Arte moderno: historia, características, movimientos Traductor traducir
¿Qué es el arte moderno? (Definición)
No existe una definición precisa del término "arte moderno": sigue siendo un término elástico, que puede acomodar una variedad de significados. Esto no es demasiado sorprendente, ya que estamos avanzando constantemente en el tiempo, y lo que hoy se considera "pintura moderna" o "escultura moderna", puede no verse como moderno en cincuenta años. Aun así, es tradicional decir que "Arte Moderno" significa obras producidas durante el período aproximado 1870-1970. Esta "era moderna" siguió a un largo período de dominación por inspiración renacentista arte académico , promovido por la red de Academias Europeas de Bellas Artes. Y es seguido por " Arte contemporáneo "(1970 en adelante), el más vanguardista de los cuales también se llama" Arte posmoderno ". Esta cronología concuerda con la opinión de muchos críticos de arte e instituciones, pero no todas. Tanto la Tate Modern de Londres como el Museo Nacional de Arte Moderno del Centro Pompidou de París, por ejemplo, toman 1900 como punto de partida para el "Arte Moderno". Además, ni ellos, ni el Museo de Arte Moderno de Nueva York, hacen ninguna distinción entre las obras "modernistas" y "posmodernas": en cambio, ven ambas como fases del "Arte Moderno".
Por cierto, al tratar de entender el historia del Arte Es importante reconocer que el arte no cambia de la noche a la mañana, sino que refleja cambios más amplios (y más lentos) que tienen lugar en la sociedad. También refleja la perspectiva del artista. Así, por ejemplo, una obra de Art º producida ya en 1958 podría ser decididamente "posmoderna" (si el artista tiene una perspectiva muy vanguardista, un buen ejemplo es el Nouveau Realisme de Yves Klein); mientras que otra obra, creada por un artista conservador en 1980, podría verse como un retroceso a la época del "Arte Moderno" en lugar de un ejemplo de "Arte Contemporáneo". De hecho, probablemente sea cierto decir que hay varias líneas de arte diferentes, es decir, varios conjuntos de estética , algunos hipermodernos, otros anticuados, pueden coexistir en cualquier momento. Además, vale la pena recordar que muchos de estos términos (como "Arte Moderno") solo se inventan después del evento, desde el punto de vista retrospectivo.
NOTA: La década de 1960 generalmente se ve como la década en que los valores artísticos cambiaron gradualmente, de "modernista" a "posmodernista". Esto significa que durante un período de tiempo ambos conjuntos de valores coexistieron entre sí.
Para fechas importantes, ver: Historia de la línea de tiempo del arte (2.5 millones de BCE en adelante)
¿Cuáles fueron los orígenes del arte moderno?
Para entender cómo comenzó el "arte moderno", es útil un poco de historia. El siglo XIX fue una época de cambios significativos y en rápido aumento. Como resultado de la Revolución Industrial (c. 1760-1860), los enormes cambios en la fabricación, el transporte y la tecnología comenzaron a afectar la forma en que las personas vivían, trabajaban y viajaban por toda Europa y América. Pueblos y ciudades crecieron y prosperaron cuando la gente dejó la tierra para poblar fábricas urbanas. Estos cambios sociales inspirados en la industria condujeron a una mayor prosperidad, pero también a condiciones de vida estrechas y abarrotadas para la mayoría de los trabajadores. A su vez, esto condujo a: más demanda de arquitectura urbana; más demanda de arte aplicado y diseño – ver, por ejemplo, el Escuela Bauhaus – y la aparición de una nueva clase de empresarios ricos que se convirtieron en coleccionistas de arte y mecenas. Muchos de los mejores museos de arte del mundo fueron fundados por estos magnates del siglo XIX.
Además, otros dos desarrollos tuvieron un efecto directo en las bellas artes de la época. Primero, en 1841, el pintor estadounidense John Rand (1801-1873) inventó el tubo de pintura de estaño plegable. Segundo, se hicieron grandes avances en fotografía , permitiendo a los artistas fotografiar escenas que luego podrían pintarse en el estudio en una fecha posterior. Ambos desarrollos beneficiarían en gran medida un nuevo estilo de pintura conocido, despectivamente, como "Impresionismo", que tendría un efecto radical en cómo los artistas pintaron el mundo que los rodea y, en el proceso, se convertiría en la primera gran escuela de arte modernista.
Además de afectar la forma en que los artistas crearon el arte, los cambios sociales del siglo XIX también inspiraron a los artistas a explorar nuevos temas. En lugar de seguir servilmente el Jerarquía de los géneros y contentarse con temas académicos relacionados con la religión y la mitología griega, intercalados con retratos y paisajes `` significativos ’’, todos los temas que fueron diseñados para elevar e instruir al espectador, los artistas comenzaron a hacer arte sobre personas, lugares o ideas que les interesaban. Las ciudades, con sus nuevas estaciones de ferrocarril y nuevos barrios marginales, fueron elecciones obvias y desencadenaron una nueva clase de pintura de género y paisaje urbano. Otros temas fueron los pueblos suburbanos y los lugares de vacaciones atendidos por las nuevas redes ferroviarias, lo que inspiraría nuevas formas de pintura de paisaje por Monet, Matisse y otros. El género de la pintura de historia también cambió, gracias a Benjamin West (1738-1820) que pintó La muerte del general Wolfe (1770, Galería Nacional de Arte, Ottowa), la primera pintura de historia ’contemporánea’, y Goya (1746-1828) cuyo 3 de mayo de 1808 (1814, Prado, Madrid) introdujo un lenguaje innovador y no heroico.
El siglo XIX también fue testigo de una serie de desarrollos filosóficos que tendrían un efecto significativo en el arte. El crecimiento del pensamiento político, por ejemplo, condujo Courbet y otros para promover una forma socialmente consciente de Pintura realista – ver también Realismo al Impresionismo ) Además, la publicación de La interpretación de los sueños (1899) por Sigmund Freud, popularizó la noción de la "mente subconsciente", haciendo que los artistas exploren el simbolismo y más tarde el surrealismo. La nueva autoconciencia que promovió Freud, condujo a (o al menos coincidió con) la aparición de Expresionismo alemán , ya que los artistas recurrieron a expresar sus sentimientos y experiencias subjetivas.
¿Cuándo comenzó el arte moderno?
La fecha más comúnmente citada como el nacimiento del "arte moderno" es 1863, el año en que Edouard Manet (1832-83) exhibió su pintura impactante e irreverente Le Dejeuner sur l’herbe en el Salon des Refuses en París. A pesar del respeto de Manet por el Academia francesa , y el hecho de que fue inspirado en una obra del Renacimiento por Rafael, se consideró una de las imágenes más escandalosas de la época.
Pero esto era simplemente un símbolo de cambios más amplios que estaban ocurriendo en varios tipos de arte , tanto en Francia como en otros lugares de Europa. Una nueva generación de " Artistas modernos "estaban hartos de seguir las formas tradicionales de arte académico del siglo XVIII y principios del XIX, y comenzaban a crear una gama de" Pinturas modernas "basadas en nuevos temas, nuevos materiales y nuevos métodos audaces. Escultura y arquitectura también se vieron afectados, y con el tiempo sus cambios serían aún más revolucionarios, pero pintura de bellas artes resultó ser el primer campo de batalla importante entre los conservadores y los nuevos "Modernos".
¿Cuál es la característica principal del arte moderno?
Lo que llamamos "arte moderno" duró un siglo entero e involucró a docenas de diferentes movimientos artísticos , abarcando casi todo, desde la abstracción pura hasta el hiperrealismo; desde escuelas antiarte como Dada y Fluxus hasta pintura y escultura clásica; desde Art Nouveau hasta Bauhaus y Pop Art. La diversidad era tan grande que es difícil pensar en alguna característica unificadora que defina la era. Pero si hay algo que separa a los artistas modernos de los tradicionalistas anteriores y los posmodernos posteriores, creen que el arte importaba . Para ellos, el arte tenía un valor real. Por el contrario, sus precursores simplemente asumieron que tenía valor. Después de todo, habían vivido en una era gobernada por sistemas de valores cristianos y simplemente habían "seguido las reglas". Y los que vinieron después del período moderno (1970 en adelante), los llamados "posmodernos", rechazaron en gran medida la idea de que el arte (o la vida) tiene algún valor intrínseco.
¿De qué maneras era diferente el arte moderno? (Características)
Aunque no existe una única característica definitoria del "Arte Moderno", se destacó por una serie de características importantes, como sigue:
(1) Nuevos tipos de arte
Los artistas modernos fueron los primeros en desarrollar arte del collage , formas variadas de montaje , una variedad de arte cinético (inc. móviles), varios géneros de fotografía, animación (dibujo más fotografía) arte de la tierra o movimiento de tierras, y arte de performance .
(2) Uso de nuevos materiales
Los pintores modernos colocaron objetos en sus lienzos, como fragmentos de periódicos y otros artículos. Los escultores usaban "objetos encontrados", como el " readymades "de Marcel Duchamp , a partir de los cuales crearon obras de arte basura. Los ensamblajes se crearon a partir de los artículos cotidianos más comunes, como automóviles, relojes, maletas, cajas de madera y otros artículos.
(3) Uso expresivo del color
Los movimientos del arte moderno como el fauvismo, el expresionismo y la pintura del campo de color fueron los primeros en explotar el color de una manera importante.
(4) Nuevas técnicas
La cromolitografía fue inventada por el artista del cartel Jules Cheret, el dibujo automático fue desarrollado por pintores surrealistas, al igual que Frottage y Decalcomania. Pintores gestualistas inventaron la pintura de acción. Los artistas pop introdujeron los "puntos Benday" y la serigrafía en obras de arte. Otros movimientos y escuelas de arte moderno que introdujeron nuevas técnicas de pintura, incluyeron: Neoimpresionismo, Macchiaioli, Sintetismo, Cloisonnismo, Gestualismo, Tachisme, Arte cinético, Neo-Dada y Op-Art.
¿Cómo se desarrolló el arte moderno entre 1870 y 1970?
1870-1900
Aunque de alguna manera el último tercio del siglo XIX estuvo dominado por el nuevo estilo de pintura impresionista, en realidad hubo varios hilos pioneros del arte moderno, cada uno con su propio enfoque particular. Incluyeron: Impresionismo (precisión en la captura de los efectos de la luz solar); Realismo (contenido / tema); Arte académico (imágenes de la vida real de estilo clásico); Romanticismo (humor); Simbolismo (iconografía enigmática); arte de carteles litográficos (motivos y colores llamativos). La última década vio una serie de revueltas contra las Academias y sus ’Salones’, en la forma del movimiento de Secesión, mientras que a fines de la década de 1890 fue testigo del declive del "arte basado en la naturaleza", como el Impresionismo, que pronto conduciría a un surgir en el arte más serio "basado en mensajes".
1900-14
En muchos sentidos, este fue el período más emocionante del arte moderno, cuando todo era posible y cuando la "máquina" todavía se veía exclusivamente como un amigo del hombre. Los artistas en París produjeron una serie de nuevos estilos, incluidos el fauvismo, el cubismo y el orfismo, mientras que los artistas alemanes lanzaron su propia escuela de pintura expresionista. Todos estos movimientos progresistas rechazaron las actitudes tradicionalistas hacia el arte y buscaron defender su propia agenda particular de modernismo. Así, el cubismo quería priorizar los atributos formales de la pintura, mientras que el futurismo prefería enfatizar las posibilidades de la máquina, y el expresionismo defendía la percepción individual.
1914-24
La carnicería y la destrucción de La Gran Guerra cambiaron las cosas por completo. En 1916, se lanzó el movimiento Dada, lleno de un impulso nihilista de subvertir el sistema de valores que había causado a Verdun y al Somme. Repentinamente arte representativo Parecía obsceno. Ninguna imagen podría competir con fotografías de los muertos de guerra. Ya los artistas habían recurrido cada vez más al arte no objetivo como medio de expresión. Movimientos de arte abstracto de la época incluía Cubismo (1908-40), Vorticismo (1914-15), Suprematismo (1913-18), Constructivismo (1914-32), De Stijl (1917-31), Neo-Plasticismo (1918-26), Elementarismo (1924-31), la Bauhaus (1919-33) y la posterior escuela St Ives. Incluso los pocos movimientos figurativos eran claramente vanguardistas, como la pintura metafísica (c. 1914-20). Pero compara a principios del siglo XX Renacimiento clásico en el arte moderno y Pinturas de figuras neoclásicas de Picasso (1906-30).
1924-40
Los años de entreguerras continuaron con problemas políticos y económicos. La pintura y la escultura abstractas continuaron dominando, ya que el arte representativo real se mantuvo muy de moda. Incluso el ala realista del movimiento surrealista, el movimiento más grande de la época, no pudo lograr más que un estilo de realidad fantástico. Mientras tanto, una realidad más siniestra estaba emergiendo en el continente, en forma de Arte nazi y agit-prop soviético. Solo Art Deco, un estilo de diseño bastante elegante dirigido a la arquitectura y el arte aplicado, expresó alguna confianza en el futuro.
1940-60
El mundo del arte fue transformado por la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial. Para empezar, su centro de gravedad se trasladó de París a Nueva York, donde ha permanecido desde entonces. Casi todos los precios récord mundiales futuros se alcanzarían en las salas de ventas de Christie’s y Sotheby’s en Nueva York. Mientras tanto, el fenómeno indescriptible de Auschwitz había socavado el valor de todo el arte realista, a excepción de Arte del Holocausto de los afectados Como resultado de todo esto, el siguiente gran movimiento internacional, el expresionismo abstracto, fue creado por artistas estadounidenses de Escuela de nueva york . De hecho, durante los próximos 20 años, la abstracción dominaría, a medida que nuevos movimientos salieran de la línea. Incluyeron: Art Informel, Action-Painting, Gestismism, Tachisme, Color Field Painting, Lyrical Abstraction, Hard Edge Painting y COBRA, un grupo mejor conocido por sus imágenes infantiles y pinceladas expresivas. Durante la década de 1950 surgieron otras tendencias, de tipo más vanguardista, como el arte cinético, el Nouveau Realisme y el Neo-Dada, todo lo cual demostró una creciente impaciencia con la industria del arte estrecho.
1960
La explosión de la música y la televisión popular se reflejó en el movimiento Pop-Art, cuyas imágenes de celebridades de Hollywood y la iconografía de la cultura popular celebraron el éxito del consumo masivo de Estados Unidos. También tenía una sensación de ’cadera’ genial y ayudó a disipar parte de la tristeza de principios de los 60 asociada con la crisis cubana de 1962, que en Europa había impulsado el éxito del movimiento Fluxus liderado por George Maciunas, Joseph Beuys, Nam June Paik y Wolf Vostell. El Pop-art realista también fue un contrapunto bienvenido al expresionismo abstracto más erudito, que ya comenzó a desvanecerse. Pero la década de 1960 también vio el surgimiento de otro movimiento de alto ceño conocido como Minimalismo, una forma de pintura y escultura purgada de todas las referencias o gestos externos, a diferencia del lenguaje cargado de emociones del Expresionismo abstracto.
Arte fotográfico moderno
Uno de los nuevos medios más importantes e influyentes que salieron a la fama durante la "Era Moderna" es la fotografía. Cuatro géneros en particular se han establecido. Incluyen: Fotografía de retrato , un género que ha reemplazado en gran medida a los retratos pintados; Pictorialismo (fl.1885-1915) un tipo de arte de cámara en el que el fotógrafo manipula una foto normal para crear una imagen "artística"; Fotografía de moda (1880-presente) un tipo de fotografía dedicada a la promoción de ropa, zapatos, perfumes y otros productos de marca; Fotografía documental (1860-presente), un tipo de trabajo de cámara de enfoque nítido que captura un momento de la realidad, para presentar un mensaje sobre lo que está sucediendo en el mundo; y Fotografía callejera (1900-presente), el arte de capturar interacciones casuales de la actividad humana en áreas urbanas. Practicado por muchos de los mejores del mundo. mejores fotógrafos , estos géneros han hecho una gran contribución al arte moderno del siglo XX.
Arquitectura moderna
El modernismo en la arquitectura es un asunto más complicado. La palabra "modernismo" en el diseño de edificios se utilizó por primera vez en Estados Unidos durante la década de 1880 para describir los rascacielos diseñados por el Escuela de arquitectura de Chicago (1880-1910), como The Montauk Building (1882-83) diseñado por Burnham and Root; el Home Insurance Building (1884) diseñado por William Le Baron Jenney; y el Marshall Field Warehouse (1885-7) diseñado por Henry Hobson Richardson. En el siglo XX, surgió un nuevo tipo de diseño, conocido como el Estilo internacional de arquitectura moderna (c.1920-70). Comenzando en Alemania, Holanda y Francia, en manos de Le Corbusier (1887-1965), Walter Gropius (1883-1969) y otros, se extendió a América, donde se convirtió en el idioma dominante para los rascacielos comerciales, gracias a los esfuerzos de Mies van der Rohe (1886-1969), ex director de la Escuela Bauhaus. Más tarde, el centro de diseño de edificios modernos se estableció permanentemente en los Estados Unidos, principalmente debido a la llegada de la arquitectura de rascacielos supertall, que luego se exportó a todo el mundo.
¿Cuándo terminó el arte moderno? ¿Qué lo reemplazó?
El modernismo no solo se detuvo, sino que fue superado gradualmente por los acontecimientos a fines de la década de 1960, un período que coincidió con el surgimiento de la cultura pop masiva y también con el surgimiento de desafíos antiautoritarios (en áreas sociales y políticas, así como artes) a las ortodoxias existentes. Un año clave fue 1968, que presenció la ofensiva del Tet, los asesinatos de Martin Luther King y Bobby Kennedy, y manifestaciones callejeras en las capitales de Europa. A medida que el modernismo comenzó a verse cada vez más anticuado, dio paso a lo que se conoce como "arte contemporáneo", que significa "arte de la era actual". El término "arte contemporáneo" es neutral en cuanto a la progresividad del arte en cuestión, por lo que otra frase, "posmodernismo", se usa a menudo para denotar recientes arte de vanguardia . Las escuelas de "arte posmodernista" abogan por un nuevo conjunto de estética caracterizado por un mayor enfoque en el medio y el estilo. Por ejemplo, enfatizan el estilo sobre la sustancia (por ejemplo, no ’qué’ sino ’cómo’; no ’arte por el arte’, sino ’estilo por el estilo’), y otorgan una importancia mucho mayor a la comunicación del artista con el público.
¿Cuáles son los movimientos más importantes del arte moderno?
Los movimientos más influyentes del "arte moderno" son (1) Impresionismo; (2) fauvismo; (3) cubismo; (4) Futurismo; (5) expresionismo; (6) Dada; (7) surrealismo; (8) Expresionismo abstracto; y (9) Pop Art.
(1) Impresionismo (1870, 1880)
Ejemplificado por las pinturas de paisajes de Claude Monet (1840-1926), el impresionismo se centró en la tarea casi imposible de capturar momentos fugaces de luz y color. Introdujo esquemas de color no naturalistas y pinceladas sueltas, a menudo altamente texturizadas. Primer plano muchas pinturas impresionistas eran irreconocibles. Muy impopular con el público en general y las autoridades artísticas, aunque altamente calificado por otros artistas modernos, comerciantes y coleccionistas. Finalmente se convirtió en el movimiento de pintura más famoso del mundo. Ver: Características de la pintura impresionista. (1870-1910). La principal contribución del impresionismo al "arte moderno" fue legitimar el uso de colores no naturalistas, allanando así el camino para el arte abstracto totalmente no naturalista del siglo XX.
De corta duración, dramático y muy influyente, dirigido por Henri Matisse (1869-1954), el fauvismo era "el" estilo de moda a mediados de la década de 1900 en París. El nuevo estilo fue lanzado en el Salon d’Automne , y se hizo instantáneamente famoso por sus colores vivos, llamativos y no naturalistas que hicieron que el impresionismo pareciera casi monocromo. Un precursor clave del expresionismo. Ver: Historia de la pintura expresionista (1880-1930). La principal contribución del fauvismo al "arte moderno" fue demostrar el poder independiente del color. Este enfoque altamente subjetivo del arte contrastaba con la perspectiva clásica orientada al contenido de las academias.
Un estilo austero y desafiante de pintura, el cubismo introdujo un sistema de composición de planos astillados planos como una alternativa a la perspectiva lineal inspirada en el Renacimiento y los volúmenes redondeados. Desarrollado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) en dos variantes: Cubismo analítico y después Cubismo sintético – Influyó en el arte abstracto durante los próximos 50 años, aunque su atractivo popular ha sido limitado. La principal contribución del cubismo al "arte moderno" fue ofrecer una alternativa completamente nueva a la perspectiva convencional, basada en el hecho inevitable del plano de la imagen plana.
Fundado por Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944), el arte futurista glorificó la velocidad, la tecnología, el automóvil, el avión y los logros científicos. Aunque muy influyente, tomó prestado en gran medida del neoimpresionismo y el divisionismo italiano, así como del cubismo, especialmente sus formas fragmentadas y múltiples puntos de vista. La principal contribución del futurismo al "arte moderno" fue introducir el movimiento en el lienzo y vincular la belleza con el avance científico.
(5) Expresionismo (desde 1905)
Aunque anticipado por artistas como JMW Turner (Interior en Petworth, 1837), van Gogh (Campo de trigo con cuervos, 1890) y Paul Gauguin (Anna The Javanese, 1893), el expresionismo se hizo famoso por dos grupos en la Alemania de antes de la guerra: Die Brucke (Dresden / Berlín) y Der Blaue Reiter (Munich), liderados por Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) y Wassily Kandinsky (1866-1944) respectivamente. En escultura, las formas del artista nacido en Duisburg Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) fueron (y siguen siendo) sublimes. La principal contribución del expresionismo al "arte moderno" fue popularizar la idea de subjetividad en la pintura y la escultura, y mostrar que el arte representativo puede incluir legítimamente una distorsión subjetiva.
El primer movimiento antiarte, Dada, fue una revuelta contra el sistema que había permitido la carnicería de La Primera Guerra Mundial (1914-18). Rápidamente se convirtió en una tendencia anarquista cuyo objetivo era subvertir el establecimiento de las artes. Lanzado en Suiza neutral en 1916, sus líderes tenían poco más de veinte años, y la mayoría había "optado por no participar", evitando el reclutamiento en el refugio de ciudades neutrales como Nueva York, Zúrich y Barcelona. Los fundadores incluyeron al escultor. Jean Arp (1887-1966) y el poeta rumano y activista demoníaco Tristan Tzara (1896-1963). La principal contribución de Dada fue sacudir el mundo de las artes y ampliar el concepto de "arte moderno", adoptando tipos totalmente nuevos de creatividad (performance art y readymades), así como nuevos materiales (arte basura) y temas. Su sentido del humor sedicioso perduró en el movimiento surrealista.
Fundada en París por el escritor. Andre Breton (1896-1966), el surrealismo fue "el" movimiento artístico de moda de los años de entreguerras, aunque el estilo todavía se ve hoy en día. Compuesto por alas abstractas y figurativas, se desarrolló a partir del movimiento nihilista de Dada, la mayoría de cuyos miembros se transformaron en surrealistas, pero a diferencia de Dada, no fue antiarte ni político. Los pintores surrealistas utilizaron varios métodos, incluidos los sueños, las alucinaciones, la generación automática o aleatoria de imágenes, para eludir los procesos de pensamiento racional en la creación de obras de arte. (Para más información, vea El automatismo en el arte .) La principal contribución del surrealismo al "arte moderno" fue generar un conjunto de imágenes refrescantemente nuevo. Si estas imágenes eran excepcionalmente no racionales es dudoso. ¡Pero el arte surrealista es definitivamente divertido!
(8) Expresionismo abstracto (1948-60)
Un amplio estilo de pintura abstracta, desarrollado en Nueva York justo después de la Segunda Guerra Mundial, por lo que también se llama la Escuela de Nueva York. Encabezado por artistas estadounidenses, fuertemente influenciados por los expatriados europeos, consistió en dos estilos principales: una forma altamente animada de pintura gestual, popularizada por Jackson Pollock (1912-56), y un estilo mucho más pasivo orientado al estado de ánimo conocido como pintura Color Field, defendido por Mark Rothko (1903-70). La principal contribución del expresionismo abstracto al "arte moderno" fue popularizar la abstracción. En el caso de Pollock, al inventar un nuevo estilo conocido como "pintura de acción" – vea fotos por texto; en el caso de Rothko, al demostrar el impacto emocional de grandes áreas de color.
(9) Arte pop (Finales de 1950, 1960)
Un estilo de arte cuyas imágenes reflejan la cultura popular y el consumo masivo de la América de los años sesenta. Emergiendo por primera vez en Nueva York y Londres a fines de la década de 1950, se convirtió en el estilo de vanguardia dominante hasta fines de la década de 1960. Usando imágenes audaces, fáciles de reconocer y colores de bloques vibrantes, a los artistas Pop les gusta Andy Warhol (1928-87) crearon una iconografía basada en fotos de celebridades populares como estrellas de cine, anuncios, carteles, empaques de productos de consumo y tiras cómicas, material que ayudó a reducir la brecha entre las artes comerciales y las bellas artes. La principal contribución del expresionismo abstracto al "arte moderno" fue mostrar que el buen arte podría ser discreto y podría estar hecho de cualquier cosa. Ver: Pop Art de Andy Warhol (c.1959-73) .
Aquí hay una lista de movimientos y escuelas de la "Era Moderna", organizados en orden alfabético.
Para más detalles, ver: Movimientos de arte moderno (c.1870-1970).
¿Quiénes son los mejores artistas modernos?
Pintores modernos
Impresionistas (florecieron 1870-1880)
Uno de los movimientos más revolucionarios del arte representativo moderno, sus miembros principales incluyeron: Claude Monet (1840-1926); Pierre-Auguste Renoir (1841-1919); Edgar Degas (1834-1917); Camille Pissarro (1830-1903); Alfred Sisley (1839-1899); Edouard Manet (1832-83); Berthe Morisot (1841-1895); John Singer Sargent (1856-1925). Ver Pintores impresionistas .
Postimpresionistas (floreció entre 1880 y 1900)
Los artistas modernos que se separaron de la pintura impresionista convencional incluyeron: James Abbott McNeill Whistler (1834–1903); Georges Seurat (1859-1891); Paul Cezanne (1839-1906); Van Gogh (1853-1890); Paul Gauguin (1848-1903); Henri Matisse (1869-1954). Ver: Pintores postimpresionistas .
Artistas del cartel
Centrado alrededor de La Belle Epoque en París, el arte del cartel fue ejemplificado por la creatividad (e inventos) de Jules Cheret (1836-1932), el maravilloso cartel "Cabaret Du Chat Noir" diseñado por Theophile Steinlen (1859-1923), los carteles teatrales de Toulouse-Lautrec (1864-1901), y las obras de art nouveau de Alphonse Mucha (1860-1939). Después de que Mucha se fue a América, el talentoso Leonetto Cappiello (1875-1942) llegó a París desde Italia. Otro cartel y escenógrafo importante fue Leon Bakst (1866-1924), quien vino a París con el Ballets Russes dirigido por Sergei Diaghilev.
Primitivos / Artistas fantásticos
Esta categoría suelta incluye al ingenuo Henri Rousseau (1844-1910) (Le Douanier) y los simbolistas versátiles. Paul Klee (1879-1940) y Marc Chagall (1887-1985).
Realistas
El realismo moderno floreció fuera de Europa e incluyó a estos maestros supremos del idioma: Winslow Homer (1836-1910), Thomas Eakins (1844-1916) e Ilya Repin (1844-1930). Ver también: Artistas realistas .
Expresionistas (floreció 1905-1933)
Influido por el fauvismo, el movimiento expresionista fue ejemplificado por el trabajo de: Kandinsky, Munch, Modigliani (1884-1920), Egon Schiele (1890-1918), Kirchner, Max Beckmann (1884-1950), Oskar Kokoschka (1886-1980) y Otto Dix (1891-1969). Ver también Pintores expresionistas .
Cubistas (florecieron 1908-14)
Este revolucionario movimiento de arte abstracto fue cofundado por Braque y Picasso, y recibió valiosas contribuciones de artistas modernos como: Juan Gris, Fernand Leger (1881-1955), Robert Delaunay (1885-1941) y Marcel Duchamp (1887-1968). Ver: Pintores cubistas .
Pintores abstractos
Los máximos exponentes de la abstracción en la era moderna incluyeron a Kasimir Malevich (1878-1935); Piet Mondrian (1872-1944). Ver: Pintores abstractos .
Art Decó (1920, 1930)
Tanto como un arte decorativo y un movimiento de diseño como un estilo de pintura, su representante más famoso fue probablemente el glamoroso retratista de la sociedad polaco-rusa. Tamara de Lempicka (c.1895-1980).
Surrealistas
El movimiento de bellas artes dominante a fines de los años 1920 y 1930, sus pintores principales incluyeron: Joan Miro (1893-1983), Rene Magritte (1898-1967) y Salvador Dali (1904-89). Ver: Artistas surrealistas .
Expresionistas abstractos
La pintura expresionista abstracta fue el primer gran movimiento artístico estadounidense. También conocida como la escuela de Nueva York, sus miembros principales incluyeron: Rothko, Pollock, Willem De Kooning (1904-97), Clyfford Still (1904-1980), Barnett Newman (1905-70), Robert Motherwell (1915-91), Franz Kline (1910-62) y otros.
Artistas Pop
Este estilo popular de arte moderno superó al expresionismo abstracto más intelectual y fue ejemplificado por pintores como: Andy Warhol (1928-87) y Roy Lichtenstein (1923-97).
Escultores modernos
Los principales escultores durante la era moderna incluyeron: el expresivo realista Auguste Rodin (1840-1917); los expresionistas Ernst Barlach (1870-1938) y Wilhelm Lehmbruck (1881-1919); el artista de vanguardia Constantin Brancusi (1876-1957); el futurista Umberto Boccioni (1882-1916), los cubistas Alexander Archipenko (1887-1964), Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), Ossip Zadkine (1890-1967), Jacques Lipchitz (1891-1973) y Naum Gabo (1890 -1977); los cinéticos Alexander Calder (1898-1976) y Jean Tinguely (1925-91); y el escultor minimalista suizo Alberto Giacometti (1901-66). Otras formas modernistas están representadas por las obras primitivas de Modigliani (1884-1920) y Jacob Epstein (1880-1959); y los "objetos encontrados" conocidos como "readymades" de Marcel Duchamp (1887-1968). Mientras tanto, la escultura británica moderna fue encarnada por Henry Moore (1898-1986), Barbara Hepworth (1903-75) y Ben Nicholson (1894-1982). La escultura moderna en América está ejemplificada por las obras de James Earle Fraser (1876-1953), Daniel Chester French (1850-1931), Anna Hyatt Huntingdon (1876-1973) y Gutzon Borglum (1867-1941). El modernismo de mediados del siglo XX está representado por las asambleas de Louise Nevelson (1899-1988) y César Baldaccini (1921-98); las heroicas estatuas de Yevgeny Vuchetich (1908-74); y las emotivas esculturas del holocausto de Wiktor Tolkin (1922-2013) y Nandor Glid (1924-97). Ver también: Escultores del siglo XX .
Apreciación artística
Ver: Cómo apreciar la escultura moderna (1850-presente).
Grabadores modernos
Los exponentes modernos del grabado (grabado, grabado, litografía y serigrafía) incluyen: Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), MC Escher (1898-1972), Willem de Kooning (1904-97), Robert Rauschenberg (1925-2008), Andy Warhol (1928-87).
Artistas modernos de vidrieras
Entre los principales exponentes del arte de vidrieras se incluyen: Marc Chagall (1887-1985), Joan Miro (1893-1983), Harry Clarke (1889-1931), Sarah Purser (1848-43) y Evie Hone (1894-1955).
Fotógrafos modernos
El arte fotográfico moderno (1870-1970) está en deuda con los esfuerzos pioneros de Alfred Stieglitz (1864-1946) y Edward Steichen (1879-1973). De lo contrario, la fotografía modernista se destaca por el pictorialismo de Hombre rayo (1890-1976); los paisajes de Ansel Adams (1902-84); las fotos arquitectónicas de Eugene Atget (1857-1927), y Bernd y Hilla Becher; las fotos de moda de Norman Parkinson (1913-90), Irving Penn (1917-2009) y Richard Avedon (1923-2004); el retrato de Julia Margaret Cameron (1815-79), Dorothea Lange (1895-1965) y Walker Evans (1903-1975); y la fotografía callejera de Henri Cartier-Bresson (1908-2004).
¿Cuáles son las 25 mejores pinturas modernas?
Aquí hay una lista cronológica de los mejores ejemplos de pintura moderna (1870-1970), seleccionados por nuestro editor.
Impresión, amanecer (1873) Musee Marmottan Monet, París.
Por Claude Monet (1840-1926)
Baila en el Moulin de la Galette (1876) Musee d’Orsay, París
Por Renoir (1841-1919)
The Gross Clinic (1875) Universidad de Pensilvania.
Por Thomas Eakins (1844-1916)
Las hijas de Edward Darley Boit (1882) Museo de Bellas Artes de Boston.
Por John Singer Sargent (1856-1925)
Procesión religiosa en Kursk Gubernia (1883) Galería Tretyakov.
Por Ilya Repin (1844-1930)
Un domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte (1884-6) AIC.
Por Georges Seurat (1859-1891)
Cafe Terrace at Night, Arles (1888) Galería de Arte de la Universidad de Yale.
Por Vincent van Gogh (1853-1890)
The Scream (1893), temple al óleo y pastel, Galería Nacional, Oslo.
Por Edvard Munch (1863-1944)
Chica con abanico (1902) Museo Folkwang, Hesse.
Por Paul Gauguin (1848-1903)
Los grandes bañistas (Les Grandes Baigneuses) (1906) National Gallery, Londres; Museo de Arte de Filadelfia; Fundación Barnes, Merion, PA.
Por Paul Cezanne (1839-1906)
El beso (1907-8) óleo y oro sobre lienzo, Osterreichischegallerie, Viena.
Por Gustav Klimt (1862-1918)
Les Demoiselles d’Avignon (1907) Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Por Pablo Picasso (1881-1973)
La Danse (1910) Hermitage, San Petersburgo.
Por Henri Matisse (1869-1954)
Dinamismo de un perro con correa (1912) Albright-Knox Art Gallery, Buffalo.
Por Giacomo Balla (1871-1958)
Desnudo descendiendo una escalera No.2 (1912) Museo de Arte de Filadelfia.
Por Marcel Duchamp (1887-1968)
Desnudo sentado (1916) Courtauld Institute, Londres.
Por Amedeo Modigliani (1884-1920)
Le Coquelicot (La amapola del maíz) (1919) Museo Toulouse-Lautrec, Albi.
Por Kees van Dongen (1877-1968)
Chica con guantes (1929) Colección privada.
Por Tamara de Lempicka (1895-1980)
American Gothic (1930) óleo sobre beaverboard, Instituto de Arte de Chicago.
Por Grant Wood (1891-1942)
Guernica (1937) óleo sobre lienzo, Museo Reina Sofía, Madrid.
Por Pablo Picasso (1881-1973)
Nighthawks (1942) Instituto de Arte de Chicago.
Por Edward Hopper (1882-1967)
Broadway Boogie Woogie (1942-3) Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Por Piet Mondrian (1872-1944)
No.1, 1950 (Lavender Mist) (1950) Galería Nacional, Washington DC.
Por Jackson Pollock (1912-56)
Mujer 1 (1950-2) Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Por Willem De Kooning (1904-97)
The Listening Room (1952) Colección Menil, Houston.
Por René Magritte (1898-1967)
The Screaming Pope (1953) Colección William Burden, Nueva York.
Por Francis Bacon (1909-92)
Four Marilyns (1962) Colección privada.
Por Andy Warhol (1928-86)
¿Cuáles son las 25 mejores esculturas modernas?
Aquí hay una lista cronológica de las mejores obras modernas de escultura (1870-1970), compilada por nuestro editor.
David (c.1872) Bronce, Musee d’Orsay, París.
Por Marius Jean Antonin Mercier (1845-1916)
Estatua de la Libertad (1886) Cobre, Isla de la Libertad, Puerto de Nueva York.
Por Frederic-Auguste Bartholdi (1834-1904)
La pequeña bailarina de catorce años (1879-81) Bronce, Musee d’Orsay, París.
Por Edgar Degas (1834-1917)
El beso (1888-9) Mármol, Musee Rodin, París.
Por Auguste Rodin (1840-1917)
Desnudo de pie (1907) Musee National d’Art Moderne, Centro Pompidou, París.
Por Andre Derain (1880-1954)
El beso (1907) Stone, Hamburgerkunsthalle, Hamburgo.
Por Constantin Brancusi (1876-1957)
Walking Woman (1912) Museo de Arte de Denver.
Por Alexander Archipenko (1887-1964)
Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) Museum of Modern Art, NY.
Por Umberto Boccioni (1882-1916)
El gran caballo (1914-18) Original en el Museo de Arte de Filadelfia.
Por Raymond Duchamp-Villon (1876-1918)
End of the Trail (1915) Brookgreen Gardens, Murrells Inlet, Estados Unidos.
Por James Earle Fraser (1876-1953)
Fallen Man (1915-16) Nueva Galería Nacional, Berlín.
Por Wilhelm Lehmbruck (1881-1919)
Constructed Head No. 2 (1916) Nasher Sculpture Center, Dallas.
Por Naum Gabo (1890-1977)
Estatua de Lincoln (1922) Lincoln Memorial, Washington DC.
Por Daniel Chester French (1850-1931)
Mujer con guitarra (1927) Colección privada.
Por Jacques Lipchitz (1891-1973)
Retratos presidenciales del Monte Rushmore (1927-41) Dakota del Sur.
Por Gutzon Borglum (1867-1941) y su hijo Lincoln Borglum (1912-86)
Adam (1938) Harewood House, Leeds, Reino Unido.
Por Jacob Epstein (1880-1959)
Fighting Stallions (1950) Hyatt Huntingdon Sculpture Garden, S. Carolina.
Por Anna Hyatt Huntingdon (1876-1973)
La ciudad destruida (1953) Schiedamse Dijk, Rotterdam.
Por Ossip Zadkine (1890-1967)
Sky Cathedral (1958) Assemblage, The Museum of Modern Art, Nueva York.
Por Louise Nevelson (1899-1988)
Walking Man I (1960) Fundación Maeght, Saint-Paul-de-Vence.
Por Alberto Giacometti (1901-66)
Cabeza dividida (1963) Bronce, Fiorini, Londres.
Por Cesar Baldaccini (1921-98)
Pieza de bloqueo (1963-4) Fundación Henry Moore, Millbank, Londres.
Por Henry Moore .
Las llamadas de la patria (1967) Mamayev Kurgan, Stalingrado (ahora Volgagrado)
Por Yevgeny Vuchetich (1908-74)
El Memorial Dachau (1968) Munich, Alemania.
Por Nandor Glid (1924-97)
El Memorial Majdanek (1969) Lublin, Polonia.
Por Wiktor Tolkin (1922-2013).
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