Panel 4. The Vengeance of Venus, 1908, Eremitaget

Aquí se observa una composición de marcado carácter teatral y simbólico. La escena se desarrolla en un espacio delimitado por dos pilares monumentales de color ocre rojizo, que enmarcan un jardín formal con cipreses altos y una estructura arquitectónica difusa al fondo. El uso del color es deliberadamente plano y estilizado, sin la búsqueda de una imitación realista de las tonalidades.
En el primer plano, una figura femenina yacente, vestida con ropajes que sugieren una divinidad o un personaje mitológico, se encuentra tendida sobre una superficie irregular, posiblemente un lecho de hojas o flores. Su rostro está parcialmente velado y su expresión transmite sufrimiento o resignación. Un putto alado, con gesto impasible, parece manipular o examinar la figura prostrada, quizás como si fuera un objeto más.
A la izquierda, una figura femenina desnuda se eleva sobre un pedestal, observando la escena con una mirada que oscila entre la indiferencia y el desprecio. Alrededor de ella, otros putti juegan y se agitan, creando una atmósfera de frivolidad y desenfreno. La disposición de estas figuras sugiere una jerarquía o una dinámica de poder, donde la figura superior parece ejercer un dominio sobre los demás personajes.
El jardín al fondo, con sus cipreses geométricos y su arquitectura misteriosa, evoca un escenario idealizado pero también opresivo. Se intuye una sensación de artificialidad y control, como si el espacio estuviera diseñado para representar un mundo ordenado y predecible. La presencia de esculturas de putti en los pilares refuerza esta idea de un entorno clásico y estilizado.
Subtextualmente, la obra parece explorar temas relacionados con el amor, la venganza, la justicia y la decadencia. El contraste entre la figura femenina yacente, que representa la vulnerabilidad y el sufrimiento, y la figura superior, que simboliza el poder y la indiferencia, sugiere una crítica a las relaciones de dominación y a la crueldad inherente al deseo. La presencia de los putti, con su juego despreocupado, podría interpretarse como una metáfora de la frivolidad y la superficialidad de la sociedad. El jardín formal, con su orden artificial, representa un intento fallido de controlar las fuerzas naturales y emocionales que subyacen a la experiencia humana. En definitiva, se trata de una pintura que invita a la reflexión sobre la condición humana y los dilemas morales que la definen.