Cristo crucificado, Diego Velázquez:
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Descripción

Nombre: Cristo crucificado (Cristo en la cruz) (1632)
Artista: Diego Velázquez (1599-1660)
Medio: Pintura al óleo sobre lienzo
Género: Arte cristiano
Movimiento: Arte barroco español
Ubicación: Museo del Prado, Madrid

Por el significado de otras famosas obras maestras,
por favor mira: Pinturas famosas analizadas (1250-1800).

Fondo

Velázquez hizo su reputación como uno de los mejores retratistas en España, convirtiéndose en pintor oficial de Felipe IV (reinó entre 1621 y 1640) y, en última instancia, el mayor representante Pintura española de la época barroca. Sin embargo, a pesar de que arte religioso fue especialmente importante en España, un país cuya monarquía gobernante se enorgullecía de ser los principales patrocinadores de Arte de la Contrarreforma católica – Velázquez pintó relativamente pocos pinturas religiosas de nota. En cambio, pintó el mundo que vio a su alrededor, especializándose en arte de retrato, algunos pintura de género ) bodegones) y ocasionalmente pintura de historia. Irónicamente, dada la escasez de sus obras religiosas, fue influenciado por el genio italiano. Caravaggio (1571-1610), quien se destaca sobre todo por su Arte bíblico, ejecutado en un estilo agresivamente realista. Velázquez también estuvo fuertemente influenciado por las ideas del Renacimiento italiano ganó de su maestro sevillano Francisco Pacheco (1564-1644). Aparte de Cristo crucificado, su mejores pinturas barrocas incluir: El vendedor de agua de Sevilla (1618-22); La rendición de Breda (1635); Retrato del papa Inocencio X (1650); La Venus Rokeby (1647-51), y Las meninas (1656).

Esta imagen intensamente poderosa de Jesús en la Cruz fue pintada durante el período creativo que siguió al primer viaje estimulante de Velázquez a Italia (1629-31). A diferencia de su otro desnudos masculinos que apareció en pinturas como el Apolo en Vulcan’s Forge (1530-1, Prado, Madrid) y Joseph’s Tunic (1630, Monastery of San Lorenzo de El Escorial), su Cristo en la Cruz es un cuerpo muerto o moribundo que no está acompañado por otros elementos narrativos a excepción de la cruz misma. No obstante, el artista logra dotar a la obra con gran dignidad y serenidad.

Se cree que es una comisión para la sacristía del convento de San Plácido, la postura austera del Cristo crucificado presenta cuatro clavos, pies juntos y aparentemente sostenidos por una pequeña repisa de madera, que permite que los brazos formen una curva sutil, en lugar de un triángulo. La cabeza está coronada con un halo, mientras que la cara descansa sobre el cofre, lo que nos permite vislumbrar sus rasgos. Su cabello lacio y lacio cuelga sobre el lado derecho de su rostro, su camino más alejado es trazado por la sangre que gotea de la herida en su lado derecho.

La imagen es inusualmente autobiográfica en el sentido de que ilustra todas las principales influencias en la pintura de Velázquez. Para empezar, recuerda el tono devocional y la iconografía de las pinturas absorbidas durante sus primeros años en Sevilla con Francisco Pacheco, un miembro activo de la Inquisición española. Segundo, refleja su habilidad en pintura de figura adquirido en España a partir del estudio de Artistas del renacimiento español y, en Italia, de la arte de la antiguedad clasica, desde Arte del alto renacimiento en Roma y Venecia, y de las obras de Caravaggio en Roma y Nápoles. (Para más antecedentes históricos, ver: Retablos venecianos : 1500-1600 y Caravaggio en Nápoles : 1607-10.)

La influencia de Clasicismo en el trabajo se muestra en la calma general del cuerpo y su postura idealizada. La influencia del caravaggismo es evidente en el dramático tenebrismo que enfoca toda la atención en el pálido cuerpo de Cristo.

NOTA: Para una crucifixión de aspecto más doloroso, vea Matthias Grunewald’s Retablo de Isenheim (1515). Para una versión de estilo manierista, vea la obra maestra de Tintoretto La crucifixión (1565, Scuola Grande di San Rocco, Venecia). También compare el sufrimiento de la Crucifixión (1636-38, El Hermitage, San Petersburgo) del artista granadino Alonso Cano (1601-67).

Es cierto que la imagen no tiene el drama característico de la pintura barroca, visto en obras religiosas como La crucifixión de san Pedro (1601), o Descenso de la Cruz (Rubens) (1612-14). En cambio, posee una calidad escultórica monumental que lo eleva, de acuerdo con la espiritualidad del tema. La composición es muy simple pero con un vivo contraste entre el cuerpo blanco y el fondo oscuro, y hay un naturalismo en la forma en que la cabeza de Cristo cae sobre su pecho. El cabello enmarañado está pintado con la soltura que Velázquez había visto y admirado de primera mano en ejemplos de Pintura veneciana, más especialmente por Tiziano.

NOTA: Para otros ejemplos del estilo barroco clásico, consulte: Secuestro de las sabinas (1634-5), y Et en Arcadia Ego (1637) por Poussin.