Peter Paul Rubens (1577-1640) 
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El gran artista Peter Paul Rubens nació el 28 de junio de 1577, por voluntad del destino, lejos de la tierra natal de sus antepasados, en la pequeña ciudad alemana de Siegen (Westfalen). El sexto hijo del abogado Jan Rubens y la hija mercante Maria Papelinks estaba destinado a convertirse en el líder de la nueva estética y arte emergente de Flandes, un estado que, para el año en que nació el pintor, ni siquiera existía en el mapa político de el mundo. Solo en 1609, la tan esperada tregua se concluyó entre España, Holanda y Flandes, que sentaron las bases para el renacimiento de un país destruido por muchos años de guerra.
En Flandes, como en muchos estados de la Europa medieval, la Iglesia católica desempeñó un papel importante en la vida del estado, junto con la nobleza feudal que lo apoyaba y el estrato más alto de burgueses. Estas capas de la alta sociedad fueron los principales clientes de las obras de arte. Por eso, las majestuosas imágenes del altar creadas por orden de la Iglesia Católica y las pinturas de gran formato diseñadas para decorar los castillos y los palacios de la ciudad de la noble Amberes se utilizaron ampliamente en la pintura flamenca. Los principales géneros en el arte fueron escenas mitológicas, temas bíblicos, bodegones magníficos, retratos ceremoniales y escenas de caza.
Jan Rubens era un representante de una antigua familia de Amberes. Su huida a Alemania en 1586 fue causada por una actitud comprensiva hacia el protestantismo. Inicialmente, la familia se estableció en Colonia, donde un abogado respetado recibió el cargo de abogada Anna Saxon, la esposa de Guillermo I de Orange, quien era el líder de la resistencia holandesa. Pronto, entre el abogado y la princesa hubo una historia de amor, que terminó en el nacimiento de su hija. El escándalo que estalló casi mató a Jan Rubens: Wilhelm lo condenó a muerte, lo que es totalmente coherente con las leyes de la época. Solo por los increíbles esfuerzos de su esposa Rubens, pudo liberarse de la prisión en prisión para exiliarse en la pequeña ciudad de Siegen. Toda la familia vivió allí hasta la muerte de Jan Rubens, quien murió a los cincuenta y siete años después de una larga enfermedad. Solo después de eso, en 1578, Mary pudo regresar a Amberes con sus tres hijos más pequeños: sus hijos Peter y Philip y su hija Blandina.
Regreso a Amberes
En Amberes, Peter y Philip fueron enviados a estudiar a la escuela latina de Rombouts Verdonka, donde permanecieron hasta 1590. Pronto su hermana se casó y su madre envió a Philip a la Universidad de Lovaina para que él pudiera seguir los pasos de su padre. y convertirse en un abogado respetado. Y el Peter más joven, como era costumbre en familias nobles pero no ricas, entró al servicio de una página para Margarita de Lin, viuda del conde Philip de Dalen. Allí, Rubens aprendió la etiqueta de la corte y los modales exquisitos, y también se dio cuenta de que su única vocación era la pintura. Aunque, para que la madre le permitiera a Peter obtener la profesión de artista, el joven se tomó mucho tiempo.
En los primeros maestros de su hijo, María eligió a sus parientes lejanos: los artistas Tobias Verhacht (1561-1631) y Adam Van North (1561-1641). El segundo de ellos era realmente un pintor maravilloso, muy respetado por sus contemporáneos, pero era conocido como una persona rebelde que trataba a sus alumnos con bastante grosería. Pronto Rubens entró en el taller de Otto van Weet (Venius) (1556-1629), el pintor más famoso de Amberes. El maestro tuvo un serio impacto en la percepción de Peter de la estética artística, le inculcó las habilidades de estudio y composición minuciosos, y desarrolló un interés en los aspectos intelectuales de la pintura. Incluso después de convertirse en un artista independiente, uniéndose al Gremio de San Lucas de Amberes (en 1598), Rubens continuó mejorando su arte, basado en los principios de su último maestro.
La vida en italia
Rubens, como muchos pintores flamencos, incluido Otto van Weet, estaba absolutamente seguro de que "la verdadera luz del arte solo proviene de Italia". A principios de mayo de 1600, se apresuró hacia su sueño, obsesionado con la idea de caer en este tesoro de la pintura, la escultura y la arquitectura para comprender la esencia misma del arte. Al llegar a Italia, el pintor trabajó mucho, estudió la técnica de los antiguos maestros y copió sus lienzos. Fue conquistado por las obras de Leonardo da Vinci, Correggio, Miguel Ángel, pero la mayor influencia fue ejercida por las obras de Tiziano, así como por artistas contemporáneos, Miguel Ángel da Caravaggio y los hermanos Carracci.
Rubens comprendió que para convertirse en un "gran artista", no basta con estudiar arte, sino que debe sumergirse en la cultura, las costumbres y la vida de los italianos. Por lo tanto, a finales de 1600, el artista entró al servicio del pintor de la corte del duque de Mantua Vincenzo I Gonzago, conocido como un coleccionista amable y manso, mecenas, admirador apasionado del arte y la ciencia. En su nombre, Rubens copió muchas obras de maestros famosos. Además de cumplir con sus deberes directos, el artista a menudo participó en los asuntos diplomáticos del duque.
Por ejemplo, fue Rubens quien trajo regalos de Vincenzo I al rey de España, Felipe III y su primer ministro, duque de Lerma, en 1603-1604. Las paredes del Palacio de Gonzago estaban decoradas con una colección completa de retratos de "las damas más bellas del mundo: princesas y mujeres sin título". Peter realizó una serie de retratos de esta famosa serie de archivos históricos. Desafortunadamente, la "galería de bellezas" no ha sobrevivido hasta nuestros días, pero quizás fue precisamente la razón por la que el artista fue enviado a la corte del Rey de España.
Con el tiempo, el orgullo de Rubens comenzó a sufrir mucho debido al hecho de que Gonzago usó su talento exclusivamente para crear copias, aunque grandes, pero pinturas extrañas. El artista tampoco aceptó la técnica aceptada de escribir retratos personalizados, cuando la cara del modelo simplemente encaja en el esquema de composición pre-preparado de la naturaleza.
Al tener la capacidad de encontrar su enfoque poco convencional para cualquier género, no importa cuán interesante fuera, Rubens dio nueva vida al estricto marco "canónico" del retrato de la corte, liberándolo de la rigidez de la escritura, el desprendimiento de la modelo y el composición congelada El artista introdujo movimiento y vida en el género de retratos, agregó riqueza de color y mejoró la importancia del fondo del paisaje circundante, convirtiéndolo en una expresión digna de arte monumental. Después de pasar ocho años en Italia, Rubens pintó muchos retratos de aristócratas, por ejemplo, Marquise Bridgid Spinola-Dorpa (1606, National Gallery, Washington), "Autorretrato con amigos de Mantua" (circa 1606, Museo Wallraf-Richartz, Colonia), así como un retrato de su patrón, el duque de Mantua.
La memoria visual magníficamente desarrollada, el entrenamiento minucioso y la disciplina estricta le permitieron al maestro lograr tal precisión y dureza de su mano al crear bocetos y dibujos que, entre sus contemporáneos, ya no era igual. Gracias a esto, fue Rubens, contrario a las afirmaciones de todos los mejores artistas italianos, quienes recibieron un gran pedido para escribir un retablo para el altar de Chiesa Nuova.
Detrás de la ejecución de esta orden estaba su inquietante noticia de una grave enfermedad de su madre. Rubens se apresura a Amberes a fines del verano de 1608, pero no tiene tiempo de capturar a Mary Papelins con vida. La artista estaba muy preocupada por su muerte. En memoria de la "mejor de las madres", erigió una estatua en su tumba, que hizo como retablo para Chiesa Nuova en Roma. Pero, a pesar de una ocasión tan trágica, el pintor regresó a su tierra natal en un muy buen momento. Finalmente, la tan esperada paz de doce años concluyó con España, presagiando la paz y la prosperidad del país.
Confidente de la infanta Isabel
Al enterarse del regreso del pintor ya muy famoso a su tierra natal, el archiduque Albert y la infanta Isabel, en nombre de la corona española, que gobernaba Flandes en ese momento, invitaron a Rubens a servir. Y para que el maestro aceptara y no regresara a Italia, donde tenía una posición estable y altos salarios, la pareja gobernante le ofreció a Peter importantes concesiones y una serie de privilegios atractivos.
Entonces, Rubens recibió una cadena de oro, dada la posición honoraria de un artista de la corte, y se le asignó una tarifa fija alta por cada trabajo ordenado, además de lo cual, también se le prometió una recompensa adicional significativa. Contrariamente a las reglas por las cuales un pintor tendría que mudarse a Bruselas para vivir en la corte de mecenas, a Rubens se le permitió quedarse en Amberes, estaba exento de impuestos y las reglas del gremio de San Lucas.
Ningún artista podía rechazar tales condiciones, por lo que Rubens ya no comenzó a regresar a Italia. Dotado de una mente sutil, un sentido del tacto, el encanto y la capacidad de tener un interlocutor, el artista hizo una brillante carrera como diplomático, lo que también fue facilitado por el hecho de que se comunicaba constantemente con los nobles más influyentes y ricos de muchos paises. La visionaria infante Isabella entendió perfectamente que el arte del maestro le daba acceso libre a muchas casas reales nobles de Europa. Decidió aprovechar esto e hizo de Rubens su mensajero no oficial. Durante las sesiones de retratos, el artista mantuvo negociaciones secretas en nombre de la corona española. Gracias a los documentos históricos conservados, podemos concluir que la mayoría de ellos tuvieron un resultado favorable.
Amor
Pronto la vida personal del maestro también se ajustó. En 1609, Rubens se reunió con el secretario del tribunal de la ciudad de Amberes, Jan Brant. Su joven y bella hija Isabella se ganó el corazón de la artista con su encanto Rubens. El artista de treinta y dos años se casó con ella solo unos meses después, el 3 de octubre de 1609. El feliz matrimonio del artista se basó en un amor tierno y fuerte. Rubens reflejó su felicidad en la película "Autorretrato con Isabella Brant" (1609-1610, Old Pinakothek, Munich).
El lienzo se distingue por un esplendor especial, virtuosismo y brillo. El pintor pintó cuidadosamente todas las joyas y detalles de trajes caros, haciendo alarde de un patrón preciso y delicado. En la cara de Isabella Brant, se lee alegría y felicidad sinceras, enfatizadas por una sonrisa gentil, casi imperceptible. El artista se retrató calmadamente mirando al espectador. Una mirada abierta y las características correctas enfatizan la nobleza y dignidad de Rubens, su aristocracia. Y aunque el autorretrato está cerca del clásico retrato ceremonial, el artista en su trabajo va más allá del estricto marco tradicional de este género, brindando al espectador la oportunidad de sentir su amor y afecto por su joven esposa, su mutuo consentimiento y ternura..
Después de haber creado varios retratos de su amada esposa, durante los largos años de su vida juntos, Rubens siempre retrató a Isabella con mucha sinceridad, precisión y gran sentimiento, dejando el fondo de la imagen oscuro y borroso para no distraer al espectador de la cara. de su amada mujer.
Reconocimiento universal y talentos pedagógicos
El enorme éxito y reconocimiento trajeron la prosperidad del pintor, con la que sus padres, agotados por su difícil destino, ni siquiera podían soñar. En 1610, adquirió una espaciosa casa, a la que adjuntó un estudio, y decoró la fachada con una escultura, realizando así sus proyectos arquitectónicos creados en Italia. En esta estilizada casa palazzo en Amberes, el artista se instaló con su familia.
El debut del artista en su ciudad natal fue un gran pedido para el salón del Ayuntamiento de Amberes: el lienzo "Adoración de los pastores" (1608, Amberes). La pintura siente una fuerte influencia de la pintura italiana, con brillantes contrastes en blanco y negro, que fueron el sello distintivo del estilo artístico de Michelangelo da Caravaggio, que Rubens usó a menudo en sus obras de este período sobre temas religiosos y mitológicos. La construcción compositiva y colorista "Adoración de los pastores" repite casi exactamente el lienzo Correggio "Noche", con solo unas pocas adiciones. En esta ocasión, el artista francés Delacroix habló una vez y señaló que Rubens "tenía un don único para absorber todo lo demás… Estaba lleno de los mejores ejemplos y los remodeló de acuerdo con el principio que llevaba consigo".
Los primeros trabajos de Rubens sobre temas religiosos también leen claramente el replanteamiento de la experiencia italiana. Trabajando por órdenes para la iglesia, el artista nunca se sintió limitado por el marco claro de los cánones. La actuación de dos trípticos para la iglesia local: "Exaltación de la Cruz" (circa 1610-1611, Catedral de Amberes) y "Descendimiento de la Cruz" (1611-1614, Catedral de Amberes) le dio a Rubens el éxito y la gloria del mejor pintor no solo de Amberes, sino de todo Flandes. Se sabe que el maestro concibió la composición "Exaltación de la Cruz" en Italia, pero solo pudo realizarla en casa. La materialidad tangible de todos los objetos y las características vivas de todos los héroes de este lienzo también indican la influencia más fuerte de la escuela italiana. Con las obras del gran Caravaggio, el trabajo y la obvia tensión interna y la dinámica de todas las poses y gestos de los héroes llenos de expresión dramática están relacionados.
La construcción compositiva de pinturas que representan dos dramas interpretados en el Calvario es fuerte y significativa. Cada personaje tiene su propio personaje único individual, más revelado a través de la interacción con el entorno y otras figuras. Las manos de Jesús, ubicadas en la parte central del lienzo de la Exaltación de la Cruz, no están separadas, sino que se extienden por encima de la cabeza, su rostro está distorsionado por un ataque intolerable de dolor, sus dedos están fuertemente comprimidos, los músculos de todo su cuerpo están tensos. Los agudos recortes de todas las figuras, los esfuerzos tangibles de los verdugos que levantan la cruz, el resplandor inquieto de la luz y la sombra forman un impulso dinámico único, que une a la naturaleza y al hombre. El artista hizo todo lo posible para que los creyentes que miraban esta obra no tuvieran la menor duda sobre el mayor sacrificio que el hijo de Dios hizo por ellos.
El "Descendimiento de la cruz" tiene un sonido interno completamente diferente. El plástico, elegante, casi elegante cuerpo de Jesús no tiene peso. Rubens compara Su bella flor, cortada por una mano despiadada. Con un esfuerzo increíble, sus seres cercanos se esfuerzan por mantener el peso del cuerpo sin vida de Cristo. Junto a Jesús vemos a su madre y amigos, así como a "la mujer más amorosa y más débil, en la fragilidad, gracia y arrepentimiento de que todos los pecados terrenales, perdonados, sentidos y ahora redimidos, están encarnados", ubicados en primer plano. del lienzo. En general, la composición es concisa, en ella no vemos imágenes de tormentos insoportables, gritos, gestos agudos, lágrimas. Nuestra Señora retiene los sollozos. Solo sus ojos enrojecidos por las lágrimas en su rostro manchado de lágrimas y el gesto sobrio de sus manos transmiten su dolor inexpresable.
En esta trama, el pintor se sintió atraído por las pasiones y experiencias humanas, lo cual probablemente es la razón por la cual él, personalmente experimentando la tragedia de perder a un ser querido, fue tan convincente y brillantemente capaz de escribir este trabajo, contando las penas de los familiares sobre los Muertos.. A diferencia de La adoración de los pastores, los trípticos creados revelaron la amplitud del talento de Rubens, reflejado en la escala de las imágenes, el poder de la generalización, el contenido de la vida profunda, combinado con entretenimiento vívido: estos son los rasgos característicos del individuo estilo del maestro, que se puede ver en todas sus obras posteriores.
Entonces Rubens recibió de sus contemporáneos el título de "dios de todos los pintores". El gran éxito del artista, que impresionó al público con extraordinaria monumentalidad, expresión y drama de sus obras, atrajo a muchos estudiantes hacia él. Pronto, el estudio del pintor fue considerado la mejor escuela profesional de Flandes.
El artista siempre trató de desarrollar un don individual en cada uno de sus alumnos. Pero la cantidad de personas que querían inscribirse en el entrenamiento de Great Rubens fue tan grande que muchos tuvieron que negarse. Entre los "rechazados" se encontraban incluso amigos cercanos y parientes del maestro, que complicaron seriamente su vida. Entonces, en una carta a su amigo Jacob de Bi del 11 de mayo de 1611, Rubens escribió: “Realmente no puedo aceptar al joven que me recomiendas. Estoy tan asediado por las solicitudes de todos los lados que algunos estudiantes han estado esperando a otros maestros durante varios años para poder aceptarlos. "Puedo decir con total sinceridad, y sin la más mínima exageración, que me vi obligado a rechazar a más de cien candidatos, incluidos mis familiares o familiares de mi esposa, y esto causó un profundo disgusto de algunos de mis mejores amigos". El número de órdenes del pintor era increíblemente grande.
Para cumplir con muchas de sus órdenes, Rubens se vio obligado a atraer a sus estudiantes. El artista alemán Joachim von Zandrart escribió sobre esto: "Yoon (Rubens) siempre compuso la composición de la futura pintura en un boceto de dos o tres tramos de altura, de acuerdo con este boceto, sus alumnos… pintaron un cuadro sobre lienzo, que luego Pasó con un pincel o él mismo realizó los lugares más importantes. El artista escribió sus mejores obras por su cuenta. Zandrart elogió a Rubens como maestro. En su tratado sobre el maestro, señaló que siempre "entrenó cuidadosamente" a todos sus pupilos y "los usó de acuerdo con sus inclinaciones y habilidades". Grabadores, arquitectos y escultores salieron del taller de Rubens, dirigido por el artista en la dirección a la que eran más capaces. Muchos de los que estudiaron en el taller del pintor inventaron posteriormente el orgullo y la gloria de la escuela flamenca. Los más famosos de sus alumnos son Franz Slider (1579-1657) y Anthony Van Dyck (1599-1641).
Artesanía sin igual
En el período comprendido entre 1615-1620, las obras de Rubens se vuelven aún más expresivas, adquieren complejidad compositiva, se llenan de movimientos rápidos y rasgos pronunciados del estilo barroco. Incluso las obras de este período escritas en escenas dramáticas están llenas de la plenitud y la dinámica del ser, un personaje que afirma la vida que impregna toda la composición. Los héroes de estas increíbles pinturas se volvieron extremadamente hermosos espiritual y físicamente. El artista se sintió atraído por temas que hablaban sobre la resistencia de un espíritu humano inflexible, su habilidad para explotar, el comienzo heroico, por ejemplo, la obra "El patrocinio de la mujer romana" y "Cristo en la corona de espinas", ambos en torno 1612, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo.
Para la figura de Jesús en la composición "Cristo en la corona de espinas", el artista utilizó su bosquejo italiano temprano de la escultura antigua ampliamente conocida "Centauro". Esta técnica no fue la excepción, los bocetos de monumentos antiguos durante muchos años le sirvieron como una de las principales fuentes de inspiración. Pero en esta pintura, la fuerza excepcional del potencial creativo del maestro se expresó especialmente claramente.
La figura de Cristo, comparada con una estatua antigua, conserva un espíritu bastante intenso, característico de la mayoría de las obras de Rubens. Es la expresión que el maestro puso en la imagen de la figura infinitamente trágica de Cristo, ubicada en el centro de la composición, le da a la imagen una nitidez extraordinaria. Después de poner una expresividad extraordinaria en la obra, el pintor logró un contraste armonioso perfecto del cuerpo brillantemente consagrado de Jesús y el fondo oscuro del lienzo, combinando así el brillo emocional con técnicas técnicas perfectas.
Siendo un brillante conocedor del arte antiguo, Rubens mostró gran interés en temas mitológicos. El artista nunca dejó de admirar la vida y la belleza del cuerpo humano. Cabe señalar que con todo esto, el pintor nunca copió las imágenes de antiguos maestros, sino que repensó los ideales clásicos, traduciéndolos al "lenguaje flamenco". Rubens admiraba la belleza nacional de un cuerpo humano sano, floreciente y fuerte. Sobre todo, el artista estaba interesado en la encarnación en la carne viva de una persona de su poder físico y movimiento. Y las mejores tramas para tal pintura podrían ser extraídas de la rica mitología griega. Los lienzos más famosos de este período fueron Bacanalia (circa 1615, Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin) y Secuestro de las hijas de Leucipo (circa 1618-1620, Antigua Pinacoteca, Múnich).
Todos los movimientos en estas pinturas son inusualmente emocionales, los gestos se enfatizan por el rápido desarrollo de las telas de la ropa. Rubens construye con amor composiciones complejas y espectaculares, prefiriendo utilizar diagonales, elipses o espirales para ellas.
Por lo tanto, en la obra "El secuestro de las hijas de Leucipo", tanto las personas como los caballos se representan en el momento del mayor estrés físico. Los cuerpos de las mujeres jóvenes que rezan por ayuda forman un patrón complejo en términos de ritmos de color y estructura lineal. La silueta general "nerviosa" de un grupo que encaja casi perfectamente en el círculo se ve perturbada por gestos expresivos. El pathos del trabajo se ve reforzado por el horizonte excepcionalmente bajo, gracias al cual las figuras se ven aún más espectaculares, ondulando en un cielo nublado excitado. La construcción compositiva está dominada por diagonales afiladas que suben.
El gran poder del amor que puede superar cualquier obstáculo es representado por Rubens en la pintura Perseo y Andrómeda (1620-1621, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo). Aquí, Perseo, el hijo de Danai y Zeus, aparece ante nosotros como la más alta encarnación de un héroe capaz de cualquier hazaña. El ganador del monstruo marino, de quien salvó a la bella Andrómeda, se representa con la cabeza de Medusa Gorgona en el escudo y numerosos artefactos mágicos que lo ayudan a superar cualquier obstáculo. La dinámica interna intensa de cada línea y forma, enfatiza el tema heroico del trabajo. Las poses emocionadas de hermosos personajes en la imagen se perciben como el eco de una batalla reciente. Las figuras de la diosa de la gloria y los cupidos añaden composición al sonido del patetismo. El color del lienzo también contribuye a esto. Los desbordamientos de colores multicolores y la ligereza se logran mediante transiciones de tonos sorprendentemente transparentes a colores brillantes saturados, creando una sinfonía única del trabajo. El artista tradujo la conocida historia mitológica al lenguaje vivo de Flandes, añadiéndole muchos detalles realistas característicos de los habitantes de su país, revelando el contenido del mito de una manera nueva y al mismo tiempo sin perder nada del original..
Un lugar importante en el arte del siglo XVII está ocupado por retratos de Rubens, relacionados con el período de madurez de su obra. Revelan todo el encanto del lenguaje pintoresco del artista. Al crear obras de este género, Rubens actúa como un verdadero sucesor de las tradiciones del Alto Renacimiento, aunque se limita solo al marco de la semejanza externa, no profundiza en las características psicológicas y las experiencias emocionales de los modelos. Absolutamente todos los héroes del gran flamenco están llenos de vida. Interpretó imágenes tanto masculinas como femeninas, ya que les gusta ser representadas en retratos de una dama: primero adoptó la belleza canónica, y luego el parecido individual. En sus retratos, el pintor transmitía perfectamente todos los signos necesarios de su época y la posición de sus modelos en la sociedad.
El “Retrato de la reina María Medici” (circa 1622, Prado, Madrid) puede servir como un vívido ejemplo de cómo Rubens pintaba a las mujeres: tez invariablemente hermosa, frente alta y aristocrática, barbilla muy pulcra y ojos brillantes muy abiertos. Otra característica de todas las imágenes femeninas creadas por el pintor fue la plenitud elegante, como un atributo invariable de feminidad y atractivo.
El "Retrato de la infanta isleña de Chamberlain" (circa 1625, el Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) también sirve como un excelente ejemplo del retrato del maestro. Con la ayuda de reflejos dorados, reflejos fríos y sombras transparentes, el artista transmite el encanto brillante de una joven alegre. Rubens enriqueció generosamente la caracterización de sus modelos al afirmar su papel social. Los detalles jugaron un lugar importante en la estructura compositiva del retrato ceremonial, como girar la cabeza, una apariencia espectacular, la posición de la figura en el espacio, una atmósfera festiva. Dotó a los aristócratas con un sentido de superioridad y un cierto grado arrogante, que al mismo tiempo no los privó de su encanto vital. Y el artista reveló todos los matices no mencionados con la ayuda de un traje.
Es cierto que hubo excepciones notables, por ejemplo, "Retrato de Elena Furman con dos niños" (circa 1636, Louvre, París) casi no tiene signos obvios de un retrato de desfile barroco. No hay ropa lujosa y cara ni accesorios de lujo. Pero toda la composición de la obra está impregnada de brillante felicidad serena. Las imágenes de la madre y los hijos están llenas de naturalidad y encanto expresivo especial. Este retrato se ha convertido en un verdadero himno a la maternidad y al papel crucial de la mujer en la vida de cada hombre.
Escenas de caza
Lejos de un lugar secundario en toda la obra del pintor estaba el tema de la caza. Rubens a menudo recurría a historias sobre la lucha entre el hombre y la naturaleza. Nadie mostró las feroces peleas de personas y animales tan vívidamente y figurativamente como él.
Si antes, en las obras de sus predecesores, que representaban animales, el objetivo principal era demostrar su conocimiento de la estructura anatómica de los animales, y su aparición en los lienzos, por regla general, se debía a temas mitológicos o bíblicos, entonces comenzó a desempeñar un papel independiente en Rubens. Creó un mundo vivo donde las personas y los animales lucharon en una batalla espontánea. Todos los lienzos de esta serie están imbuidos de una tremenda tensión: las pasiones se calientan al límite, las personas y los animales entusiasmados se atacan violentamente y sin miedo.
"La caza de tigres y leones" (1617-1618, Museo de Bellas Artes, Rennes) fue escrita justo en el momento del mayor interés del artista en las escenas de caza y lucha. De 1615 a 1621, el pintor, a través de tales argumentos, se dio cuenta del objetivo principal de su arte: cantar el dinamismo de la vida y la encarnación de los momentos de la realidad, que permitieron solo una cierta fracción de la ficción. Las pinturas del artista no dan una impresión sombría, no emanan de la agresión, solo por la fuerza y el poder, la pasión incontrolable y el deseo de vivir.
"Hay algo delicioso en este horror", escribió su contemporáneo. Al crear sus famosas escenas de caza, el maestro jugó con los sentimientos del público, lo que lo hizo empatizar con lo que estaba sucediendo en el lienzo, y también utilizó el interés genuino de la audiencia por los animales exóticos.
En el siglo XVII, Europa solo descubrió el mundo desconocido de otros continentes. Todos ya han oído hablar de su existencia, pero solo unos pocos han presenciado personalmente a los moros, árabes, tigres de Bengala, hipopótamos, jirafas africanas y elefantes indios. Rubens a menudo observó un exotismo similar en las colecciones de nobles ricos, para quienes realizó trabajos o con quienes vio durante sus misiones diplomáticas.
El ciclo histórico de los monarcas franceses.
La situación política en Flandes en la década de 1620 fue extremadamente tensa, pero la vida del artista brilló con todos sus colores. Supervisó el trabajo de pintores y grabadores en su taller, diseñó libros para varios editores para editores, fabricó cartón para enrejado y creó bocetos para proyectos escultóricos y todo tipo de productos de artesanía. Su fama y éxito florecieron en Flandes, y pronto fueron mucho más allá de sus fronteras.
Esto fue promovido por la orden más importante en la vida de Rubens, que recibió en 1621. En enero de 1622, el pintor fue a París para cumplir el contrato celebrado con la madre de Luis XIII, Maria Medici. La esencia del contrato era pintar dos galerías del nuevo palacio en Luxemburgo a la vez.
Se suponía que la primera parte de las pinturas representaba escenas de la vida de la propia reina, y la segunda, sobre el reinado de su difunto esposo Enrique IV. Lamentablemente, la segunda parte de la orden nunca se ha ejecutado. Pero el primero de ellos trajo a Rubens un éxito sin precedentes.
La serie de obras "La vida de Maria Medici" (1622-1625, el Louvre, París) se convirtió en una obra histórica excepcional del artista. El programa de imágenes fue claramente compilado personalmente por la Reina, pero en la interpretación de las tramas, su secuencia y el orden de las figuras en la composición, el pintor recibió una libertad considerable. Habiendo conservado la precisión y fiabilidad en la imagen de los héroes, sus trajes y el medio ambiente, Rubens enriqueció la composición con numerosos detalles alegóricos y personajes mitológicos. Por ejemplo, en la escena en la que Enrique IV recibe un retrato muy embellecido de su novia María, hay dos cupidos alados, como la personificación del amor y el matrimonio, y Juno y Júpiter están mirando favorablemente toda la escena, bendiciendo al rey con el derecho elección.
La serie incluye veinticuatro paneles grandes que nos cuentan sobre los acontecimientos políticos que tuvieron lugar en Francia a principios del siglo XVII. Al crear cada imagen que entró en el ciclo, Rubens lo presentó como un trabajo independiente, que, al mismo tiempo, también era parte del plan general. Todas las obras de la serie están marcadas por la teatralidad, el esplendor lujoso y la decorativa característica del arte barroco. A pesar de que el artista tuvo que atraer a sus alumnos para completar el pedido, la estructura monumental de las composiciones, el espectacular paisaje y los fondos arquitectónicos, y el color elevado otorgan a estas obras cualidades decorativas incomparables.
Desde 1621, Rubens, logrando trabajar en el ciclo de Maria Medici, estuvo constantemente en viajes relacionados con las misiones diplomáticas de la Infanta Isabella. Durante uno de sus viajes, a mediados de 1626, su esposa probablemente murió durante una epidemia de peste. El ilustre artista y diplomático estaba muy molesto por la muerte de Isabella, quien fue su novia fiel y confiable por 16 años.
Pero el tiempo lo cura todo, y cuatro años después, después de haber regresado a su tierra natal en Amberes, Rubens se casará con la hija de una de sus amigas, Elena Furman. La belleza de dieciséis años cautivó a la artista con su belleza. Él le dedicó muchos retratos, y su imagen a menudo se usaba para pintar cuadros sobre temas mitológicos.
Armonía y paz
En el último período de su trabajo, el artista se sintió más atraído por el género del paisaje. Esto fue facilitado por la adquisición de la finca rural del Castillo de Steen, ubicado a treinta kilómetros al sur de Amberes.La mayoría de los paisajes fueron hechos por el maestro "para sí mismos", sin la participación de los estudiantes, por lo tanto, todos se distinguen por una perfección especial. El poder y el poder heroico de las imágenes de las primeras obras se reemplaza por la calma y la armonía de la unidad del hombre y la naturaleza. Rubens a menudo escribe escenas de trabajo pacífico de campesinos y alegres vacaciones rurales. En las obras de paisajismo, el pintor desarrolla las tradiciones del arte holandés e introduce un nuevo valor ideológico en ellas.
La pintura anterior "El portador de las piedras" (circa 1620, el Museo del Hermitage del Estado, San Petersburgo) es algo dramática. Las rocas en primer plano parecen elevarse desde las entrañas de la tierra, creando un obstáculo severo para las personas y los caballos. En las obras posteriores de Rubens, las entonaciones cambian, la naturaleza aparece ante nosotros como una forma única de ser, donde una persona vive feliz y tranquila.
El tema central de las pinturas del artista es la naturaleza rural, llena de belleza y grandeza épica. Sus pinturas parecen cobrar vida en extensiones infinitas, las fuerzas prístinas de la naturaleza, combinadas armoniosamente con las poderosas figuras de los campesinos dedicados a su trabajo diario. En las obras de "Kermes" (circa 1635, el Louvre, París) y "Danza campesina" (circa 1635-1638, Prado, Madrid) no vemos la autenticidad cotidiana, solo un tipo generalizado de un pueblo flamenco fuerte y bello, escrito con amor por el maestro.
Trabajando para su propio placer, Rubens exploró una nueva técnica, tratando de mostrar la verdadera naturaleza, no adornada con efectos teatrales. John Constable, un distinguido pintor paisajista inglés, escribió: "Rubens no ha demostrado su grandeza en ningún otro género como en el paisaje".
Todos los últimos años de la vida del maestro, fue atormentado por la severa forma de gota. Pero, incluso cuando la mano izquierda y luego la derecha se negaron, el artista no dejó la fortaleza, el optimismo y la alegría. El 27 de mayo de 1640, Rubens hizo su testamento, y el 30 de mayo un fuerte ataque de gota le detuvo el corazón. Recibió un reconocimiento grandioso durante su vida, el gran "dios de los pintores" murió.
Peter Paul Rubens fue enterrado de la manera más solemne. Contemporáneos en profunda tristeza lo llevaron a su último viaje. El ataúd con el cuerpo del pintor fue acompañado por el coro de la Iglesia de Nuestra Señora y una solemne procesión de sesenta portadores de antorchas, y frente a él llevaban una corona de oro sobre una almohada de terciopelo negro.