Escultura: Definición, Tipos: Estatuas, Relieves Traductor traducir

¿Qué es la escultura?

La escultura, la forma más duradera y quizás la más grandiosa de arte visual conocida por el hombre, ha desempeñado un papel importante en la evolución de la cultura occidental. Su historia y su desarrollo estilístico pertenecen al propio arte occidental. Es un indicador clave de los logros culturales de la antigüedad clásica y fue un factor importante que influyó en el desarrollo del arte del Renacimiento en Italia. Junto con la arquitectura, fue la principal forma de arte religioso monumental, que durante siglos (c. 400-1800) fue la fuerza motriz de la civilización europea . Aún hoy, aunque la escultura evoluciona constantemente, sigue siendo el principal método de expresión e inmortalización de personajes y acontecimientos históricos.

A lo largo de su historia ha atraído a algunos de los más grandes maestros del mundo, entre ellos escultores clásicos como Fidias, Mirón de Eleuthera, Policleto, Scopas, Lisipo, Praxíteles y Leochar, así como Donatello (1386-1466), Miguel Ángel (1475-1654) Giambologna (1529-1608), el gran Bernini (1598-1680), Auguste Rodin (1840-1917), Henry Moore (1898-1986), Picasso (1881-1973), Constantin Brancusi (1876-1957) y Damien Hirst (n. 1965).

En muchos de los mejores museos de arte se pueden encontrar magníficos ejemplos de esta antigua forma de arte público.

Para una descripción fácil de entender de la época más creativa de la historia del arte plástico, véase : «Escultura griega».

También conocida como «arte plástico», la escultura debería ser bastante fácil de definir, pero desafortunadamente no lo es.

Una forma de arte en constante expansión

Esto se debe a que la definición o el significado de la escultura se ha ampliado enormemente durante el siglo XX. Con el desarrollo de nuevas herramientas y técnicas escultóricas, las obras contemporáneas utilizan ahora una variedad tan enorme de nuevos materiales, técnicas y sistemas espaciales de referencia que «escultura» ya no es un término fijo que se refiera a una categoría fija de objetos o actividad creativa. Se trata más bien de una forma de arte en constante expansión que evoluciona y se redefine a sí misma.

Definición de escultura tradicional

La escultura tradicional anterior al siglo XX tenía cuatro características principales que la definían. En primer lugar, era la única forma de arte tridimensional. En segundo lugar, era la más representativa. En tercer lugar, se consideraba un arte de formas sólidas. Los espacios vacíos eran secundarios con respecto al volumen o la masa. En cuarto lugar, los escultores tradicionales sólo utilizaban dos técnicas básicas: la talla o el modelado. Es decir, tallaban directamente a partir del material elegido (piedra, madera, etc.) o construían la escultura desde dentro hacia fuera, por así decirlo, con arcilla, yeso, cera y similares. Los modelos de la escultura tradicional proceden de la escultura griega y romana de la Antigüedad clásica.

Definición de la escultura moderna

El arte de la escultura ya no se limita a los conceptos escultóricos, materiales o métodos de producción tradicionales. Ya no es exclusivamente representativo, sino a menudo completamente abstracto. Y sin embargo, la escultura no es exclusivamente sólida y estática: su parte puede ser espacio vacío, también puede ser cinética y capaz de movimiento. Por último, además de tallarse o modelarse, también puede ensamblarse, pegarse, proyectarse (holográficamente) o construirse de diversas maneras. En consecuencia, el significado y la definición tradicionales de cuatro dígitos de la escultura ya no son aplicables.

Las formas básicas de la escultura han quedado obsoletas

Anteriormente, en historia del arte sólo se entendían dos formas escultóricas básicas: escultura volumétrica (también llamada escultura exenta) y relieves (incluyendo bajorrelieve, relieve y relieve empotrado). En la actualidad, las nuevas formas de escultura luminosa (por ejemplo, los hologramas) y la escultura en movimiento requieren una redefinición de las formas posibles.

Definición y significado de la escultura actual

La diversidad de las artes plásticas del siglo XXI nos ha dejado una única característica definitoria: la tridimensionalidad. Así pues, la definición actual de escultura es más o menos la siguiente:

«La escultura es la única rama de las artes plásticas que se ocupa específicamente de la forma tridimensional expresiva».

Historia de la escultura

El arte tridimensional comienza con la escultura prehistórica . Las primeras obras conocidas de la Edad de Piedra son Venus Berehat Ram y Venus Tan-Tan, ambas primitivas, datadas en 230.000 a.C.. Después de esto, los escultores estuvieron activos en todas las civilizaciones antiguas y en todos los movimientos artísticos importantes hasta el presente. Después de la escultura egipcia, las principales épocas doradas en la evolución de la escultura fueron (1) la Antigüedad Clásica (500-27 a.C.); (2) la Era Gótica (c.1150-1300); (3) el Renacimiento italiano (1400-1600); y (4) la escultura barroca (1600-1700). Para una cronología detallada del origen y desarrollo del arte tridimensional, véase: Historia de la escultura .

Teoría de la escultura

Debido a su naturaleza tridimensional y al hecho de que puede exhibirse en muchos tipos de lugares diferentes que, por ejemplo, la pintura, hay una serie de conceptos y cuestiones teóricas importantes que impulsan el diseño y la finalidad de la escultura. He aquí un breve ejemplo.

Elementos del diseño escultórico

Los dos elementos principales de la escultura son la masa y el espacio . La masa se refiere al volumen de la escultura, la pieza sólida encerrada en su superficie. El espacio es el aire que rodea una escultura sólida, y reacciona con ésta de varias maneras: en primer lugar, define los bordes de la escultura; en segundo lugar, puede estar rodeado por parte de la escultura, formando huecos o zonas de vacío; en tercer lugar, puede unir las partes individuales de la escultura, que quedan así ligadas en el espacio.

Las obras escultóricas pueden evaluarse y diferenciarse según el tratamiento que den a estos dos elementos. Por ejemplo, algunos escultores se centran en el componente sólido de su escultura, mientras que otros se preocupan más por cómo se relaciona con el espacio en el que se encuentra (por ejemplo, cómo «se mueve por» el espacio o cómo lo rodea). Compare la escultura egipcia con la obra de Alexander Calder (1898-1976) y Naum Gabo (1890-1977) y se dará cuenta de lo que quiere decir.

Otro elemento importante de (la mayoría de) las esculturas son sus superficies . Pueden producir efectos visuales muy diferentes dependiendo de si son (por ejemplo) convexas o cóncavas, planas o modeladas, coloreadas o sin pintar. Por ejemplo, las superficies convexas expresan satisfacción, saciedad, presión interna y plenitud «general», mientras que las superficies cóncavas sugieren presión externa, fracaso interno y posible colapso. Por otra parte, una superficie plana carece de tridimensionalidad, mientras que una superficie modelada -que contenga protuberancias o depresiones de luz/sombra- puede transmitir fuertes efectos de formas tridimensionales que emergen o retroceden en la oscuridad, de forma similar a como lo hacen los artistas del claroscuro. Aunque la mayoría de los rastros de pigmento han desaparecido, gran parte de la escultura creada en la Antigüedad (por ejemplo, las estatuas/relieves egipcios, griegos y romanos) y en la Edad Media (por ejemplo, las esculturas de las catedrales góticas) estaba cubierta de pintura u otros materiales colorantes, incluyendo lo que pudo ser una capa de oro o plata y otros tintes preciosos. También es posible que las esculturas se tallaran directamente en materiales preciosos coloreados, como el marfil, el jade y el oro, o combinaciones de ellos. Obviamente, el color puede conferir a una superficie diversos atributos, como textura, proporción, profundidad y forma. Un uso interesante del color por parte de un escultor contemporáneo puede verse en la obra Pop Art Ale Cans (1964, óleo sobre bronce, Offentliche Kunstsammlung, Basilea) de Jasper John (n.1930).

Para una guía de los principios estéticos de la escultura oriental en China, véase: Arte tradicional chino: características .

Principios del diseño escultórico

Rigen el enfoque de los escultores en cuestiones como orientación, proporción, escala, articulación y equilibrio .

Orientación
Para crear una sensación de armonía (o desarmonía) en la propia escultura, o entre sus partes, o entre la escultura y el espectador, o entre la escultura y su entorno, el escultor suele trabajar sobre un plan espacial o marco de referencia concreto. Dicho plan, a menudo basado en un sistema de ejes y planos, es importante para mantener la proporción lineal entre los componentes que interactúan. Así, por ejemplo, las posturas de las figuras humanas suelen calcularse y crearse con referencia a los cuatro planos cardinales, a saber el principio de axialidad (por ejemplo, el movimiento anatómico), el principio de frontalidad (predominante en las figuras de pie de los Kouros del Arcaico griego), el opuesto - una pose dinámica en la que una parte del cuerpo gira o se aleja de otra parte, ejemplificada por las obras de Miguel Ángel (1475-1564) y Giambologna (1529-1608) - y la postura quiastica (una pose en la que el peso del cuerpo descansa principalmente sobre una pierna, característica típica de la escultura figurativa griega del Alto Clasicismo).

Proporción
El modo en que los escultores tratan la proporcionalidad varía considerablemente. Algunos (por ejemplo, los escultores egipcios) observaron cánones jerárquicos no naturalistas de proporción (por ejemplo, los dioses más grandes, los siguientes faraones más grandes, los ciudadanos más pequeños, etc.). Otros escultores seguían reglas de proporción más naturalistas pero igualmente iconométricas. En comparación, muchas culturas tribales utilizan sistemas que -por motivos religiosos o culturales- dan mayor tamaño a ciertas partes del cuerpo (por ejemplo, la cabeza). Además, la ubicación concreta de una escultura puede requerir un enfoque particular de la proporcionalidad. Por ejemplo, una estatua humana montada sobre una estructura alta puede requerir una parte superior del cuerpo más grande para equilibrar los efectos de la perspectiva cuando se ve desde el nivel del suelo. (El gran pintor rococó Tiépolo fue un maestro a la hora de contrarrestar este efecto en la creación de sus frescos del techo).

Escala
Esto se aplica, por ejemplo, a la necesidad de que una escultura se ajuste a la escala de su entorno. Pasee por cualquier catedral gótica importante y observe la variedad de esculturas que adornan portales, fachadas y otras superficies. Además, algunos grupos de figuras que ilustran escenas bíblicas pueden tener escalas ligeramente diferentes: la Virgen María y Jesús pueden tener el mismo tamaño, mientras que (por ejemplo) los Apóstoles pueden ser más pequeños.

Articulación
Describe cómo se unen las figuras escultóricas (y otras formas): cómo se combinan diferentes partes del cuerpo en una forma, o cómo se unen secciones separadas. El escultor realista francés Auguste Rodin (1840-1917) creó una continuidad impresionista en sus figuras, en contraste con los escultores clásicos griegos anteriores (por ejemplo, Policleto) y los escultores renacentistas que favorecían las unidades individuales de forma delineada.

Equilibrio
En la escultura figurativa autónoma, el equilibrio implica dos cuestiones principales. En primer lugar, el cuerpo escultórico debe ser físicamente estable: lo suficientemente ligero para lograr una figura que se arrastra o se inclina, menos ligero para una estatua de pie, especialmente cuando se inclina hacia delante o hacia atrás. Si la posición natural es inestable, debe utilizarse una base. En segundo lugar, desde el punto de vista de la composición, la estatua debe mostrar una sensación de equilibrio dinámico o estático. Sin esa armonía, la belleza es casi imposible.

La mejor manera de entender la escultura

¿Le desconciertan todas estas extrañas nociones sobre los elementos y principios de la teoría del diseño escultórico? No se preocupe, muchos historiadores del arte también lo están. La mejor manera de entender la escultura es observarla tanto como sea posible. Si es posible, visita el museo de arte público más cercano y observa algunas copias de esculturas griegas o renacentistas. Esto debería darle una buena idea de las obras de estilo tradicional. También, si es posible, visite alguna exposición que incluya obras de escultores abstractos como Umberto Boccioni (1882-1916), Jean Arp (1886-1966), Naum Gabo (1890-1977), Alexander Calder (1898-1976), Alberto Giacometti (1901-1966), Barbara Hepworth (1903-1975), Louise Bourgeois (1911-2010), Sol Lewitt (1928-2007) o Richard Serra (n. 1939). 1939). Las obras de escultura abstracta de cualquiera de estos artistas contemporáneos deberían darte mucho que pensar.

Materiales

En escultura se puede utilizar casi cualquier material capaz de formar un volumen. Pero ciertos materiales, como la piedra -especialmente la caliza dura (mármol)-, la madera, la arcilla, el metal (por ejemplo, el bronce), el marfil y el yeso, tienen propiedades plásticas «excepcionales» y, por lo tanto, han resultado ser los más populares entre los escultores desde la prehistoria. En consecuencia, durante la mayor parte de su historia, la escultura se creó utilizando cuatro métodos principales: talla en piedra, talla en madera, fundición en bronce y cocción en arcilla. Un tipo poco frecuente era la escultura criselefatina, destinada exclusivamente a grandes estatuas de culto.

Escultura en piedra

La escultura en piedra, probablemente la forma más antigua de escultura monumental y también el mejor soporte para obras monumentales, fue común en muchas épocas paleolíticas de la Edad de Piedra. Las obras prototipo de la escultura prehistórica en piedra incluyen la estatuilla de basalto conocida como Venus Berehata Ram (c. 23000 a.C.) y la estatuilla de cuarcita conocida como Venus Tan-Tan (c. 200000 a.C. o anterior). Desde entonces, probablemente el mayor conjunto de esculturas de piedra ha sido la serie de estatuas columna y relieves realizados para las grandes catedrales góticas europeas de Chartres, Notre Dame de París, Amiens, Reims, Colonia y muchas otras, entre 1150-1300

Las piedras de las tres principales categorías de rocas eran adecuadas para la escultura, incluidas las ígneas (por ejemplo, granito), sedimentarias (por ejemplo, caliza y arenisca) y metamórficas (por ejemplo, mármol). El mármol blanco puro italiano de Carrara se utilizó en el arte romano y en la escultura renacentista italiana de artistas como Donatello y Miguel Ángel, mientras que los artistas griegos prefirieron el mármol pentélico para esculpir el Partenón . (Véase también: Escultura en mármol .) La escultura irlandesa de finales de la Edad Media se limitó principalmente a cruces altas celtas, hechas de granito.

Los ejemplos más altos de escultura en mármol son la Venus de Milos (c. 130-100 a.C.) de Alejandro de Antioquía; Laocoonte y sus hijos (c. 42-20 a.C.) de Hagesander, Atenodoro y Polidoro; Piedad (1497-99) y David de Miguel Ángel; Éxtasis de Santa Teresa (1647) del genio barroco Bernini; Cupido y Psique (1796-97) del neoclasicista Antonio Canova; y El beso (1889) del genio francés Auguste Rodin.

Escultura de jade

La forma más conocida de escultura en piedra dura, la talla en jade ha sido una especialidad de los artesanos chinos desde el Neolítico. La jadeíta y la jadeíta son los dos tipos más comunes de piedra de jade, aunque también se utiliza la bowenita (una forma de serpentina). Los chinos atribuyen al jade importantes cualidades, como la pureza, la belleza, la durabilidad e incluso la inmortalidad, y los escultores valoran las piedras de jade por su brillo, sus colores translúcidos y sus matices.

Escultura de madera

La talla en madera es la forma más antigua y continua de escultura. Especialmente adecuada para obras pequeñas, la talla en madera se practicó ampliamente en la prehistoria y luego en la época de la escultura paleocristiana - véase, por ejemplo, la talla de roble dorado conocida como la Cruz de Héroe (965-70, Catedral de Colonia) - y hubo una Edad de Oro en Occidente, especialmente en Alemania, durante la época del arte bajomedieval: véanse las exquisitas tallas religiosas en madera de los tallistas alemanes Feit Stoss (1445-1533) y Tilman Riemenschneider (1460-1531). Más tarde, en el Barroco, la madera se recubrió a menudo de yeso y se pintó a la manera del antiguo arte egipcio. Los grandes escultores modernos de madera son Henry Moore (1898-1986), famoso por su «Figura de olmo tumbado» (1936) y Barbara Hepworth (1903-75).

Escultura en bronce

La escultura en bronce es un proceso complejo que se desarrolló de forma independiente en China, Sudamérica y Egipto. La fundición en bronce requiere modelar el molde en arcilla, yeso o cera, que se retira después de verter el bronce fundido. El método de la cera fue una técnica común durante el Renacimiento. También era una técnica muy utilizada en la escultura africana de Benin y Yoruba.

Entre las obras más destacadas se encuentra la «Danzante de Mohenjo-Daro» (c. 2500 a.C.), una obra maestra de la escultura africana.), una obra maestra de la escultura india temprana de la cultura o arte Harappa de la Civilización del Valle del Indo en la India, y una gran cantidad de placas y esculturas de bronce (hechas por fundición en molde) con adornos de jade encontradas en la cuenca del río Huanghe en la provincia de Henan, China central, del reino Xia y la posterior dinastía Shang (a partir de 1750 a.C.).

Obras maestras de bronce posteriores: Las puertas del Paraíso de Lorenzo Ghiberti (1378-1455), David de Donatello (1386-1466) y Miguel Ángel, El rapto de las Sabinas (c.1583) Giambologna, La Burguesía de Calais (1884-89) y Las puertas del infierno (1880-1917) de Auguste Rodin, Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) de Umberto Boccioni (1882-1916), Pájaro en el espacio (1923) del escultor abstracto rumano Constantin Brancusi (1876-1957), Mujer degollada (1932), Hombre que camina I (1960) de Alberto Giacometti (1901-66) y Ciudad destruida (1953) de Osip Zadkin (1890-1967).

Escultura de arcilla

Las esculturas de arcilla datan del Paleolítico de la Edad de Piedra. Conocida (cuando se cuece) como escultura de terracota, es la más plástica de todas las técnicas de modelado, versátil, ligera, barata y duradera. Aunque la arcilla se utilizaba principalmente para modelos preliminares que luego se fundían en bronce o se tallaban en piedra, también se empleaba para crear esculturas a escala real. La escultura de arcilla más antigua que se conoce es la Venus Dolní Vestonice (c. 26.000 - 24.000 a.C.), una estatuilla de cerámica del periodo Gravetense descubierta en la República Checa. Otra obra maestra del Paleolítico es el bisonte Tud d’Audoubert del periodo Magdaleniense (c. 13.500 a.C.), un relieve sin cocer de dos bisontes hallado en la cueva Tuc d’Audoubert, Ariège, Francia. La tercera obra maestra prehistórica es El Pensador de Cernavode (c. 5.000 a.C.), una icónica estatuilla de terracota creada durante la cultura mesolítica de Hamangia, en Rumanía.

Sin embargo, el ejemplo más famoso de escultura en arcilla es el Ejército de Terracota de la dinastía china Qin («Ejército de Terracota»), una colección de 8.000 guerreros y caballos de arcilla descubierta en 1974 en la provincia china de Shaanxi. Fechados entre el 246 y el 208 a.C., cada uno de los 8.000 soldados de arcilla es único, con una expresión facial y un peinado diferentes.

Otros materiales escultóricos

Otros materiales tradicionales utilizados para crear esculturas son el marfil y los metales preciosos.

Los primeros ejemplos conocidos de escultura en marfil, por ejemplo: las famosas figuras talladas en marfil de mamut de animales prehistóricos, aves y figuras teriántropas (c. 33.000-30.000 a.C.) encontradas en las cuevas de Vogelherd en el Jura de Suabia, Alemania; la Venus de Kostönkov (c. 22.000 a.C.), una figura femenina gigante tallada en marfil encontrada en Rusia; y el Hombre León de Holenstein-Stadel (c. 38.000 a.C.), una estatuilla gigante de marfil encontrada en el Jura de Suabia.

Entre las obras famosas realizadas con piedras preciosas se incluyen, por ejemplo: una escultura mesopotámica, conocida como Baran en un matorral (c. 2500 a.C..), una pequeña estatua de pan de oro, cobre, lapislázuli y piedra caliza roja encontrada en la Gran Fosa Sepulcral, Ur; y Toro de oro de Maikop (c. 2500 a.C.), una escultura de oro (hecha por fundición a la cera perdida) de la escultura de Maikop del Cáucaso Norte, Rusia.

Materiales modernos utilizados en la escultura del siglo XX

Materiales utilizados por los escultores del siglo XX, incluyen materiales reciclados como el hormigón, así como una interminable lista de materiales modernos como acero inoxidable, fibra de vidrio, aluminio, gomaespuma, papel maché, piezas de bicicleta, plásticos, vidrieras, «objetos» encontrados, etc. Para más información sobre determinados tipos de arte plástico posmoderno, véase: Escultura de hielo, y Arte en arena .

Tipos de escultura

Las principales formas tradicionales de este arte tridimensional son: la escultura exenta rodeada por todos lados de espacio y la escultura en relieve (que engloba el bajorrelieve, el altorrelieve o el altorrelieve y el relieve hundido), en la que el dibujo permanece unido a un fondo, normalmente de piedra o madera. Se pueden ver ejemplos de relieves en el arte megalítico, como los elaborados grabados en espiral encontrados en Newgrange, Irlanda, en la Columna de Trajano en Roma, los Templos de Zeus en Olimpia y el Partenón. Los relieves arquitectónicos góticos aparecen en todas las grandes catedrales europeas de la época: pensemos, por ejemplo, en los santos del transepto sur de la catedral de Chartres y en los apóstoles del transepto norte de la catedral de Reims.

La escultura también puede clasificarse en función del objeto que representa. Por ejemplo, una estatua, como las dos versiones del David de Donatello y Miguel Ángel, suele ser un retrato tridimensional de cuerpo entero de una persona, mientras que un busto suele representar sólo la cabeza, el cuello y los hombros - véase Busto de George Washington (1788), Jean-Antoine Houdon (1741-1828). Una estatua de un hombre a caballo, como la estatua de Giambologna (1529-1608) realizada por Cosimo de’ Medici en Florencia, se denomina escultura ecuestre. Tal vez la mayor estatua ecuestre sea el Jinete barroco de bronce de la plaza de los Decembristas de San Petersburgo: un monumento al zar Pedro el Grande, una obra maestra de la escultura rusa, aunque creada por un francés.

La escultura como arte público
La presencia física vívidamente visible de la escultura la convierte en una forma ideal de arte público : Ejemplos supremos en la cultura occidental son los monumentales megalitos de Stonehenge, las esculturas clásicas del Partenón de Atenas, las cruces celtas de Irlanda y las columnas góticas de los siglos XII-XIII con estatuas y relieves de las catedrales del norte de Francia y Alemania.

La escultura religiosa en madera alcanzó nuevas cotas durante el Renacimiento septentrional gracias a maestros tallistas como: Tilman Riemenschneider y Veit Stoss, conocidos por sus elaborados retablos y estatuillas de madera, mientras que la Contrarreforma barroca estimuló destacados ejemplos de arte católico cristiano en forma de esculturas de bronce y mármol de (entre otros) Gianlorenzo Bernini (1598-1680), famoso por la serie de la Capilla Cornaro (1645-52), incluido el Éxtasis de Santa Teresa .

El arte público secular moderno incluye esculturas famosas como Estatua de la Libertad, Chicago Picasso, una serie de figuras de metal creadas para el Centro Cívico de Chicago, y la escultura arquitectónica «Dublin Spire», conocida como «Spike», creada por Ian Ritchie en 1947. La escultura pública contemporánea sigue desafiando los conceptos tradicionales del arte tridimensional a través de sus nuevos conceptos espaciales y el uso de materiales cotidianos recogidos o creados en numerosas formas de instalación y escultura fija.

Escultura moderna y posmoderna

Desde la década de 1960, el llamado modernismo ha sido sustituido por el arte contemporáneo o postmodernismo. A diferencia de los modernistas anteriores, los escultores posmodernos contemporáneos (por ejemplo, artistas pop como Claes Oldenburg, Robert Indiana y el neoperformista Jeff Koons) son libres de utilizar una gama más amplia de materiales, imágenes y técnicas. Los estilos tienden a ser más localizados, ya que la tendencia actual entre los movimientos artísticos contemporáneos es desconfiar de las grandes ideas y el internacionalismo de los movimientos artísticos modernos de finales del siglo XIX y principios y mediados del XX.

Información adicional

Para periodos/movimientos importantes, véase:
Escultura medieval (c.400-1000);
Escultura románica (c.1000-1200);
Escultura gótica (c.1150-1280);
Escultura gótica inglesa ;
Escultura gótica alemana ;
Escultores renacentistas (1400-1600);
Escultura barroca (1600-1700);
Escultura neoclásica (c.1750-1850);
Escultores del siglo XIX (1800-1900).