Rubens: pintor barroco flamenco Traductor traducir
Rubens (1577-1640)
Introducción
El pintor más importante de su época en el norte de Europa, y uno de los más grandes. Viejos maestros del Barroco estilo de Pintura flamenca que enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad: Peter Paul Rubens se convirtió más tarde en un ícono de la facción ’Romántica’ dentro del Academia francesa , a diferencia de la facción "clásica" representada por Nicolas Poussin. Destaca sobre todo por su Arte cristiano , fue el ilustrador de la fe católica y el derecho divino de los reyes. También fue un erudito clásico, coleccionista de arte y diplomático. Como uno de los principales exponentes de Pintura barroca Rubens es famoso por su Arte de la Contrarreforma católica – notablemente sus retablos – así como pinturas de techo, retratos, paisajes, y especialmente pintura de historia con sus mensajes mitológicos y alegóricos. Se ubica junto a Jan van Eyck como uno de los mejores Pintores flamencos de todos los tiempos. Su grandes pinturas barrocas incluyen: Sansón y Dalila (1610, Galería Nacional, Londres); Descenso de la cruz (1612-14, Catedral de Amberes); Violación de las hijas de Leucipo (1618, Alte Pinakothek, Munich); y Juicio de Paris (1632-6, National Gallery, Londres).
Obras de arte
Rubens solía usar alumnos y asistentes (por ejemplo, van Dyck, Jordaens, Snyders) para completar una pintura. Artista erudito y cosmopolita, Rubens nació en Alemania, se estableció en Amberes (ahora Bélgica), tuvo una esposa española y se convirtió en pintor de la corte de los Gobernadores españoles de los Países Bajos. Fue nombrado caballero por Felipe IV, rey de España, y Carlos I, rey de Inglaterra.
Las obras de arte de Rubens pueden dividirse en tres grupos: las pintadas por el propio Rubens, las que ayudó a pintar (típicamente pintando manos y caras) y las que simplemente supervisó. Fue asistido por varios estudiantes y aprendices, mientras que a menudo asignaba ciertos elementos de sus pinturas más grandes (por ejemplo, animales o agrupaciones de naturaleza muerta) a especialistas como Snyders o Jordaens.
Dibujo Los estudios fueron importantes para Rubens, especialmente al delegar la ejecución de una pintura a otros. Primero haría un boceto rápido, generalmente dibujado y lavado con tinta marrón, u ocasionalmente pintado en grisaille en un panel A continuación, produciría un boceto detallado del aceite, que luego se presentaría al cliente para su aprobación o comentario. Posteriormente, se produjeron otros detalles anatómicos por separado. dibujos de figuras . A veces, Rubens producía una pintura terminada que contenía elementos que tenía la intención de reutilizar en sus composiciones más grandes: ( Cuatro estudios de la cabeza de un negro , en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas, es uno de esos pintura de figura . El estudio muestra cuatro retratos de un mismo hombre africano. Rubens lo pintó desde diferentes ángulos y con diferentes expresiones en preparación para incluir uno de sus temas en su gran retablo, La adoración de los magos .
Reputación y legado
A la edad de 63 años, en el apogeo de sus poderes y popularidad, murió de gota. Aunque su muerte relativamente temprana sin duda privó al norte de Europa de muchas obras maestras, su legado fue enorme. Bajo la influencia de Rubens, toda una escuela de pintores famosos floreció en Amberes, mientras que su producción personal fue prodigiosa. E incluso si Rubens hizo poco pero supervisó una buena parte del trabajo que se le atribuía, su dominio y habilidades creativas eran tan grandes que casi todo lo que procedía de su taller tenía la marca de su estilo.
Se destacó en todas las áreas del arte: pintura de paisaje , tanto como arte de retrato , pintura animal, a gran escala arte religioso , obras históricas y alegóricas. Muchos críticos de arte lo consideran en vano como, junto con Rembrandt, la influencia más importante en el norte de Europa de su época, y el mayor exponente norteño del barroco.
En 2002, su obra maestra La masacre de los inocentes se vendió por un récord de £ 49.5 millones.
La vida y el arte de Peter Paul Rubens
El siglo 17
Esos pintores progresistas de Europa occidental que habían emulado el estilo italiano, en general, solo produjeron un resultado negativo. No lograron llevar a cabo esa asimilación de la manera italiana que buscaban, y no cumplieron ninguna promesa que pudiera haberse inutilizado débilmente, en el antiguo estilo gótico. Permaneció entonces durante el siglo XVII para presenciar la creación de estilos nuevos e idiomáticos en Holanda, Bélgica, Francia y España. Y aquí la fecha crítica es 1630, que vio la perfección de la transformación de Rubens de la manera veneciana, el florecimiento completo del arte de Frans Hals , los inicios de Velázquez y Rembrandt en esa "manera oscura" que se extendió por Europa desde Caravaggio y sus discípulos tenebristas. Se notará que, con la excepción parcial de Frans Hals, todavía tenemos que ver con el italianismo, pero al final con un italianismo estudiado críticamente por inteligencias de pintores de primera clase que podrían admirar sin copiar, aferrándose a sus propios nativos y raciales. ideales
No es necesario recordar al lector que en el primer cuarto del siglo XVII Italia ofreció al pintor transalpino dos estilos competitivos: el estilo de Tiziano y sus contemporáneos venecianos posteriores; versus el estilo de Caravaggio . Un hombre de espíritu pintor rechazaría la síntesis de la ecléctica italiana. Eran dibujantes en lugar de pintores. Entonces, la influencia de los Carracci y sus seguidores permaneció en suspenso hasta que un gran artista que no era un espíritu pintor, Nicolas Poussin , lo utilizó al máximo. La diferencia radical entre el estilo veneciano y el de Caravaggio se puede expresar en algunas antítesis. El primero valoraba la aristocracia y la nobleza del sentimiento; el último, el carácter y la expresión de las emociones drásticas de la gente común. Del mismo modo, los venecianos enfatizaron la riqueza y la variedad de colores y lo usaron de manera más decorativa; los tenebristas redujeron el color a claro y oscuro y medios tonos, se preocuparon poco por el efecto decorativo, buscaron, sobre todo, una construcción poderosa y una representación enfática del carácter. Ahora, una manera totalmente decorativa y colorida tiene que renunciar a algo de carácter y construcción, mientras que una manera que insiste en la construcción y el carácter debe renunciar a algo de color y efecto decorativo. Tal estilo tenderá a ser una especie de dibujo extenuante en luz y oscuridad. Tal fue la manera temprana incluso de Rubens, y aún más notablemente la de Velázquez y Rembrandt. El buen pintor buscará naturalmente minimizar el sacrificio involucrado en su elección de estilos. Así, un Rubens, cuya propensión es principalmente al color y la decoración, también buscará expresar todo el carácter que sea compatible con sus objetivos, y un Rembrandt y un Velázquez sublimarán los medios anteriormente duros con los que lograron el carácter y la construcción, de modo que su trabajo posterior será casi completamente decorativo, al tiempo que rechazará las convenciones decorativas habituales.
El gran movimiento en la pintura brevemente esbozado arriba fue solo un capítulo en esa crónica de alta aventura que se vivió en los primeros años del siglo XVII. Fue un momento de extravagancia y expansión en muchas direcciones: los ingleses estaban colonizando América, los holandeses y las Indias Orientales; El oro ameicano estaba enriqueciendo a España. Francis Bacon descubre el verdadero método de la ciencia experimental; Kepler resuelve el enigma del sistema solar; Grocio sienta las bases del derecho internacional; Descartes hace estragos con las filosofías tradicionales; Un caballero francés se mantiene en forma con un duelo a la semana. Las vidas de Shakespeare, Cyrano de Bergerac y Corneille se superponen, al igual que las de la reina Isabel, Henri IV y Giordano Bruno. Genios de todo tipo estaban en el aire, y un espíritu profético de una generación anterior podría haber leído lo que era inminente en los escritos de espíritus libres como Rabelais y Montaigne. En el arte, este momento de euforia y esperanza se expresa más plenamente en la pintura de Peter Paul Rubens. Representa el aspecto conservador y social del nuevo movimiento, ya que se puede decir que Rembrandt representa su aspecto radical e individual. Mientras Rubens era una persona cosmopolita, pintando en Francia, España e Inglaterra, la mayor parte de su carrera se realizó en la ciudad imperial de Amberes . Cuando Holanda se convirtió en protestante y Francia fue desgarrada por guerras religiosas, lo que ahora es Bélgica siguió siendo católica y una avanzada aislada del Sacro Imperio Romano. Tenía relaciones comerciales y culturales con toda Europa, pero la influencia principal era de Italia. Su arte estaba muy coloreado por ese estilo neo-católico que se agrupa bajo el término barroco.
Arte barroco
Principalmente, barroco significa extravagante, y la extravagancia del nuevo estilo se alistó para reforzar la autoridad sacudida de la Iglesia Católica Romana y glorificar a sus campeones, el emperador y una gran cantidad de monarcas católicos. El estilo se originó en Italia, tomando sus precedentes ampliamente de pintores como Mantegna , Miguel Ángel , Tintoretto y luego Artistas manieristas . Sorpresa, inesperado, una expansión operística, fueron sus características principales. Arquitectura barroca , conservando las viejas simetrías fundamentales, juega audazmente con los detalles. Los frontones se interrumpen en el centro; molduras pesadas rompen inesperadamente la línea; Las superficies están llenas de relieves decorativos o con esculturas de figuras. Se ignoran las limitaciones normales de los materiales. A toda prisa, las figuras de mármol se equilibran peligrosamente o incluso vuelan; Tenemos cortinas cortadas en piedra o más modeladas en yeso. En la pintura de caballete, las viejas composiciones cerradas calculadas con respecto a la geometría del marco tienden a pasar por el marco en el aire. En el diseño mural, la pared y el techo a menudo se pintan bajo el mismo principio de desbordamiento. Las nubes con figuras angelicales o santas seductoras se ciernen sobre el adorador asombrado; Ya no mira a una bóveda estructural, sino a una fantástica tierra nubosa. Escorzo, que para Artistas del alto renacimiento había sido funcional, ahora se usa por su propio bien como una mera exhibición de habilidad técnica suprema. Las líneas de composición ya no son un equilibrio de líneas rectas y curvas fáciles, sino que se vuelven curvas tensas y en espiral de radio corto. Nada es muy personal o específico en este arte. Su estado de ánimo es generalizado, animado, operístico, convencionalmente alegre y enérgico.
Es este matiz de lo teatral en el barroco lo que hizo que los críticos puristas más antiguos, como John Ruskin , criticarlo por falta de sinceridad. Estas mismas cualidades han hecho que parezca ejemplar para las generaciones posteriores de críticos, que se dejan llevar por su ingenio puro. El verdadero juicio, como suele ser el caso, se encuentra entre estas opiniones extremas. Es absurdo negar la energía y el ingenio del barroco; igualmente absurdo darle el mismo valor al gran estilo del Renacimiento. El beneficio de la nueva crítica ha sido liberar al barroco del reproche injusto de ser simplemente el estilo renacentista en decadencia. Debe ser considerado como un nuevo estilo, con sus propios ideales, y muy vivo.
En el siglo XVII el barroco es importante y reina principalmente en Italia. Su impacto en el Norte, particularmente en los reinos alemanes, se siente con fuerza solo en el siglo XVIII. Más bien poco en Flandes, Inglaterra, Francia o España en el siglo XVII puede llamarse propiamente barroco. Por otro lado, el espíritu operístico del barroco era mucho más penetrante que sus formas. De no ser por la influencia difusa del barroco, el arte de Rubens habría sido muy diferente, aunque su arte es solo superficialmente barroco y formalmente está en la tradición directa del Renacimiento veneciano . Tanta explicación y definición se deben al estudiante desconcertado que lee que Caravaggio, Frans Hals, Rembrandt, Rubens, Velázquez y Murillo Todos son pintores barrocos.
El barroco a menudo se equipara con el estilo jesuita, y aquí hay cierto parentesco. Como resultado de la Reforma Protestante, la autoridad de la Iglesia Católica Romana fue fuertemente sacudida. La defensa pasiva de la Iglesia fue el programa de reforma lanzado en el Concilio de Trento en 1545; La defensa activa fue conducida en gran parte por los jesuitas. Eran buenos psicólogos y vieron que una institución que había perdido autoridad solo podía prosperar mediante la persuasión, y de la persuasión hicieron un arte muy bello. Como maestros de la juventud, los jesuitas fueron y son los más efectivos y queridos del mundo moderno. Indudablemente, la política jesuita fue un factor en la creación del barroco. Pero cuando recordamos que Ignacio de Loyola fundó la orden en 1534, mientras que el estilo barroco surgió unos setenta y cinco años después, será evidente que no debemos enfatizar demasiado la relación entre los dos. Déjalo ir así: el aire que respiraba Rubens estaba cargado de jesutería y con el aura del estilo barroco. Fue esto lo que lo condicionó y (al menos) su pinturas religiosas y lo limitó un poco, pero no lo hizo, y solo en parte lo explica.
Rubens
Aunque nació en la oscuridad en la pequeña ciudad de Siegen, en 1577, Peter Paul Rubens nació para ser cortesano. Su padre, Doctor en Derecho de Padua, estaba en desgracia por una tonta historia de amor con la tonta princesa Ana de Orange. Cuando falleció el padre filantrópico, el niño tenía solo diez años. Su fiel y sabia madre se mudó a Amberes, donde el joven recibió una educación temprana en las formas del gran mundo como una página en la casa de la princesa Margarita de Ligne, mientras que en una universidad jesuita estaba tan bien arraigado en las lenguas clásicas que el dominio de los idiomas modernos fue fácil para él. Su vocación como pintor fue evidente desde temprana edad. Trabajó transitoriamente con los pintores italianizantes, Tobias Verhaeght y Adam van Noort, pasando a los dieciocho años al estudio de Otho Vaenius, poeta mediocre, buen humanista, romanista convencido, practicante de cierto gusto y encanto suave. En este ambiente agradable de cultura cosmopolita, los jóvenes Rubens progresaron rápidamente y a los veintiuno, en 1598, fue admitido como maestro libre del Gremio de San Lucas. No tenemos fotos de esta época.
En mayo de 1600, ahora con veintitrés años, abandonó Amberes para ir a Italia, para no regresar durante ocho años. Un par de meses después estaba trabajando para el marqués Vincenzo Gonzaga de Mantua. En la galería Gonzaga había ejemplos excepcionales de obras de Tiziano, Correggio, Tintoretto, Annibale Carracci y Caravaggio, sin mencionar los pequeños paisajes rubios de Adam Elsheimer y excelente estatuas antiguas. Mediante el estudio de estas obras maestras, el joven Rubens se benefició enormemente: hay trabajos experimentales que muestran la tensión dramática de Tintoretto y los bordes duros y las sombras sombrías de Caravaggio, pero la lealtad del joven pintor ya era para Tiziano en el esplendor del mediodía de su coloración y riqueza más ricas. patrones de composición enérgicos, descentrados.
Rubens pronto fue lo que a menudo sería más tarde, un agente confidencial y diplomático, haciendo en nombre del marqués Vincenzo un viaje a España (1603) con un regalo de pinturas y caballos de pura sangre para Felipe III. El muy dañado pero aún magnífico Bautismo de Cristo , en Amberes, fue pintado para Vincenzo al regreso de Rubens. En su acento fuertemente emocional y audacia de iluminación dramática, se basa en gran medida en el estilo de Tintoretto de Pintura veneciana . Seguro en su patrocinio Mantuan, los jóvenes Rubens pintaron en Roma, Génova y Venecia, siendo recibidos en todas partes como un maestro. A fines del otoño de 1608, se corrió la voz de que su madre estaba muriendo y él regresó a Amberes. Allí fue nombrado pintor de la corte con un gran salario para el archiduque Albert e Isabella de los regentes. A la prudente edad de treinta y dos años, 1609, se casó con una joven bonnie y amable, Isabella Brandt, y comenzó una producción en cantidad de grandes imágenes sobre los más variados temas.
El retrato de él y su esposa (Pinakothek, Munich), muestra su logro en ese momento. Todo se afirma con firmeza y conocimiento, pero el método es desagradablemente lineal y el color carece de finura. Lo que lo rescata es su franqueza, carácter y vitalidad. No se puede decir mucho más que esto para los muchos retratos oficiales que pintó antes de 1520. Su mérito es el de la viveza, la claridad y una probidad no afectada. Incluso en los triunfos técnicos de su retrato posterior fue, como Fromentin señala justamente, un buen, no un gran retratista.
Sus primeras composiciones de figuras están compuestas obvia y severamente; el contorno retorcido y fibroso (posiblemente basado en un malentendido de Miguel Ángel) es positivamente feo; así es la construcción en sombra morena; El estado de ánimo es indudablemente enérgico, pero melodramáticamente y muy obviamente. En resumen, encontramos las exageraciones de un espíritu fuerte que aún no ha logrado el gusto y la disciplina.
Lo que nos parecen defectos fueron los méritos de un patrocinio que todavía admiraba a Frans Florises y estaba comprando las primeras Riberas. Y el desarrollo del propio Rubens muestra que fue crítico con su propio éxito. El dinero y la fama simplemente se vierten automáticamente. La demanda de sus grandes lienzos fue tal que tuvo que establecer lo que era prácticamente una fábrica. Él mismo suministró rápidamente pequeños bocetos de color. Estos fueron convertidos en imágenes grandes por su asistente. Él supervisó personalmente el trabajo, y a menudo agregaba los retoques de corte que le daban carácter a la imagen. La fábrica nunca se detuvo durante su vida y funcionó casi tan bien en su ausencia como cuando estuvo presente. Los pintores jóvenes solicitaron con entusiasmo este empleo. Rechazó cien de ellos. Un médico danés, Otto Sperling, visitó la fábrica en 1621 y encontró a Rubens pintando, dictando una carta, escuchando la lectura en voz alta de Tácito, pero dispuesto a responder preguntas. La anécdota sugiere la extraordinaria capacidad del maestro para una actividad receptiva y creativa sin problemas.
Estos productos de estudio revelan el gran ejecutivo en lugar de los íntimos Rubens. Para encontrar este último debemos investigar sus bocetos autográficos y las pocas imágenes grandes que son total o mayormente de su propia mano. Sin embargo, el desprecio purista general de estas imágenes delegadas es exagerado y se debe principalmente a su superabundancia en las grandes galerías. Si estos lienzos fueran raros, parecerían magistrales, porque Rubens impuso su voluntad y práctica a sus asistentes, y si nunca pintaron tan bien como él, pintaron lo suficientemente bien. Quizás para facilitar esta producción en cantidad, Rubens inventó una técnica nueva y hermosa. Donde los venecianos, sus modelos, habían dejado el diseño sólido color y terminado con esmaltes transparentes, Rubens invirtió el proceso. La imagen se colocó en colores transparentes. Cuando estos no estaban del todo secos, la preparación estaba arrugada por fuertes acentos de color sólido. Era un método expedito, que involucraba horas en las que el método veneciano había requerido días, y los toques finales que realmente establecieron la imagen podían ser hechos o corregidos rápidamente por el propio maestro. Por cierto, fue el método más duradero. Donde todos los otros lienzos contemporáneos se han oscurecido gravemente, vemos a los Rubenses prácticamente en su estado original.
Aquí y allá, en las primeras imágenes generalmente desagradables, un ojo profético podría haber discernido el dominio futuro. Uno de los mejores es Hero and Leander , pintado antes de 1505 en Italia, y ahora en Dresden. Es melodramático, pero magníficamente. El arabesco de pequeñas figuras desnudas arrojadas en un mar turbio, el enorme rompedor que se encrespa, lo veremos nuevamente años después en la Batalla de las Amazonas, el destello cruel del rayo y su reflejo desde los bordes de las nubes y las olas del mar. – Todo esto es de buena intensidad romántica. En las formas retorcidas de esta imagen hay una reminiscencia de Miguel Ángel, pero el estado de ánimo y el efecto pictórico son propios de Rubens. Era un tema al que las exageraciones de sus primeros modales se prestaban admirablemente.
Para 1615, su trigésimo séptimo año, su período experimental había terminado: se había encontrado a sí mismo. La nitidez de la transición se puede sentir vívidamente al comparar los dos trípticos famosos que flanquean el coro de la Catedral de Amberes. El Levantamiento de la Cruz , a la izquierda, todavía es temprano. Compuesta sabia y poderosamente a lo largo de las líneas asimétricas inventadas por Tiziano, es inquieta, llena de protuberancias y agujeros, exagerada en luz y sombra, sin distinción y color inarmónico. El ojo es repelido por ello. Inmediatamente después de su finalización en 1610, comenzó el Descendimiento de la Cruz . Terminó en 1614, e ilustra una reeducación completa en el gusto. El color aún no es rico ni muy fino, pero es razonablemente armonioso y dramáticamente apropiado. El diseño está realizado en línea, masa, oscuridad y luz. Aquí todo es poderoso, reservado, expresivo, concordante. Un crítico cariñoso solo pudo observar esa discordancia entre el tratamiento casi escultórico del panel central y el manejo muy pictórico de las alas. Pero, quizás erróneamente, nadie realmente ve la parte gloriosa de esta obra maestra como mera pintura. Considerado como un grupo escultórico de colores, el Descenso es magnífico. Todo refuerza por contraste o paralelismo la curva dominante dispuesta en diagonal del cuerpo suspendido. Desde el punto de vista de la narrativa, todo el mundo se trata de su trágico asunto: con modulaciones extraordinarias, desde los atletas que sostienen el cuerpo hasta el St. John, fuertemente curvado hacia atrás mientras soporta el peso, hasta el senil Joseph de Arimathea tratando de ser asistencia, finalmente a la magdalena magníficamente atenta y encantadora que recibe tiernamente los pies perforados. Uno puede imaginar la cosa más exquisitamente pintada, pero apenas más completa y sensible.
De ahora en adelante, la obra maestra siguió a la obra maestra, tantas que una se reduce a una mera enumeración. Magnífica combinación de puro atletismo y ardiente devoción en el Miraculous Draft of Fishes . Aquí no hay nada más grande que la Última Comunión de San Francisco , en la que el santo moribundo parece un corredor herido, mientras que el asiduo sacerdote y los franciscanos asistentes podrían ser sus entrenadores competentes. ¡Todo se siente más corporalmente, pero en el punto del pathos universal, por cuán transitorio es el poder y la gloria del cuerpo! Uno tiene el trabajo de un Rubens más enérgico, pelirrojo y con barba roja, lleno de simpatía y comprensión.
Todo tiene el mismo optimismo: las suposiciones y las Madonnas entronizadas se acumulan ornamentadas en los equilibrios diagonales descentrados de los venecianos; el ordeñador ordenado de maravillas técnicas como los diversos Juicios Pasados y la Batalla de las Amazonas ; las grandes cacerías de leones, lobos, densa e intrincadamente compuesta, apresurada pero rítmica; quizás el más memorable, el Lance Thrust , donde materialmente el equilibrio staccato de las diagonales es como una magnífica marcha militar, mientras que la crueldad misericordiosa de los soldados que atraviesan el costado de Cristo y rompen las piernas de un ladrón crucificado parece parte de un asunto sombrío y necesario del mundo eso continúa independientemente de los sentimientos de las Marías y las Magdalenas. De hecho, todo el panorama es más una apoteosis del poder policial que del significado teológico de la crucifixión.
Rubens es un sí que dice. Él cree en reyes y santos, en la iglesia y el estado, en la salud, la riqueza, la eficiencia corporal de hombres y mujeres. Además de creer inquebrantablemente en las cosas como son, él cree en las cosas como eran cuando los dioses y las diosas del Olimpo vivían cerca, incluso entre nosotros. Para él, parece natural que compartan con los santos la supervisión y protección de los reyes. Los dioses y diosas de la antigüedad son tan vivos y contemporáneos para él como sus propios patrones nobles y reales. Su olvido de la miseria y la sordidez que abundan en este mundo puede parecer una ceguera espiritual; Sin embargo, era su cualidad estética esencial, su forma personal de idealización. Y aquí simplemente extendió y generalizó su propio excelente optimismo y eficiencia. Las dudas y las dudas nunca suceden en su trabajo. De todos los grandes artistas, es el más extrovertido. Naturalmente, su arte es bastante difícil para las personas sensibles e introvertidas. También es medicinal para esa ternura.
Las formas pictóricas de Rubens corresponden perfectamente a sus sentimientos más profundos. El color es la frescura de la mañana, el amarillo pajizo y la rosa de los campos y jardines se asocian con el azul pálido del cielo. No hay misterio en un Rubens, solo una declaración simple y magnífica. Los patrones de composición se derivan de los equilibrios descentrados de Tiziano y los venecianos, pero la tensión es mayor, el equilibrio más dinámico, las curvas de radio más corto. Donde las curvas de Tiziano fueron detenidas por el marco, las de Rubén rebotan y vuelven a aparecer. Sus mujeres desnudas y regordetas han indignado a generaciones de amantes del arte excesivamente refinados. Sus apologistas han explicado con pesar que las mujeres flamencas eran así y que el maestro tenía que hacer lo mejor que podía con los modelos que podía obtener. Tal blanqueo superfluo ignora el hecho de que el buen artista transforma el modelo a su propio gusto, y el hecho mucho más importante de que para realizar sus ideales compositivos, Rubens habría tenido que inventar mujeres tan regordetas y rosadas incluso si Amberes no las hubiera criado en abundancia.. Por lo demás, Rubens, al igual que sus ejemplares venecianos que habitualmente compone en el espacio poco profundo, está muy poco interesado en el espacio y el factor estético. El espacio es lo que requieren las formas pintadas. y siempre es suficiente
Cabe señalar que en todas estas preferencias compositivas difiere radicalmente de los pintores barrocos, a quienes les gustaba una sensación de desbordamiento más allá del marco, y jugaba alegre y audazmente con el problema del espacio profundo. Como constructor de la figura, Rubens no tiene superior. Su volumen, equilibrio, equilibrio, peso, lo hace impecable y con suma facilidad. Su expresividad, que depende principalmente del conocimiento sano y la simpatía, depende técnicamente en gran medida de la distribución justa y delicada de luces y sombras que siempre son colores. Dicha distribución no es realista y se basa en apariencias ópticas, sino dramática y emocional. Es el elemento persistente de refinamiento en métodos que pueden parecer exageradamente robustos y casi burdos. En su última fase, su uso siempre constructivo del color será de una delicadeza inefable sin pérdida de fuerza. Lo que se ha escrito debe mostrar que cuando Sir Joshua Reynolds Encontró una fórmula simple para Rubens como fundador de la manera ornamental, expresó solo una verdad a medias, y una obvia en eso. Las fotos de Rubens, sin duda, rara vez carecen de una calidad alegre y decorativa, y siempre ofrecen mucho más.
Para hacer que este estudio analítico y quizás tedioso sea concreto y vívido, observe detenidamente una reproducción de la Violación de las hijas de Leucipo . A favor del denso equilibrio dinámico, su masividad, su patrón extrañamente pintoresco, su validez en el espacio, debemos pasar por alto algo un poco descabellado y operístico en las poses y expresiones de las mujeres. Muy característico de Rubens es la determinada decencia con la que Castor y Pollux se casan por captura. Es un residuo del decoro renacentista, y ajeno a la inteligencia y la vivacidad exagerada del barroco.
Entre 1615 y 1625, la producción y la actividad de Rubens incluyeron decenas de excelentes imágenes al año, dibujos animados para varias series de tapices (especialmente una dedicada a la vida de Aquiles), una vasta correspondencia y relaciones sociales exigentes, un estilo de vida que claramente requería un orden hábitos Así se levantó temprano en el majestuoso castillo de Steen que había construido para sí mismo cerca de Amberes. Antes de comenzar a trabajar, cabalgaba por su salud, paseaba por su colección de canicas clásicas mientras una secretaria leía en voz alta un autor latino. Estimulado su cuerpo y su mente, realizó uno de esos maravillosos bocetos; finalmente fue a la fábrica, evaluó lo que estaba pasando y retocó lo que estaba listo para la entrega. Aquí no hay nada de humor o nervios, solo una producción periodística constante, determinada, todo al menos teñido de su genio.
Un hombre tan absorto en la ciudad, la corte y los negocios difícilmente parecería calificado para la pintura de paisajes. De hecho, en la mayoría de sus fotos anteriores no parecía importarle el paisaje, dejando que sus asistentes mediocres tocaran los fondos del paisaje necesarios. Así que debe haber sido una sorpresa cuando en 1618, su cuadragésimo primer año, Rubens comenzó a pintar una serie de pequeños paisajes de una asombrosa frescura y simpatía. Entonces no fue tan extenuante lidiar con formas difíciles como Pieter Bruegel había emprendido y Jakob Ruysdael pronto lo intentaría. El método fue suelto, incompleto, improvisado. Pero produjo asombrosamente lo que nadie antes, excepto Tiziano, había adivinado: la sensación de exuberancia, humedad, interacción de luces y sombras, movimiento de nubes, viento en los árboles. Todo esto se realizó con tintes vivos, evitando los contrastes agudos. Esta nueva fase debe ocuparnos más en detalle cuando consideramos los paisajes aún más animados y sensibles de los últimos años de Rubens. Mientras tanto, estos primeros paisajes pueden mostrar que Rubens, mayorista de grandes lienzos, nunca cayó en la rutina y mantuvo hasta el final su capacidad de sorpresa y asombro.
Fue característico de la suerte que alguna vez asistió a los pasos de Rubens que su mayor y más duradera comisión, la decoración de la gran galería del Palacio de Luxemburgo, le llegó cuando estaba en el apogeo de sus poderes. En 1621, el cuadragésimo cuarto año de Rubens, la reina regente nacida en Italia, Marie de Medicis, llamó a Rubens a París para adornar su nuevo palacio. Sin duda los veintiún temas fueron arreglados. Para un pintor moderno, los temas parecerían inútiles: Henri IV se enamora de la imagen de Marie ; Marie desembarca en Marsella ; Marie lleva a Louis XII ; Henri IV deja a Marie para las guerras holandesas ; El reinado de Marie es benéfico ; Louis XII alcanza la mayoría de edad ; Marie, en desacuerdo con el Rey, se va de París ; este era el tipo de cosas con las que Rubens tuvo que luchar.
Hizo la serie rica, emocionante, inmensamente pintoresca y decorativa por el recurso convencional de alistar a los dioses y diosas. Generalmente están presentes: los destinos predicen la fama de Marie; las gracias que presiden su educación; las Virtudes que apoyan su influencia benéfica; Minerva incita a Henri IV a enamorarse de la foto de Marie; y nuevamente sosteniendo a Marie mientras se va al exilio. Ahora este entretejido de los intereses humanos y olímpicos se ha intentado miles de veces en pintura y poesía, y generalmente con un éxito muy calificado o a costa de la artificialidad y la falta de sinceridad. La única esperanza de llevarlo a cabo es que el artista cree en sus dioses y diosas, reyes y reinas. Rubens sí lo creía, y el resultado en la pintura es un país de las hadas robusto y verídico con un toque de personas reales involucradas y de grandes problemas en juego.
Peter Paul Rubens no criticaba a los grandes de la tierra, ni tampoco a las instituciones existentes. Los aceptó y los aprobó con entusiasmo. Amaba su poder y su pompa, realmente era parte de él mismo, y con orgullo. y el Medicis La serie es realmente una confesión de su fe mundana. Es fácil para el radicalismo moderno gravarlo con falta de imaginación o incluso con simpatía. Pero esto es sabiduría o retrospectiva y extremadamente injusto. En el culto a la realeza de Rubens había más que interés propio. Su imaginación era realmente muy amplia y, dado el momento, profundamente justa. El creciente poder dinástico parecía prometer el fin de los desórdenes que habían perturbado el siglo XVI, la composición de feudos religiosos, el surgimiento de naciones fuertes y sabias, la creación de una solidaridad europea. Tales visiones se habían planteado ante el esposo de Marie de Medicis, Henri IV, y el pintor cosmopolita sin duda vio algo profético en la continuación de la obra de un gran rey francés por una reina regente italiana. En resumen, quien siente que hay una falta de visión imaginativa y fervor en las aparentes artificialidades de la serie Medicis lee mal estas imágenes.
En el aspecto técnico y decorativo, esta introducción de los olímpicos en la corte francesa ofreció distintas oportunidades. Un gran diseñador y colorista podría jugar a voluntad con disfraces ornamentados, desnudos rosados, cortinas leves, retratos sonoros, tipos generalizados. Además, su uso de estos ingredientes varía con tacto. Tenemos pura mitología y el heroico desnudo en los paneles altos con los que comienza y termina la serie: el Destino de Marie , el triunfo de la verdad . En los largos paneles cerca del centro, el Apoteosis y el Reino de Marie, tenemos un simbolismo y una mitología casi puros. Y la distribución habitual más bien uniforme de figuras reales y mitológicas en estos grandes lienzos está marcada de manera efectiva por narraciones puras, llamadas a la tierra por así decirlo. Tales son Marie’s Marriage by Proxy , Henri IV’s Departure for the Dutch Wars ; e incluso en el vuelo de Marie , lo que cuenta no es la escolta de Minerva y sus genios, sino más bien la triste dignidad de Marie, la cortesía asidua de su fantástico campeón, el duque de Eperon, y la agitación de su soldado. Rubens ha sido muy hábil y sensible al crear no solo muchas variaciones de elementos compositivos, sino también muchos niveles de interés emocional.
Un panel útil para estudiar es The Debarkation of Marie at Marseilles . Detrás de la popa del barco y debajo de la pasarela, cinco criaturas marinas lujuriosas se alegran de que el mar haya entregado a la nueva reina a su destino. ¡Magnífico, las tres nereidas exultantes completamente pintadas, o pintadas en exceso, por la mano de Rubens! Arriba, la elegante figura de la reina se mantiene firme en medio de una maraña romántica de marquesinas, ondeantes banderas, caballeros, damas, divinidades acogedoras. Todo aquí es extraño y aéreo y, sin embargo, específicamente cortesano, casi de otro mundo. Parece que el aire, con el mar, vibró poderosamente en simpatía con el evento. En toda la historia de la pintura, el ojo rara vez encontrará algo tan noblemente festivo, tan alegre en color, de una belleza tan extrañamente concebida. Seguramente, mientras diseñaba y pintaba esta obra maestra, Rubens creía hasta el fondo de su corazón cortesano que el desembarco de Marie en Francia fue un evento profundamente importante y auspicioso, y, aunque la historia ha registrado sus reservas, no lo ha desmentido por completo.
Naturalmente, hay algunos desniveles de invención y ejecución en estos 21 grandes paneles, pero es injusto confundirlos con el rendimiento promedio de la fábrica. Rubens prestó especial atención a su composición, trasladándose de Amberes a París a medida que avanzaba el trabajo. Retocó los lienzos cuando estaban terminando en el estudio, y nuevamente después de que estaban en su lugar. Entonces, aunque inevitablemente carecen de la exquisitez integral de las pequeñas imágenes autográficas de sus últimos años, revelan en su conjunto lo que uno puede llamar los méritos públicos y cívicos de su arte en su punto álgido. Virtualmente marcan la culminación y el final de esta fase de su creación. Me imagino que los tres años entre 1622 y 1625, cuando este trabajo estaba en progreso, fueron los años que más le gustaba recordar cuando la vejez cayó prematuramente sobre él.Todavía tenía que hacer un trabajo público de un tipo notable, pero en sus últimos años es excepcional. Su máxima perfección de pintor se logró trabajando para sí mismo, en una especie de amateurismo sublimado. El gran salón adornado y ennoblecido por estas imágenes se abrió formalmente en mayo de 1625, en lo que resultó ser una ocasión desfavorable: el matrimonio de la hija de Marie, Henrietta Maria, con el desventurado Carlos I de Inglaterra.
Aproximadamente un año después, la esposa de Rubens murió. Sus cartas sobre ella hablan de respeto y honor. Su vitalidad y buen sentido habían sido el apoyo de su gran esfuerzo. Había niños bien desarrollados para evitar que el castillo de Steen se sintiera completamente solo. Durante tres años, Rubens produjo poco, principalmente arte religioso. Las características son la Asunción , en la Catedral de Amberes, y la Virgen entronizada con los Santos , en San Agustín. Aquí las composiciones diagonales de Tiziano son el modelo, pero están elaboradas en un sentido florido y espectacular que es propio de Rubens. Algo de ese glamour generalizado que notamos en el Desembarco de Marie continúa sin mucho cambio en estos temas sagrados. La iluminación es teatral, pero muy expresiva. Algunos disparos en su arte son sugeridos por la irregularidad de los quince diseños para su trabajo principal de arte de tapiz , narrando la historia de la Eucaristía, 1625-1628. Aquí la culpabilidad puede ser la refractaria de muchos de los temas en lugar de fallar en la inspiración. Pero, en general, parecía que Ruben a los cincuenta había alcanzado un límite, y ahora solo podía repetirse, a menos que algún evento afortunado lo inspirara a un nuevo comienzo. La renovación se ofreció rápidamente en forma de, primero, una misión diplomática en España, y luego, volverse a casar, con una joven encantadora y amable.
A mediados del verano, el duque de Buckingham, el hábil e inescrupuloso favorito de Carlos I, designó a Rubens como enviado especial a Madrid para hacer las paces entre Inglaterra y España. Pasó algunos meses en Madrid y mientras cumplía su misión diplomática pintó muchos cuadros. En particular, estudió e incluso copió con admiración inteligente la pintura ligera y atmosférica de la última manera de Tiziano. Intentó emular su unidad técnica y espiritual, cualidades que iban más allá de la brillantez sana de su propia pintura. Sin duda, compartió tales estudios con un prometedor y joven pintor de la corte, Diego Velásguez, quien a su vez debía asimilar la fuerza del anciano Tiziano.
El sabor completo de los estudios españoles de Rubens se puede ver en el boceto de composición en Princeton que representa la muerte de Adonis . Dado que el panorama general de un asistente mediocre es, o fue recientemente, en Madrid, podemos suponer que allí se hizo el boceto, y el estilo de esta pequeña obra maestra sugiere este período. Está punteado en tonos apagados de amarillo pálido, rosa, azul, que parecen más savia de flores que pigmentos más materiales, pintados sin nada, pero representa con verdad y vigor el columpio de árboles y nubes y las acciones más vehementes de los hombres. y bestias, y la inextricable corpulencia sobre el cadáver de Adonis está tejida en un orden estable y encantador.
En abril de 1629, Rubens navegó hacia Inglaterra con un título de nobleza de Felipe IV en su cartera y un título honorífico en perspectiva de Cambridge. Durante unos siete meses continuó con éxito decreciente sus actividades de paz, fue recibido en la corte y regresó al solitario Chateau de Steen con una comisión para decorar el gran techo del nuevo palacio palladiano de Whitehall, diseñado por Iñigo Jones (1573-1652). A mediados del invierno de 1630, cuando tenía cincuenta y dos años, se casó con una chica rolliza y amable a quien conocía desde su infancia, Helene Fourment. Hay un personal pintura de género en la Pinakothek de Múnich, pintada unos meses después del matrimonio, lo que cuenta gran parte de su nueva felicidad. El artista caballeroso y bien conservado está paseando por el sombrío parterre ante la logia de su mansión de campo. Helene, con un gran sombrero y un gran abanico de plumas, nos mira sonriente mientras se mueve con confianza con su famoso hombre. Hay una sugerencia de todas las comodidades: los árboles jóvenes proyectan una agradable sombra deslumbrante; una criada alimenta a los pavos reales; una página, tal vez su hijastro, atiende a Helene con deferencia; un perro setter se apresura a unirse a su amo; a través de una puerta peatonal se sienten alegrías más frías y apartadas debajo de los árboles y entre los setos bien cuidados. ¡Qué visión del verano indio de un gran genio!
En lo sucesivo, Helene aparece a menudo en su pintura, en cada variedad de vestimenta suntuosa, ligeramente vestida como un símbolo de esto o aquello, ocasionalmente en su gloriosa desnudez. Uno siente la pasión de Rubens por su hermosa forma, pero la siente sublimada y ennoblecida. No hay malicia ni insinuaciones acerca de este viejo amante de una joven que cronológicamente podría haber sido una hija menor. Seguirá obteniendo grandes encargos públicos: la decoración del techo de Whitehall, después de 1630, no es la mejor, pero después de trescientos años sigue siendo la obra decorativa más notable de Inglaterra; el escenario para la entrada triunfal del cardenal, el príncipe Fernando; las decoraciones para el palacio de Guillermo de Orange en La Haya, pero su trabajo característico es ahora retratos privados de Helene, mitologías que celebran su belleza desnuda, bailes campesinos, fiestas en el jardín de patricios, y sobre todo, paisajes del encanto más fresco y etéreo. El método ahora está sublimado. Un tono transparente que no es gris ni amarillo aquí y allá se enfría en azul y se enrojece en rosa pálido. Ya no parece pintura, sino como los tintes y texturas cambiantes de una nube que se mueve suavemente, al amanecer.
La más famosa de estas fotos de su prematura vejez es Helene con sus Dos hijos, en París. Combina con la veracidad casual de una instantánea el manejo más exquisito de los tintes rubios, mientras que detrás está el orgullo y la alegría de un esposo y padre de edad en una felicidad inesperada y prestada. Admirables en este momento son las dos versiones del Juicio de París . Una comparación de la versión anterior de 1633 (National Gallery, Londres) con la versión posterior de 1635 (Prado, Madrid), muestra cómo su arte creció en ardor y grandeza a medida que disminuía su fuerza. Nada es más bello entre las mitologías de este tipo maduro que el pequeño boceto de Diana y Endymion , en la Galería Nacional de Londres. En él se presagia por completo la sensualidad ardiente e inocente del estilo rococó. popularizado por Watteau (1684-1721), Boucher (1703-1770), Fragonard (1732-1806) a un siglo y medio de distancia.
Hay una nueva nota en las dos imágenes del Jardín del Amor (Prado, Madrid), y en la colección del barón Edmund Rothschild, en París. Las mujeres ricamente vestidas se relajan a gusto, pero expectantes, mientras que algunos grandes caballeros se entretienen con las mujeres hermosas cuya expectativa se ha cumplido. Arriba, ante un portal señorial y rústico, pequeñas criaturas aladas se ciernen y ofrecen flores. Rubens y su joven esposa, Helene, se ven abrazados a la derecha. Todo esto simplemente debe sublimarse en un sentido melancólico, y tendrá las Fetes Galantes del pintor francés rococó Antoine Watteau.
En contraste con estas alegrías sociales calificadas por la etiqueta cortesana, se encuentra el enérgico y picante Kermesse campesino ( Louvre, Paris ), y la versión aún más fina, porque es más simple y lúcida, ahora en el Prado, Madrid. Es como si el cansado cortesano encontrara entusiasmo indirecto en estos transportes muy corporales de gente sencilla en juegos desinhibidos. En sus años de fortaleza, tales temas no le atrajeron, y están ausentes.
¡Cómo elegir entre la docena de grandes paisajes con los que Rubens solacó sus ojos cansados! La promesa en los paisajes de quince años antes está más que cumplida. Estos no son retratos de lugares, sino espacios que palpitan con aire, luz y sensación de cosas en crecimiento. Algunos críticos prefieren la grave simplicidad del pequeño Moonlight Landscape en la Colección Mond, Londres. Camille Corot ya está implícito en ello. Otros aman el paisaje con Chateau Steen , (National Gallery, Londres) con sus detalles increíblemente ricos y atentos, su sentido del trabajo y la habitación, como un Old Bruegel destilado en una esencia más sutil. Y hay otras obras igualmente bellas, como el Sunset (National Gallery, Londres), o el Paisaje con un molino de viento o el Paisaje con un arco iris (Louvre, París), o el naufragio más abiertamente romántico de Eneas , en Berlín. Estas improvisaciones de los años fallidos de Rubens le darán fórmulas vitales a Watteau y Gainsborough , deslumbrará e instruirá al gran William Turner y John Constable .
El idilio tardío en el castillo de Steen debía ser breve. En 1635 Rubens se retiró. Tenía solo 58 años, lo que ha sido el primer apogeo de muchos pintores, pero su incesante actividad le había contado. Hay una media longitud Auto retrato en Viena, pintó uno o dos años antes de morir. Rubens se mantiene erguido, pero con dificultad; la gota lo había devastado. La cara se ha puesto de sufrimiento; los ojos son opacos; la fina mano descansa flojamente sobre la empuñadura del estoque. Rubens era eminentemente cristiano, y se preparó suntuosamente para su último descanso pintando un retablo por su capilla en la Iglesia de Santiago, en la que planeaba ser enterrado. La Madonna, una idealización de Helene, al estilo veneciano, está entronizada entre los santos asistentes. Su hijo es un retrato del hijo pequeño de Helene. Los santos son magníficos. San Mateo, medio desnudo y ferozmente extasiado, mira por encima del hombro al espectador mientras blande su brazo hacia Mary. La mujer de cabello oscuro con el pecho expuesto y los pies descalzos encantadores, que se acerca modestamente a la Virgen, parece ser la Magdalena, y probablemente proviene de una de las hermanas de Helene. Detrás de ella, el propio Rubens, con una espléndida armadura de placas, asume el papel del caballeroso San Jorge, sosteniendo en posición vertical el estandarte de su vencedor; mientras el dragón perforado yace inerte a sus pies.La dedicación de tal imagen es al valor y la fuerza moral de los hombres y a la gentileza y devoción de las mujeres. Esto puede parecer el credo de Rubens, y por eso eligió ser recordado.
Rubens nunca ha sido olvidado. La cordura y la animación de su personaje han seguido siendo ejemplares. La franqueza y la habilidad de su manejo no tenían nada de oscuro. Podría ser, y fue, imitado con resultados fructíferos. Lo que Sir Joshua Reynolds llamaba de manera algo despectiva al estilo ornamental era ser útil y normativo, generación por generación, para pintores de tipo extrovertido y que aceptaban la vida. La influencia de Rubens estaba muy viva en las exuberantes composiciones de ese gran maestro de Impresionismo – Pierre-Auguste Renoir , y habrá sucesores de Renoir que verán que una tradición tan preciosa no morirá. Tiziano y Rubens son los pilares de la pintura post-renacentista, en la medida en que busca el equilibrio entre la observación, la decoración y el contenido. Esta es la tradición central, con varios tipos de clasicismo a la derecha y varios tipos de realismo óptico a la izquierda. No es un pequeño servicio al arte haber marcado ese camino medio ancho que el artista promedio, como el ser humano promedio, puede recorrer de manera más rentable. En Rubens encontramos que incluso el equilibrio entre habilidad manual y buen juicio que Leonardo da Vinci considerado como la calidad del verdadero gran artista.
Las obras de Peter Paul Rubens se pueden ver en el mejores museos de arte alrededor del mundo.
Lea sobre el sucesor de Rubens, Jacob Jordaens (1593-1678), como el principal pintor barroco flamenco en Amberes.
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