Arte del retrato: historia, tipos Traductor traducir
Sobre el arte del retrato
En arte fino , un retrato puede ser un escultura , una pintura , una forma de fotografía o cualquier otra representación de una persona, en la cual la cara es el tema principal. Los retratos tradicionales de caballete generalmente representan la cabeza y los hombros del cuidador, de medio cuerpo o de cuerpo entero. Hay varias variedades de retratos, que incluyen: el retrato tradicional de un individuo, un retrato de grupo o un Auto retrato . En la mayoría de los casos, la imagen está especialmente compuesta para representar el personaje y los atributos únicos del sujeto. Entre los grandes exponentes del retrato del arte occidental se encuentran los Viejos Maestros del Renacimiento, como los florentinos. Leonardo da Vinci (1452-1519) Miguel Ángel (1475-1564), y Bronzino (1503-72), la Toscana Rafael (1483-1520), y el veneciano Tiziano (1487-1576). Al norte de los Alpes, había Jan van Eyck (1390-1441), el fundador de Pintura flamenca de Brujas, y los retratistas alemanes Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) y Hans Holbein el Joven (1497-1543). Los exponentes posteriores incluyeron al inmortal holandés Rembrandt (1606-69) y el pintor barroco Anthony Van Dyck (1599-1641), el pintor de la corte española Velázquez (1599-1660), y el inglés Thomas Gainsborough (1727-88). El retrato moderno es ejemplificado por Theodore Gericault, Edouard Manet; Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, John Singer Sargent, Paul Gaugin, Pablo Picasso, William Orpen, Amedeo Modigliani, Otto Dix, Graham Sutherland, Lucien Freud, Chuck Close y Frank Auerbach. La mayor colección de retratos se puede ver en el Galería Nacional de Retratos (Londres) , que tiene unos 200, 000 ejemplos.
La historia del retrato
Retrato antiguo
La pintura de retratos puede considerarse como arte público o privado. En las antiguas civilizaciones mediterráneas, como las de Egipto, Grecia y Roma, y Bizancio, el retrato era principalmente una forma de arte público, o un tipo de arte funerario para dioses, emperadores, reyes y papas. Los retratos fueron ejecutados como escultura en bronce, mármol u otra piedra, o como pinturas de paneles o mural frescos .
Aunque las obras de arte privadas, generalmente para familias reales, se encargaron durante la era sumeria, egipcia y griega, la mayoría de los retratos antiguos eran obras de arte público, diseñadas para decorar áreas públicas y reflejar la moral y los valores religiosos de la época.
Entre los ejemplos de retratos de principios de Egipto se incluyen: la escultura, Menkaure y su reina (c. 2470 a. C.); las esculturas, Faraón Akhenaton (c.1364 a. C.), La hija de Akenatón (c. 1375 a. C.), el busto de Nefertiti (c. 1350 a. C.); y los retratos de momias (c.200 CE). Los retratos esculpidos griegos incluían: el busto de mármol, Sócrates (c. 340 a. C.); así como numerosos bustos, relieves y estatuas de dioses griegos, desde Afrodita hasta Zeus. Escultores importantes durante el período griego clásico fueron Polykleitos, Myron y Fidias. Los retratos también fueron pintados en paneles, aunque casi ninguno de ellos ha sobrevivido. Una famosa excepción es la serie de Retratos de momias de Fayum (c.50 BCE – 250 BCE) encontrado en el Faiyum Basic cerca de El Cairo, en Egipto.
Retrato romano
Arte romano se basó en la necesidad política práctica. Bustos retrato de todos los emperadores, desde Julio César hasta Constantino, fueron esculpidos en mármol o bronce. Estas estatuas y bustos se exhibieron en público en todo el imperio, para celebrar el poder romano. Una gran industria del arte creció en la capital, atrayendo a escultores, pintores y artesanos de toda Italia y Grecia, simplemente para hacer frente a esta demanda de retratos imperiales. Hay, por ejemplo, más de 250 bustos sobrevivientes del emperador Augusto. Los retratos romanos continuaron la tradición del arte público.
Retrato durante la Antigüedad tardía y la Edad Media
Con la llegada de la Edad Media después del saqueo de Roma (c. 450 d. C.), el arte público tomó una forma menos notoria. Los retratos, así como otros tipos de pinturas, se crearon principalmente para el interior de iglesias y monasterios (generalmente en forma de murales al fresco o pinturas de paneles encáusticos), o se usaron para ilustrar manuscritos del evangelio iluminados, como el Evangelios de Garima (390-660) de Etiopía y el Libro de Kells (c.800) de Irlanda. El único mecenas principal de las artes durante la mayor parte de la era medieval fue la Iglesia. Ejemplos de trabajos de este período incluyen: encáustico retratos de panel y íconos del Monasterio de Santa Catalina, el Monte Sinaí, como la Virgen con el Niño entronizada (c.600 CE); retratos de los evangelistas y apóstoles en celtas cristianos manuscritos iluminados y textos del evangelio carolingio, como Juan el evangelista (c.800). Durante los períodos románico y gótico hasta el siglo XIV (c.1000-1300), el retrato se amplió para incluir arte de vidrieras – Gran parte de ella todavía es visible hoy en obras maestras arquitectónicas como la Catedral de Chartres y la Catedral de Notre Dame en París.
El naturalismo de Giotto y el realismo de Jan Van Eyck (1300-1450)
El estilo bizantino de la pintura de retratos que dominó durante el período 450-1400, no era compatible con las imágenes de la vida real. En cambio, los pintores se adhirieron a un estilo de arte hierático, en el que las características espirituales y humanas de una figura debían inferirse de motivos simbólicos. Este enfoque no naturalista fue en gran medida indiscutible hasta la llegada de Giotto (1266-1337) cuyos frescos Scrovegni (Arena Chapel) fueron las primeras imágenes en presentar personas realistas, de aspecto ordinario, con formas tridimensionales sólidas. Este nuevo estilo pronto se hizo sentir en el arte del retrato propiamente dicho : primero, entre los expertos en pintura al óleo del Renacimiento holandés (c.1400-1580) y Renacimiento alemán incluidos Jan van Eyck, Roger van der Weyden, Lucas Cranach y Hans Holbein, la pintura al óleo es especialmente propicia para imágenes de aspecto realista, y más tarde Francia, con obras como Retrato de Carlos VII de Francia. (1445-50) por Jean Fouquet (1420-81). En 1500, el retrato se había convertido en un importante género de pintura.
La influencia del renacimiento italiano (c.1450-1530)
Arte renacentista introdujo varias ideas nuevas en la pintura. Estos incluyeron conceptos técnicos, como perspectiva lineal, luz y sombra ( claroscuro y sfumato ) y modelado tridimensional, así como conceptos narrativos, como el humanismo. Estas ideas proporcionaron a los artistas de retratos mayores recursos, lo que pronto condujo a un aumento notable en la calidad de Retratos renacentistas .
Mientras tanto, la Iglesia mantuvo su dominio sobre el patrocinio de las bellas artes, encargando obras para catedrales, iglesias, capillas, monasterios y conventos. De hecho, el Vaticano casi se declaró en quiebra durante el siglo XVI cuando los sucesivos Papas gastaron fortunas decorando Roma. No hace falta decir, por lo tanto, que la mayoría de los retratos durante este tiempo eran de miembros de la Sagrada Familia, Mártires o Apóstoles. La influencia del Renacimiento en el retrato perduró durante siglos, ya que los artistas continuaron emulando el estilo de Leonardo, Rafael, Tiziano y Miguel Ángel. Ver también Retrato veneciano pintura (1400-1600).
Período posterior al Renacimiento (c.1530-1700)
Dos desarrollos importantes ocurrieron durante los períodos Manierista (c.1530-1600) y Barroco (c.1600-1700).
Durante el siglo XVI, las principales academias de artes establecieron una clara jerarquía de pinturas, basada en las cualidades "inspiradoras" percibidas de una imagen. Se clasificaron cinco géneros de la siguiente manera: (1) Las imágenes históricas , religiosas o mitológicas (que contienen una ’narrativa’ o ’mensaje’) se consideraron como el género más valioso, seguidas de (2) retratos , luego (3) pinturas de género , es decir, imágenes de escenas cotidianas, (4) paisajes y finalmente (5) cuadros de bodegones . Debido a esto, muchos retratistas trataron de mejorar la posición tanto de su pintura como de su tema al dar a sus retratos un entorno histórico, religioso o mitológico.
Además, a mediados del siglo XVI, después del cisma a nivel europeo entre la Iglesia Católica en Roma y el movimiento protestante, causado por la Reforma de Lutero (c.1520), el Concilio Católico de Trento decidió lanzar una gran campaña para ganar devotos adoradores desilusionados. Esta campaña, conocida como la Contrarreforma , utilizó el arte como un arma de propaganda, y por lo tanto encargó una gran cantidad de pinturas y esculturas religiosas, muchas de ellas ejecutadas a escala monumental, incluidos algunos retratos icónicos. Ver, por ejemplo, las maravillosas obras maestras de El Greco Retrato de un cardenal (1600) y Retrato de Felix Hortensio Paravicino (c.1605). Ver también: Retratos barrocos . Para los pintores del siglo XVII que se especializaron en retratos de reyes, ver por ejemplo Hyacinthe Rigaud (1659-1743), conocido por sus retratos de Luis XIV.
Escuela de realismo holandés: un período único de retrato
Coincidiendo con el aumento de la pintura católica, surgió un mini renacimiento en la Holanda protestante, impulsado por un nuevo tipo de cliente altamente materialista, el rico comerciante de clase media o profesional, que quería comprar pinturas que lo hicieron a él y a su familia. verse bien. Tenían que ser lo suficientemente pequeños como para colgar en la pared de su casa, y lo suficientemente detallados como para parecer realistas. Así, el estilo inimitable de Realismo holandés nació la pintura. La mayor Artistas realistas holandeses incluidos maravillosos retratistas como Frans Hals (1582-1666), Jan Vermeer (1632-75) y, por supuesto, Rembrandt.
Nota: El retrato en Rusia se desarrolló más tarde que en el resto de Europa. No fue hasta la era de Arte petrino bajo Pedro el Grande (1686-1725) que comenzaron a aparecer retratos de estilo académico.
Expansión del retrato: la fotografía de ayer (c.1700-1900)
El retrato se expandió enormemente como género durante los siglos XVIII y XIX. Esto se debió a varios factores, entre ellos: el uso universal de aceites y lienzos; el aumento del comercio que a su vez creó un gran grupo de empresarios y terratenientes de clase media adinerados; y el uso del retrato como una forma de hacer un registro visual permanente de individuos y familias. En cualquier caso, hubo un crecimiento significativo en el arte del retrato durante este período, que solo se detuvo con la introducción de la cámara en el siglo XX. Para obras del siglo XVIII, ver: Retrato rococó / neoclásico . Probablemente las dos mejores retratistas femeninas del siglo XVIII fueron las artistas suizas. Angelica Kauffmann (1741-1807), que estuvo activo en Londres y Roma, y Elisabeth Vigee-Lebrun (1755-1842), pintor de la corte de la reina María Antonieta. Otros retratistas excepcionales del siglo XVIII incluyen Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) destaca por sus exquisitos trabajos rococó como The White Hat (1780, Museum of Fine Arts, Boston).
Para pinturas del siglo XIX, ver: Retratos del siglo XIX . En lo que respecta a escuelas específicas, las características del retrato en inglés se discuten en: Pintura figurativa inglesa del siglo XVIII / XIX , aunque también puedes ver ejemplos de notables Retratos impresionistas por los gustos de Edouard Manet y otros.
Las pinturas de Sir ejemplifican un género especializado de retratos románticos que se hizo muy popular en la Inglaterra del siglo XIX. Edwin Landseer (1802-73), cuyos retratos sentimentales de perros expresaban algunas de las virtudes subyacentes de la era victoriana.
Retrato del siglo XX
El siglo XX mostró poco interés en la jerarquía clásica de los géneros, y quedó absorto en nuevas formas de representar la realidad en una era de guerras mundiales e incertidumbre moral. Después de una serie de Retratos expresionistas Los avances en fotografía, cine y video hicieron que el retrato clásico pareciera anacrónico y de poco valor. En lugar, Retratistas del siglo XX simplemente usó el género como otro medio para promover su estilo de arte. Las excepciones incluyen Retratos de Picasso como Retrato de Gertrude Stein (1906), y los del expresionista Modigliani: ver, por ejemplo, Retrato de juan gris (1915) y Retrato de Jeanne Hebuterne (1918) Los desarrollos de la posguerra también han sido influenciados por materiales de arte adicionales, medios basados en computadora y nuevas formas de grabado, permitiendo nuevos trabajos en acrílicos, pintura de aluminio, forma de collage, serigrafías, impresiones de computadora y medios mixtos, así como una variedad de nuevos medios escultóricos. Esta tendencia se ejemplifica en Retratos de arte pop por Andy Warhol (1928-87), cuyos retratos impresos de Elvis, Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Elizabeth Taylor y Mao-Tse-Tung se convirtieron en iconos de finales del siglo XX. El último estilo contemporáneo de retrato, conocido como fotorrealismo (hiperrealismo) es ejemplificado por artistas como el estadounidense Chuck Close (nacido en 1940).
Características del arte del retrato
Como cualquier género de pintura, el retrato artístico refleja el estilo predominante de la pintura. A principios de Egipto, los retratos pintados y las esculturas en relieve solo mostraban el tema de perfil. Un retrato pintado durante la época barroca sería más exuberante que los cuadros neoclásicos dignos, pero ninguno fue tan realista como los de la época. Realistas . Del mismo modo, el retrato romántico fue más animado que los retratos impresionistas, mientras que el retrato expresionista de principios del siglo XX es típicamente el más llamativo y colorido de todas las épocas. Dicho esto, en términos muy simples, uno puede detectar dos estilos o enfoques básicos en la pintura de retratos: el "Gran Estilo" en el que el sujeto se representa en una forma más idealizada o "más grande que la vida"; y el estilo realista y prosaico en el que el sujeto se representa de una manera más realista.
Estilos de retratistas individuales
Aunque los mejores retratistas, como Leonardo, Miguel Ángel y Rembrandt, dominaron ambos estilos, la mayoría de los artistas tienden a ejemplificar una sola tradición. Por ejemplo, los que pintaron en el estilo Gran Clásico incluyeron: Peter Paul Rubens (1577-1640), Sir Anthony Van Dyck (1599-1641) Sir Joshua Reynolds (1723-92), Goya (1746-1828) y John Singer Sargent (1856-1925). William Orpen (1878-1931), uno de los grandes Retratistas irlandeses También pintado en el gran ’estilo académico’. Otros se especializaron en un retrato más realista, como Jan van Eyck (1390-1441) y Jan Vermeer (1632-75), quienes pintaron obras silenciosas y precisas. El estilo realista fue explorado por Theodore Gericault (1791-1824), quien produjo imágenes realistas de pacientes con enfermedades mentales, por el genio ruso Ivan Kramskoy (1837-1887), conocido por su realismo humanista, y por otros rusos como Vasily Perov (1833-82). Los retratistas impresionistas incluyen a los franceses Edouard Manet (1832-83), Claude Monet (1840-1926), Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), Edgar Degas (1834-1917) y Paul Cezanne (1839-1906), así como el ruso Valentin Serov (1865-1911) y el estadounidense John Singer Sargent – vea su Retrato de madame X (1884) El retrato expresionista está ejemplificado por el emotivismo de Van Gogh (1853-90), los retratos urbanos de Pablo Picasso (1881-1973), el primitivismo lírico de Amedeo Modigliani (1884-1920), y por el humor negro de Otto Dix (1891-1969) y Oskar Kokoschka (1886-1980). Los pintores de retratos más modernos incluyen Graham Sutherland (1903-80), conocido por sus retratos de humor; David Hockney (n. 1937) por su precisión y forma; y Lucien Freud (n. 1922) por su naturalismo crudo. Mientras tanto, el maestro del impasto Frank Auerbach (n. 1931) continúa produciendo obras de extraordinaria intensidad.
Tipos de retratos
Retrato religioso
Durante el historia del arte occidental , los retratistas han sido empleados por numerosas razones. Primero, en la antigua Grecia, Egipto y Roma (así como en las culturas micénica, minoica y otras mediterráneas), los pintores y escultores fueron utilizados para retratar una amplia gama de dioses y diosas, en una variedad de obras de arte públicas. Los ejemplos incluyen: Afrodita (c. 350 a. C.) de Praxiteles; la Venus de Milo (c.100 aC); el friso de Pérgamo (c.180 a. C.), así como bustos de Zeus, Pan, Eros y otros.
El Renacimiento mantuvo este tipo de arte religioso a través de sus frescos murales del cristianismo, con los Profetas, Jesucristo, la Virgen María y los Apóstoles. Mientras tanto, La Última Cena de Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel Génesis fresco (1508-12) y Juicio Final fresco (1536-41) – en el techo y las paredes de la Capilla Sixtina en Roma – contienen algunos de los mejores retratos religiosos jamás creados. Otros retratos religiosos y mitológicos notables del Renacimiento, que incluyen: los retratos de Jan van Eyck de Adán y Eva en su obra maestra El retablo de Gante (1425-32); Lamentación de Mantegna sobre Cristo muerto (c.1490); La Virgen y el niño de Leonardo con Santa Ana (1502); La Virgen Sixtina de Rafael (1514); y la Venus de Urbino de Tiziano (1538). Aunque muchas de estas obras no se limitan a una sola cara o figura, y algunas son visibles solo a distancia, su objetivo era ilustrar el cristianismo en forma personal y, por lo tanto, deberían considerarse parte del género del retrato. También se debe tener en cuenta que el Renacimiento atribuye la mayor importancia a la pintura que retrata una narración o mensaje. Así, los artistas típicamente incluían sus "retratos" dentro de grandes escenas narrativas.
Retrato histórico
Los artistas del retrato también representaron a figuras humanas históricas veneradas. Por ejemplo, todos los emperadores romanos (por ejemplo, Julio César, Augusto, Marco Aurelio) fueron retratados en formas de arte público, como estatuas, bustos y frisos, para glorificar al Imperio Romano. Los faraones egipcios también fueron ampliamente retratados en varios medios, como bustos de retratos, esculturas de tumbas y retratos de momias. Papas posteriores, reyes y presidentes también fueron conmemorados en retratos, un proceso que floreció desde el Alto Renacimiento en adelante.
Ejemplos incluyen: Dux Leonardo Loredan (1502) por Giovanni Bellini; Papa Leo X con cardenales (1518) por Rafael; Sir Thomas More (1527); Thomas Cromwell (1534) y Enrique VIII (1536) por Hans Holbein. El emperador Rodolfo II como Vertumnus (1591) de Giuseppe Arcimboldo; El rey Carlos I de Inglaterra cazando (1635) por Anthony Van Dyck; Retrato del papa Inocencio X (1650) y el complejo Las meninas (1656) por Diego Velázquez; El suicidio de lucrecia por Rembrandt; George Washington (1796) de Gilbert Stewart; Napoleón cruzando los Alpes (1801) por Jacques-Louis David; Wellington (1816) de Francisco Goya; Theodore Roosevelt (1903) de John Singer Sargent; gótico americano (1930) por Grant Wood; Study After Pope Innocent X por Velazquez (1951) por Francis Bacon. Otro tipo de retrato histórico – el ’retrato político’ – es ejemplificado por Mujer llorando (1937, Tate Modern, Londres), el símbolo universal del sufrimiento femenino.
Retratos de famosos
Las personas famosas siempre han sido un tema buscado (o objetivo) de artistas profesionales, desde el Renacimiento hasta el Pop-Art. Ejemplos de retratistas y sus fotos de celebridades incluyen: Jan van Eyck: The Retrato de arnolfini (1434); Lucas Cranach el Viejo : Díptico con los retratos de Lutero y su esposa Katherina von Bora (1529); John Singleton Copley : Las tres hijas más jóvenes de Jorge III (1785, Palacio de Buckingham, Londres); Johann Heinrich Wilhelm Tisschbein: Goethe en la Campagna (1787); Joseph Lange: Mozart en el Pianoforte (1789); señor Henry Raeburn : Sir Walter Scott (1823); Ilya Repin : Retrato de Leo Tolstoi (1887); Juan gris : Retrato de Pablo Picasso (1912); Graham Sutherland: Retrato de Somerset Maugham (1949); Willem De Kooning : Marilyn Monroe (1954); Andy Warhol: Ocho Elvises (1963). Otras pinturas de personajes famosos incluyen: la poeta Anna Akhmatova pintada por Kuzma Petrov-Vodkin; el actor Charlie Chaplin por Fernand Leger ; y el líder bolchevique Lenin por Isaak Brodsky.
Otro tipo de retrato menos formal es caricatura , generalmente de políticos y famosos, publicados en periódicos y otras publicaciones periódicas, como la revista Time , Vanity Fair y The New Yorker .
Retratos desnudos
Desde la antigüedad clásica, hasta el Renacimiento hasta el siglo XX, tanto el desnudo masculino como el femenino han aparecido en retratos, pinturas, esculturas y grabados: Botticelli’s Nacimiento de venus (1485) siendo uno de los más grandes. Otros famosos retratos desnudos incluyen: La Venus dormida (1510, Dresden) por Giorgione; La Venus de Urbino. (1538, Uffizi) por Tiziano; La Venus Rokeby (1647) por Velázquez; El bañista de Valpincon (1808, Louvre) y La Grand Odalisque (1814, Louvre) por JAD Ingres. Para otros ejemplos famosos, ver: Desnudos femeninos en la historia del arte (Top 20) y Desnudos masculinos en la historia del arte (Top 10).
Vanity Portraiture
Los artistas de retratos también fueron comisionados por nobles menores, figuras culturales y hombres de negocios para crear una imagen halagadora de ellos, reflejando su posición en la sociedad. Este tipo de arte de caballete floreció durante el Alto Renacimiento italiano, y en el Renacimiento del norte entre las escuelas holandesas y flamencas, a medida que los medios de arte portátiles como cuadros y lienzos comenzaron a reemplazar los frescos murales. Los ejemplos incluyen: Duque Federico da Montefeltro y su cónyuge Battista Sforza (c.1466) de Piero Della Francesca; The Family & Court of Ludovico II Gonzaga (c.1474) por Andrea Mantegna; Leonardo’s señora con un armiño (Retrato de Cecilia Gallerani) (c.1490), y Mona Lisa (c.1503), esposa de Francesco del Giocondo; De Rafael Baldassare Castiglione (1515); La virgen del canciller Rolin (1436) de Jan van Eyck; Holbein Erasmo de Rotterdam (1523, National Gallery, Londres); El comerciante Georg Gisze (1532, SMPK, Berlín); y Los embajadores (1533, National Gallery, Londres); El caballero de risa (1624) por Frans Hals; La guardia nocturna o The Militia Company of Captain Frans Banning Cocq (1642) y Los síndicos del gremio de fabricantes de ropa (The Staalmeesters) (1662) de Rembrandt; Maestro Thomas Lister (1764) por Joshua Reynolds; Sra. Richard Sheridan (1785) de Thomas Gainsborough; Retrato de monsieur bertin (1832) y Retrato de Madame Moitessier (1844-65) por Ingres. Retrato de la señorita Amelia Van Buren (1891) de Thomas Eakins; y Retrato de Miss Dora Wheeler (1883, Museo de Arte de Cleveland) por William Merritt Chase (1849-1916).
Revisión del desarrollo del retrato
Hay muchos retratos entre las obras maestras de la pintura europea desde el siglo XV hasta los últimos tiempos y son una característica importante del trabajo de los maestros que se destacaron en otros géneros. Goya (1746-1828), el pintor de la vida española, de las corridas de toros, de las fiestas populares, del presagio siniestro, de los desastres de la guerra, incluso de los temas religiosos, aún estaría incompleto en nuestra opinión sin sus brillantes estudios sobre el Personalidad individual.
Durante la mayor parte del período medieval, en un arte dedicado a la religión, tales estudios (si hubiera sido posible hacerlos) habrían parecido una intrusión en el terreno perteneciente a la fe, una impertinencia si nada más. Las efigies esculpidas de reyes y reinas eran abstracciones conmemorativas de la autoridad. La iluminación del manuscrito proporcionó símbolos en lugar de semejanzas, hasta la Edad Media posterior. Los comienzos de la caracterización aparecen en los retratos reales del siglo XIV, el Wilton Diptych dando un ejemplo Sin embargo, aunque es un trabajo hermoso en un delicado estilo en miniatura, aparentemente relacionado con el del artista franco-flamenco Andre Beauneveu (1330-1403), plantea un problema en la imagen que da del joven y sin barba Ricardo II. Hay algunas pruebas que demuestran que el panel fue pintado en una fecha posterior cuando Richard tenía barba y envejecía prematuramente. Cualquiera sea la razón, esto implicaría que la semejanza no era una preocupación tan importante como la actitud y el contenido devocional.
En la pintura flamenca del siglo XV, el retrato realista surge con una rapidez sorprendente. La práctica de incluir la imagen del donante (prelado, comerciante noble o rico) en el retablo destinado a la iglesia o convento ejerció las excelentes habilidades de Jan van Eyck (1390-1441), Roger van der Weyden (1400-64) y Hans Memling (1433-94). Pintaban retratos puramente seculares con el mismo poder, y los visitantes extranjeros a las ciudades flamencas se encontraban entre sus clientes. El agente de los Medici en Brujas, Tommaso Portinari, aparece con su esposa e hijos en la gran Adoración, ahora en los Uffizi, de Hugo van der Goes (1440–82). Sir John Donne, nombrado caballero por Eduardo IV durante las Guerras de las Rosas, fue retratado con su esposa e hija en el Tríptico Donne (1477) por Hans Memling, ahora en la Galería Nacional de Londres. Un inglés en el extranjero, Edward Grimston de Rishangles, Suffolk, había sido previamente objeto de una pintura puramente secular por Petrus Christus (c.1410-1473), el seguidor de Van Eyck en Brujas. El sentimiento de compañerismo entre Inglaterra y el sur de los Países Bajos que se extendió al arte fue tener una secuela en la larga sucesión de pintores flamencos que se establecieron en Londres en los siglos XVI y XVII.
El humanismo, el Renacimiento y la Reforma contribuyeron al desarrollo del retrato como un género independiente. El principio de la filosofía humanista de que el estudio apropiado de la humanidad era el hombre, lógicamente le dio al retrato un lugar de importancia. Los artistas del Renacimiento no solo estaban de acuerdo con este punto de vista, sino que, por avance técnico, mejoraron la representación del personaje. El medio de aceite traído a Venecia por Antonello da Messina (1430-1479) le dio una nueva calidez y fuerza de modelado al arte. Leonardo da Vinci (1452-1519) demostró cómo la luz y la sombra pueden agregar a la sugerencia de personalidad y psicología ( sfumato ). La Reforma dio un impulso a los retratos de otro tipo. La supresión de las imágenes religiosas en las tierras reformadoras hizo que los pintores estuvieran más dispuestos a ofrecer sus servicios como retratistas.
La carrera de Hans Holbein el Joven (1497-1543) muestra el efecto de las tres fuerzas. Nacido en Augsburgo, decidió trabajar cuando era joven en la ciudad germano-suiza de Basilea, que además de ser próspero era un centro de humanismo académico. Fue allí donde hizo sus ilustraciones para Elogio de la locura de Erasmo. Tenía la capacidad renacentista para diversas empresas, desde decoración mural y retablos hasta diseños para trabajos de orfebrería y vidrieras, aunque su inclinación hacia el retrato ya estaba marcada. Pero en el aumento del sentimiento protestante en Basilea, el empleo de naturaleza católica llegó a su fin.
Como otros artistas, estaba "sin pan", como lo observó Erasmo al recomendarlo a Thomas More en Londres. El interés de estos amigos (que pagó con excelentes retratos de ellos) permitió a Holbein conocer y retratar en pinturas y dibujos un sector considerable de la sociedad Tudor en los dos años de su primera estadía en Inglaterra, 1528. Su segunda estadía de once años. desde 1532 hasta su muerte en 1543 lo trajo más definitivamente a la esfera de la corte. Se convirtió en pintor de Enrique VIII en 1536. Ningún rostro en la historia es mejor conocido que el rostro formidable con ojos sospechosos y la pequeña boca cruel pintada por Holbein en la única imagen (Colección Thyssen), entre varias versiones, que ciertamente es de su propia mano.
En este siglo de relaciones cambiantes y alianzas entre gobernantes despóticos, el retrato tenía su función diplomática. Además de proporcionar un recordatorio en casa a los funcionarios y cortesanos del poder gobernante, la imagen de la regla era un símbolo de intercambio internacional, el artista mismo era una figura internacional. Esta fue la posición de Tiziano (1485-1576), el retratador de Carlos V y Felipe II de España: y de Anthonis Mor (1519-1576), el latino ’Antonio Moro’, quien más tarde se convirtió en Sir Anthony More y pintó a Mary Tudor y sir Thomas Gresham.
Antes de que se inventara la fotografía, o el conocimiento personal que se consideraba un preliminar necesario incluso para un matrimonio real, el retrato pintado servía para transmitir la idoneidad física de la futura novia. Holbein fue enviado al continente para traer su informe pictórico sobre la joven pero viuda duquesa de Milán y Anne, hija del duque de Cleves, para ayudar a Henry a tomar su decisión. Más que una descripción, su pintura de la Duquesa (Londres, National Gallery) se convirtió en una obra maestra que agrega al atractivo de la característica una espléndida simplicidad de diseño.
Otro propósito del retrato de la corte era indicar el poder y el rango por el esplendor del vestuario y la profusión de joyas. Esto fue muy característico del período isabelino, y tal vez un requisito del patrón de que las características deben tener un aspecto rígido y ceremonialmente inexpresivo, mientras que la gran cantidad de accesorios dan evidencia de su estado. La propia reina parece haber pensado en este sentido en sus mandatos contra la sombra transmitida a Nicholas Hilliard, contra, es decir, la sombra de modelado facial que produciría.
La riqueza formal casi bizantina de una obra como el Retrato de Ditchley de Marcus Gheeraerts the Younger (1561-1636) fue buscada por las damas de la corte en menor grado. Los pintores flamencos que vinieron a Inglaterra para escapar de la persecución religiosa en los Países Bajos y formaron una colonia flamenca en Londres eran artesanos que cumplían un requisito que limitaba su independencia como artistas. El genero de pintura de retrato en miniatura por su escala íntima evitó la pesadez de la restricción, el arte de Nicholas Hilliard (1547-1619) en su claridad de color, vivacidad de delineación y poesía emblemática que llega al ojo tan melodiosamente como el soneto isabelino al oído. A su vez, Hilliard le pasó sus secretos a otro de los ingleses. mejores miniaturistas , el más moderno Isaac Oliver (1568–1617).
El siglo XVII fue una gran época del retrato en Europa. El estado del pintor fue alterado, podría reclamar un mayor grado de independencia en el método y la concepción. El respeto en el que Tiziano había sido sostenido por el más poderoso de los gobernantes había dejado una impresión permanente. El artista se movió en los círculos de la corte no como un trabajador contratado, sino como uno que aumentaba su brillo. Donde no existía un tribunal, en las Provincias Unidas del norte de los Países Bajos, la riqueza recientemente ganada y la libertad nacional exigían retratos en abundancia. Se ha dicho que cada artista flamenco era un retratista nato y estudiar el curso de la pintura flamenca desde Van Eyck hasta Rubens y Van Dyck es darse cuenta de cuánta verdad hay en esta observación.
Aun así, el retrato de la Italia renacentista había establecido un estándar por el cual el siglo XVII se benefició. El Retrato de Baldassare Castiglione de Raphael (1483-1520) que Rembrandt (1606-69) vio en Amsterdam, sugirió el estilo de composición que adoptó en el autorretrato de 1640 (Londres, National Gallery). Los ocho años que pasó Rubens (1577-1640) en Italia al servicio del duque de Mantua, cuando copió a los grandes venecianos para el duque y también para su propia satisfacción, fueron años en los que su originalidad fue fomentada por el ejemplo italiano. Durante los seis años que pasó Anthony Van Dyck (1599-1641) en Italia, pintando retratos y estudiando a los venecianos, se derivó mucho de la dignidad de la pose y el rico color de Tiziano.
Van Dyck puede verse en dos aspectos distintos. Está el pintor barroco de composiciones religiosas emocionales que compiten con las de Rubens en las iglesias de Amberes, y está el retratista más sensible a las atmósferas psicológicas que su maestro, Rubens. La frialdad y la moderación de Inglaterra ejercieron su influencia. La elegancia y el refinamiento del arte de Van Dyck dominaron el siglo en Inglaterra, aunque William Dobson (1610-46) llegó de forma independiente a un estilo vigoroso basado en el estudio de los venecianos, y Samuel Cooper (1609-72) se destaca como alguien que podría exquisitamente reducir el efecto de un gran retrato al óleo a escala miniatura. El declive de un "arte de la corte" se puede rastrear en el trabajo de Sir Peter Lely (1618-80) y Sir Godfrey Kneller (1646-1723). Una raza de parlamentarios aristocráticos y caballeros del campo fueron los mecenas en el período de mayor excelencia de Inglaterra en los retratos, el siglo XVIII.
El siglo XVIII produjo una informalidad e intimidad que Europa no había conocido antes. Las ’piezas de conversación’ practicadas por una serie de artistas, William Hogarth (1697-1764), el más importante de ellos, son un ejemplo. Consistiendo en un grupo familiar o un grupo de amigos, se diferenciaron de tales grupos en el arte holandés o francés al mostrar a los sujetos de manera informal involucrados en alguna ocupación o diversión habitual en su entorno habitual. Los placeres de poseer una propiedad en el campo son sugeridos por los retratos al aire libre pintados por Thomas Gainsborough (1727-88). La frescura de la belleza inglesa contrastaba sanamente con el elaborado maquillaje de las damas de la corte de antaño, mientras que los niños ya no se representaban como pequeñas efigies envueltas en trajes ceremoniales, sino en movimientos y expresiones naturales. En lugar de cortesanos, aparece una amplia gama de tipos y personajes. Hogarth, por preferencia, pinta al filántropo de clase media Capitán Coram o un grupo de sus propios sirvientes. Sir Joshua Reynolds (1723-92) pinta al actor, a la actriz, al hombre de letras (Garrick, a la Sra. Siddons, al Dr. Johnson), así como a señores y señoras. George Stubbs (1724-1806) y otros pintan a los escuderos deportivos cazando o disparando.
Aún existían fuertes vínculos con el pasado en el siglo XVIII. Gainsborough llegó al punto cuando redescubrió a Van Dyck y reformuló la elegancia del maestro flamenco en un estilo inglés, como el maestro escocés Allan Ramsay había hecho antes que él. Reynolds dio su sabio comentario pictórico sobre Rembrandt y Tiziano. El siglo XIX, menos seguro de sus amarres, tenía un estilo más irregular y variado en los retratos que se pueden considerar como obras de arte, dejando de lado la gran acumulación de obras de carácter indistinto y casi fotográfico, producto de una población en crecimiento y riqueza de clase media. La tradición del siglo XVIII desaparece en el brillo temperamentalmente romántico de Sir Thomas Lawrence (1769-1830). La época victoriana presenta variaciones tales como los primeros retratos de Sir John Millais (1829-96) con su asombrosa minuciosidad prerrafaelita; los retratos de George Frederick Watts (1817-1904) que con cierta idealización representan bien la intensa seriedad de los grandes victorianos;y la concepción estética de James McNeill Whistler (1824-1903) que vio el retrato como un "arreglo" de colores y formas, más que como una revelación de carácter. De los impresionistas, Edgar Degas y Renoir destacaron en poprtraiture – ver: La familia bellelli (1858-67) y lo controvertido Retratos en la Bolsa (1879). Vea también los maravillosos retratos tardíos de Cezanne, como: El chico del chaleco rojo (1889-90) Hombre fumando una pipa (1890-2) Mujer con una cafetera (1890-5), Dama de azul (1900), joven italiana que se inclina sobre su codo (1900). NOTA: Para una explicación del retrato moderno producido durante el siglo XIX, consulte: Análisis de pinturas modernas (1800-2000).
Fotografía de retrato
El siglo XX ha sido testigo del rápido declive del retrato pintado y el aumento del retrato fotográfico. A pesar de su formación tecnológica, el valor artístico y estética de este tipo de retratos no son de ninguna manera inferiores. Para obtener una lista seleccionada de los mejores fotógrafos involucrados en retratos fotográficos, consulte lo siguiente:
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