Wolf Huber, German (active Passau), c. 1485-1553 – Portrait of Margaret Hundertpfundt Philadelphia Museum of Art

Aquí se observa un retrato de una mujer que ocupa la mayor parte del espacio pictórico. La figura está representada de medio cuerpo, ligeramente girada hacia el espectador, con una expresión serena y melancólica. Su mirada es directa, aunque no confrontacional, transmitiendo una sensación de introspección.
La mujer viste un atuendo oscuro, probablemente de terciopelo o lana gruesa, adornado con detalles que sugieren estatus social: botones decorativos en el cuello y cinturón. Un elaborado tocado blanco cubre su cabeza, pero es evidente la presencia de una cicatriz o deformación facial cubierta parcialmente por el tejido. Esta característica es central para comprender la obra; no se trata simplemente de un retrato convencional, sino de una representación que aborda la vulnerabilidad y la resiliencia.
El fondo está construido con muros de ladrillo oscuros, cuya textura se logra mediante pinceladas expresivas y contrastes de luz y sombra. Un fragmento de cielo azul asoma entre los muros, aportando un elemento de esperanza o trascendencia a la composición. A la derecha, una pequeña placa grabada contiene una inscripción que probablemente identifica a la retratada y proporciona información sobre su vida.
La iluminación es uniforme, aunque se perciben sutiles gradaciones que modelan el rostro y las vestimentas de la mujer. La paleta cromática es limitada, dominada por tonos oscuros y neutros, con toques de blanco en el tocado y el cielo. Esta sobriedad contribuye a la atmósfera contemplativa del retrato.
Más allá de la mera representación física, esta pintura parece explorar temas como la fragilidad humana, la aceptación de las imperfecciones y la dignidad frente a la adversidad. La cicatriz facial no se oculta ni se idealiza; se presenta como parte integral de la identidad de la retratada, sugiriendo una historia personal marcada por el sufrimiento o un evento traumático. El gesto de sus manos, cruzadas sobre su pecho, denota modestia y contención emocional. En definitiva, la obra invita a la reflexión sobre la naturaleza del retrato y su capacidad para revelar no solo la apariencia externa, sino también la complejidad interior de una persona.