Impresionista Claude Monet Traductor traducir
(1) Orígenes e influencias (2) Historia temprana (3) Impresionista Edouard Manet (4) impresionista Claude Monet
(5) Impresionistas Renoir, Sisley, Pissarro, Degas, Cezanne (6) Monet & Pissarro en Londres
(7) Desarrollos de pintura impresionista (8) Exposiciones impresionistas (9) Divisiones de grupo (10) Legado
Dedicado a representar la naturaleza
En 1862, el futuro líder de Impresionismo Claude Monet, al regresar de Le Havre, se encuentra con el pintor holandés Johan Barthold Jongkind (1819-1891) y llega a considerarlo como su verdadero maestro. "Es a él a quien debo el entrenamiento definitivo de mi ojo…"
Le impresiona la impetuosidad de su toque, la concisión de sus sugerencias, el dinamismo de sus golpes, este hombre que, ayudado por la edad y la experiencia y sin preparación ni revisión, fue capaz de expresar el volumen y la idea del color también con Un pincel como con un lápiz o grabado. Monet pinta junto a él y, siguiendo su ejemplo, le da más cuerpo a su pintura, multiplica los acentos de color y usa trazos redondos (más insistentes que la fina trama de Boudin) para aportar más animación a su composición.
Sin embargo, cuando Monet llega a París, se une al estudio Gleyre ante la insistencia de su familia. El hecho de que aprenda poco allí se compensa con las visitas a museos y la atmósfera de París. La única ganancia positiva del estudio es conocer Sisley Bazille y Renoir . Su amistad se vuelve muy cercana y estos tres tiros de ahora en adelante constituirán a su alrededor una esfera de resplandor y un verdadero grupo. Su experiencia con Jongkind, su audaz intuición y el conocimiento de las posibilidades que tiene por delante ya han convertido a Monet en un vivo líder de fuerza. Es muy importante que sus ideas encuentren un eco y que alguien responda a ellas.
Desde 1863, lleva a sus compañeros al bosque de Fontainebleau (hogar del Escuela de pintura de paisajes de Barbizon ) para experimentar con la técnica que ya ha perfeccionado en la costa de Normandía. No hacen ningún esfuerzo por seguir a sus predecesores inmediatos, los pintores de Barbizon, que todavía frecuentan el bosque pero cuyas fórmulas descartan. Renoir se encuentra con Díaz, quien durante varios años le brinda una ayuda generosa al permitirle abastecerse de colores en su cuenta. El pintor de esta generación para quien Monet tiene el mayor respeto es Charles Daubigny , que prefiere trabajar al norte de París, particularmente en el Oise, en un pequeño bote presentado como un estudio flotante y manejado por su hijo. Monet admira la apertura de su técnica, la claridad de sus bocetos hechos del tema. Por su parte, Daubigny nunca deja de fomentar a los futuros impresionistas, especialmente cuando se convierte en miembro del jurado del Salón.
En 1864, el estudio Gleyre está cerrado y los pintores tienen todo su tiempo para ellos solos. Después de renovadas visitas a Chailly-en-Biere, Monet lleva a Bazille a Honfleur durante el verano y los dos amigos trabajan en la granja de Saint-Simeon, a quienes Boudin y Jongkind se unirán pronto. A principios de 1865, Monet comparte el estudio de Bazille en la rue Furstenberg de París. Pissarro y Cezanne visítelos. Pero Monet tiene prisa por volver a Chailly para llevar a cabo un gran proyecto que tiene en mente. Es pintar una imagen inmensa, de unos 15 pies por 20 pies, directamente al aire libre, agrupando a unas diez personas y también titulada "Dejeuner sur l ’Herbe". Monet aún no conoce Manet pero ha quedado profundamente impresionado por la exposición de este último en la Galería Martinet y no ha permanecido indiferente a los ultrajes acumulados " Dejeuner sur l’Herbe " en el Salon des Refuses . Al retomar el tema y el título de Manet, ¿quería competir con su anciano? Es más probable que quisiera recoger el testigo y tener éxito donde el otro parecía haberse caído. Monet tiene la intención de jugar el juego de la manera más leal posible, y para evitar cualquier riesgo de que su trabajo se vea en el estudio (Manet no había escapado del todo), trata de pintar su lienzo completamente al aire libre. Cuando descubre que las dimensiones gigantescas del lienzo lo hacen demasiado grande para ponerlo en el bosque como lo desea, lo instala cerca de la posada y va a verificar desde la naturaleza todos los motivos que quiere poner en la imagen. En lo que respecta a las cifras, llama a Camille, que recientemente se convirtió en su compañera, y a Bazille, que posan para varias figuras. Monet también usa fotografías que les ha tomado en diferentes posiciones.
Dicha empresa no se pone en marcha sin una curiosidad emocionante, asombro y ciertas dudas porque hay muchos riesgos y muchos gastos involucrados. Courbet llega a Chailly para aconsejar a Monet, pero aparentemente solo logra molestarlo. Monet había contado con exhibir el trabajo en el Salón de 1866 y, por lo tanto, obligó a un público a seguirlo, pero la desgracia lo persiguió. Ya atrapado en dificultades financieras inextricables, tiene que dejar de trabajar en el proyecto y dejar la pintura en prenda al empleado no remunerado. Más tarde, recupera su pintura, pero yace en la esquina de una habitación, muy golpeado porque tiene que cortarla en pedazos para conservar las mejores partes. A toda prisa, pinta el gran retrato "Camille con un vestido verde", que le da un cierto éxito.
Sin embargo, tenemos una buena idea del trabajo abandonado, no tanto de una versión reducida posterior como de los fragmentos que quedan y que son de calidad excepcional. La pieza central (98 x 75 pulg.) Muestra a cuatro personas y la suntuosa naturaleza muerta del almuerzo extendida sobre una tela delante de ellos; la pieza de la izquierda (164 x 59 in.), descubierta hace algunos años en el estudio de Giverny y entregada a la Lumbrera en 1957 por Georges Wildenstein, muestra cuatro figuras. La pintura es de una calidad excepcional, con una amplitud de toque que Monet no se atrevió a intentar nuevamente en sus pinturas de caballete, a menudo demasiado escrupulosamente hechas. Y no olviden que el trabajo quedó sin terminar. Los planos de color importantes se alivian con cortes decisivos de tonos puros y estas vastas superficies ofrecen la posibilidad de fuertes variaciones a la luz solar que penetra a través de los árboles. Las figuras están realmente completamente integradas en la naturaleza, ya sea que sus características dominantes se mezclen con el follaje o si son tratadas de una manera más marcada por la luz.
NOTA: Para ver cómo el llamado ’naturalismo’ de Monet condujo paradójicamente a la abstracción, ver: Realismo al Impresionismo (1830-1900).
Es muy probable que este trabajo, si se hubiera podido completar, podría haber marcado, en relación con el de Manet, un paso decisivo hacia adelante que podría haber llevado la evolución final del impresionismo, y de Monet en particular, en una dirección bastante diferente.. Aun así, causó una profunda impresión en los amigos de Monet. Lo que ha permanecido como el más digno de la obra de Bazille, la gran "Reunión familiar", pintada en 1867 completamente al aire libre bajo los castaños en la terraza de la casa familiar del pintor en Languedoc, obviamente pertenece a este ciclo. Monet pronto produce un nuevo lienzo con el mismo espíritu, aunque menos ambicioso y no tan vasto, Mujeres en el jardin (1867)
La obra está pintada directamente en el jardín de Ville d’Avray, donde pasa el verano de 1866. Se ha excavado una zanja para que el lienzo, de más de ocho pies de altura, pueda bajarse en una polea cuando el artista quiere alcanzar el partes superiores. La composición es mucho menos rica que la de "Dejeuner sur l’Herbe", con solo cuatro figuras femeninas colocadas en ángulos que son lo suficientemente artificiales, obteniendo su luz de la vegetación. Camille había posado para las cuatro figuras que aparecen como variaciones ligeramente uniformes. El trabajo se acerca más al de Manet, particularmente en el tratamiento de rostros con trazos y manchas oscuras simplificadas. El trabajo también fue salvado por un milagro cuando Monet, una vez más en dificultades financieras, tuvo que huir a Le Havre y dejó detrás de él más de 200 lienzos, muchos de los cuales desfiguraron para evitar que los alguaciles los vendieran.
Así, Monet tuvo la idea de pintar al hombre en su escala natural y en su entorno, y fue capaz de lograrlo. Pero tuvo que renunciar debido a una increíble serie de decepciones personales, que en los años anteriores a la guerra de 1870 lo llevaron al punto de intentar suicidarse. Este revés lo redujo a pequeñas pinturas de caballete y a abandonar la forma que en esas dimensiones ya no le parecía una base suficiente para lidiar con los problemas de luz y color. Se inclina hacia un análisis genial de los fragmentos de la naturaleza y solo al final de su vida logra volver a ese análisis de proporciones monumentales. Solo podemos imaginar lo que podría haber logrado si hubiera continuado en el camino que eligió por primera vez.
Así, a partir de 1865, Monet está obligado a dar preferencia a un paisaje más modesto en sus entradas para el Salón: paisajes marinos o escenas de bosques. Estas obras son de gran claridad, gratuitas, concentradas y bien nutridas, ligeras y nuevas. Al principio son bien recibidos. En el Salón de 1865, Manet se sorprende al encontrar junto a él al pintor que es casi su homónimo, con el que aún no conoce y hacia quien todavía siente cierta amargura al darse cuenta del éxito de sus paisajes marinos mientras todos critican a "Olympia". ". Pero poco después, cuando conoce al artista, su prejuicio desaparece y le otorga una amistad innegable.
Pero a medida que pasan los años, Monet es encontrar el mismo odio, las mismas injusticias que el hombre mayor. En el Salón de 1866 es nuevamente aceptado con "Route de Fontainebleau" y "Portrait of Camille". Pero en 1867, su "Mujeres en el jardín" es rechazada y lo mismo ocurre con los maravillosos paisajes de La Grenouillere en 1869. Sin embargo, qué variedad hay en su elegancia estudiada y en sus proposiciones; ¡Qué rico invento en obras donde Monet siempre se aplica a la solución de un nuevo problema! En 1865, imitando a Jongkind que había pintado el ábside de Catedral de Notre Dame desde el mismo lugar en diferentes épocas del año, Monet comienza a pintar el camino a la granja de Saint-Simeon durante el verano, luego bajo la nieve. En 1866 pinta las primeras vistas panorámicas de París desde el techo del Louvre frente a Saint-Germain-l’Auxerrois. Aunque estas pinturas tienen títulos rígidos como "Saint-Germain l’Auxerrois", "Le Jardin de l’Infante" y "Le Quai du Louvre", presentan una amplia imagen de la ciudad con varios planos de la fachada de los muelles y la Place Dauphine, ahora iluminada, ahora teñida de sombras claras, dominada por las cúpulas del Panteón, de Val-de-Grace y la Torre Clovis que se destacan bajo grandes cielos moteados. Las masas de verde o los grupos de follaje claro crean un espacio en profundidad, siempre transparente: en primer plano se destacan las siluetas animadas de fiacres (taxis) y las personas que pasean. Son el primero de esos paisajes urbanos, de esas vistas panorámicas desde lo alto de los bulevares y del Pont-Neuf que más tarde inspiraron tanto la búsqueda de todos los impresionistas hasta el final del siglo.
El mismo verano, sus paisajes marinos pintados en Le Havre ofrecen combinaciones muy variadas de planos, desplegándose en bandas paralelas o encajándose en la diagonal. El artista ya no busca fusionar tierra, mar y cielo, sino que compone su lienzo de varios elementos felizmente definidos: jardines con flores, varios grupos de personas, siluetas de barcos, velas y otros objetos marinos. Algunos quedan atrapados a plena luz, generalmente en la primera fila de las composiciones; otros están alineados contra la luz en tonos hábilmente graduados de azul o malva. La flexibilidad, la fluidez de su toque evoca la atmósfera de una brisa marina y, si comparamos estos trabajos con las grandes variaciones monocromas ligeras que Whistler logra en el mismo lugar y tiempo con una poesía sin igual, Monet todavía tiene la ventaja en la animación y la vida. Para más información sobre esto, ver: Características de la pintura impresionista. (1870-1910).
En 1868, Monet tiene un breve respiro de sus preocupaciones materiales. Después de que Boudin logra invitarlo, con Courbet y Manet, a una exposición marítima internacional en Le Havre, ve su retrato de Camille comprado por Arsene Houssaye, quien ha venido a la exposición como Inspector de Bellas Artes, y conoce a un rico artista. amante, M. Gaudibert, quien le encarga pintar un retrato de su esposa y lo ayuda en varias ocasiones posteriores. Este retrato, que parece sacrificar algo al tipo mundano de Alfred Stevens, amigo de Manet y visitante ocasional del Café Guerbois, es, en realidad, en su tratamiento y composición muy cercano a los retratos contemporáneos del propio Manet, en el que La individualidad del modelo desaparece tras una multiplicidad de símbolos y riqueza de decoración. Por ejemplo, en el famoso retrato de Zola, el perfil es un elemento casi menor en comparación con la naturaleza muerta formada por el tintero, el libro abierto, los folletos de colores en el escritorio, o en comparación con la pantalla japonesa o con Los grabados montados en un marco. En el retrato de Duret, la cara, inerte como una manga o un sombrero, se reduce a casi nada en comparación con la enorme silueta hinchada. La animación vuelve a las manos y hay intensidad en la naturaleza muerta en primer plano, el limón y la jarra: esferas luminosas que proporcionan un equilibrio a la pesada masa vertical del cuerpo. En el retrato de Monet de Madame Gaudibert, la cabeza está casi completamente girada y lo que cuenta es la elegancia de la bata de seda puce, el movimiento del chal, el ramo de flores, las cortinas pintadas con grandes barridos del pincel y aliviadas con negros profundos.. Pero Manet, mejor que Monet, sabe cómo deshacerse de los accesorios inútiles. Tomando una lección de los pintores españoles, en cuyo trabajo la oposición de los negros y los colores vivos se ve magnificada por su destaque contra los fondos neutrales de ocres claros y nublados, coloca sus figuras en tal entorno. El ejemplo más sorprendente de esto antes del retrato de Duret es su "Fifer", tan concreta y llamativa con los brillantes colores del uniforme, pero suspendida en un vacío.
A fines de 1868, Monet está en Bougival con su familia, una vez más sin dinero y apelando desesperadamente a sus amigos. Renoir, que vive con su madre en Ville-d’Avray, viene a trabajar junto a él, pero está muy mal, y a menudo tienen que dejar de trabajar por falta de pinturas. Sin embargo, sienten que al final de sus pinceles hay ideas para lienzos maravillosos.
Sus impresiones son complementarias y, trabajando en el mismo tema, deben producir por primera vez visiones paralelas de inmenso interés, manteniendo cada uno sus rasgos característicos y ambos tratando de crear un método de pintura. Primero, es el tema del bote y el agua que refleja las casas y los árboles en la orilla. Luego sigue las inolvidables pinturas de La Grenouillere. Desde este punto, se puede fechar fácilmente el nacimiento del impresionismo como una nueva técnica para una posible aplicación general. Ese lugar celebrado en el Sena, cerca del restaurante Fournaise, descrito por De Maupassant, presentaba una extraordinaria escena de vivacidad que fascinó a los dos amigos. El embarcadero, una pequeña isla con un solo árbol, proporciona un punto central para la composición en el que muestran a los paseantes y el elegante ir y venir. En las obras de estos dos Pintores impresionistas , que difieren pero al mismo tiempo cerca uno del otro, solo el tratamiento del agua es casi el mismo, con trazos alargados que producen alternancia de luz y sombra según si el agua recibe la luz completa y la refleja, o las ondas de la sombra lado. En el caso de Renoir, las figuras se funden en el follaje sobresaliente, una coagulación casi indistinta de la vegetación. Las personas pierden toda individualidad, envueltas en delicadas sombras y reflejos de luz. En el trabajo de Monet, por el contrario, los contrastes son mucho más marcados. La magia también existe en sus lienzos, pero la composición siempre es clara con los blancos exactamente divididos. La decoración de los árboles se despliega como un friso en foco completo, creando así una profundidad frente a la cual se separa la silueta de la isla y, a la derecha, la parte delantera del restaurante. Hay detalles de prodigiosa audacia, como los bañistas de la izquierda que parecen rayados por las manchas de luz en el agua. Esta obra maestra fue rechazada por el jurado del Salón en 1870 a pesar de la insistencia de Daubigny, quien renunció por el asunto. A partir de este momento también datan los importantes estudios de nieve en los que Monet y Renoir probaron el reflejo de la luz solar en la nieve, teñidos de rosa o amarillo y produciendo sombras azuladas o malvas. Ver: Las mejores pinturas impresionistas .
¿Debemos ver en la falta de comprensión que recibió Monet una medida de la erosión de la sociedad de la época? En este extremo del Segundo Imperio hay una indiferencia general, y también ansiedad; ya nadie cree en nada. Las fuerzas del futuro ya existen. Se están preparando, reagrupando, y pronto estallarán. Pero aún no hay nada para ellos más que ignorancia y desprecio. Lo patético de la lucha de Monet contra la adversidad es el hecho de que un poco más de comprensión por parte de su familia lo habría hecho innecesario. Sus padres no carecen de dinero y podrían haber cedido, si no a las cualidades ya aseguradas de su hijo, al menos a su coraje y perseverancia.
Su posición se vuelve casi insostenible cuando, en 1867, su compañera Camille, con quien no pudo casarse antes de 1870, le da un hijo. Hay momentos en que Monet no tiene ni fuego ni pan. Su familia solo consentirá ayudarlo si come pastel humilde y regresa bajo su ala. Le ofrecen comida y refugio, pero solo para él y no para Camille y su hijo. Soporta casi el martirio para tratar de producir, bajo tantas dificultades, el trabajo en el que cree. Su único apoyo es Bazille, que nunca se cansa de que le pidan ayuda, en cuyo estudio Monet a veces se refugia durante largos períodos, y que intenta todas las formas de encontrar compradores para las pinturas de Monet y, cuando falla, a veces compra un trabajo rechazado. cuotas (Pero lea sobre el próximo mecenas de Monet, el comerciante de arte Paul Durand-Ruel .)
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