Escultura neoclásica: arte de estilo griego / romano Traductor traducir
¿Qué es el neoclasicismo?
Arte neoclásico Fue el estilo de arte dominante en Europa y América a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Incluía Arquitectura neoclásica y Pintura neoclásica tanto como arte plástico de todo tipo Inspirado por los descubrimientos arqueológicos en Pompeya y Herculano, y por un renacimiento de la arquitectura, Escultores neoclásicos rechazó la frívola belleza del Rococó a favor del orden y la claridad asociados con Arte griego y su hermano menor Arte romano . El renacimiento neoclásico comenzó en Roma, una importante parada en el Grand Tour – desde donde se extendió hacia el norte a Francia, Inglaterra, Alemania, Suecia, Rusia y América.
Características generales
Clasicismo o neoclasicismo: la imitación de la arte de la antiguedad clasica – Dominó toda Europa durante los últimos años del siglo XVIII y el primer cuarto del siglo XIX. El estilo fue defendido por la propaganda del erudito alemán. Johann Joachim Winckelmann (1717-68), especialmente en sus dos libros titulados "Reflexiones sobre la pintura y la escultura de los griegos" (1755) e "Historia del arte de la antigüedad" (1764), y el pintor alemán Anton Raphael Mengs (1728-79); pero el movimiento puede verse también como una reacción espontánea contra las extravagancias de Escultores barrocos y rococó (1600-1750). La imitación de griego y Escultura romana practicada por los neoclásicos fue más absoluta incluso que la mostrada por Escultores renacentistas me gusta Miguel Ángel (1475-1564). Como al principio no se conocían las producciones de los mejores períodos antiguos, las obras de los alumnos de Praxiteles y de Arte helenístico en general se tomaron como modelos supremos, con el resultado de que el encanto y la gracia, la suavidad y, a veces, incluso la sensualidad se convirtieron en la gran desiderata . Aunque las esculturas de la Partenón (447-422) y el templo Aeginetan fueron revelados a Europa a principios del siglo XIX, realmente tuvieron muy poca influencia. Bertel Thorvaldsen y otros escultores neoclásicos posteriores se halagaron de haber alcanzado una forma más esencialmente griega que Antonio Canova y la generación anterior, dignificándolo con el nombre de helenismo; pero de hecho, toda la producción del neoclasicismo fue muy similar.
Como todos los imitadores, el neoclásico exageró los rasgos de sus prototipos, omitiendo el modelado, por ejemplo, en la medida de lo posible en su esfuerzo por la belleza idealizada y generalizada de la antigüedad. Los objetivos que se propuso eran el reposo helénico del cuerpo, la clásica impasibilidad del semblante y la simplicidad de la composición; pero ocasionalmente, en un último homenaje a Escultura barroca o en un esfuerzo frenético por romper el hechizo frío del estilo neoclásico, se atrevió a disfrutar de una gesticulación extravagante, aún más obvia y dolorosa porque no se ajustaba a las formas que había tomado del pasado. La perspectiva pictórica fue desterrada de los relieves. Los sujetos cristianos se consideraron menos capaces de la más alta expresión artística que los de la mitología clásica y la historia. Según los teóricos más estrictos, los retratos eran tabú; pero el patrocinio los exigía, y sus ejecutores calmaron sus conciencias generalizando las características, aproximándolos a los de alguna figura griega o romana, y vistiendo las formas con trajes antiguos o desnudos antiguos o al menos ocultando algo el vestido contemporáneo en un estilo clásico. manto drapeado Todos los temas fueron oprimidos por el sentimentalismo retórico. Sin embargo, incluso el neoclasicismo tenía sus virtudes, y una de ellas fue la recuperación parcial del sentido escultórico, distinto del pictorialismo barroco.
NOTA: Para otras escuelas importantes y tendencias estilísticas, consulte Movimientos de arte (desde 100 AEC).
Escultura neoclásica en Italia
El primer gran exponente del estilo en la escultura fue un italiano, Antonio Canova (1757-1822), nacido en Possagno en la provincia de Treviso pero activo principalmente en Roma. Mató la manera neoclásica con otras características, pero también ejemplificó sus características típicas. La estrecha similitud de su Perseo con la Cabeza de Medusa , en el Vaticano, sobre el Apolo Belvedere revela cómo a veces se entregaba a una reproducción casi exacta de antigüedades. En otras ocasiones, la relación, aunque indudable, no es tan tangible: por ejemplo, Cupido y Psique , en el Louvre, parecen haber sido sugeridos por una pintura de un fauno y una ninfa de Herculano. La concepción de Pauline Bonaparte como Venus Victrix puede servir como ejemplo de su adaptación de retratos a figuras clásicas. Al igual que el artista griego Praxiteles, el arte de Canova encarna los estándares neoclásicos de gracia y suavidad. Una de las razones fue que estas cualidades estaban en sintonía con su propia personalidad y, de hecho, hay una nota más subjetiva en la escultura de Canova que en la producción promedio del movimiento. Poseía un sentido de la belleza física, la herencia inalienable de su raza, que incluso la tiranía del neoclasicismo no podía opacar por completo.
En una palabra, sus obras tienen más calidez que las de sus rivales. La elegancia y la dulzura de muchas de sus producciones son ecos persistentes del arte rococó. Hercules y Lichas exhiben otra fase de su personalidad en la Galería Nacional de Arte Moderno de Roma, uno de sus intentos ocasionales y exitosos de reproducir los aspectos colosales y contundentes de la antigüedad. Aquí, como en otros casos, el sentido barroco todavía era lo suficientemente potente como para hacerle elegir el momento pasajero para la representación. Tampoco era tan ajeno a la naturaleza como exigían los puristas. La mejor prueba la ofrecen algunos de sus retratos, como Laetitia Bonaparte en Chatsworth, Inglaterra. Las tendencias contemporáneas a la simplificación, la placidez, la alegoría y el sentimiento están bien ilustradas por su serie de monumentos mortuorios. En las dos tumbas del papa Clemente XIV y el papa Clemente XIII, la primera en la iglesia de las SS Apostoli, la segunda en San Pedro, Roma, redujo el tipo de sepulcro barroco a una mayor tranquilidad. Su mausoleo más pretencioso, el monumento de la archiduquesa María Cristina en la Iglesia agustina de Viena, es un ejemplo moderado de la tumba dramática francesa del siglo XVIII.
Escultura neoclásica en Dinamarca
El presumido helenismo de Bertel Thorvaldsen de Copenhague (1770-1844) se manifestó principalmente en una mayor profusión de sujetos griegos y en una afectación de mayor corrección y detalle arqueológico. Habiéndose establecido en Roma, se convirtió en un esclavo absoluto de lo antiguo. Era una conclusión inevitable que su respeto por la naturaleza se reduciría al mínimo. Uno pierde en su escultura la impresión de personalidad que Canova logró retener. Cuando no le ayudaban las ideas de los demás y cuando no reproducía concepciones antiguas, era simple y poco imaginativo hasta el punto de la estupidez, ni compensaba con ninguna cualidad emocional. Está muy bien decir que pretendía esta simplicidad y esta supresión de la pasión porque ambos eran incongruentes con la tranquilidad de lo antiguo; pero si no hubiera tenido un temperamento muy flemático, seguramente se habría irritado bajo tales restricciones y, en ocasiones, y hasta cierto punto, seguramente se habría sacudido esas cadenas. Incluso era técnicamente inferior a Canova. La principal cualidad estética que le preocupaba era probablemente la composición, y aquí casi siempre era bueno. Uno o dos ejemplos serán suficientes. Al igual que el Perseo de Canova, su Jason con el Vellocino de Oro (1803) es simplemente una transcripción del Apolo Belvedere . En el friso del triunfo de Alejandro, los jinetes son sugeridos por el friso del Partenón y los asiáticos por los bárbaros en la columna de Trajano. Al igual que Canova, estaba más en casa en lo gentilmente elegante que en lo heroico, y por esta razón tal vez prefirió el alivio a estatuas en la ronda. Pero incluso en sus mejores obras de esta manera, como los famosos fondos alegóricos de la mañana y la noche , no se acercó tanto a la gracia praxítea como su rival italiano. El más cercano al que alguna vez llegó naturalismo estaba en tres de sus cuatro tondos of the Seasons, la primavera bastante encantadora que aún conserva su antigüedad. Era probable que sus retratos se tradujeran completamente a términos antiguos, hasta que quedara poca sugerencia del individuo. El conde Potocki en la catedral de Cracovia, por ejemplo, es un guerrero clásico muy idealizado. Su mejor retrato es quizás la efigie sentada de Pío VII en la tumba en Basílica de San Pedro , un monumento del tipo más tranquilo empleado por Canova. En la última parte de su vida, se vio obligado a sacrificar sus principios y rendir homenaje al movimiento romántico; pero con su falta de sentido histórico, estaba aquí fuera de su elemento, e incluso en la mejor de sus estatuas en traje romántico, como el ecuestre Maximiliano I en Wittelsbacher-Platz, Munich, no pudo lograr ninguna incisión o fuerza.
Escultura neoclásica en Francia
El neoclasicismo francés está representado sobre todo por Jean-Baptiste Pigalle (1714-85) y su alumno Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Pigalle, que se convirtió en académico a la edad de 30 años, fue igualmente bueno en la creación de pequeños artículos de género que en la grandiosa escultura de la tumba, uno de los grandes artesanos de su época. Su alumno Houdon ganó el Premio de Roma en 1761 y al principio talló dos obras que aseguraron su reputación: el neoclásico San Bruno (1767, S. Maria degli Angeli) y una figura masculina "ecorche" (1767, Schlossmuseum, Gotha) ampliamente utilizada en academias de bellas artes para demostrar la anatomía humana. Sin embargo, se hizo más conocido por sus retratos de mármol y bustos de retratos , como Voltaire (1781) Bibliotheque de la Comedie Francais, París.
El neoclasicismo fue especialmente fomentado en Francia por los ideales revolucionarios de las antiguas repúblicas y por las visiones de Napoleón de un imperio romano. La dictadura artística que en el pasado había sido disfrutada por hombres como Charles Le Brun ahora era empuñado por el pintor Jacques-Louis David , quien ejerció su influencia anticuaria confirmada en la escultura, así como en su propia esfera. Sin embargo, dado que los préstamos antiguos estaban coloreados con un inconfundible "frenchiness", nunca fueron tan absolutos como los de Canova y Thorvaldsen.
Un grupo de escultores cultivó la gracia praxítea exhibida por Antoine Denis Chaudet (1763-1810) en su exquisito Cupido atrapando una mariposa . Pierre Cartellier (1757-1831) puede ser tomado como representante de otra camarilla más austera, que tuvo éxito en la decoración de la arquitectura neoclásica y en otras empresas monumentales. Basándose en una moneda o gema antigua, por ejemplo, ejecutó un alivio bastante impresionante en su Cuadriga triunfal sobre la puerta central de la Columnata en la fachada este de la Palacio del louvre . Menos oculto que la mayoría de los neoclásicos, reveló en su estatua de Vergniaud en Versalles cualidades de retrato que incluso su entusiasmo arqueológico y el traje antiguo no podían anular por completo.
Ciertos escultores se aventuraron a una rebelión algo más decidida, atreviéndose, en cierto grado, a estudiar la naturaleza y otorgar al menos un poco de calidez a sus creaciones. Joseph Chinard de Lyons (1756-1813), en los contornos suaves de su favorito escultura de terracota , conservaron gran parte del encanto ligero y elegante del rococó. Sus Tres Gracias en el Museo de Bellas Artes de Lyon, es un ejemplo típico del modo delicado y fantasioso en el que el siglo XVIII trató temas mitológicos. Su fama descansa sobre sus delicados bustos de mujeres jóvenes. Aunque a veces atendía tanto a los estándares existentes como para vestirlos con trajes clásicos, violó el dogma neoclásico al hacerlos retratos reales, y tal vez más que nadie en el período en que los invirtió con sensibilidad francesa al encanto femenino.
Escultura de la antigüedad clásica
Escultura Griega Clásica Temprana (500-450 a. C.)
Comienzo de la edad de oro. Ver Auriga de Delfos (475)
Alta escultura griega clásica (450-400 aC)
La gloriosa era de las estatuas y relieves del Partenón.
Escultura griega clásica tardía (400-323 a. C.)
Vea obras como Afrodita de Knidos y Apollo Belvedere .
Escultura griega helenística (323-27 a. C.)
Ver Venus de Milo y Laocoon .
Escultura romana en relieve (117-324 CE)
Vea fabulosos relieves históricos como los de Columna de Trajano .
Escultura neoclásica en Alemania y Austria
La tradición naturalista era demasiado endogámica en el arte alemán para ser erradicada por el neoclasicismo, como lo fue en otros países.
La transición del rococó al neoclasicismo se encarnó en Johann Heinrich Dannecker de Stuttgart (1758-1841). El encantador Safo del Museo de Stuttgart ilustra cómo su educación rococó dejó una secuela agradable a través de toda su producción anterior, tanto en su preferencia por temas que le permitieron tratar la figura femenina como en su predilección por formas algo más ligeras y elegantes que las cultivadas por el más heroico entre los neoclasicistas. A medida que se hizo más neoclásico, aunque ocasionalmente se pueden encontrar prototipos antiguos definidos para sus obras, el efecto del arte clásico sobre él puede buscarse en impresiones fusionadas de varias antigüedades o, aún menos específicamente, en imitaciones originales del estilo antiguo. Entonces, es más bien el espíritu de lo antiguo lo que respira a través de su Chica lamentando su pájaro muerto (1790), probablemente sugerido por el poema de Catulo sobre Lesbia y el gorrión muerto. Su logro más famoso es Ariadne en la Pantera (1810-24, Liebieghaus, Frankfurt am Main). El significado perdurable de Dannecker consiste en la unión agradable de un naturalismo moderado con los principios antiguos del ritmo y la armonía. Los mejores ejemplos de naturalismo son, como de costumbre, los bustos de retratos. Fue en particular "el" retratista de Schiller. De varios ejemplos, el primero, en la Biblioteca de Weimar, es el más memorable, a pesar de que el cabello está tratado con convencionalismo antiguo.
El mayor escultor alemán del período neoclásico fue Johann Gottfried Schadow de Berlín (1764-1850). Es necesario describir a Schadow como "del período neoclásico" y no como esencialmente neoclásico, ya que, aunque inevitablemente influenciado por el estilo rococó de su juventud y por el anticuario predominante, era independiente de cualquier movimiento y reconocido como su guía solo la naturaleza y sus propias concepciones. Si debe ser asignado a alguna tendencia, su naturalismo estaría más en armonía con el rococó. Se acercó más al género neoclásico en su decoración de la Puerta de Brandenburgo, Berlín, y en su último trabajo de escultura de mármol , la doncella recostada en la Galería Nacional de Berlín. Quizás los ejemplos más llamativos de su realismo, todos con uniformes militares contemporáneos, son las estatuas de Federico el Grande en el Provinzial-Landhaus, Stettin, y de los generales Ziethen y Von Dessau en el Museo Kaiser Friedrich. Su obra más popular es el grupo de retratos permanentes de las dos hermanas, las princesas Louise y Friederike de Prusia , en el Palacio de Berlín. En mayor grado que Dannecker, ha logrado una agradable fusión de naturalismo, de belleza rococó y de esa gracia clásica que fue muy asistida por la similitud del traje de moda del Imperio con el vestido de la antigua Roma.
Escultura neoclásica en Inglaterra
Los escultores ingleses de este período buscaron expiar una especie de embotamiento provincial y la frialdad general del estilo neoclásico mediante un recurso más liberal a la retórica que incluso sus rivales continentales se permitieron.
Uno de los primeros Artistas neoclásicos en Inglaterra para producir obras neoclásicas de cualquier convicción real fue Thomas Banks (1735-1805), creador del estoico escultura en relieve La muerte de Germánico (1774), conocida por la forma en que la acción se mantiene paralela al plano frontal, en la tradición de la antigüedad romana. Otro neoclásico, que pasó la década de 1760 en Roma, fue el escultor de retratos. Joseph Nollekens (1737-1823). Al igual que Houdon, tenía una debilidad por el barroco, pero luego talló numerosos retratos de una manera romana particularmente austera.
El primer neoclásico importante fue John Flaxman (1755-1826), quien fue mucho más distinguido en su dibujo que en su escultura. Él mismo nunca aprendió a manejar el mármol con éxito, y usualmente modelado o diseñado para que otros lo ejecuten, dando poco valor al acabado cuidadoso. Sus sepulcros privados tienen el sentimiento tenso de la época. En estos estaba acostumbrado a dar forma concreta a algún texto bíblico, y en general tenía más interés religioso que el neoclásico inglés promedio. Su conocido Michael vencer a Satanás en Petworth House es curiosamente de espíritu barroco. Sus monumentos de Nelson en la Catedral de San Pablo, Londres, y de Lord Mansfield en la Abadía de Westminster son ejemplos suaves de la alegoría pomposa y sentimental que los británicos saborearon en su tiempo en conmemoraciones públicas. El sucesor inmediato más conocido de Flaxman fue Sir Francis Chantrey (1781-1841). Si hubiera sido un gran artista, podría haberse convertido en un inglés Schadow, ya que estaba más en casa en temas realistas, como retratos, que en temas imaginativos o monumentos sepulcrales. Como escultor de bustos, fue el maestro más buscado de la época, pero es dudoso que sus semejanzas sean mejores que las de Flaxman. El busto de Walter Scott en la National Portrait Gallery, Londres, es típico. El George Washington de la Casa del Estado, Boston, es un espécimen característico de sus estatuas de retratos, en el que fue famoso por concentrar la atención en la cabeza y por impartirle intelectualidad.
La escultura neoclásica en Austria, Bélgica y España no tiene características especiales, ni tiene un significado tan universal como para necesitar un tratamiento separado.
Escultura Neoclásica en América
Período temprano (c.1775-1825)
La aversión puritana al arte y el austero estilo de vida de los colonos significaba que las condiciones en el Nuevo Mundo no eran propicias para la escultura de ningún tipo hasta mediados del siglo XVIII. (Para una visión general de la vida artística, ver: Arte colonial americano 1670-1800.) Varios escultores europeos que obtuvieron pedidos aquí después de esta fecha ya han sido mencionados; pero la producción nativa ya había comenzado en una escala humilde. El trabajo de los primeros Escultores americanos no pertenecía a ninguna escuela, pero fue el resultado de la pobre educación artística del conglomerado que pudieron obtener en este remoto país de grabados, moldes o los muy pocos ejemplos de escultura europea que pudieron ver. Sin embargo, incluso en los Estados Unidos cayeron más o menos bajo la influencia del neoclasicismo. En estos primeros intentos, la escultura estadounidense pasó por una fase que fue, en cierto modo, tan verdaderamente "primitiva" como escultura griega arcaica o incluso medieval Escultura románica , mientras posee el encanto de la sinceridad y el esfuerzo duro. La figura sobresaliente de esta etapa temprana de la escultura estadounidense fue William Rush de Filadelfia (1756-1833), quien se limitó a los materiales de madera y arcilla y todas sus actuaciones traicionaron claramente los métodos del tallador de madera. Sus figuras alegóricas femeninas son tan neoclásicas como cualquier otra cosa, pero la técnica del tallador de madera les da un "nerviosismo" rococó y una proyección de los pliegues. La Ninfa del Schuylkill, tallada en madera para una fuente y preservada para nosotros en una réplica de bronce en Fairmount Park, Filadelfia, demuestra que casi todos estos primeros escultores lograron a través de un talento innato para crear una o dos obras memorables. La estatua de George Washington en Independence Hall es una imagen simple e impresionante, intacta por un contacto demasiado cercano con el neoclasicismo. Es típico del estilo de Rush, incluso a la dificultad que encontró el escultor al crear una postura fácil.
Período posterior (c.1825-1900)
Con el creciente desarrollo cultural de los Estados Unidos surgió el hábito de estudiar en Italia y la consecuente rendición absoluta al neoclasicismo. Los principales escultores de la generación posterior a Rush fueron Greenough, Powers y Crawford. Los tres, una vez que se establecieron en Italia, permanecieron allí durante gran parte de sus vidas, enviando sus pedidos a América. Sus actividades se extendieron hasta el siglo XIX, más allá de los límites cronológicos pero no estilísticos del neoclasicismo.
Horatio Greenough de Boston (1805-1852) exhibe su aburrido promedio de la mitología neoclásica en obras como Cupid Bound del Museo de Boston. Su sentado George Washington está hecho para parecerse a un Phidian Zeus; pero sus fallas son más las fallas de la época. El busto de John Quincey Adams en la Sociedad Histórica de Nueva York traiciona el hecho de que Greenough se tambaleó aún más que el neoclásico habitual en el retrato.
Hiram Powers (1805-1873) debía su fama en gran medida a la sensación creada, en Estados Unidos sin tutor, por su desnudos femeninos . El ejemplo más famoso es el esclavo griego, derivado de la Venus medicea. En obras como Daniel Webster frente a la Casa del Estado, Boston, logró un retrato un poco más veraz que Greenough.
Thomas Crawford de la ciudad de Nueva York (1813-1857) fue más original e imaginativo que cualquiera de sus rivales, iniciando la tradición estadounidense de temas para la glorificación nacional. Su legado más interesante es su decoración del Capitolio en Washington. La libertad armada de bronce, que corona la cúpula, es una concepción de majestad real, casi inspirada. Aunque su frontón del ala del Senado es una composición desarticulada, algunas de las formas separadas no deben olvidarse, especialmente los Estados Unidos, concebidos con el mismo ánimo que la Libertad Armada , y el jefe indio sentado y abatido. Sus puertas de bronce, creadas para el pórtico este del ala del Senado durante la expansión del Capitolio de los Estados Unidos a mediados del siglo XIX, que representan los terrores de la guerra y las bendiciones de la paz, fueron otra innovación en nuestro país. En su simplicidad de composición, lucidez narrativa y figuras gratamente concebidas y ejecutadas, constituyen la obra maestra de Crawford.
El neoclasicismo da paso al realismo clásico
Las tradiciones escultóricas americanas fueron abordadas más directamente por el prolífico artista. Daniel Chester francés (1850-1931), conocido por su gran producción de monumentos públicos, incluida su estatua de mármol sentado de Abraham Lincoln (1920) en el Lincoln Memorial en Washington DC. El escultor de retratos de Dakota del Sur James Earle Fraser (1876-1953) se inspiró en sus primeros trabajos sobre escultura arquitectónica neoclásica en la Feria Mundial de Chicago, pero es mejor conocido por su poderoso realismo fronterizo. Otro realista fue el artista de Massachusetts Anna Hyatt Huntington (1876-1973), famosa por ella estatuas ecuestres y caballos
Famosas esculturas neoclásicas
Aquí hay una breve lista seleccionada de algunas de las esculturas neoclásicas más conocidas, enumeradas cronológicamente por artista.
El arte plástico de estilo neoclásico se puede ver en algunos de los mejores museos de arte y jardines de esculturas en todo el mundo.
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