Arte renacentista en Venecia Traductor traducir

Arte renacentista en Venecia (c.1400-1600)

Introducción al arte veneciano

Venecia, otro centro de Arte renacentista , es una ciudad de canales resplandeciente y de ensueño, que durante siglos ha sido el vínculo de Italia con el exótico Oriente. Desde sus primeros días, la ciudad proporcionó un lugar de refugio para los habitantes de pueblos cercanos como Padua en momentos como las invasiones góticas y lombardas de los siglos V y VI. Gobernada en los siglos VI y VII por los emperadores bizantinos, la ciudad se colocó bajo la protección religiosa y temporal del exarca de Rávena. Rávena era en ese período una ciudad de espléndidas iglesias llenas de mosaicos (para más detalles, ver: Mosaicos de Rávena ) y un puerto marítimo importante y próspero, más importante que la propia Venecia. En el siglo IX, Venecia era una potencia en desarrollo y se había convertido en un centro para el intercambio de bienes de lujo como especias y sedas del este por madera, granos y vino italianos. Fue, como otras ciudades italianas de la época, el centro de una creciente red de rutas comerciales que la puso en contacto con Europa y el Este, incluso el Lejano Oriente. Sin embargo, el desarrollo cultural de Venecia no fue influenciado en gran medida por lo que sucedía en otras ciudades italianas. Esto se explica en parte por su situación en el Mar Adriático y su larga asociación con el Imperio Bizantino y su centro, Constantinopla.

Este bizantino y oeste gótico se encontraron en Venecia, y el pintura de bellas artes , la escultura y la arquitectura producidas a finales del siglo XIV y principios del XV revelan la mezcla de las dos grandes fuerzas culturales. Las fachadas de San Marcos y los numerosos palacios que fueron construidos por la creciente aristocracia mercantil combinan los arcos apuntados y el sistema de bóveda de gótico arquitectura con bizantino arte mosaico y canicas multicolores. (Lea sobre el gran arquitecto veneciano: Andrea Palladio (1508-80), famoso por las fachadas y villas de su iglesia.) Esta síntesis dio como resultado una arquitectura de notable ligereza y riqueza, cuyo brillo se ve deslumbrantemente realzado por reflejos brillantes en los numerosos canales de la ciudad. Para más sobre Arte cristiano en Venecia durante el período tardío del Renacimiento, ver: Retablos venecianos (c.1500-1600).

Nota: Para una guía de escultura veneciana durante el período 1400-1530, consulte: Escultura renacentista italiana .

La mezcla de Oriente y Occidente, tan característica de Arquitectura renacentista veneciana También era característico de su población. Una creciente colonia de comerciantes extranjeros del norte de Europa estableció almacenes y se construyeron palacios en el Gran Canal, y al menos desde el siglo XV en adelante, la población de la ciudad también se vio incrementada por una considerable migración desde el Este cristiano. De los muchos inmigrantes griegos a Venecia, el más famoso es probablemente el pintor Domenikos Theotocopoulos, que estudió en Venecia con el gran maestro. Tiziano (c.1485 / 8-1576) y luego se ganó su propia fama en España, donde fue llamado El Greco (1541-1614), después de su patria. Las migraciones desde el este bronght a Venecia tanto comerciantes como una élite intelectual. La ciudad se convirtió, especialmente después de la dominación musulmana del Cercano Oriente, en el guardián de Arte griego y cultura y un centro vital para los estudios orientales, especialmente medicina y geografía, en los que los árabes se destacaron. Aunque la literatura parece haber jugado un papel bastante pequeño en la vida intelectual de la ciudad, ella era rica en arte y arquitectura. Ciertamente, desde el siglo XVI en adelante, los comerciantes, artistas y buscadores de placer de toda Europa consideraron la ciudad como una parada esencial. Su belleza se celebró en obras de teatro y en pinturas, mientras que el nombre mágico de Tiziano se clasificó junto al de los gigantes del Renacimiento Florentino , incluyendo Leonardo (1452-1519) Rafael (1483-1520), y Miguel Ángel (1475-1564).

El mar no solo le dio prosperidad a la ciudad, sino que también proporcionó a los pintores una materia prima extraordinaria. Desde Vittore Carpaccio (ca. 1455-1525) en adelante, los pintores venecianos se han inspirado para registrar los efectos deslumbrantes de la luz en los edificios y puentes que bordean los canales. Han representado el ajetreo del tráfico del canal, las góndolas decoradas para festivales seculares o procesiones religiosas, y en grandes pinturas como la serie "La leyenda de Santa Úrsula" de Carpaccio, incluso han representado a los buques mercantes de alto nivel que transportaban artículos de lujo a La ciudad de todas partes del mundo.

Con el comienzo de la quattrocento (Siglo XV), Venecia se embarcó en una política de fortalecer su posición en la península italiana. Conquistó las ciudades vecinas de Padua, Verona y Vicenza y estableció fuertes contactos diplomáticos y económicos con Milán y Mantua. En 1424, cuando el Senado veneciano deseaba encontrar un mosaico capaz de restaurar algunas de las decoraciones de las paredes en San Marcos, enviaron al maestro florentino Paolo Uccello para supervisar los esfuerzos de los artistas locales. La llegada de Uccello puso fin al aislamiento artístico de Venecia. Pronto varias figuras activas en el Renacimiento italiano – incluyendo los influyentes pero de corta duración Andrea del Castagno (1420-57) y el escultor Donatello (1386-1466) lo siguieron a la ciudad.

Jacopo, Gentile y Giovanni Bellini

En el momento de este nuevo contacto con artistas florentinos, los representantes más destacados de Pintura veneciana Eran los tres miembros de la familia Bellini, Jacopo (1400-70), y sus hijos Gentile (1429-1507) y especialmente Giovanni (1430-1516), que se hizo conocido como el padre de la pintura veneciana.

Jacopo había sido alumno de Gentile da Fabriano y fue uno de los primeros venecianos. Viejos maestros para evidenciar un interés en perspectiva lineal . Sus hijos aprendieron rápidamente la técnica de perspectiva de su padre, y su desarrollo fue fuertemente influenciado por él. El taller de Bellini fue inmensamente popular, asediado por encargos para grandes retablos ceremoniales como la "Procesión de la verdadera cruz de Gentile en la Piazza San Marco" de Gentile, o retratos como la maravillosa imagen de Doge Leonardo Loredan de Giovanni. Gentile había pasado un año en Constantinopla en la corte del sultán, y produjo magníficos bocetos de los personajes exóticos que adornaban las calles llenas de gente de esa ciudad.

La "Procesión de la verdadera cruz en la Piazza San Marco" de Gentile es típica de las numerosas obras que nos dan una visión de Venecia tal como apareció a finales de los años 1400. La gran precisión de los detalles en los panoramas pintados de Gentile proporciona documentación casi fotográfica de la ciudad renacentista, sus monumentos, edificios y disfraces. En esta pintura, el artista representa la procesión anual del día santo de Corpus Christi, cuando los miembros devotos de una sociedad religiosa popular llevaban solemnemente reliquias – astillas de la Cruz Verdadera. Miles de espectadores presenciaron esta ceremonia cada año, junto con el dux, representantes del gobierno local y dignatarios visitantes. (Ver también Gentile Bellini Biografía .)

Venecia fue el primer estado moderno en encargar un grupo de retratos de sus principales administradores. La pintura de Giovanni Bellini del dux Leonardo Loredan es un ejemplo impresionante y contundente de este tipo de arte de retrato . Al igual que muchos pintores del norte de Europa, Giovanni abandonó la fórmula renacentista temprana del retrato de perfil en favor de una vista de tres cuartos de la modelo. El Doge, con el atuendo ceremonial de abrigo y gorra de brocado, se representa detrás de una repisa corta y oscura que actúa como una barrera espacial entre el espectador y la modelo. Giovanni ha capturado las texturas de las prendas y la piel tensa y gruesa de la cara del dux. Su cabeza se destaca bruscamente sobre el fondo azul oscuro, y la impresión total es apenas menos tridimensional o escultórica que los retratos pintados por florentinos contemporáneos, como el "Retrato de una juventud" de Filippino Lippi y Botticelli retrato "Giuliano de ’Medici".

Giovanni Bellini fue uno de los primeros artistas venecianos en tomar aceites, en parte debido a su reacción al siciliano. Antonello da Messina (c.1430-1479) que hizo una visita a la ciudad en 1475-6. Mejor conocido por su naturalismo Cristo coronado de espinas (1470), Antonello se había familiarizado con Arte renacentista del norte en Nápoles y como resultado fue uno de los primeros pioneros italianos de pintura al óleo – un método que pasó a sus anfitriones venecianos. Aunque estuvo poco tiempo en Venecia, su arte causó una gran impresión. Ver, por ejemplo: El Éxtasis de san francisco (1480, Colección Frick, Nueva York), Dux Leonardo Loredan (1502, National Gallery, Londres) y The Retablo de San Zaccaria (1505, Iglesia de San Zaccaria, Venecia). Sus pinturas concentradas, reducidas a los elementos esenciales más importantes, unieron la fisonomía italiana con el realismo holandés e hicieron pleno uso de las técnicas al óleo utilizadas por Artistas renacentistas del norte en la creación de resplandor y profundidad. Giovanni Bellini tuvo un gran impacto en los artistas venecianos, tanto durante su vida como más tarde, como Giorgione, Tiziano, Lorenzo Lotto (1480-1556) Sebastiano del Piombo (1485-1547) y otros.

Andrea Mantegna

El primer artista en presentar a los venecianos el interés de los florentinos por la naturaleza y el pasado clásico fue Andrea Mantegna (1430-1506), quien trabajó primero en la cercana ciudad universitaria de Padua y posteriormente en la corte del duque de Mantua, que se dedicó al arte. El alumno de un maestro local en Padua llamado Francesco Squarcione Mantegna mostró un talento tan inusual que atrajo la atención interesada de Jacopo Bellini. Más tarde en la vida, Mantegna formó no solo una alianza artística con los Bellini, sino también una alianza familiar, cuando se casó con una de las hijas de Jacopo.
Sabemos poco del entrenamiento temprano de Mantegna, excepto que su maestro Squarcione presumiblemente tenía un gran amor por arte antiguo ; solía exigir a sus alumnos que hicieran copias de piezas de Escultura griega que había reunido en su taller. Este entrenamiento temprano sirvió bien a Mantegna en la edad adulta, cuando comenzó a estudiar y copiar en serio los monumentos antiguos. En 1447, el gran escultor florentino Donatello llegó a Padua para erigir una hípica escultura , un monumento a un general exitoso. Mantegna quedó impresionado tanto por la recreación de Donatello de un prototipo clásico como por los numerosos estudios de perspectiva del escultor florentino. Movido por el ejemplo de Donatello, Mantegna se enseñó a sí mismo la perspectiva a través de cuidado, disciplina dibujo .

Cuando apenas tenía veinte años, Mantegna produjo una serie de pinturas al fresco en la Iglesia de los Eremitani ("Ermitaños") en su ciudad natal, Padua. Las pinturas describen la vida de Santiago; se encuentran entre los logros más sorprendentes de la Renacimiento temprano en su simulación de profundidad extraordinaria y en su emulación académica de formas de arte clásico. Para prepararse para estas y otras obras similares, Mantegna hizo dibujos increíblemente detallados de estatuas y edificios clásicos sobrevivientes que había visto en el norte de Italia y, más tarde, en visitas a Roma. Muchos de estos dibujos sirvieron de base para composiciones que luego grabó y que circularon ampliamente como grabados. Hoy Mantegna goza de la reputación de ser uno de los máximos exponentes de arte Grafico que Italia ha producido alguna vez. Mantegna se hizo tan conocido como un erudito clásico que el Papa Inocencio VIII lo invitó a visitar Roma en la década de 1480.

En 1459, Mantegna aceptó una invitación del duque de Mantua para unirse a su servicio. Permaneció conectado a esa corte, con breves ausencias para viajes a Venecia, Roma y Verona, por el resto de su vida.

Una pieza de arte de retablo creado por Mantegna para la familia gobernante Gonzaga muestra su habilidad para combinar su propio dominio de la anatomía humana con las nuevas técnicas espaciales de los florentinos. El retablo es un tríptico , o obra de tres paneles, cuyo ala derecha es "La Presentación de Cristo en el Templo". Las figuras que participan en el antiguo rito judío de la circuncisión son imponentes, elegantes, pero humanas. La escena se desarrolla en una sala elevada, elaboradamente decorada con columnas clásicas, una pared de mármol cubierta con motivos florales y relieves escultóricos simulados con escenas del Antiguo Testamento.

Un trabajo mucho más simple, pero que afecta aún más en su comunicación de la emoción humana, es "Judith con la cabeza de Holofernes" de Mantegna. El trabajo se realiza en pintura al temple , la técnica en la que se aplica una mezcla de pigmentos coloreados con una sustancia viscosa como la yema de huevo a un panel de madera tratado. Este minucioso proceso se utilizó mucho antes del desarrollo de la pintura al óleo sobre madera o lienzo; da como resultado colores puros brillantes y transmite una apariencia de suavidad de la superficie. En esta composición, Mantegna ha combinado una cuidadosa observación y representación de detalles naturalistas con una conciencia de las reglas clásicas de la proporción corporal para producir figuras de rara belleza. Aunque el trabajo está lleno de realismo absoluto, tenga en cuenta el detalle particularmente discordante del pie del hombre muerto en la cama en el fondo, Mantegna aún transmite una impresión de tristeza conmovedora. Especialmente conmovedora es la mirada patética de Judith mientras evita mirar a la espantosa cabeza cortada del general asirio Holofernes, a quien ha matado para proteger a sus compatriotas, los israelitas. Mientras le da la cabeza a su asistente, Judith de Mantegna podría confundirse fácilmente con la heroína de una tragedia griega clásica.

El mejor arte del mundo
Para obtener una lista de los 10 mejores pintores / escultores: ver: Mejores artistas de todos los tiempos .
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Vittore Carpaccio

Vittore Carpaccio (c.1465-1525 / 6) fue probablemente un alumno de Gentile Bellini. Sus pinturas están enriquecidas con una gran cantidad de detalles naturalistas que pueden haber sido influenciados por su estudio de los pintores del norte, en particular los maestros flamencos como Jan Van Eyck . Al igual que los miembros de la familia Bellini, representó vistas panorámicas de Venecia, pero muestra una sensibilidad aún mayor que la de ellos a la calidad particular de la luz atmosférica.

Entre la mayor serie de pinturas de Carpaccio se encuentran los grandes retablos que produjo alrededor de 1496 para la Hermandad de Santa Úrsula, que representan escenas de la vida de esa santa. Los retablos estaban destinados a una capilla en la Escuela de Santa Úrsula, un pequeño edificio ahora incorporado al gran museo de pintura veneciana llamado Accademia. Al relatar los diversos momentos en la vida del joven mártir, Carpaccio cuenta su historia contra el fondo de la ciudad que recuerda a las ciudades de Colonia y Roma, entre otros. Su trabajo es vibrante con el bullicio de las concurridas calles de la Venecia contemporánea, y se deleita particularmente en exhibir ante el espectador todas las trampas exóticas de los visitantes del Cercano Oriente a quienes observó en la ciudad. En su "Disputación de San Esteban", se deleita de manera similar en la representación particularizada de disfraces y de tipos de caracteres raciales y nacionales específicos; sin embargo, el espectador está aún más impresionado con su creación de la ilusión de un espacio profundo y generoso con primer plano, medio y fondo claramente y lógicamente indicado.

Giorgione

Mientras que la primeros artistas del Renacimiento en Florencia había creado composiciones armoniosas al lograr un equilibrio entre la línea y la luz y la sombra, y mientras Renacimiento en Roma Al dominar el arte de lo dramático, los venecianos perfeccionaron el uso sutil del color. Entre los exponentes más importantes del colorismo veneciano se encontraba Giorgio da Castelfranco, llamado Giorgione (c.1477-1510).

Poco se sabe de este artista, a quien solo cinco o seis pinturas se han atribuido con certeza. Presumiblemente fue alumno de Giovanni Bellini, y ciertamente hay cualidades que sus obras tienen en común con las del hombre mayor. La primera referencia a Giorgione indica que se le encargó pintar frescos en el Fondaco dei Tedeschi ("Casa del gremio de los comerciantes alemanes") en Venecia en 1508 y que el joven Tiziano lo ayudó en esta tarea.

La foto más famosa de Giorgione es " La tempestad "(1506-8, Galería de la Academia de Venecia ) El tema de la composición es algo ambiguo: puede representar una escena de algún poema clásico.

Otra de las pinturas de Giorgione, "Los tres filósofos", transmite un estado de ánimo igualmente vívido y también es un estudio inusualmente sensible de los diversos efectos de la luz. A veces caracterizadas como "las tres edades del hombre" o "los tres temperamentos", las identidades separadas de las figuras están claramente establecidas y aparecen en un paisaje de gran belleza. Cada uno puede representar una tradición filosófica diferente, se ha sugerido, el cristiano, el árabe y el hebreo, como lo indica su vestimenta altamente individualizada. Como los santos en un retablo renacentista, cada hombre está absorto en sus propias especulaciones.

El "Champetre de concierto" ("Concierto en el campo") puede haber sido una de las últimas imágenes del artista. También explora los efectos atmosféricos de la luz y las sutilezas de relacionar figuras entre sí. La encantadora escena pastoral, como la de "La tempestad" anterior, puede reflejar un poema clásico; Era una convención común de algunos poetas clásicos establecer eventos en el campo, con los personajes principales retratados como simples pastores. Como en el trabajo anterior, hay un contraste entre las figuras masculinas vestidas y las mujeres desnudas. Sin embargo, no existe una conciencia mutua: los jóvenes juegan y conversan sin reconocer la presencia de las encantadoras jóvenes. Quizás Giorgione está representando con fantasía un momento en que los cantantes, encantados con la belleza de la naturaleza y componiendo canciones de amor para las deidades clásicas, han sido visitados por los espíritus divinos que celebran.

Las visiones poéticas de Giorgione de un paraíso clásico pueden verse como parte de la evolución veneciana desde las grandes pinturas ceremoniales de Bellini hasta el trabajo de su seguidor, Tiziano, con su atención a comunicar el aspecto tangible y sensual de las formas animadas e inanimadas. Su obra maestra incompleta, que luego Tianiano completó de manera inapropiada, fue Venus durmiente (1510, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresde).

[NOTA: Entre los escultores más conocidos involucrados en el Renacimiento veneciano estaba: Jacopo Sansovino (1486-1570)]

Tiziano

Uno de los mejores pintores del historia del Arte , Tiziano Vecellio o Tiziano (c.1485 / 8-1576), casi sin ayuda de nadie crearon la reputación de Pintura del alto renacimiento en Venecia Durante el Alto renacimiento y después Manierismo período, logró una celebridad que rivalizaba con la fama de Miguel Ángel. Nació en los Alpes del sur en la ciudad de Cadore; después de su llegada como joven a Venecia, parece haber estudiado con Gentile y Giovanni Bellini antes de convertirse en alumno de Giorgione. Se sabe que trabajó con Giorgione en las decoraciones al fresco del Fondaco dei Tedeschi en 1508, pero su propio temperamento artístico parece haberse afirmado muy temprano: desarrolló un estilo de expresión visual mucho más dramático que las silenciosas contemplaciones de su maestro.. En sus vidas de los artistas , Giorgio Vasari relata una anécdota que ilustra esta diferencia. Al describir la colaboración en los frescos de Fondaco dei Tedeschi, afirma:

"En relación con esta fachada, Tiziano descubrió parte de lo que hizo, y luego muchos caballeros, sin darse cuenta de que estaba trabajando allí en lugar de Giorgione, felicitaron alegremente a Giorgione cuando se encontraron con él y le dijeron que estaba haciendo un mejor trabajo en el fachada hacia la Merceria de lo que había hecho para la parte que está sobre el Gran Canal. Esto enfureció tanto a Giorgione que hasta que Tiziano había terminado por completo y su parte en el trabajo se había convertido en conocimiento general, difícilmente se mostraría al aire libre. Y a partir de entonces nunca permitiría que Tiziano se asocie con él o sea su amigo ".

Un religioso pintura de historia ilustra el dominio de Tiziano de arte del paisaje : su "Noli me tangere" muestra al Cristo resucitado advirtiendo a María Magdalena que no lo toque, porque aún no se ha unido a su Padre. El fondo, como los de las pinturas de Giorgione, muestra suaves colinas ondulantes, granjas y ovejas pastando. Sin embargo, lo que es muy diferente es la escala de las figuras y la relación dramática e íntima establecida por sus gestos, en contraste con la melancolía ambigua y distante de las composiciones de Giorgione. Llama la atención también la nueva intensidad de Tiziano pintura en color – El vibrante escarlata cálido del vestido de la Magdalena y el verde exuberante de la vegetación. Mira sus enérgicas obras paganas Baco y Ariadna (1520-23) y Bacanal de los Andrios (1523-5), así como su desnudo femenino Venus de Urbino (1538, Uffizi).

Incluso antes de que Raphael muriera, Tiziano era visto como un talento extraordinario: sea testigo de su impresionante retablo Asunción de la virgen (c.1518). Después de la muerte de Raphael, Tiziano se convirtió en el retratista más famoso de su tiempo. Entre sus mejores arte de retrato es su retrato del pintor y crítico Pietro Aretino y un maravilloso Auto retrato . Tanto la pintura de Aretino, realizada alrededor de 1555, como el autorretrato, ejecutado alrededor de 1563, trece años antes de la muerte del artista, revelan su dominio de la técnica de la pintura al óleo. En cada una, el modelo emerge de un fondo oscuro, y su rostro reflexivo se presenta en una vista de tres cuartos, parcialmente oscurecida por sombras que califican. Una cálida luz dorada impregna cada lienzo y anima las ricas texturas de la ropa de los cuidadores. En comparación con la "Mujer de pieles", realizada unos veinte años antes, el trazo de pincel de los retratos posteriores de Tiziano parece mucho más libre y el efecto más espontáneo. Ver también: Retrato veneciano pintura (c.1400-1600).

La creciente libertad del trazo de pincel o la calidad pictórica que marca el estilo tardío de Tiziano también se puede observar en el retrato de su grupo. Papa Pablo III con sus nietos , que podría compararse con el retrato de Rafael del Papa León X y sus sobrinos. En contraste con la superficie altamente terminada de la obra de Rafael, el lienzo de Tiziano parece casi incompleto: se ven cortes de pintura y partes del lienzo quedan prácticamente intactas, mientras que en otras áreas el pigmento se aplica fuertemente y los glóbulos de aceite reluciente casi parecen aferrarse a la superficie.

La habilidad hábil de Tiziano para captar la personalidad o el carácter de la modelo es notable. En la pintura de Pablo III y sus sobrinos, esta delineación del personaje se afirma con mucha fuerza. La frágil y marchita figura del pontífice domina claramente a las de sus asistentes, haciendo un comentario interesante sobre la naturaleza de la relación; El pintor subraya la dependencia de los hombres más jóvenes de su poderoso tío.

Durante su vida, Tiziano se ganó el título de "príncipe entre pintores". Vasari notó en su vida de Tiziano que apenas había un gran señor o dama cuya semejanza no pintara. Era el favorito del emperador Carlos V, quien lo convirtió en conde palatino en 1534. Sus modales eran cultivados y su hogar lujoso, y recibía regularmente a todos los dignatarios importantes que venían a la ciudad de Venecia. Una de las biografías de Tiziano afirma que el Emperador lo tenía en tal estima que cuando visitó su estudio, le hizo el honor de recoger un pincel que el pintor había dejado caer. El impacto de las innovaciones coloristas de Tiziano fue tan grande que incluso los florentinos se conmovieron. (Ver también: Tiziano y pintura en color veneciano 1500-76.) Miguel Ángel, aunque lamentaba la falta de " disegno , "o el dibujo, sin embargo, lo elogiaron mucho por su colorido y estilo. La influencia total de los logros de Tiziano probablemente no se sintió hasta el siglo XVII, cuando innumerables artistas de Italia y el norte de Europa viajaron a Venecia para estudiar y absorber su extraordinario y célebre estilo..

Para detalles de la pigmentos de color utilizado por pintores renacentistas venecianos, en frescos, temple y pintura al óleo, ver: Paleta de colores renacentistas . Para una revisión general del colorismo, ver: Color en pintura .

Paolo Veronese

Paolo Veronese (1528-88) llegó a Venecia después de haber adquirido una formación artística exhaustiva en su Verona natal. Poco después de su llegada a la ciudad, se convirtió en uno de los principales Artistas manieristas y exponente de la colorida manera veneciana que se refleja en sus monumentales lienzos La fiesta de bodas en Cana (1563). Este trabajo es solo una de una serie de escenas de banquetes ejecutadas por Veronese: "The Meal in the House of Simon" y Fiesta en la casa de Levi (1573) se encuentran entre las otras obras famosas que tipifican el gusto contemporáneo por agrupaciones elaboradas de personas y animales contra fondos arquitectónicos palaciegos. Las pinturas de Veronese parecen casi representaciones teatrales de la escala y la magnificencia más espectaculares. Se muestra a caballeros y damas ricamente vestidos que disfrutan de los placeres de la vida en medio de una gran cantidad de detalles materiales: vasos de oro brillantes, copas llenas de vino, en el ambiente exótico y la arquitectura de la Venecia del siglo XVI.

En sus pinturas de historias religiosas solemnes como "El hallazgo del niño Moisés", Veronese traduce el Antiguo Testamento en un idioma contemporáneo. La hija del faraón egipcio y su asistente son retratados como dos damas venecianas exquisitamente vestidas, en un paseo por el campo que rodea la ciudad, atendidas por criadas y un enano deforme. La alegría y el boato de la sociedad renacentista saltan bastante de los lienzos de Veronese, y no es sorprendente saber que sus pinturas encontraron gran favor con el público, aunque su espíritu mundano llevó a la Iglesia a censurar al artista. Para los dibujos de Veronese, ver: Dibujo veneciano (c.1500-1600).

Ver también el pintor manierista veneciano: Jacopo Bassano (1515-92).

Tintoretto

El último gran maestro veneciano del siglo XVI fue Jacopo Robusti, llamado Tintoretto (1518-94). Según la leyenda, el artista proclamó su intención de combinar el color de Tiziano y el dibujo de Miguel Ángel, e incluso una mirada superficial a sus lienzos y frescos revela cuán diferentes son de las majestuosas composiciones de su maestro, Tiziano. En una pintura como "Cristo con María y Marta", a pesar de su claro vínculo con la suntuosa tradición colorista veneciana, observamos una nueva agitación, un nuevo sentido de urgencia dramática, típico de Pintura manierista en Italia (c.1530-1600). Tintoretto introduce un poderoso movimiento diagonal que atrae la mirada del espectador a lo largo del borde de la mesa de una figura a otra. Además, en lugar del esquema de colores ricos y cálidos de Tiziano o Veronés, Tintoretto presenta una pintura blanca sutil pero inconfundible que ilumina las prendas de todas las figuras de una manera inquietante y sobrenatural.

A medida que su estilo se desarrolló, las pinturas de Tintoretto parecieron aumentar en drama y movimiento. Esto es visible en su pintura "El transporte del cuerpo de San Marcos", una de las tres escenas que relatan la leyenda del santo patrón veneciano pintado por el artista entre 1548 y 1566 para la Scuola di San Marco. En este trabajo, el movimiento diagonal hacia el espacio es aún más exagerado que en "Cristo con Marta y María", y las distorsiones del color también se han intensificado. Toda la atmósfera psicológica de la pintura se intensifica, debido principalmente a la misteriosa y amenazante calidad de la luz, que tiende a robar formas de su tridimensionalidad. El espectador siente que es testigo de un evento extraordinario: la recuperación y el regreso del cuerpo del difunto San Marcos desde su lugar de enterramiento en Alejandría a la ciudad de Venecia, ya que el evento se representa de la manera más emotiva y dramática. De hecho, el cuerpo de San Marcos fue robado de Alejandría por dos aventureros comerciantes venecianos en 828, y fue este evento el que inspiró al dux Giustiniano Partecipazio para erigir una iglesia para proteger la reliquia sagrada.

Para desarrollar su nuevo estilo pictórico de pintura manierista, un estilo que se convirtió en un vehículo exitoso para la comunicación del fuerte sentimiento de las historias religiosas, Tintoretto sacrificó el color saludable de Tiziano en favor de los tonos que parecen duros o anormalmente intensos en comparación. Se informa que Tiziano expulsó al joven Tintoretto de su estudio porque no estaba satisfecho con sus formas y colores distorsionados. Sin embargo, así como las pinturas de Tiziano habían llevado los logros del Renacimiento un paso más allá, las de Tintoretto allanaron el camino para las innovaciones formales y psicológicas adicionales de Estilo barroco en el próximo siglo Para el impacto de los pintores de Venecia en el arte europeo, ver: Legado de la pintura veneciana (después de 1600).