Georges de La Tour:
pintor barroco francés, caravagista

Uno de los grandes artistas franceses del Barroco, de hecho uno de los mejores maestros del arte barroco en Europa, Georges de Latour tuvo una carrera muy exitosa en Luneville, en el Ducado de Lorena. Entre sus mecenas se encontraban Luis XIII, el cardenal Richelieu y el duque de Lorena, y él mismo se convirtió en el pintor oficial de la corte de Luis XIV. Latour es recordado como uno de los principales representantes franceses del caravaggismo, un estilo de realismo y tenebrismo, asociado con Caravaggio (1571-1610), el niño salvaje del primer barroco italiano, - que Latour habría adoptado durante una visita a Italia o de Gerrit Honthorst (1590-1656), líder de los caravaggistas de Utrecht .

La obra tardía de Latour también muestra rasgos del clasicismo francés, establecidos por sus contemporáneos más jóvenes Nicolas Poussin (1594-1665) y Claude Lorrain (1600-1682). Curiosamente, se conservan pocos datos sobre la vida de Latour. En consecuencia, ha habido mucho debate académico sobre la cronología de su vida y la atribución exacta de sus pinturas, muchas de las cuales existen en varias versiones, pero sólo tres de las cuales están fechadas - «Pagando impuestos» (1643, Pinacoteca de Lviv, Ucrania); San Pedro penitente (1645, Museum of Art, Cleveland); y La renuncia de San Pedro (1650, Musée des Beaux-Arts, Nantes) - se basan principalmente en comparaciones estilísticas.

Pinturas de Georges De Latour

En cuanto a los géneros, etc., Latour se concentró casi exclusivamente en el arte religioso y en la pintura de género . Otros ejemplos de la obra de Latour son «San Jerónimo» (1630, Museo Nacional, Estocolmo); «Mapa punteado» (1635, Louvre); «Santa Irene con San Jerónimo herido» (1630, Museo Nacional, Estocolmo); «Santa Irene con San Jerónimo herido» (1630, Museo Nacional, Estocolmo); «El Mapa punteado» (1635, Louvre). Sebastián (1640, Louvre); Cristo joven con San José en el taller del carpintero (1642, Louvre); Job ridiculizado por su mujer (1643, Musée d’Epinal); «Magdalena con una vela» (1644, Louvre); «El tramposo con el as de diamantes» (1647, Louvre); y «El sueño de San José» (Musée des Beaux-Arts, Nantes).

Aunque Latour fue famoso en su época, cayó en el olvido durante más de 250 años antes de ser redescubierto por Hermann Voss en 1915. Desde entonces, su reputación no ha dejado de crecer, en particular gracias a la muy publicitada compra en 1960 por el Metropolitan Museum of Art del cuadro La Diseuse de Bonne Aventure ) La adivina) - una de sus mejores pinturas barrocas - y una exposición dedicada a ella en 1972 en la Orangerie de París.

Primeros años

Latour era el segundo hijo de un panadero, oficio que también ejercía la familia de su madre. Sin embargo, parece haber recibido una buena educación y, al aprender los fundamentos de su oficio, se benefició del brillante ambiente artístico que surgió en Lorena, en cuyo centro se encontraba Bélanger. Es posible que entre 1610 y 1616 visitara Italia y sintiera allí la influencia de Caravaggio, que superaba los principios del manierismo en los que se había educado. Después de 1616, el estilo de Latour parece haberse formado plenamente en su ciudad natal.

Matrimonio, reconocimiento artístico

En julio de 1617 Latour se casó con Diane Le Nerf, hija del ministro de Hacienda del duque de Lorena, que procedía de una familia noble. Tras la muerte del padre de ella, la pareja se trasladó a la ciudad de Luneville, donde en 1620 Latour recibió los derechos de ciudadano y fue eximido del pago de algunos impuestos, lo que solía honrar a la nobleza. Pronto se enriqueció y llevó una vida de terrateniente, aferrándose tenazmente a la riqueza y los privilegios en un país brutalmente asolado por guerras, hambrunas y epidemias desde 1635.

Al principio de su carrera, en 1623, Latour recibió el mecenazgo del duque de Lorena, y la fama que esto le proporcionó continuó incluso cuando el ducado fue ocupado por las tropas francesas. Latour se convirtió en el pintor de Luis XIII y también gozó del respeto personal del gobernador de Lorena, el Maréchal de la Ferté, para quien pintó «La Natividad» (1644), «San Alejo» (1648), «San Sebastián» y «El rechazo de San Pedro» (1650); el cuadro se encuentra probablemente en el Museo de Nantes). Sus obras eran caras (600-700 francos o más).

Fallecimiento

Latour estaba aparentemente en la cima de su fama cuando cayó víctima de una epidemia el 30 de enero de 1652, pocos días después de la muerte de su esposa y su ayuda de cámara. Su hijo Etienne Latour (1621-1692), que había colaborado con él en la pintura desde 1646, le sucedió como Pintor Real Ordinario en 1654, pero, siendo un hombre rico, pronto abandonó este oficio plebeyo y ascendió rápidamente en los círculos seculares (fue admitido en la nobleza en 1670), lo que probablemente explica por qué la obra de su padre fue tan rápidamente olvidada.

Creatividad

Si se reúnen todos los lienzos firmados, se pueden identificar unas 75 composiciones, 35 de las cuales se reconocen como originales. Se trata exclusivamente de escenas religiosas o de género ; no hay retratos, ni cuadros mitológicos o históricos, ni ejemplos de dibujo . Numerosas copias tempranas ) San Sebastián lamentado por Santa Irene, 11 copias conocidas, original perdido) muestran la fama de algunas de sus obras.

La mayoría de las obras de Latour, pintadas al óleo, pueden dividirse en escenas diurnas y nocturnas. Las primeras se caracterizan por una luz fría y clara y un estilo preciso y rápido ) El penitente San Jerónimo, Estocolmo; El gorgorito, Nantes). Las escenas nocturnas, por el contrario, recurren a la iluminación artificial para eliminar el color -generalmente sólo ráfagas de rojo vivo animan la gama de marrones- y reducir los volúmenes a unos pocos planos simples, por lo que estos cuadros suelen denominarse «cubistas» ) San Sebastián, versiones originales, Capilla Bois Anzerey, Evre, y Hemaldegalerie, Berlín).

Compárense los cuadros de género realistas y las escenas campesinas pintadas en Francia por los hermanos Le Nain, a principios del siglo XVII.

Cronología de las pinturas

Pocas pinturas tienen una fecha definida ) El San Pedro penitente, 1645, Museo de Cleveland; La Renuncia de San Pedro, 1650, Museo de Nantes), y esto ha provocado desacuerdos entre los expertos en cuanto a la cronología exacta de otras obras sin fecha. Sin embargo, un primer periodo (1620-30), claramente marcado por el realismo caravaggiesco y muy cercano en estilo a, por ejemplo, Dirk van Baburen (1590-1624) o Hendrik Terbruggen (1588-1629) (serie Cristo y los Doce Apóstoles, dos originales conservados y nueve copias, Musée de l’Albi; Lágrimas de San Pedro, perdida pero grabada en el siglo XVIII). No es hasta la década de 1630 cuando Latour se orienta hacia un realismo más personal («El Gurdy Player», Museo de Nantes).

Los disturbios en Lorena (1635-42), y en particular la destrucción por incendio en 1638 de las primeras obras de Latour, obligaron probablemente al artista a trasladarse a París en algún momento entre 1638 y 1642. Aquí pintó varias escenas diurnas impresionantes ) La adivina, Metropolitan Museum of Art; El pañuelo de naipes, Louvre) y sobre todo varias escenas nocturnas (el cuadro San Sebastián fue ofrecido a Luis XIII).

Tras su regreso a Luneville en 1643, realizó su gran serie de pinturas nocturnas, en las que utilizó al máximo los efectos dramáticos del tenebrismo y el claroscuro (p. ej., El recién nacido, Louvre), El Niño recién nacido (museo de Rennes), San Sebastián (Bois Anzerei y Gemaldegalerie, Berlín, probablemente 1649), Job burlado por su mujer (museo de Epinal). Sus últimos años estuvieron probablemente marcados por una creciente colaboración con su hijo Etienne y un retorno a composiciones ya elaboradas ) Jugando a los dados, Teesside Museums, Reino Unido).

Temática

El abanico temático de Latour es limitado, y repite invariablemente los temas de su periodo caravaggiesco 1610-1620: se trata de El Adivino ; El Hijo pródigo ; La Magdalena penitente ; y La Renuncia de San Pedro . Los años pasados en Lorena no parecen haber aportado más que algunos temas suplementarios ) El descubrimiento del cuerpo de san Alexis, El Gurdy Player). Pero en lugar de empujar este estilo hacia la pintura, como habían hecho la mayoría de sus contemporáneos del norte, Latour renovó sus vínculos con los primeros seguidores de Caravaggio, encontrando como ellos en la pintura el mejor medio de explorar el alma humana.

En sus cuadros, Latour se atiene a lo esencial, y su mundo es, con mucho, el menos recargado de todos los grandes pintores. Excluye todo lo anecdótico, las figuras accesorias, los edificios, las descripciones de interiores, el paisaje (no da lugar a la naturaleza; no hay plantas y sólo dos o tres animales); incluso los accesorios se reducen al mínimo (no hay halos en los santos, ni alas en los ángeles), hasta el punto de que algunas figuras son bastante enigmáticas ) El sueño de San José, Museo de Nantes). Incluso los gestos más violentos se congelan en una especie de estasis geométrica ) Lucha, Los Ángeles, P. Getty Museum), mientras que una sensación de quietud y silencio domina sus obras ) Mujer con pulga, Museo de Nancy).

Con medios aparentemente sencillos, pero a menudo, de hecho, fruto de una audacia inesperada, consigue una intensidad sorprendente incluso entre los seguidores de Caravaggio. Tanto si representa la fragilidad humana: la destrucción física o, por el contrario, la secreta y frágil dignidad de la vida interior del hombre, sus obras reflejan el estoicismo de la época y el misticismo de Lorena y deben clasificarse entre las más altas expresiones espirituales de la época.

Los cuadros de Georges de Latour pueden verse en muchos de los mejores museos de arte del mundo, entre ellos el Louvre de París y el Metropolitan Museum of Art, Nueva York.