Arte renacentista en Venecia Traductor traducir

Venecia, otro centro del arte renacentista (c. 1400-1600), es una ciudad de canales, brillante y onírica, que durante siglos fue el vínculo de Italia con el exótico Oriente. Desde sus primeros días, la ciudad sirvió de refugio a los habitantes de ciudades cercanas, como Padua, durante las invasiones gótica y lombarda de los siglos V y VI d.C.

En los siglos VI y VII, la ciudad fue gobernada por emperadores bizantinos y puesta bajo el patrocinio religioso y temporal del exarca de Rávena. En aquella época, Rávena era una ciudad de magníficas iglesias decoradas con mosaicos (para más detalles, véase: Mosaicos de Rávena) y un importante y floreciente puerto marítimo, más importante que la propia Venecia.

En el siglo IX Venecia era una potencia en desarrollo y se había convertido en un centro de intercambio de productos de lujo, como especias y sedas de Oriente, por madera, grano y vino italianos. Al igual que otras ciudades italianas de la época, era el centro de una creciente red de rutas comerciales que la unían a Europa y Oriente, incluso al Lejano Oriente. Sin embargo, el desarrollo cultural de Venecia apenas se vio influido por lo que sucedía en otras ciudades italianas. Esto se debió en parte a su posición a orillas del Adriático y a su larga vinculación con el Imperio Bizantino y su centro, Constantinopla. 

Sus lazos estaban ligados a Oriente. Cuando en el siglo IX los ciudadanos de Venecia decidieron construir una magnífica iglesia en honor de San Marcos, muchos nobles y plebeyos enviaron mármol desde Aquilea, Rávena y Constantinopla». De hecho, la basílica de San Marcos, construida en el siglo XI, es un monumento a la longevidad y grandeza de la tradición artística bizantina.

La basílica se erigió en forma de cuadrado, sobre el que se elevan cinco cúpulas doradas en forma de cruz. Estas cúpulas se elevan sobre la magnífica plaza frente a la iglesia y sirven casi de faro para los visitantes que se acercan a la ciudad desde el mar. (Para más información sobre el diseño de edificios en la Italia de los siglos XV y XVI, véase: Arquitectura renacentista)

Los tres siglos transcurridos entre la construcción de la catedral de San Marcos y la caída de Constantinopla en 1452 fueron inusuales para Venecia. Tras consolidar su gobierno bajo el dux, los venecianos establecieron centros comerciales en los Balcanes, las islas Jónicas, Creta, Chipre, Armenia, Alejandría, Kaffa en la península de Crimea y, finalmente, China. La prosperidad de Venecia estaba asegurada para los años venideros. Su ducado de oro, emitido por primera vez en 1284, se convirtió en la moneda estándar del Mediterráneo, y a principios del siglo XIV su flota recalaba en todos los grandes centros comerciales del norte de Europa, Inglaterra y Holanda.

El Oriente bizantino y el Occidente gótico se encontraron en Venecia, y las bellas artes de la pintura, la escultura y la arquitectura producidas a finales del siglo XIV y principios del XV dan testimonio de la mezcla de dos grandes fuerzas culturales. Las fachadas de la catedral de San Marcos y los numerosos palacios construidos por la creciente aristocracia mercantil combinan los arcos apuntados y el sistema de bóvedas de la arquitectura gótica con el arte bizantino del mosaico y el colorido del mármol. (Lea sobre el gran arquitecto veneciano: Andrea Palladio (1508-80), famoso por sus fachadas de iglesias y villas). El resultado de esta síntesis fue una arquitectura de sorprendente ligereza y riqueza, cuyo brillo queda deslumbrantemente realzado por los resplandecientes reflejos en los numerosos canales de la ciudad. Para más información sobre el arte cristiano en Venecia durante el Renacimiento tardío, véase: Retablos venecianos (c. 1500-1600).

Nota: para una guía de la escultura veneciana del periodo 1400-1530, véase: Escultura renacentista italiana .

La mezcla de Oriente y Occidente tan característica de la arquitectura renacentista veneciana lo era también de su población. Una creciente colonia de mercaderes extranjeros procedentes del norte de Europa estableció almacenes y construyó palacios en el Gran Canal, y al menos a partir del siglo XV la población de la ciudad también aumentó con una importante inmigración procedente del Oriente cristiano.

De los numerosos emigrantes griegos a Venecia, el más famoso es probablemente el pintor Domenikos Theotokopoulos, que estudió en Venecia con el gran maestro Tiziano (c. 1485/8-1576) y luego se ganó su propia fama en España, donde llegó a llamarse El Greco (1541-1614), en honor a su tierra natal.

La emigración desde Oriente trajo a Venecia tanto mercaderes como una élite intelectual. La ciudad se convirtió, sobre todo tras la dominación musulmana de Oriente Próximo, en custodio del arte y la cultura griegos y en un centro vital de estudios orientales, especialmente de medicina y geografía, en los que los árabes destacaban. Aunque la literatura parece haber desempeñado un papel menor en la vida intelectual de la ciudad, ésta era rica en arte y arquitectura. A partir del siglo XVI, la ciudad se consideró un importante lugar de paso para mercaderes, artistas y buscadores de placer de toda Europa. Su belleza se ensalzaba en obras de teatro y pinturas, y el mágico nombre de Tiziano figuraba junto a los de los gigantes del Renacimiento florentino, entre ellos Leonardo (1452-1519), Rafael (1483-1520) y Miguel Ángel (1475-1564).

El mar no sólo trajo prosperidad a la ciudad, sino que también proporcionó a los pintores materias primas extraordinarias. A partir de Vittore Carpaccio (c. 1455-1525), los pintores venecianos se inspiraron para captar los deslumbrantes efectos de la luz sobre los edificios y puentes que bordeaban los canales. Representaron el animado tráfico de los canales, góndolas decoradas para fiestas profanas o procesiones religiosas, y en grandes cuadros como la serie de Carpaccio «La leyenda de Santa Úrsula», incluso representaron los barcos mercantes de mástiles altos que traían a la ciudad artículos de lujo de todas partes del mundo.

Con el inicio del Quatrocento (siglo XV), Venecia comenzó a seguir una política de fortalecimiento de su posición en la península itálica. Conquistó las ciudades vecinas de Padua, Verona y Vicenza y estableció fuertes contactos diplomáticos y económicos con Milán y Mantua.

En 1424, cuando el Senado veneciano deseaba encontrar un mosaiquista capaz de restaurar algunas de las decoraciones murales de la catedral de San Marcos, mandó llamar al maestro florentino Paolo Uccello para que supervisara el trabajo de los artistas locales. La llegada de Uccello puso fin al aislamiento artístico de Venecia. Pronto le siguieron varias figuras activas del Renacimiento italiano, entre ellas el influyente pero efímero Andrea del Castagno (1420-1457) y el escultor Donatello (1386-1466).

Jacopo, Gentile y Giovanni Bellini

Durante este nuevo contacto con los artistas florentinos, los representantes más famosos de la pintura veneciana fueron tres miembros de la familia Bellini: Jacopo (c. 1400-70), sus hijos Gentile (c. 1429-1507) y sobre todo Giovanni (c. 1430-1516), que llegó a ser conocido como el padre de la pintura veneciana.

Jacopo fue alumno de Gentile da Fabriano y fue uno de los primeros maestros antiguos venecianos en interesarse por la perspectiva lineal . Sus hijos aprendieron rápidamente la técnica de perspectiva de su padre y su desarrollo estuvo fuertemente influido por él. El taller de Bellini era inmensamente popular, asediado por encargos de grandes retablos ceremoniales, como la Procesión de la Vera Cruz de «Gentile» en la plaza de San Marcos, o retratos, como la maravillosa representación que Giovanni hizo del dux Leonardo Loredan. Gentile pasó un año en Constantinopla, en la corte del sultán, y realizó maravillosos bocetos de las exóticas personalidades que adornaban las abarrotadas calles de aquella ciudad.

«Procesión de la Vera Cruz en la plaza de San Marcos» Gentile es una de las muchas obras que nos ofrecen una visión de la Venecia de finales del siglo XIV. La gran precisión de detalle de los panoramas pintados por Gentile proporciona una documentación casi fotográfica de la ciudad renacentista, sus monumentos, edificios y trajes. En este cuadro, el artista representó la procesión anual del Corpus Christi, en la que las reliquias - fragmentos de la Vera Cruz - eran llevadas ceremoniosamente por las calles por miembros devotos de una sociedad religiosa popular. Miles de espectadores presenciaban esta ceremonia cada año, junto con el Dux, funcionarios del gobierno local y dignatarios visitantes. (Véase también Biografía de Gentile Bellini .)

Venecia fue el primer estado moderno en encargar un grupo de retratos de sus principales administradores. El cuadro de Giovanni Bellini del dux Leonardo Loredan es un impresionante y poderoso ejemplo de este tipo de arte del retrato .

Como muchos artistas del norte de Europa, Giovanni abandonó la fórmula del retrato de perfil de principios del Renacimiento en favor de una vista de tres cuartos del retratado. El Dux, vestido con un atuendo ceremonial como la capa y el birrete de brocado, está representado detrás de una cornisa corta y oscura que sirve de barrera espacial entre el espectador y el modelo. Giovanni ha transmitido la textura de la vestimenta y la piel tensa y gruesa del rostro del Dux. Su cabeza se destaca nítidamente sobre el fondo azul oscuro, y la impresión general es apenas menos voluminosa o escultórica que los retratos pintados por florentinos contemporáneos, como «Retrato de un joven» de Filippino Lippi y Retrato «de Giuliano de’ Medici» de Botticelli .

Giovanni Bellini fue uno de los primeros artistas venecianos que se dedicaron al óleo, en parte debido a su reacción ante el siciliano Antonello da Messina (c. 1430-1479), que visitó la ciudad en 1475-146. Conocido sobre todo por su Cristo naturalista «coronado de espinas» (1470), Antonello conoció el arte del Renacimiento septentrional en Nápoles y se convirtió así en uno de los primeros pioneros italianos de la pintura al óleo, método que transmitió a sus maestros venecianos. Aunque permaneció poco tiempo en Venecia, su arte causó una gran impresión. Por ejemplo: Éxtasis de San Francisco (1480, Frick Collection, Nueva York), Dux Leonardo Loredan (1502, National Gallery, Londres) y Retablo de San Zaccaria (1505, Iglesia de San Zaccaria, Venecia). Sus pinturas concentradas, reducidas a lo esencial, combinaban la fisonomía italiana con el realismo holandés y utilizaban plenamente las técnicas al óleo empleadas por los pintores del Renacimiento septentrional para crear luminosidad y profundidad. Giovanni Bellini ejerció una gran influencia sobre artistas venecianos -tanto en vida como posteriormente- como Giorgione, Tiziano, Lorenzo Lotto (1480-1556), Sebastiano del Piombo (1485-1547) y otros.

Andrea Mantegna

El primer artista que introdujo a los venecianos en el interés florentino por la naturaleza y el pasado clásico fue Andrea Mantegna (1430-1506), que trabajó primero en la cercana ciudad universitaria de Padua y luego en la corte del duque de Mantua, que se dedicaba al arte. Aprendiz de un maestro local de Padua llamado Francesco Squarcione, Mantegna mostró un talento tan inusual que atrajo la atención interesada de Jacopo Bellini.

Mantegna entabló más tarde una alianza no sólo artística sino también familiar con Bellini, casándose con una de las hijas de Jacopo.

Poco sabemos de la formación inicial de Mantegna, salvo que su maestro Squarcione era supuestamente muy aficionado al arte antiguo ; solía pedir a sus alumnos que hicieran copias de obras de escultura griega que coleccionaba en su taller. Esta formación temprana le sirvió a Mantegna en su vida posterior, cuando empezó a estudiar y copiar monumentos antiguos en serio.

En 1447, el gran escultor florentino Donatello llegó a Padua para erigir una escultura ecuestre , un monumento a un general de éxito. Mantegna quedó impresionado tanto por la recreación que Donatello hizo del prototipo clásico como por los numerosos y prometedores estudios del escultor florentino. Movido por el ejemplo de Donatello, Mantegna aprendió la perspectiva a través de un cuidadoso y disciplinado dibujo .

Cuando apenas tenía veinte años, Mantegna creó una serie de pinturas al fresco en la iglesia de los Eremitani («Ermitaños») en su ciudad natal de Padua. Estas pinturas describen la vida de Santiago; se cuentan entre los logros más notables del Renacimiento temprano por su modelado de extraordinaria profundidad y por su erudita imitación de las formas artísticas clásicas. Para preparar estas y otras obras, Mantegna realizó dibujos increíblemente detallados de las estatuas y edificios clásicos que había visto en el norte de Italia y, más tarde, durante sus visitas a Roma

Muchos de estos dibujos constituyeron la base de composiciones que posteriormente grabó y que se distribuyeron ampliamente como grabados. Hoy en día, Mantegna goza de la reputación de ser uno de los mayores exponentes de las artes gráficas que ha dado Italia. Mantegna se hizo tan famoso como erudito clásico que el Papa Inocencio VIII le invitó a visitar Roma en la década de 1480.

En 1459 Mantegna aceptó una invitación del duque de Mantua para entrar a su servicio. Permaneció vinculado a esta corte -con pequeñas ausencias para viajar a Venecia, Roma y Verona- durante el resto de su vida.

La obra de arte retablo creada por Mantegna para la familia gobernante Gonzaga demuestra su habilidad para combinar su propio dominio de la anatomía humana con las nuevas técnicas espaciales de los florentinos. El retablo es un tríptico, u obra de tres paneles, cuya ala derecha es «Representación de Cristo en el Templo». Las figuras que participan en el antiguo rito judío de la circuncisión son majestuosas, elegantes, pero humanas. La escena tiene lugar en una sala elevada, elaboradamente decorada con columnas clásicas, una pared de mármol cubierta de motivos florales y relieves escultóricos simulados con escenas del Antiguo Testamento.

Una obra mucho más sencilla, pero aún más impresionante en su representación de la emoción humana, es Judith con la cabeza de Holofernes» de Mantegna «. La obra está realizada al temple, una técnica en la que una mezcla de pigmentos coloreados con una sustancia viscosa como la yema de huevo se aplica a una tabla de madera tratada.

Este minucioso proceso se utilizó mucho antes del desarrollo de la pintura al óleo sobre madera o lienzo; da como resultado colores brillantes y puros y da la impresión de una superficie lisa. En esta composición, Mantegna combinó la observación cuidadosa y la representación de detalles naturalistas con el conocimiento de las reglas clásicas de las proporciones corporales para crear figuras de rara belleza. Aunque la obra está llena de crudo realismo -nótese el detalle particularmente nítido de la pierna del hombre muerto en la cama del fondo-, Mantegna sigue transmitiendo una impresión de penetrante tristeza.

Especialmente conmovedora es la mirada lastimera de Judit, que evita mirar la cabeza cortada del general asirio Holofernes, al que mató para proteger a sus compatriotas israelitas. Cuando entrega la cabeza a su ayudante, la Judith de Mantegna puede confundirse fácilmente con la heroína de una tragedia griega clásica.

El mejor arte del mundo
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Las 100 mejores esculturas, en: Las mejores esculturas de todos los tiempos .

Vittore Carpaccio

Vittore Carpaccio (c. 1465-1525/6) fue probablemente discípulo de Gentile Bellini. Sus pinturas se caracterizan por la riqueza de detalles naturalistas, que pueden haber sido influenciados por su estudio de los artistas del norte, especialmente los maestros flamencos como Jan Van Eyck . Al igual que los miembros de la familia Bellini, pintó vistas panorámicas de Venecia, pero muestra una sensibilidad aún mayor que ellos hacia la calidad especial de la luz atmosférica.

Entre las grandes series pictóricas de Carpaccio se encuentran los grandes retablos que realizó hacia 1496 para la Cofradía de Santa Úrsula, con escenas de la vida de esta santa. Estos retablos estaban destinados a la capilla de la Escuela de Santa Úrsula, un pequeño edificio que actualmente forma parte del gran museo de pintura veneciana llamado Accademia. Transcribiendo diversos momentos de la vida de la joven mártir, Carpaccio cuenta su historia con el telón de fondo de ciudades que recuerdan a Colonia y Roma, entre otras.

Sus obras están llenas del bullicio de las abarrotadas calles de la Venecia moderna, y disfruta especialmente presentando al espectador todos los atuendos exóticos de los visitantes de Oriente Medio que observó en la ciudad.

En «La Disputa de San Esteban» se complace igualmente en representar trajes y personajes raciales y nacionales específicos, pero aún más impresionante para el espectador es su creación de la ilusión de un espacio profundo y expansivo con un primer plano, un plano medio y un fondo clara y lógicamente definidos.

Giorgione

Mientras que los pintores del Renacimiento temprano en Florencia creaban composiciones armoniosas logrando un equilibrio entre la línea, la luz y la sombra, y mientras que los del Renacimiento en Roma dominaban el arte del drama, los venecianos perfeccionaron el uso sutil del color. Entre los máximos exponentes del colorismo veneciano se encuentra Giorgio da Castelfranco, llamado Giorgione (c. 1477-1510).

Se sabe muy poco de este pintor; sólo se le pueden atribuir con certeza cinco o seis cuadros. Se supone que fue discípulo de Giovanni Bellini, y sin duda su obra comparte cualidades con las del maestro mayor. La primera mención de Giorgione indica que en 1508 recibió el encargo de pintar frescos en el Fondaco dei Tedeschi («Gremio de Comerciantes Alemanes») de Venecia, y que contó para ello con la ayuda del joven Tiziano.

El cuadro más famoso de Giorgione es «La Tempestad» (1506-8, Galleria dell’Accademia di Venezia). El tema de la composición es un tanto ambiguo: tal vez represente una escena de algún poema clásico.

Otra pintura de Giorgione, «Tres filósofos», transmite un estado de ánimo igualmente vívido y es un estudio inusualmente sensible de los diversos efectos de la luz. A veces se les caracteriza como «Las tres edades del hombre» o «Los tres temperamentos», pero las personalidades individuales de las figuras están claramente definidas, y aparecen en un paisaje de gran belleza. Se ha sugerido que cada uno de ellos podría representar tradiciones filosóficas diferentes -cristiana, árabe y hebrea-, como podría indicar su indumentaria individualizada. Como los santos del altar renacentista, cada hombre está absorto en su propio discurso.

«Concierto en la naturaleza», pudo ser uno de los últimos cuadros del artista. También explora los efectos atmosféricos de la luz y las sutilezas de la relación entre las figuras. La encantadora escena pastoral, como en el cuadro anterior «La Tempestad», puede reflejar un poema clásico; era habitual que algunos poetas clásicos ambientaran los acontecimientos en el campo, con los protagonistas representados como simples pastores.

Como en el fragmento anterior, aquí hay un contraste entre figuras masculinas vestidas y mujeres desnudas. Sin embargo, aquí no hay comprensión mutua: los jóvenes juegan y hablan sin percatarse de la presencia de las bellas jóvenes. Tal vez Giorgione represente caprichosamente el momento en que los cantores, encantados por la belleza de la naturaleza y componiendo cantos de amor a las divinidades clásicas, reciben la visita de los espíritus divinos a los que cantan.

Las visiones poéticas de Giorgione del paraíso clásico pueden considerarse parte de la evolución veneciana desde las grandes pinturas ceremoniales de Bellini hasta las obras de su seguidor Tiziano, con su atención a transmitir los aspectos tangibles y sensuales de las formas animadas e inanimadas. Su obra maestra inacabada -que más tarde Tiziano completó de forma un tanto inapropiada- fue La Venus dormida (1510, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde).

Entre los escultores más famosos del Renacimiento veneciano se encuentra Jacopo Sansovino (1486-1570).

Tiziano

Uno de los más grandes artistas de la historia del arte, Tiziano Vecellio, o Tiziano (c. 1485/8-1576), estableció casi por sí solo la reputación de la pintura del Alto Renacimiento en Venecia. Durante el periodo del Alto Renacimiento y más tarde Manierismo alcanzó una fama que rivalizaba con la de Miguel Ángel. Nació en Cadore, en los Alpes meridionales; tras llegar a Venecia en su juventud, parece que estudió con Gentile y Giovanni Bellini, y luego fue discípulo de Giorgione. Se sabe que trabajó con Giorgione en la decoración al fresco del Fondaco dei Tedeschi en 1508, pero su propio temperamento artístico parece haber surgido muy pronto: desarrolló un estilo visual de expresión mucho más dramático que las tranquilas contemplaciones de su maestro.

En su «Vidas de los artistas» , Giorgio Vasari relata una anécdota que ilustra esta distinción. Describiendo su trabajo conjunto en los frescos del Fondaco dei Tedeschi, dice:

"En relación con esta fachada, Tiziano reveló parte de lo que había hecho, y entonces muchos caballeros, sin darse cuenta de que había trabajado allí en lugar de Giorgione, felicitaron alegremente a Giorgione cuando se encontraron con él, y dijeron que había hecho un mejor trabajo en la fachada hacia la Mercería que en la parte sobre el Gran Canal. Esto enfureció tanto a Giorgione que, hasta que Tiziano no terminó la obra y se hizo pública su participación en ella, apenas se dejó ver en público. Y desde entonces nunca permitió que Tiziano se relacionara con él o fuera su amigo".

La pintura religiosa histórica ilustra la maestría de Tiziano en el arte del paisaje : su «Noli me tangere» representa a Cristo resucitado pidiendo a María Magdalena que no le toque porque aún no está unido a su Padre. En el fondo, como en los cuadros de Giorgione, hay suaves colinas, granjas y ovejas pastando.

Lo que es muy diferente, sin embargo, es la escala de las figuras y la relación dramática e íntima que establecen sus gestos, en contraste con la melancolía ambigua y distante de las composiciones de Giorgione. También llama la atención la nueva intensidad de la pintura en color de Tiziano: el cálido y brillante escarlata del vestido de Magdalena y los exuberantes verdes de la vegetación. Véanse sus vigorosas obras paganas «Baco y Ariadna» (1520-23) y «Bacanal de los Andrios» (1523-5), y su desnudo femenino «Venus de Urbino» (1538, Uffizi).

Incluso antes de la muerte de Rafael, Tiziano era considerado un artista de extraordinario talento, como demuestra su impresionante retablo «Asunción de la Virgen» (c. 1518). Tras la muerte de Rafael, Tiziano se convirtió en el retratista más célebre de su época. Entre sus mejores retratos se encuentran un retrato del pintor y crítico Pietro Aretino y un notable autorretrato .

Tanto el cuadro de Aretino, pintado hacia 1555, como el autorretrato, realizado hacia 1563, trece años antes de la muerte del artista, atestiguan su dominio de la técnica del óleo. En cada cuadro, el modelo emerge de un fondo oscuro, y su rostro pensativo se presenta en una perspectiva de tres cuartos, parcialmente oscurecido por sombras clarificadoras. Una luz cálida y dorada impregna cada lienzo y aviva las ricas texturas de la ropa del modelo.

En comparación con «Mujer con pieles» pintado unos veinte años antes, la pincelada de Tiziano en los últimos retratos parece más libre y el efecto más espontáneo. Véase también: Retrato veneciano (c. 1400-1600).

La creciente libertad de trazo o la calidad de la pintura característica del estilo tardío de Tiziano también puede observarse en su retrato de grupo «««El papa Pablo III con sus nietos, que puede compararse con el retrato de Rafael «El papa León X y sus sobrinos». En contraste con la superficie muy acabada de la obra de Rafael, el lienzo de Tiziano parece casi inacabado: se aprecian lagunas en la pintura y algunas zonas del lienzo se han dejado casi intactas, mientras que en otras partes el pigmento se ha aplicado abundantemente y los glóbulos de óleo brillante parecen casi haberse adherido a la superficie.

La habilidad de Tiziano para captar la personalidad o el carácter de un modelo es notable. En el cuadro «Pablo III y sus sobrinos» esta habilidad se expresa con gran fuerza. La figura frágil y enjuta del pontífice domina claramente las figuras de sus acompañantes, lo que constituye un interesante comentario sobre la naturaleza de la relación; el artista subraya la dependencia de los más jóvenes respecto a su poderoso tío.

Tiziano se ganó en vida el título «de príncipe entre los pintores». Vasari, en su biografía de Tiziano, señala que apenas hubo un solo noble o dama cuya imagen no pintara. Era el favorito del emperador Carlos V, que le nombró conde del Palatinado en 1534. Sus modales eran cultos y su casa lujosa, y recibía regularmente a todos los dignatarios importantes que venían a Venecia.

Una de las biografías de Tiziano cuenta que el emperador lo veneraba tanto que, cuando visitó su taller, le hizo el honor de recoger un pincel que el artista había dejado caer. Las innovaciones coloristas de Tiziano causaron tal impresión que incluso los florentinos quedaron encantados. (Véase también: Tiziano y la pintura en color veneciana c. 1500-76).

Miguel Ángel, aunque lamentó la falta de «disegno» o dibujo de Tiziano, alabó su color y su estilo. El impacto total del logro de Tiziano probablemente no se sintió hasta el siglo XVII, cuando innumerables artistas de Italia y el norte de Europa viajaron a Venecia para estudiar y adoptar su inusual y célebre estilo.

Para más detalles sobre los pigmentos de color, utilizados por los artistas venecianos del Renacimiento en la pintura al fresco, al temple y al óleo, véase: Paleta de colores del Renacimiento . Para una visión general del colorismo, véase: El color en la pintura .

Paolo Veronese

Paolo Veronese (1528-1588) llegó a Venecia tras recibir una completa formación artística en su Verona natal. Poco después de su llegada a la ciudad, se convirtió en uno de los principales artistas de los manieristas y en un exponente de la colorista manera veneciana, que se refleja en sus pinturas monumentales «Las bodas de Caná» (1563). Esta obra es sólo una de las numerosas escenas de banquetes ejecutadas por Veronese: «El banquete en casa de Simón» y El banquete en casa de Leví (1573) son otras obras muy conocidas que caracterizan su gusto contemporáneo por los elaborados grupos de personas y animales sobre un fondo de arquitectura palaciega. Las pinturas de Veronese parecen casi representaciones teatrales de la escala y el esplendor más impresionantes. Caballeros y damas ricamente ataviados disfrutan de los placeres de la vida en medio de una abundancia de detalles materiales -relucientes vasos de oro, copas llenas de vino- en la exótica atmósfera y arquitectura de la Venecia del siglo XVI.

En sus pinturas de solemnes temas religiosos, como «El descubrimiento del niño Moisés», Veronese traduce el Antiguo Testamento a un lenguaje moderno. La hija del faraón egipcio y su ayudante son representadas como dos damas venecianas exquisitamente vestidas que pasean por el campo que rodea la ciudad, acompañadas por criadas y un enano de forma irregular.

La alegría y la opulencia de la sociedad renacentista piden ser plasmadas en los cuadros de Veronés, y no es de extrañar que sus pinturas fueran muy populares entre el público, aunque su mundanidad llevó a la Iglesia a condenar al artista. Sobre los dibujos de Veronés, véase El dibujo veneciano (c. 1500-1600).

Véase también Pintor manierista veneciano: Jacopo Bassano (1515-1592).

Tintoretto

El último gran maestro veneciano del siglo XVI fue Jacopo Robusti, apodado Tintoretto (1518-1594). Según la leyenda, el artista proclamó su intención de combinar el color de Tiziano y el dibujo de Miguel Ángel, e incluso un somero vistazo a sus lienzos y frescos muestra lo diferentes que son de las majestuosas composiciones de su maestro Tiziano.

En un cuadro como «Cristo con María y Marta», a pesar de su clara conexión con la exuberante tradición colorista veneciana, vemos una nueva emoción, un nuevo sentido de conmoción dramática, característico de la pintura manierista en Italia (c. 1530-1600). Tintoretto introduce un poderoso movimiento diagonal que arrastra la mirada del espectador a lo largo del borde de la mesa de una figura a otra. Además, en lugar de la rica y cálida gama de colores de Tiziano o Veronés, Tintoretto introduce una sutil pero inconfundible pintura blanca subyacente que ilumina los ropajes de todas las figuras de un modo inquietante y sobrenatural.

A medida que su estilo se desarrollaba, los cuadros de Tintoretto parecían volverse más dramáticos y conmovedores. Esto puede apreciarse en el cuadro «El traslado del cuerpo de San Marcos», una de las tres escenas relacionadas con la leyenda del santo patrón veneciano, pintada por el artista entre 1548 y 1566 para la Scuola di San Marco. En esta obra, el movimiento diagonal en el espacio es aún más exagerado que en «Cristo con Marta y María», y las distorsiones del color también se intensifican. Toda la atmósfera psicológica del cuadro se acentúa, sobre todo debido a la calidad inquietante y amenazadora de la luz, que despoja a las formas de su tridimensionalidad. El espectador tiene la sensación de estar asistiendo a un acontecimiento extraordinario, el traslado y regreso del cuerpo del difunto San Marcos desde su sepultura en Alejandría hasta la ciudad de Venecia, ya que este acontecimiento se representa de la manera más emotiva y dramática.

De hecho, el cuerpo de San Marcos fue robado de Alejandría por dos aventureros mercaderes venecianos en 828, y fue este suceso el que inspiró al Dux Giustiniano Partecipazio a erigir una iglesia para albergar la santa reliquia.

Para desarrollar su nuevo estilo pictórico manierista -un estilo que se convirtió en un medio de gran éxito para transmitir los fuertes sentimientos de las historias religiosas- Tintoretto sacrificó el saludable colorido de Tiziano en favor de tonalidades que parecen duras o anormalmente intensas en comparación. Se dice que Tiziano expulsó al joven Tintoretto de su taller porque no estaba satisfecho con sus formas y colores distorsionados.

Sin embargo, al igual que las pinturas de Tiziano llevaron los logros del Renacimiento un paso más allá, las pinturas de Tintoretto allanaron el camino para otras innovaciones formales y psicológicas del estilo barroco en el siglo siguiente. Sobre la influencia de los pintores venecianos en el arte europeo, véase El legado de la pintura veneciana (después de 1600).