Pablo Picasso Traductor traducir

La mayor figura de la pintura española moderna, Pablo Picasso, uno de los inventores (con Braque) del cubismo, se cuenta entre los mejores artistas del siglo XX y debe ser uno de los artistas más influyentes de la historia del arte . Influido por el Impresionismo francés y por varios pintores expresionistas, rechazó las opiniones de Matisse sobre la importancia y el papel primordiales del color y se centró en nuevas formas pictóricas de representar la forma y el espacio. Esto le llevó, en colaboración con Georges Braque, a desarrollar un movimiento totalmente nuevo, el Cubismo, que rápidamente se convirtió en la vanguardia del arte moderno .

Galería: 3.500 pinturas y dibujos de Pablo Picasso (ext)

La obra de Picasso muestra diferentes estilos, especialmente el Expresionismo, y abarca varios periodos como el Periodo Azul, el Periodo Rosa, su época Negro, el Cubismo y el Neoclasicismo. También fue una figura destacada de la Escuela de París, un grupo muy unido de artistas que trabajaban en París. Entre las principales obras maestras de Picasso figuran «Las señoritas de Avignon» (1907, MoMA, Nueva York), «Guernica» (Reina Sofía, Madrid) y «Llorona» (1937, Tate Collection). Muchos de los cuadros más famosos de Picasso están disponibles como grabados en forma de pósters .

A pesar de su asociación con el cubismo y el arte abstracto moderno del siglo XX, Pablo Picasso siguió siendo una creación del siglo XIX. Se puede argumentar que tanto su arte como su pensamiento son esencialmente el producto del Romanticismo y el Expresionismo del siglo XIX. El movimiento romántico hace referencia a un estilo cultural que se originó a finales del siglo XVIII, un periodo dominado por la Ilustración, un estado de ánimo y un sistema de valores surgidos de los avances científicos y de la creencia en la razón y la racionalización. Los románticos se opusieron a este enfoque racional, destacando el valor de la emoción, la estética y la imaginación. En las artes visuales, como la pintura, esto llevó al artista a alejarse de la copia de la naturaleza y a la autoexpresión, que en el caso de Picasso desembocó en el expresionismo pleno de sus periodos «Azul» y «Rosa», el moderno Expresionismo alemán de la década de 1900. Para más información sobre los vínculos de Picasso con el expresionismo y el contexto de su contribución, véase Historia de la pintura expresionista (c. 1880-1930).

La etapa final de este desarrollo sería el arte abstracto, en el que el Cubismo de Pablo Picasso desempeñaría un papel clave.

Biografía

Los primeros cuarenta años de la obra de Pablo Picasso pueden dividirse en periodos relativamente distintos pero superpuestos. Se trata de su Periodo azul (c. 1901-1904), el Periodo rosa (c. 1905-1907), el Periodo influenciado por el arte africano ) epoque negre) (c. 1907), el Cubismo prototípico (c. 1908-1909), el Cubismo analítico (c. 1909-1912) y el Cubismo sintético (c. 1912-1919).

El Periodo Azul (c. 1901-4)

En el Periodo Azul, influido por el suicidio de su amigo Carlos Casagemas, representa el mundo de los pobres parisinos. Se trata de cuadros austeros y melancólicos de prostitutas y mendigos, pintados en colores azul y azul verdoso, con la piel blanca, al estilo de El Greco (como La Vie, El viejo guitarrista, El frugal banquete, La comida del ciego, Celestina). Sus primeros días en París estuvieron marcados por la pobreza, lo que puede haber contribuido a la melancolía y los temas de su obra.

El Periodo Rosa (c. 1905-7)

Durante el Periodo Rosa, Picasso empezó a utilizar una paleta más clara con naranjas, delicados olivos y rosas, que hacían sus cuadros más alegres. Un buen ejemplo es el cuadro Muchacho con pipa ) Garçon avec Pipe) (1905, colección privada). Una de las razones de este enfoque más extravagante fue su cálida relación con Fernande Olivier, así como su creciente familiaridad con la pintura francesa y otros artistas. De hecho, el estudio parisino de Picasso atrajo a varias de las principales figuras del arte de vanguardia de la época, como Matisse, Braque y Gertrude Stein. Véase, por ejemplo, su Retrato de Gertrude Stein (1906, Metropolitan Museum of Art).

Sin embargo, a pesar del marcado aumento del color en el «Periodo Rosa», cuando los rosas y los marrones claros sustituyen a algunos azules, el estilo melancólico de Picasso no se evaporó con el final del «Periodo Azul». Por ejemplo, «Acróbata» y «Arlequín joven» siguen mostrando tristeza, aunque sin luto. De hecho, muchos de los contemporáneos de Picasso no distinguían entre los periodos azul y rosa, sino que los trataban como una sola época. Pero el periodo rosa marca el final de su pintura de figuras realista . A partir de este momento, su pintura adquiere un estilo más intelectual -más preocupado por la forma que por el realismo- y se acerca al cubismo.

El periodo africano (c. 1907)

El periodo de influencia africana de Picasso ) epoque negre), durante el cual se inspira en el arte tribal africano, comienza con las dos figuras de la derecha de su cuadro «Avignon Demoiselles», inspiradas en objetos africanos.

«Las señoritas de Avignon» es un cuadro que marcó un hito en el desarrollo del arte moderno, que supuso una ruptura radical con las ideas artísticas de épocas anteriores y anunció la llegada de un nuevo movimiento artístico (el cubismo), así como el nacimiento de la abstracción moderna. La influencia de Paul Cézanne y de la escultura africana es visible en sus formas fragmentarias y sus distorsiones sin precedentes. Para más detalles, véase: Primitivismo/Arte primitivo .

El cuadro representa a cinco prostitutas en un burdel de la calle Avignon de Barcelona, representándolas desde varios ángulos, lo que se convirtió en uno de los rasgos característicos del cubismo. El cuadro supuso una ruptura fundamental con los principios del arte naturalista tradicional -en particular, rechazó el uso de la perspectiva- y representó una forma totalmente diferente de pintar. Los predecesores de Picasso -ya pintaran retratos o paisajes- seguían centrados en representar la naturaleza tal y como la veían, mientras que en «Avignon Demoiselles» Picasso pretendía representar objetos tridimensionales en un lienzo plano de dos dimensiones.

La relativa falta de redondez de las formas y los fragmentos en forma de rompecabezas indican la dirección abstracta que estaba tomando su pintura. Mientras tanto, otro artista pensaba en la misma línea: se llamaba Georges Braque . Se conocieron en París en 1908 y colaboraron estrechamente durante varios años.

Nacimiento del Cubismo (c. 1908-9)

En 1908, influidos por las pinturas de paisajes geométricos de Paul Cézanne al estilo de Montaigne-Saint-Victoire, así como por su obra maestra «Les Grandes Baigneuses» ) Les Grandes Baigneuses) Picasso y Braque pintaron una serie de paisajes muy similares a los de Cézanne, tanto por sus colores (verde oscuro, marrón claro) como por sus formas geométricas simplificadas. Pintaron casas en forma de cubos tridimensionales. En 1909, el crítico de arte francés Louis Vauxcelles pensaba en estas pinturas cuando utilizó la expresión «bizarreries cubiques», que dio lugar a la adopción de la palabra cubismo . Este estilo se refinó posteriormente para convertirse en cubismo analítico.

Por esta época, Daniel-Henry Kahnweiler (1884-1979) se convirtió en marchante y agente de arte de Picasso. Más tarde le sucederían Léonce Rosenberg (1879-1947) y su hermano menor pero más inteligente Paul Rosenberg (1881-1959).

Retrato de Ambroise Vollard (1910) es uno de los primeros ejemplos completos del nuevo cubismo analítico riguroso. En este cuadro, Picasso ha deconstruido la figura humana en una serie de placas geométricas planas y transparentes que se superponen y se cruzan en diferentes ángulos. Ahora, de repente, todos los «cubos» del prototipo anterior de la pintura cubista han desaparecido.

El Cubismo analítico, la forma más compleja de arte, es la etapa más rigurosa e intelectual del movimiento cubista. En este periodo, las formas de los objetos representados se diseccionan en un gran número de pequeños e intrincados planos opacos y transparentes articulados que se funden entre sí y con el espacio circundante. Los cuadros del Cubismo analítico suelen estar ejecutados en monocromo, sin colores brillantes .

Cubismo sintético (c. 1912-19)

Durante la fase del Cubismo sintético, las formas de Picasso se hicieron más grandes y más representativas, y los motivos decorativos planos y de colores brillantes sustituyeron a las composiciones anteriores, más estrictas. Entre las nuevas técnicas adoptadas por Picasso en sus obras de este periodo se incluye el pegado de fragmentos de papel recortados (como papel pintado o trozos de periódico) en las composiciones, lo que marca el primer uso importante del collage y el papier-collé en las artes visuales. Ejemplos de sus obras cubistas de esta época son Naturaleza muerta con silla rodante, y Guitarra . En esta época, otros talentosos artistas cubistas ya habían adoptado el nuevo estilo .

Periodo neoclásico

Desde 1906 hasta mediados de la década de 1920, Picasso pintó, paralelamente al cubismo abstracto, una serie de figuras, retratos y bodegones neoclásicos. (Para más información, véase: Los cuadros neoclásicos de Picasso). Entre sus cuadros neoclásicos más famosos se encuentran: Dos mujeres desnudas (1906), Mujer sentada (Picasso) (1920), La gran bañista (1921), Mujer de blanco (1923) y un cuadro mitológico en miniatura pintado al gouache Dos mujeres corriendo en la playa (carrera) (1922). Para una prehistoria de este Clasicismo, y una explicación de cómo puede conciliarse con su estilo abstracto de pintura cubista analítica y sintética, véase: El renacimiento clásico en el arte moderno (c. 1900-30).

Guernica

La Guerra Civil española (1936-1939) dio lugar a su segundo cuadro de referencia, Guernica, que representa el bombardeo de Guernica por la Alemania nazi el 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española.

«Guernica» está considerada una de las mayores pinturas modernas, es un enorme mural en blanco y negro que mide 3 metros de alto por 7 metros de ancho. Representa una escena de muerte, violencia, crueldad, sufrimiento e impotencia, sin tener en cuenta sus causas inmediatas.

«Guernica» se expuso originalmente en julio de 1937 en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París. Posteriormente, a petición de Picasso, fue trasladado al Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York hasta su devolución a España en 1981. Una copia del cuadro de Picasso «Guernica» (en marrón y fondo blanco) está expuesta en el edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, a la entrada de la Sala del Consejo de Seguridad.

En 1947, Picasso se trasladó al sur de Francia, donde trabajó sin descanso en escultura, cerámica y artes gráficas, produciendo miles de magníficos dibujos, ilustraciones y escenografías. Realizó un gran mural para el edificio de la UNESCO en París, así como el Chicago de Picasso -actualmente uno de los monumentos más reconocibles del centro de Chicago- y creó brillantes variaciones sobre la obra de otros maestros, como Goya, Poussin, Manet, Courbet Delacroix y Velázquez. Murió en 1973.

Los cuadros de Picasso cuelgan en importantes museos de arte y galerías contemporáneas de todo el mundo, y tres de sus cuadros se han vendido por más de 50 millones de dólares - Niño con pipa, (104 millones de dólares, 2004); Dora Maar con gato (95,2 millones de dólares, 2006); Mujer con pulseras, (55 millones de dólares, 2000).

Además de crear algunas de las pinturas más influyentes del siglo XX, la capacidad inventiva de Picasso le llevó a trabajar en muchos otros campos, como dibujo, escultura, litografía, linograbados, decoración de ballet y cerámica .

Picasso - una visión general de su vida y obra

Picasso es considerado uno de los mejores artistas de todos los tiempos y sin duda el artista más importante de la era modernista. A pesar de ello, gran parte de su obra sigue siendo controvertida. Muchos autores que han escrito sobre él se caracterizan por una tendencia a descartar uno u otro aspecto de su inmensa obra para centrarse en algún núcleo central que, sin embargo, parece destinado a permanecer indefinido. Lo mismo puede decirse de la biografía de Picasso, llena de perspectivas cambiantes.

Aunque en su juventud estuvo estrechamente vinculado a la cultura catalana, Picasso no nació en Cataluña, sino en Málaga, en 1881, y vivió en esa ciudad hasta los diez años. El apellido de Picasso procedía de su madre, no de su padre, Don José Ruiz Blasco, pintor académico de talento mediocre y profesor profesional de dibujo. Tras abandonar Málaga, la familia pasó cuatro años en Coruña hasta que Don José fue nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, la ciudad culturalmente más activa de España.

El talento artístico de Picasso se desarrolló con gran rapidez -parece que nunca fue un «niño artista»- y dominó rápidamente el estilo académico establecido de la época. Como su padre ya era artista profesional, no encontró obstáculos para seguir una carrera artística: se cuenta que su padre quedó tan impresionado por el talento de su hijo que le entregó ceremoniosamente una paleta y pinceles. Picasso estudió en la Academia de Barcelona y también, brevemente, en la Real Academia de San Fernando de Madrid, pero ninguna de estas instituciones pudo enseñarle gran cosa.

De joven, en Barcelona, entró a formar parte de un círculo de artistas e intelectuales de principios de siglo, que se reunían en una taberna llamada Els Quatre Gats («Cuatro Gatos», en catalán). La obra de Picasso en esta época está influida por artistas franceses que retratan la vida urbana, como Steinlen y Toulouse-Lautrec .

En 1900 Picasso realiza su primera visita a París en compañía de Carlos Casamegas, otro joven artista del mismo grupo de Barcelona. El suicidio de Casamegas (debido a su impotencia y a un amor no correspondido) fue la inspiración de los cuadros «del Periodo Azul de Picasso», que se convirtieron en su declaración de independencia artística. En los primeros años del siglo viaja entre París, Madrid y Barcelona.

En 1901, el astuto marchante Ambroise Vollard (1866-1939) le ofrece una exposición individual, que le granjea la amistad del poeta Max Jacob (hasta entonces, su círculo parisino estaba formado casi exclusivamente por emigrantes españoles). Jacob le presentó a otros escritores, en particular Guillaume Apollinaire (1880-1918). Finalmente, en 1904 Picasso se instaló en París, en un destartalado estudio conocido como Bateau-Lavoir por su extraño parecido con las barcas que entonces se utilizaban para lavar la ropa en el Sena, y pronto se convirtió en el centro de un círculo de artistas y poetas de vanguardia. Encontró una amante, Fernande Olivier, que más tarde escribió un libro de memorias sobre la época, y se granjeó la amistad de la escritora y coleccionista estadounidense Gertrude Stein. Fernanda describió el aspecto de Picasso en aquella época:

Pequeño, negro, de complexión densa, inquieto, ansioso, con ojos oscuros, profundos, penetrantes, extraños, casi estrellados. Gestos torpes, manos de mujer, mal vestido, mal arreglado. Un grueso mechón de pelo, negro y brillante, le cruza la frente inteligente y obstinada.

El Periodo azul evolucionó hacia el menos lúgubre pero aún melancólico Periodo rosa, y dio paso a la serie de Saltimbancas, tiernos cuadros de artistas circenses y ambulantes, con ecos del simbolismo académico Puvis de Chavannes . En 1906, Picasso los abandonó para pintar algunos cuadros marcados por un fuerte primitivismo. En los meses siguientes dieron lugar a una extraordinaria explosión creativa. En 1906-7, Picasso pintó quizá su cuadro más famoso, «Las doncellas de Avignon». Este feroz grupo de mujeres desnudas fue calificado jocosamente por el poeta André Salmon por su pretencioso parecido con las ocupantes de un burdel de clase particularmente baja de Barcelona. Escandalizó a las pocas personas que lo vieron en el estudio de Picasso: Braque, por ejemplo, dijo que Picasso quería que la gente cambiara una dieta normal por una dieta de toalla y lino (aunque él mismo pintó un cuadro similar de un desnudo poco después).

Un ingrediente «de las Demoiselles» fueron las obras tardías de Cézanne. Otro era el arte del África negra. Por un momento es África la que triunfa, y Picasso entra en lo que se ha llamado su periodo negro (epoque negre). A continuación se produjo otro cambio decisivo: el desarrollo del cubismo analítico, que Picasso creó en colaboración con Braque. El cubismo se diferenciaba de los estilos anteriores de Picasso en que poseía una gramática formal compleja, una forma de codificar la visibilidad que se convirtió en un nuevo lenguaje para toda una generación de pintores abstraccionistas . Durante mucho tiempo fueron estos seguidores los representantes públicos del cubismo, ya que Picasso y Braque eran reacios a exponer sus obras en los grandes salones parisinos, donde solían debutar los nuevos experimentos estilísticos.

No obstante, Picasso se había forjado una sólida reputación entre el reducido círculo de personas que le importaban -comerciantes, coleccionistas y críticos de arte - y en 1909 su negocio iba lo suficientemente bien como para trasladarse a un estudio nuevo y más cómodo en el Boulevard de Clichy. En 1911, el fotógrafo y marchante de arte moderno estadounidense Alfred Stieglitz (1864-1946) organizó una exposición individual de Picasso en su galería «291» de la Quinta Avenida de Nueva York. Fue la primera exposición individual del español en América. En 1912 deja a Fernanda Olivier por una nueva amante, Eva (Marcelle Humbert). Es la única de las compañeras de Picasso que no le inspiró una serie de retratos, aunque su nombre o la frase «Ma Jolie» que se refiere a ella se encuentran en varios cuadros cubistas.

En agosto de 1914, la relación entre Picasso y Braque se interrumpe al estallar la guerra. Picasso, como ciudadano español, no estaba obligado a servir, y permaneció en la gris y lúgubre París. En otoño de 1915 murió Eva, y poco después Picasso se trasladó a Monrouge, en las afueras. Afortunadamente, el alegre empresario ruso Sergei Diaghilev le sacó de su depresión invitándole, por sugerencia de Cocteau, a Roma para colaborar en un nuevo ballet «Desfile» .

A su llegada a Roma, Picasso se relacionó estrechamente con la compañía de Diaghilev, que formaba su propio pequeño mundo, y pronto se enamoró de uno de los miembros del cuerpo de ballet , Olga Kokhlova, hija de un general ruso . En 1917 acompañó al ballet a España, y en 1918 él y Olga regresaron a París mientras los demás miembros de los Ballets Rusos viajaban a Sudamérica. En julio se casaron. Olga tenía los gustos burgueses habituales y alquilaron un elegante piso en la Rue de la Boétie. Durante algún tiempo, Picasso se familiariza con la vida de la moda en París y en la Costa Azul. En 1921 nace su primer hijo, Paulo.

Picasso inicia una nueva etapa estilística, el periodo neoclásico, un retorno al mundo antiguo que había fascinado a Poussin y Engra. Esto chocó a algunos de sus antiguos amigos vanguardistas, que lo atribuyeron a su conexión con el mundo de la moda a través de Olga. Pero también siguió con astucia las travesuras de los artistas del dadaísmo, y luego del sucesor del dadaísmo, el surrealismo . El estilo de vida del que Olga había disfrutado pronto empezó a deteriorarse, al igual que sus celos obsesivos.

A principios de los años treinta, Picasso reanuda sus vínculos con España. En 1933 visitó a su familia en Barcelona, y en 1934 realizó una visita más larga. En 1936, año del estallido de la guerra civil, un grupo de jóvenes admiradores le organiza una exposición en Barcelona, la primera en España desde hacía un cuarto de siglo. Durante la guerra, sus simpatías estaban del lado republicano, y el gobierno republicano era consciente de la importancia que tenía para ellos. El gobierno republicano era consciente de la importancia que tenía para ellos y le otorgó el cargo de director honorario del Museo del Prado . En respuesta, Picasso pintó un enorme lienzo «Guernica», que se expuso en el pabellón español de la Exposición Universal de París de 1937 y luego se envió de gira. La composición es una amarga y eficaz condena del bombardeo de la capital vasca por los aliados alemanes de Franco.

A finales de los años treinta, Picasso siguió visitando el Mediterráneo todos los veranos y, cuando estalló la guerra en 1939, vivía en Antibes con Dora Maar y su devoto secretario y bufón de corte Jaime Sabartes. Después de ir a París a poner en orden sus asuntos, se retiró a Royan, en la costa cercana a Burdeos, y permaneció allí hasta octubre de 1940, tras lo cual regresó a París y permaneció allí hasta el final de la guerra. Abandona definitivamente el piso de la rue de la Boétie y se instala en los espacios cavernosos de la rue Grande-Augustin, que convierte en su mundo privado. Se mantuvo al margen de los ocupantes alemanes, pero no parecían molestarle demasiado, tanto porque no era francés como porque su arte no era de su gusto. Los temas de sus cuadros, como una serie de naturalezas muertas con una calavera y una vela, reflejan la penumbra dominante de aquellos años.

Tras su liberación, Picasso se convirtió de repente en uno de los símbolos de París, símbolo de una nueva era de libertad. Hasta cierto punto, se convierte en un personaje público. Se afilia al Partido Comunista y participa regularmente en los congresos por la paz celebrados en París, Roma, Varsovia y Sheffield. El Partido hizo buen uso de este destacado recluta: su dibujo de una paloma se convirtió en uno de sus emblemas. Escribió una serie de ambiciosas obras políticas que pueden considerarse sucesoras de «Guernica», aunque no recibieron la misma aclamación universal. Entre ellas figuran «La casa de las brujas» de 1944-5, sobre los campos de concentración, y «La masacre de Corea» (1951).

Tras la guerra, Picasso se fue a vivir a la Costa Azul. Dora Maar fue sustituida por Françoise Gilot, a la que conoció inmediatamente después de la liberación. Aparece en un nuevo grupo de retratos, a menudo con la imagen «de una flor de lis». Durante el tiempo que pasaron juntos, Picasso vivió en Vallauris; se interesó por la industria cerámica local y la revitalizó, colaborando con los artesanos locales.

En 1955, tras su separación de Françoise, se traslada de nuevo, esta vez a La Californie, una pomposa villa de principios de siglo con vistas a Cannes. Su nueva compañera, Jacqueline Roque, se convirtió en su esposa en 1961. La Californie ha sido objeto de numerosas descripciones que destacan el cúmulo de objetos con que Picasso llenó sus estancias. Permaneció allí hasta que el desarrollo de la costa de la Riviera empezó a invadir su propiedad y a estropear las vistas. Entonces se trasladó al enorme castillo del siglo XVII de Vauvenargue, cerca de Aix, que compró en 1958 y al que se mudó por completo en 1961. Al comprobar que tenía el inconveniente contrario de estar demasiado aislado, regresó a la costa y compró la antigua casa solariega provenzal de Notre de Dame de Vie, con vistas a Mougins.

Picasso disfrutó de una vejez inusualmente vigorosa y creativa, pero en 1965 se vio obligado a someterse a una operación de próstata, y a partir de entonces hubo constantes notas de desesperación en la incesante producción de sus obras. Cada vez más se convierten en un comentario sardónico sobre el inevitable proceso de degeneración física. Aunque su prestigio siguió siendo enorme, empezó a perder el contacto con el mundo artístico de vanguardia y el respeto de la junta dirigente de teóricos y críticos.

Su última gran exposición en vida tuvo lugar en 1970 en el Palacio Pontificio de Aviñón. Consistía en una enorme masa de obras nuevas, de estilo impetuoso y brutal, que alarmó al público y alienó a la crítica. Sólo recientemente estas obras han llegado a considerarse precursoras del neoexpresionismo que dominó el arte de la primera mitad de la década de 1980. Una serie de no menos de 347 grabados, realizados a lo largo de siete meses en 1968, tuvo mejor acogida, aunque su contenido era a menudo duro: se burlaban de las ilusiones de la juventud y eran igualmente vehementes en su condena de la impotencia de la vejez. Su erotismo manifiesto deleitaba a unos y ofendía a otros, pero hacía tiempo que a Picasso había dejado de importarle lo que pensaran de él. Murió en 1973, y su muerte puso fin a toda una época.

Las pinturas, dibujos, esculturas y cerámicas de Picasso pueden verse en los mejores museos de arte moderno de todo el mundo.

Para otro gran artista catalán, véase: Antoni Gaudí (1852-1926) Arquitecto modernista.

Picasso produjo algunos de los mejores cuadros del siglo XX, algunos de los cuales han alcanzado el estatus de iconos. En 2015, su cuadro cubista abstracto «Mujeres argelinas» (versión O) (1955) se vendió en una subasta de Christie’s por la cifra récord de 179 millones de dólares.

Para un análisis de obras de modernistas españoles como Pablo Picasso,
véase: Análisis de la pintura moderna (1800-2000).