como una época de transición del modernismo al posmodernismo, aunque lo correcto sería decir que la década incluyó ambos tipos. Al fin y al cabo, los artistas de todo el mundo no se levantaron un día y se convirtieron en posmodernos. Por eso utilizamos 1970 como fecha límite, porque para entonces la transición estaba prácticamente completada. Para obtener información cronológica más detallada, consulte: Cronología de la Historia del Arte (800 a.C. hasta la actualidad).

¿En qué se diferencia el arte actual del arte contemporáneo?

La respuesta a esta pregunta requiere un libro entero. Nosotros sólo tenemos un párrafo, así que empecemos. Primero, un poco de historia. El Renacimiento sentó las bases del arte occidental después de la Edad Media. Las ideas y reglas del Renacimiento se extendieron por Europa a través de varias Academias de Bellas Artes, como la Academia Florentina Accademia dell’Arte del Dizenio (fundada en 1562), la Academia Romana Accademia di San Luca (fundada en 1583), Academia Francesa ) Académie des Beaux-Arts), la Royal Academy de Londres (fundada en 1768) y las posteriores Royal Hibernian Academy y Royal Ulster Academy of Arts de Irlanda. Estas academias enseñaban arte según unos cánones invariables que los artistas debían seguir para ganarse la vida. A principios del siglo XIX, este enfoque académico había perdido su relevancia.

La Edad Moderna

A principios de la década de 1860, Édouard Manet, junto con los impresionistas franceses, cuyo revolucionario estilo subjetivo de pintura lanzó la Edad Moderna, el arte moderno. Este periodo vio surgir una sucesión de movimientos artísticos modernos, como el Expresionismo, el Cubismo, el Surrealismo, el Expresionismo Abstracto y el Op Art, por nombrar sólo algunos. (Para más detalles, véase Movimientos y estilos artísticos). Casi todos estos estilos reflejaban las tendencias políticas y sociales de la época, como la Primera Guerra Mundial, la depresión económica de las décadas de 1920 y 1930, y la Segunda Guerra Mundial y sus secuelas postcoloniales. Pero a pesar de reconocer la creciente fragmentación y falta de sentido de la sociedad durante este periodo, «los artistas contemporáneos» seguían creyendo que las obras de arte podían dar una respuesta -el arte podía hacer lo que otras instituciones humanas no podían- y aportar la coherencia y el sentido que se habían perdido. En la década de 1960, sin embargo, este optimismo entre los artistas comenzó a decaer, y es esta pérdida de optimismo la que marca el comienzo del posmodernismo y la aparición del arte actual.

La era posmoderna

Los posmodernos rechazan la idea de que el arte pueda proporcionar sentido. Si la vida carece de sentido, dicen, bien; no pretendamos que el arte pueda mejorarla. Aceptemos que carece de sentido, como todo lo demás, y sigamos con nuestras vidas. La nueva filosofía del posmodernismo dio lugar así a toda una serie de nuevas prioridades, ayudada en gran medida por la coincidente aparición de nuevas tecnologías como la televisión, el vídeo y los ordenadores. Los movimientos artísticos actuales se centraron en «cómo» se creaba y distribuía el arte, en lugar de en «qué» se producía. Enfatizaban las ideas y los conceptos más que los objetos valiosos y las habilidades necesarias para producirlos.

En un intento de popularizar y aumentar el acceso a las artes visuales, introdujeron (o perfeccionaron) una serie de nuevas formas artísticas como el conceptualismo, la performance, el happening, la instalación, las obras de tierra, el arte de proyección, y en el proceso aprovecharon al máximo nuevos medios como el vídeo, los ordenadores y la tecnología digital. Todo esto dista mucho de Claude Monet y su empeño de toda la vida por captar los diversos efectos de la luz solar.

¿Cuáles son las principales tendencias del arte actual?

He aquí una breve lista de escuelas y estilos seleccionados del arte contemporáneo, ordenados por orden cronológico aproximado. Las fechas son aproximadas.

Pop Art (desde los años 60)
Aunque comenzó como una expresión del modernismo tardío, rápidamente desarrolló fuertes tendencias posmodernistas, así como un nuevo énfasis en la presentación y el estilo. Véase El arte pop de Andy Warhol, p. ej.
Word Art (desde la década de 1960)
Tipo de pintura o escultura centrada en palabras, frases o imágenes textuales. Entre los principales artistas asociados a este movimiento figuran Robert Indiana (n. 1928), Jasper Johns (n. 1930), On Kawara (1932-2014) y Christopher Wool (n. 1955).
Arte conceptual (desde la década de 1960)
Forma clásica de arte posmoderno en la que una idea subyacente (concepto) se considera el componente principal. un buen ejemplo de conceptualismo fue la exposición «Especialización de la sensibilidad en estado bruto en una sensibilidad pictórica estabilizada» (2009), celebrada en el Centro Pompidou de París. La exposición presentaba nueve salas completamente vacías.
Arte de la performance (principios de los años sesenta en adelante)
Forma de arte de vanguardia basada en la actuación en directo de un artista o de otras personas ante un público en directo. Algunos ejemplos son los desnudos masivos organizados por Spencer Tunick.
Happenings (años 60)
Tipo de arte de la performance en Estados Unidos promovido por Allan Kaprow (1927-2006). Inspirado en dada y fluxus, el heppening es un acontecimiento artístico teatralizado. Un fenómeno reciente es el flash mob.
Fluxus (años 60)
Movimiento neodadá antiartístico fundado por George Maciunas, que surgió en Alemania y posteriormente se estableció en Nueva York. Asociado a Happenings y otros eventos callejeros «».
Arte de instalación (desde los años 60)
Tipo de arte de vanguardia instalado en un espacio físico (por ejemplo, una habitación). Al envolver al espectador o invadir su espacio, este medio artístico permite al artista transmitir un mensaje con más fuerza. Un ejemplo prototípico es el ensamblaje de Schwitters «por Merzbaugh», que llegó a llenar un edificio entero.
Videoarte (desde los años 60)
Género posmoderno cada vez más popular cuyas obras pueden ir desde una pieza cinematográfica de duración relativamente normal hasta un breve bucle de vídeo que contiene unos minutos o incluso segundos de contenido artístico. A veces se utilizan varios monitores. Los videoclips se utilizan a menudo como parte de instalaciones más grandes.
Minimalismo (desde la década de 1960)
Categoría de pintura o escultura abstracta caracterizada por la extrema simplicidad de sus formas y desprovista de toda referencia «emocional, histórica o artística». El mejor ejemplo de este estilo son las pinturas monocromas (o totalmente negras o blancas) o las esculturas compuestas de materiales geométricos, a menudo fabricados industrialmente. Entre los minimalistas más importantes se encuentran Agnes Martin (1912-2004), conocida por sus cuadrículas a lápiz, y Ad Reinhardt (1913-1967), conocido por sus pinturas negro sobre negro.
Fotorrealismo (Años 60, 70)
Estilo de pintura o escultura (también conocido como hiperrealismo o superrealismo) ejecutado con detalles fotográficos. Las obras fotorrealistas suelen crearse directamente a partir de fotografías. Entre los fotorrealistas más destacados se encuentran Chuck Close, especializado en autorretratos de gran tamaño, y Richard Estes, conocido por sus reflejos en las ventanas de las ciudades.
Land art (Años 60)
Forma de arte de la naturaleza popularizada por Robert Smithson, que implica el uso de materias primas naturales como la tierra y las piedras para interactuar con el paisaje y crear formas artísticas. Aunque comenzó como un movimiento idealista contra el arte comercial, pronto fue a peor cuando los artistas descubrieron que sólo la gente adinerada podía permitirse visitar las obras de tierra creadas. Para obras de tierra a microescala, véanse: escultura de hielo, y diversas formas de arte en arena .
Fotografía (a partir de los años 60)
El trabajo de cámara contemporáneo se desarrolló principalmente a través de la fotografía de retrato (Annie Leibovitz), la fotografía de moda (Helmut Newton), la fotografía callejera (Garry Winogrand) y la fotografía documental (Don McCullin).
Arte Povera (1966-71)
Estilo artístico anticomercial asociado a un grupo de artistas de vanguardia en Italia y apoyado por Enzo Sperone y Germano Celant, que se preocupaba principalmente por las cualidades físicas de los materiales utilizados. Entre los miembros del grupo se encontraban Piero Manzoni, Michelangelo Pistoletto, Giuseppe Penone y otros.
Soportes-Superficies (1966-72)
Grupo conceptualista de artistas franceses de izquierdas que expusieron un tipo de pintura «ultraminimalista» en 1966-72.
Realismo moderno (década de 1970)
Estilo de pintura que representa temas realistas de forma naturalista. Engloba a todos los pintores y escultores posmodernistas que se centran en la imaginería figurativa para representar «lo real» en lugar de lo ideal. La pintura figurativa de Lucian Freud es un ejemplo.
Postminimalismo (Década de 1970)
Reaccionando contra el formalismo seco del arte minimalista, los postminimalistas tendieron a centrarse en los procesos físicos y creativos. Un ejemplo destacado de postminimalismo es Eva Hesse (1936-1970).
Arte feminista (década de 1970)
Movimiento artístico en el que participan mujeres artistas que abordan cuestiones específicas de género, como la maternidad, así como temas más amplios, como el racismo y las condiciones de trabajo. Entre sus figuras más destacadas se encuentran Nancy Spero (1926-2009), Miriam Shapiro (1923-2015), Judy Chicago (nacida en 1939), Barbara Kruger (nacida en 1945), Joan Jonas (nacida en 1936), Louise Bourgeois (1911-2010), y otras.
Nueva Subjetividad (década de 1970)
Estilo de arte tradicional (antiabstracción, anticonceptualismo) asociado a los participantes en la «Nueva Subjetividad», exposición internacional celebrada en 1976 en el Centro Pompidou de París. Entre los artistas participantes se encontraban David Hockney, R.B. Kitaj, Christian Zeimert, Michel Parré, Sam Safran y otros.
Escuela de Londres (década de 1970)
Grupo de artistas figurativos asociados a Londres a mediados de la década de 1970. Incluía a Francis Bacon, Lucian Freud, Howard Hodgkin, Frank Auerbach y Leon Kossoff.
Arte del graffiti (Años setenta)
Forma popular de arte outsider que surgió en el metro de Nueva York y se extendió después a Europa y Japón. Los grafiteros pintaban con plantillas y aerosoles en trenes subterráneos, muros, tejados y vallas publicitarias. Entre los artistas más destacados figuran David Wojnarowicz, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y Banksy.
Neoexpresionismo (desde 1980)
Amplio movimiento pictórico que surgió en oposición al minimalismo aburrido, que utilizaba el color, la emoción, el simbolismo y la narrativa (es decir, todo lo que los minimalistas intentaban erradicar de su obra). En Alemania, entre los neoexpresionistas destacan Georg Baselitz, Anselm Kiefer y Gerhard Richter. En otros países, entre los neoexpresionistas figuran Robert Morris (n.1931), conocido por su serie «Firestorm» de la década de 1980 (EE.UU.).
Transavanguardia (Transavantgarde) (a partir de 1979)
Variante italiana del neoexpresionismo, asociada a Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Sandro Chia y Mimmo Paladino.
Jóvenes Artistas Británicos (Britart, YBA) (década de 1980)
Grupo de artistas vanguardistas, apoyados por el millonario coleccionista Charles Saatchi, que se hicieron con el arte contemporáneo en las décadas de 1980 y 1990. Entre ellos destacan Damien Hirst, Rachel Whiteread, Tracey Emin, Glenn Brown, Sam Taylor-Wood, Jake y Dinos Chapman, Mark Wallinger, Mark Quinn, Steve McQueen, Chris Ofili y otros. Véanse también Artistas irlandeses contemporáneos (siglo XXI) y Artistas irlandeses del siglo XX (1900-2000).
Deconstructivismo (1985-2010)
Estilo arquitectónico visualmente impresionante promovido por Frank O’Geary, ejemplificado por el Nationale Nederlanden Building (Praga).
Neo-pop (finales de los años 80 en adelante)
Reactivación de las formas del Pop Art (objetos reconocibles, imágenes de famosos), el neo-pop también tomó prestados elementos del dadaísmo y el conceptualismo. Entre los ejemplos se incluyen las creaciones escultóricas de Jeff Koons, el movimiento también se asocia con la obra de Ashley Bickerton, Alan McCollum y Haim Steinbach.
Arte corporal (década de 1990)
Forma de arte en la que el cuerpo se convierte en un «lienzo». Más comúnmente visto en «performance» arte de artistas como Marina Abramović, o en body art contemporáneo, ejemplificado por la pintura ilusionista de Joan Gair de una Demi Moore desnuda ) Vanity Fair agosto 1992). También incluye mimos, «estatuas vivientes», tatuajes y arte de uñas, y pintura facial de varios tipos.
Realismo cínico (China) (década de 1990)
Estilo sardónico de pintura de figuras crítico con las autoridades chinas tras la Plaza de Tiananmen, sus principales exponentes fueron Yue Mingjun, Fang Lijun y Zhang Xiaogang.
Stuckism (1999 en adelante)
Grupo artístico británico liderado por Billy Childish, cuyos miembros rechazaron el conceptualismo, la performance y la instalación en favor de estilos representativos tradicionales de pintura y escultura. Fundó una exposición anual de arte conocida como «Turner Prize Real Show».
Nueva Escuela de Leipzig (desde 2000)
Escuela de arte tradicional especializada en el realismo clásico dentro de la corriente principal del arte académico.
Arte de proyección (Projection Mapping) (siglo XXI)
Arte de mostrar imágenes de vídeo en edificios u otras grandes superficies mediante programas informáticos.
Arte informático (Siglo XXI)
También conocido como arte digital o de Internet, esta categoría incluye una amplia gama de formas de arte relacionadas con los programas informáticos.

¿Quiénes son los mejores artistas actuales?

Desde mediados de los años 60 hasta la actualidad han surgido muchos artistas posmodernos de gran talento, que trabajan en diversos géneros. He aquí una breve selección de algunas de las personalidades más conocidas en diversas categorías del arte visual. Algunos, como Francis Bacon o Andy Warhol -los artistas más valiosos de nuestro tiempo- podrían clasificarse como «modernistas» antes de 1970, pero se incluyen aquí por su enfoque esencialmente «posmodernista».

Artistas

Incluye al surrealista Francis Bacon (1909-1992); R.B. Kitaj (n.1932); artista pop de caricaturas Roy Lichtenstein (1923-1997); artista pop y de plantillas Andy Warhol (1928-1987); dibujante pop David Hockney (n.1937); impastista semiabstracto y retratista Frank Auerbach (n.1931); pintor figurativo Fernando Botero (n.1932); neoexpresionistas Gerhard Richter (n.1932) y Georg Baselitz (nacido en 1938); el pintor de objetos Jack Vettriano (nacido en 1951); y la pintora de figuras Jenny Saville (nacida en 1970). Para obras abstractas contemporáneas, véase Cy Twombly (1928-2011), conocido por su característico estilo pictórico que combina elementos de caligrafía y graffiti; Frank Stella (nacido en 1936), pionero del minimalismo experimental; y Sean Scully (nacido en 1945), conocido por sus abstracciones de gran formato.

Escultores

Entre ellos figuran el conceptualista Sol LeWitt (nacido en 1928); el nuevo realista Arman (1928-2005); los minimalistas Donald Judd (1928-1994) y Carl Andre (nacido en 1935); el escultor de gran formato Richard Serra (nacido en 1939); el feminista «Sean Scully (nacido en 1945).); «escultora feminista» Louise Bourgeois (1911-2010); superrealistas John De Andrea (n.1941) y Carole Feuerman (n.1945); escultor e instalador Anthony Gormley (n. 1950); muralista Anish Kapoor (n. 1954); artista neopop Jeff Koons (n. 1955).

Arquitectos

Principales figuras de la arquitectura de finales del siglo XX : Frank O. Gehry (n.1929), pionero del deconstructivismo; Daniel Libeskind; la empresa Coop Himmelblau (fundada por Wolf Prix, Helmut Swicinski y Michael Holzer); Lars Spybrook, Cass Oosterhuis, Peter Cook y Colin Fournier. Otros destacados arquitectos estadounidenses contemporáneos son Robert Venturi, Denise Scott Brown, John Rauch, Michael Graves, Peter Eisenman, Charles Gwathmey, John Hejduk, Richard Meier, Rem Koolhaas, Zaha Hadid y Bernard Tshumi.

Conceptualistas

Entre los principales representantes del Conceptualismo figuran el nuevo realista Yves Klein (1928-1962) - véase también: El arte posmoderno de Yves Klein (1956-62); y el instalador y escultor posmodernista Damien Hirst (nacido en 1965).

Performance

Incluido el influyente artista vanguardista alemán Joseph Beuys (1921-1986), cuyas performances incluyen la performance vanguardista «How to Explain Paintings to a Dead Hare» (1965); y las esculturas vivientes posmodernas «de Gilbert Proesch (b. 1943) y George Passmore (n. 1942), más conocidos como Gilbert y George . Entre las formas más extremas del arte de la performance se incluye el género del arte corporal realizado por la artista serbia Marina Abramović y el artista alemán Ulaj (Frank Uwe Laysiepen). Otros artistas de performance notables son la artista vanguardista japonesa Yayoi Kusama (n. 1929), conocida por sus Happenings; Joan Jonas (n. 1936), conocida por sus vídeos de performance; y el artista experimental brasileño Helio Oiticica (1937-1980), fundador del Grupo Neoconcreto .

Fotógrafos

La fotografía posmoderna queda ilustrada por las controvertidas obras de Robert Mapplethorpe (1946-1989), Andreas Gursky (n.1955) y Cindy Sherman (n.1954). La fotografía de retrato actual está mejor representada por la obra de Diane Arbus (1923-1971) y Annie Leibovitz (nacida en 1949). La fotografía de moda actual está representada por la obra de Helmut Newton (1920-2004), David Bailey (nacido en 1938), Mario Testino (nacido en 1954), Patrick Demarchelier (nacido en 1943), Nick Knight (nacido en 1958) y David LaChapelle (nacido en 1963). La fotografía documental está representada por el trabajo de cámara de Don McCullin (nacido en 1935), James Nachtwey (nacido en 1948) y Steve McCurry (nacido en 1950); mientras que la fotografía de calle está mejor ilustrada por la obra de Garry Winogrand (1928-1984), Ed Ruscha (nacido en 1937) y Nan Goldin (nacida en 1953). Un ejemplo de pictorialismo posmoderno es la obra de Jeff Wall (nacido en 1946), de la Escuela de Vancouver, especializado en «fotografía escenificada». Véanse también las convincentes fotografías arquitectónicas en blanco y negro de Bernd/Hilla Becher (1931-2007).

Autores de instalaciones

La artista textual Jenny Holzer (n.1950); el artista multimedia Bruce Nauman (n.1941); la artista de performance y cineasta Rebecca Horn (n.1944); el artista francés Christian Boltanski (n.1944), conocido por sus instalaciones a partir de fotografías; el célebre YBA Damien Hirst (n.1965); la artista y comisaria Tracey Emin (n.1963); y Christo y Jeanne-Claude (Yavacheffe) (n.1935) fundadores del arte del empaquetado .

Vídeo

El artista multimonitor surcoreano Nam June Paik (1932-2006); y Bill Viola (n.1951), conocido por sus impresionantes obras.

Graffiti

Más conocido por el artista del esténcil Banksy (n.1973) y el artista del aerosol Jean-Michel Basquiat (1960-88).

Arte digital

Los pioneros del arte informático Harold Cohen (n. 1928), John Lansdowne (1929-1999) y Manfred Mohr (n. 1938), así como Michael Noll (n. 1939), Mark Wilson (n. 1943), Orlan (n. 1947), Gary Hill (n. 1951), Christa Sommerer (n. 1947), Christa Sommerer (n. 1951) y otros), Christa Sommerer (n. 1964), Christoph Bruno (n. 1964), Dirk Paesmans (n. 1965), Olga Kiseleva (n. 1965), Feng Manbo (n. 1966), Laurent Mignonot (n. 1967), Sam Taylor-Wood (n. 1967), Joan Heemskerk (n. 1968) y Li Wei (n. 1970).

¿Cuál es la obra de arte moderno más cara

es la más cara?

A juzgar por los precios de venta en subasta, la obra de arte moderno más cara del mundo es: «Tres estudios de Lucian Freud» (1969) de Francis Bacon, vendida en la subasta de Christie’s de Nueva York en 2013 por 142,4 millones de dólares. En segundo lugar está Silver Car Crash (Double Crash) (1963), un cuadro de Andy Warhol, vendido en subasta (Sotheby’s Nueva York) en 2013 por 105,4 millones de dólares. En tercer lugar está Naranja, rojo, amarillo (1961), una pintura de Mark Rothko que se vendió por 86,9 millones de dólares en la subasta de Christie’s Nueva York en 2012. En cuarto lugar está Tríptico (1976), una pintura de Francis Bacon que se vendió por 86,3 millones de dólares en Sotheby’s Nueva York en 2008. Una de las obras más caras de la escultura «contemporánea» es «For the Love of God», de Damien Hirst . Un cráneo humano, recreado en platino y tachonado con 8.061 diamantes, se vendió a un consorcio formado por el artista y la White Cube Gallery por 50 millones de libras.

Esta información se está quedando rápidamente obsoleta y, para cuando usted lea este artículo, nuestro recuento de récords de subastas de arte real puede ser, perdón por la tautología, irrelevante.

Lista de obras de arte reales seleccionadas

Pintura

«A Bigger Splash» (1967) Colección privada
Pintura acrílica Pop Art de David Hockney (n. 1937)

«Mao» (1973) Art Institute of Chicago.
Retrato expresionista de Andy Warhol (1928-1987)

«Teatro Gerard Philip» (1975) Unterlindenmuseum, Colmar
Óleo art-informel de Maria Elena Vieira da Silva (1908-1992)

Tres estudios para un autorretrato (1979-80) Metropolitan Museum of Art, Nueva York
Óleo de estilo surrealista y expresionista de Francis Bacon (1909-1992)

«Cabeza» (1982) Colección privada
Pintura neoexpresionista al acrílico/crayón de Jean-Michel Basquiat (1960-88)

«Apocalypse Today» (1988) Colección particular
Pintura alquídica y aguada sobre aluminio y acero de Christopher Wool (n. 1955)

«La mujer de Lot» (1989) Cleveland Museum of Art.
Un ejemplo de pintura neoexpresionista del Holocausto, de Anselm Kiefer (n.1945)

«Dormitorio en Arles» (1992) Granja Fitzhugh, Colección Robert/Jane Meyerhoff
Óleo y carta magna de Roy Lichtenstein (1923-1997)

«El mayordomo cantor» (1992) Colección privada
Óleo figurativo de Jack Vettriano (n.1951)

«No Woman, No Cry» (1998) Tate Modern, Londres
Pintura neoexpresionista de Chris Ofili (n.1968)

«Bailarinas en un bar» (2001) Metropolitan Museum of Art, Nueva York
Óleo de estilo primitivo de Fernando Botero (n.1932)

«Mujer quitando la camisa de un hombre en dos pasos» (2003) Colección privada
Óleo figurativo en estilo minimal de Julian Opie (n. 1958)

«1000 Thread Count» (2004) Gagosian Gallery, Nueva York
Óleo gestual de Cecily Brown (n. 1969)

«Rainbow City» (2006) Colección privada
Pintura acrílica expresionista de Marja Van Kampen (n.1949)

«The Englands» (2008) Colección privada
Óleo de vivos colores de Ashley Hanson (n.1960)

Escultura

«Broken Obelisk (Obelisco roto)» (1969) Museum of Modern Art, Nueva York
Escultura abstracta de Barnett Newman (1905-1970) en acero recubierto de Cor-Ten

«Amor» Escultura (original) (1970) Indianapolis Museum of Art
Escultura de acero inoxidable en forma de letras L.O.V.E. de Robert Indiana (n. 1928)

«Furgoneta de helados» (1970) Colección privada
Escultura surrealista de una furgoneta con helados derretidos de Salvador Dalí (1904-1989)

«Modelo en pose» (1981) National Gallery of Modern Art Edinburgh
Escultura surrealista desnuda de John De Andrea (n.1941)

«El tiempo de todos» (1989) Estación de Saint-Lazare, París
Escultura ensamblada de esferas de reloj de Armand (1928-2005)

«Puppy» (1992) Museo Guggenheim Bilbao
Escultura topiaria posmoderna de Jeff Koons (n. 1955)

«Núcleo de manzana» (1992) Museo de Israel, Jerusalén
Escultura gigante Pop Art de Claes Oldenburg (n. 1929)

«Air Dogs» (1994-2000)
Serie de 5 esculturas pop de acero inoxidable pulido a espejo de Jeff Koons (n.1955)

«Aspiración» (1995) Edificio del Tesoro, Dublín
Escultura de una mujer desnuda trepando de Rowan Gillespie (n.1953)

«Cloud Gate» (2006) AT&T Plaza en Millennium Park, Chicago, Illinois
Escultura pública de acero inoxidable de Anish Kapoor (n.1954)

«For the Love of God» (2007)
Fundición en platino de un cráneo humano tachonado con 8.601 diamantes, incluido un diamante «Skull Star» de Damien Hirst (n.1965)

Arquitectura

Centro Pompidou (Beaubourg, París) (terminado en 1978)
Centro cultural diseñado por Renzo Piano (n.1937), Richard Rogers (n.1933)

Edificio Nacional de los Países Bajos, Praga (1992-97) (también conocido como «Ginger y Fred»)
Principal ejemplo de deconstructivismo, diseñado por el arquitecto Frank O. Gehry (n.1929)

«Egipcia» Pirámide del Louvre (1998) Corte de Napoleón, Louvre, París
Serie de pirámides de vidrio y metal diseñadas por I.M. Pei (n.1917)

Experience Music Project (1999-2000) Seattle
Centro musical deconstructivista diseñado por Frank O. Gehry (n.1929)

London Eye (2000) South Bank, Londres (la noria más alta de Europa)
Noria en voladizo diseñada por los arquitectos Frank Anatole, Nick Bailey, Steve Chilton, Malcolm Cooke, Mark Sparrowhawk y el matrimonio formado por Julia Barfield y David Marks.

Spire de Dublín (Monumento a la Luz) (2002-3) O’Connell Street, Dublín
Monumento de acero inoxidable de 400 pies diseñado por Ian Ritchie (n. 1947)

Fotografía

«Pareja de adolescentes en Hudson Street, Nueva York» (1963)
Retrato fotográfico contemporáneo de Diane Arbus (1923-1971)

«Preening in the Kitchen» (1977) Museum of Modern Art, Nueva York
Autorretrato fotográfico surrealista de Cindy Sherman (n. 1954)

«Misty and Jimmy» (1980)
Fotografía contemporánea en primer plano de travestis de Nan Goldin (n. 1953)

Retrato doble de John Lennon y Yoko Ono (1981)
Fotografiado 5 horas antes del asesinato de Lennon por Annie Leibovitz (n. 1949)

«They’re Coming» (1981)
Un par de fotografías eróticas de moda de Helmut Newton (1920-2004)

«Afghan Girl» (1984)
Famoso retrato en color de Steve McCurry (n.1950)

«París Montparnasse» (1993)
Fotografía arquitectónica de un bloque de apartamentos al estilo de Le Corbusier, de Andreas Gursky (n.1955)

«Repentina ráfaga de viento (según Hokusai)» (1993)
Pictorialismo posmoderno de Jeff Wall (n.1946)

«Autorretrato suspendido» (2004)
Fotografía pictorialista contemporánea de la joven artista británica Sam Taylor-Wood (n.1967)

Instalaciones

«Imposibilidad física de la muerte en la mente de los vivos» (1991) Instalación «Tiger Shark» de Damien Hirst (n.1965)

«Campo» (1991)
Instalación escultórica de Anthony Gormley (n.1950)

«Controlador del Universo» (2007)
Instalación (explosión orquestada de una caja de herramientas espacial) de Damián Ortega (n.1967)

Land art

«Círculo roto» (1971) Emmen, Países Bajos
Ejemplo de land art compuesto de agua, arena y piedra, Robert Smithson (1938-1973)

Cartel

«Tennis Girl» (1976)
Fotografía de cartel en color de Martin Elliott (1946-2010)

Arte corporal

«Traje de cumpleaños de Demi-Moore» (portada de la revista Vanity Fair , agosto de 1992)
Retrato de la ilusionista Annie Leibovitz dibujado por Joanne Gair.

Graffiti

«Comprar hasta caer rendido» (2011) Mayfair, Londres
Grafiti con plantilla de Banksy (n. 1973)

Arte de proyección

Arte de proyección de la Catedral de Milán (Navidad, 2008) Milán
Proyección de imágenes bíblicas en la fachada de la catedral por Paolo Buroni (n. 1964)

Arte gráfico

«Compro, luego existo» (1990)
Eslogan fotolitográfico icónico, de Barbara Kruger (n. 1945)

«Steve Jobs, jefe de Apple, dimite» (2011)
Viñeta de acrílico y tiza de Bryant Arnold (n.1970)

¿Cuáles son los premios de arte actuales más famosos?

Hay muchos premios concedidos por fundaciones, museos y organismos artísticos gubernamentales a obras de arte destacadas en una amplia variedad de categorías. He aquí una breve selección.

Premio Artes Mundi
Se concede cada dos años en la exposición Artes Mundi de Cardiff, Gales, para reconocer a artistas emergentes de todo el mundo cuya obra comenta la condición humana y del ser humano desde diversas perspectivas culturales.

Premio Carnegie de Arte
Premio anual a la pintura más destacada de artistas nacidos o residentes en los países nórdicos. Creado en 1998, ofrece 3 premios de 1.000.000, 600.000 y 400.000 SEK, así como una beca de 100.000 SEK a un joven artista. El premio se concede a partir de las candidaturas presentadas por 30 expertos en arte nórdico.

Premio de Fotografía Deutsche Borse
Concedido a un fotógrafo contemporáneo de cualquier nacionalidad que haya realizado la contribución más significativa a las bellas artes de la fotografía en Europa durante el año anterior. Creado en 1996 por la Photographers’ Gallery de Londres para recompensar lo mejor de la fotografía. La dotación del premio es de 30.000 libras esterlinas.

Premio Hugo Boss
Premio bianual de 100.000 dólares concedido por el Museo Guggenheim a un artista contemporáneo (o grupo de artistas) que trabaje en cualquier medio en cualquier parte del mundo. Los nominados son seleccionados por un jurado de comisarios, críticos y académicos.

Premio de Pintura John Moores
Nombrado en honor del filántropo de Liverpool, este concurso abierto de pintura se celebra cada dos años y las obras preseleccionadas se exponen en la Walker Art Gallery de Liverpool.

Premio Kandinsky
Un premio para promover el arte ruso excepcional, a veces comparado con el Premio Turner, que honra a artistas británicos. Los nominados son seleccionados por un jurado de distinguidos artistas y comisarios rusos e internacionales, así como artistas de renombre.

Premio Larry Aldrich
Nombrado en honor del filántropo estadounidense, este premio anual de 25.000 dólares lo concede el Museo Aldrich de Arte Moderno y honra a artistas estadounidenses cuya obra haya tenido un impacto significativo en la cultura visual en los últimos años. Los candidatos son preseleccionados y evaluados por un jurado independiente compuesto por artistas, coleccionistas, críticos, comisarios y galeristas.

Premio Marcel Duchamp (Prix Marcel Duchamp)
Este premio anual se concede a un joven artista destacado residente en Francia que trabaje en cualquier campo de las artes visuales, incluidos la pintura, la escultura, la instalación, la fotografía y el vídeo. El ganador recibe 35.000 euros a título personal y otros 30.000 euros para financiar una exposición individual de su obra en el Museo Nacional de Arte Moderno del Centro Pompidou de París.

Preis der Nationalgalerie fur Junge Kunst
Creado en 2000 por el Verein der Freunde der Nationalgalerie (Amigos de la Galería Nacional), este premio de 50.000 euros recompensa obras destacadas de jóvenes artistas residentes en Alemania.

Premio Roswitha Haftmann
Este premio se concede por logros sobresalientes en las artes visuales, normalmente de un artista vivo. Los candidatos se seleccionan únicamente por el mérito artístico de su obra, sin tener en cuenta su nacionalidad, edad o disciplina elegida. El premio se entrega oficialmente en la Kunsthaus de Zúrich.

Premio Turner
Nombrado en honor del destacado paisajista del siglo XIX J. M. W. Turner. Turner, este premio anual, creado en 1984, se concede a un artista británico menor de 50 años. Presentado por la Tate Gallery y celebrado en la galería Tate Britain, el premio es actualmente el galardón de arte más famoso del Reino Unido. En los últimos tiempos, de forma un tanto controvertida, ha estado dominado por artistas conceptualistas. Véase también Ganadores del Premio Turner (1984-2009).

Premio Vincent van Gogh de Arte Contemporáneo en Europa
Se concede cada dos años a un artista europeo que se considere «que ha tenido un impacto significativo y duradero en el arte». Creado en 2000 y financiado por la Broere Charitable Foundation en memoria de Monique Seifen. Las obras de los candidatos seleccionados se exponen en el Stedelijk Museum, Amsterdam, y el jurado del concurso está presidido por el director del museo.

Premio Wolfgang Hahn
Creado en 1994 por la Sociedad de Arte Contemporáneo y administrado por el Museo Ludwig de Colonia, este premio de 100.000 euros se concede a artistas destacados residentes en Alemania.

¿Dónde se pueden ver colecciones destacadas de arte actual?

Las dos principales exposiciones de arte actual son: la Bienal de Venecia (Biennale di Venezia), una muestra internacional de obras de artistas de todo el mundo que se celebra cada dos años coincidiendo con el Festival de Cine de Venecia; y la Bienal Whitney de Nueva York, que exhibe obras de arte estadounidense, normalmente de artistas emergentes, en el Whitney Museum of American Art de Nueva York (EE.UU.). La exposición se considera un acontecimiento importante en el calendario del arte actual. Para otras exposiciones posmodernas, véase Los mejores festivales .

¿Cuáles son algunos museos de arte actual?

Las galerías privadas suelen responder más rápidamente a las obras de arte de vanguardia que los museos municipales o estatales. Por otra parte, las colecciones públicas oficiales suelen estar limitadas por espacios más conservadores o anticuados. He aquí una breve selección de las mejores galerías .

Preguntas sobre el arte visual actual

Desde la década de 1960 «, el mundo de las artes» (es decir, los funcionarios que controlan los presupuestos de arte, los directores y propietarios de galerías, los comisarios de exposiciones, los comités que dirigen importantes organizaciones de artistas, el personal docente de las facultades de arte, etc.) y el arte que se practica y fomenta en la actualidad se han radicalizado considerablemente. Esto plantea las siguientes cuestiones:

¿Es arte?

Pocos países han sido testigos de un mayor debate sobre el valor de las obras de arte posmodernistas que Gran Bretaña, donde el Premio Turner sigue provocando acalorados debates entre los vanguardistas y el resto de nosotros. Entre las obras que ganaron el premio había una oveja muerta en formol (Damian Hirst), un retrato de la Virgen María «pintado» con estiércol de elefante (Chris Ofili) y una habitación blanca con una sola bombilla que parpadeaba encendiéndose y apagándose (Martin Creed). Otra extraña obra (instalación) que llegó a la final fue «My Bed», una cama desordenada ensuciada con condones y tampones (de Tracey Emin). En 2002, cuando se concedió el premio a Keith Tyson por su creación de un gran bloque monolítico negro lleno de ordenadores desechados, no se consideró (al parecer) a ningún artista como posible ganador. En su lugar, el jurado se decantó por obras de Fiona Banner (una valla publicitaria con texto pornográfico) y Liam Gillick (un techo de plástico multicolor), por citar sólo dos obras insólitas.

Es razonable cuestionar la sabiduría del establishment artístico británico cuando tales cosas se hacen pasar por ejemplos sobresalientes de arte. Esto es exactamente lo que Kim Howells, el Secretario de Cultura del Reino Unido, hizo en 2002 cuando dijo (de las exposiciones de los finalistas del Premio Turner):

"Si esto es lo mejor que pueden producir los artistas británicos, el arte británico está perdido. Es una basura fría, mecánica y conceptual".

La pregunta clave sigue siendo: «¿qué es el arte ?». O, dicho de otro modo, ¿qué distingue el arte conceptualista real del teatro, la demostración o el entretenimiento?

¿Cuál es la diferencia entre los buenos y los malos artistas actuales?

¿Qué habilidades artísticas pretende fomentar el arte posmoderno? En otros tiempos, un maestro de la pintura, la escultura, la cerámica, la fotografía y otras formas de arte se distinguía por sus conocimientos teóricos y prácticos. Sin embargo, en la era actual del posmodernismo -una era aún dominada por los artistas conceptualistas- se ha vuelto mucho más difícil separar al buen artista o el buen arte del malo. Esta falta de claridad sigue minando los esfuerzos de las facultades de arte que intentan enseñar fundamentos básicos que ya no parecen relevantes para el éxito artístico. Como resultado, el éxito y la fama se utilizan como medida del mérito de un artista, y la profesionalidad desempeña un papel mucho menor en la actualidad.

¿Corre el arte actual peligro de volverse elitista?

Antiguamente, el arte pertenecía a unas pocas élites. La gente corriente no se consideraba lo suficientemente culta «» como para poder entender o criticar una obra de arte. Desde principios del siglo XX todo esto empezó a cambiar, al igual que cambiaba la propia sociedad. Y en la década de 1960, la revolución de la cultura pop desplazó gran parte del tradicionalismo restante, dejando el campo abierto a una nueva generación de profesionales del arte «radicalizados». Estos últimos facilitaron la aparición de nuevas formas artísticas (instalación, performance, vídeo, etc.), la mayoría de las cuales se abrieron camino en los cursos de arte de tercer nivel. Hasta aquí todo bien.

Sin embargo, al mismo tiempo, en lugar de seguir fomentando la excelencia en disciplinas tradicionales como la pintura y la escultura, el nuevo establishment artístico parece haber acogido favorablemente las nuevas formas, olvidando las antiguas. Así, ahora se puede visitar una exposición de graduación en una prestigiosa escuela de arte y no encontrar ni un solo ejemplo de pintura al óleo o escultura en piedra. Pero ni siquiera esto es un desastre. Al fin y al cabo, los tiempos están cambiando. Y quizá las formas de arte tradicionales ya no sean populares.

Desgraciadamente, las nuevas formas de arte (que los estudiantes consideran extremadamente chulas porque no requieren ni la mitad de las habilidades necesarias para los tipos tradicionales) están empezando a ser juzgadas no por su «atractivo visual», sino por su «intelectualismo». Por ejemplo, una instalación puede carecer por completo de atractivo visual, pero su idea intelectual subyacente (expuesta en lenguaje jerga en el catálogo de la exposición) puede ser considerada «importante» por comisarios y otros «expertos» - la nueva «élite intelectual». El problema es que esto recuerda sospechosamente a los viejos tiempos, cuando no se confiaba en que la gente corriente diera su opinión sobre lo que veía con sus propios ojos, sino que tenía que someterse a la opinión de las élites.

Un buen ejemplo de este renovado elitismo fue la exposición «Nada» celebrada en el Centro Pompidou de París en la primavera de 2009. El arte contemporáneo de vanguardia expuesto constaba exactamente de 9 salas vacías y nada más. Los críticos de arte franceses calificaron la exposición como la más radical jamás celebrada en el Centro Pompidou. Según Laurent Le Bon, conservador del Centro Pompidou de Metz, la exposición estaba "a la vanguardia de la aventura artística y de la historia del arte"…

Y para que se haga una idea de la jerga elitista utilizada por los organizadores de la exposición, he aquí su título: «Especialización de la sensibilidad en estado bruto en una sensibilidad pictórica estabilizada».