La tempestad, Giorgione:
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Descripción

Nombre: "La tempestad" (La Tempesta)
Fecha: 1506-8
Artista: Giorgione (Giorgio Barbarelli da Castelfranco) (1477-1510)
Medio: Pintura al óleo
Género: Pintura de paisaje / o pintura de historia
Movimiento: Pintura del alto renacimiento
Ubicación: Galería de la Academia de Venecia

Para el análisis y la explicación de otras imágenes importantes del Renacimiento, ver: Pinturas famosas analizadas (1250-1800).

APRECIACIÓN ARTÍSTICA
Para el análisis de pinturas de
Artistas del alto renacimiento
en Venecia como Giorgione,
vea nuestros artículos educativos:
Evaluación de arte y
Cómo apreciar las pinturas.

La fama de Giorgione, un importante contribuyente a Pintura veneciana durante el Alto renacimiento, se basa principalmente en sus misteriosas y poéticas pinturas como La tempestad. Aunque está compuesto como una pintura de paisaje, la obra también contiene figuras y una gran cantidad de alusiones complejas, lo que provoca Giorgio Vasari (1511-1574) – el biógrafo de la Renacimiento italiano – admitir que nunca entendió completamente sus imágenes. Entrenado por Giovanni Bellini, el "padre de la escuela veneciana", Giorgione desarrolló su propio estilo de enfoque suave pintura, que – no muy diferente al de Leonardo da Vinci – incorporó más paisaje de lo habitual y una aplicación más gradual del color. A diferencia de muchos otros Artistas del alto renacimiento de la escuela veneciana, que favoreció un enfoque más sensual y menos intelectual del arte, Giorgione tendió a imbuir sus obras con una gama de significados ocultos, más en línea con la de Leonardo, Miguel Ángel y otros artistas de la Renacimiento Florentino (1400-1500). (Ver la comparación entre colorito y disegno .) Dicho esto, el significado exacto de The Tempest continúa eludiendo a los artistas y críticos de arte igual. Si bien su naturaleza misteriosa ciertamente aumenta su valor, la pintura es importante en gran medida por dos razones. Primero, es uno de los primeros trabajos en los que el paisaje juega un papel importante. En segundo lugar, tanto su composición como su coloración lo convierten en una de las obras más líricas y atmosféricas de Renacimiento veneciano. Ha sobrevivido a su creador que murió de peste a la edad de 33 años.

Reputada por encargo del noble veneciano Gabriele Vendramin, The Tempest es una de las primeras pinturas en las que domina el paisaje, a pesar de sus motivos alegóricos. Como paisaje pionero se clasifica con obras como Journey into the Underworld (1522) y Rest on the Flight into Egypt (1515) (ambos Museo del Prado, Madrid), por Joachim Patenier (1485-1524). Ambas obras de Patenier son pinturas religiosas, pero ambos están dominados por el paisaje.

La tempestad es una pintura de dos mitades (aparentemente no relacionadas): primer plano y fondo. En primer plano, a la derecha, una mujer desnuda está sentada en un pequeño banco con vista a un arroyo. Ella está sosteniendo un bebé contra su pecho. Ella usa su muslo para darle cobertura y protección adicional al niño. En el lado opuesto de la corriente, un joven vestido de moda con una duela, se ha detenido a mirar a la mujer. Él le está sonriendo pero la mujer está mirando al espectador, no al hombre. Su calcetería de dos tonos parece identificarlo como miembro de la Campagnia della Calza (Compañeros de la Orden de la Media), una fraternidad de jóvenes aristócratas en Venecia.

Nota: el análisis de rayos X muestra que originalmente un segundo desnudo femenino estaba en lugar de la figura masculina, antes de que Giorgione la borrara.

Detrás de las dos figuras hay un trozo de mampostería rematado con dos pilares rotos. No hay consenso sobre su significado o importancia. Si la pintura es una alegoría cristiana o una obra de Arte bíblico, los pilares pueden simbolizar las verdades que sostienen la iglesia, según las palabras en el Libro de Job: "Dios, que sacude la tierra de su lugar, para que sus pilares tiemblen" (Job 9: 6). Si es cierto, el hecho de que los pilares estén rotos sugiere que el cristianismo ha sufrido un revés significativo. (Ver más abajo para más información).

El fondo es parte del mismo paisaje que las dos figuras junto a la corriente, pero parece de alguna manera separado. En cualquier caso, consiste completamente en paisaje, tanto rural como urbano. La corriente se ha ensanchado para formar un río, cruzado por un solo puente. Hay varios edificios finos al lado del río que parecen ser parte de una ciudad, completa con un templo. La identidad de la ciudad no está clara: algunos historiadores creen que es Padua; otros piensan que simboliza el cielo.

En el cielo sobre la ciudad se está formando una tormenta. El relámpago es visible, y el uso evocador de aguamarina y otros colores azules y verdes de Giorgone, aplicado mediante la técnica de Leonardo sfumato – Crea una sensación general de fatalidad inminente. Según varios historiadores del arte, esto se refiere a un conflicto venidero, como la guerra de la Liga de Cambrai (1508-1516), entre Venecia y la Liga de Cambrai, una alianza anti-veneciana organizada por el papa Julio II. Sin embargo, otros expertos en arte lo relacionan con historias bíblicas como The Flight from Egypt. Curiosamente, ni el hombre ni la mujer parecen estar preocupados o afectados por la tormenta.

La pintura también incluye al menos otros dos símbolos, ambos muy difíciles de discernir. Uno representa al León de San Marcos, el símbolo de Venecia; la otra representa cuatro ruedas (o un carro), que solía ser el escudo de armas de la familia Carrara de Padua. Desafortunadamente, Padua fue anexionada por Venecia durante las hostilidades en 1406 y la familia murió en 1435.

Para más información sobre el arte del siglo XVI en Venecia, ver: Retablos venecianos (1500-1600) y Pintura de retrato veneciano (1400-1600). Ver también: Dibujo veneciano (1500-1600).

¿Cuál es el significado de la tempestad?

Existen numerosas teorías sobre el significado de esta imagen. Una teoría sugiere que fue pintada como una advertencia a los gobernantes de Venecia para evitar la guerra. En esta teoría, la ciudad es Venecia y la tormenta amenazante es el conflicto inminente con la Liga de Cambrai dirigida por el Papa. La referencia a Padua y la familia Carrara es la forma en que Giorgione dice: si no optas por la paz, Venecia sufrirá igual que la familia Carrara sufrió en las hostilidades anteriores con Venecia.

Otra teoría sugiere que la ciudad en la pintura es el Cielo, y que las figuras representan a Adán y Eva. (Obviamente, la segunda mujer original es un problema aquí.) En esta teoría, la tormenta representa la expulsión de Adán y Eva del Paraíso.

Para el análisis de otra gran obra maestra de Giorgione, consulte: Venus durmiente (1510, Gemaldegalerie Alte Meister, Dresde).

Otras pinturas venecianas explicadas

Para una interpretación de otras pinturas venecianas de los siglos XV y XVI, vea los siguientes artículos: