Pintura de bodegones Traductor traducir

En bellas artes, el término «bodegón» designa un género particular de pintura, que suele consistir en una disposición de objetos (tradicionalmente flores o utensilios de cocina, pero puede incluirse casi cualquier artículo doméstico) dispuestos sobre una mesa.

¿Qué es un bodegón?

El término es una traducción directa de la palabra holandesa «Stilleven», que se utilizó a partir de 1656 para describir cuadros que antes se llamaban simplemente «Fruta» o «Flores» o «Ontbijt» (un pedazo de desayuno), «Bancket» (un banquete) o «Pronkstilleven» (del neerlandés «Pronk», que significa ostentación), o, si tiene connotaciones religiosas, según la nueva estética del arte de la Reforma protestante – pintura de Vanitas .

La pintura de bodegones se practicó ampliamente en el mundo antiguo, pero posteriormente decayó y no resurgió en la historia del arte como género independiente hasta el siglo XVI. Como sugiere el origen del nombre, la naturaleza muerta fue especialmente popular en el norte de Europa, sobre todo en Holanda y Flandes, entre los artistas de finales del Renacimiento septentrional . Esto se debió en parte a los efectos de la Reforma en el norte de Europa, que provocó un declive de la pintura religiosa entre los pueblos protestantes. A pesar de ello, hubo influyentes escuelas de bodegones en Italia (sobre todo en Nápoles) y España, y en menor medida en Francia, aunque Chardin fue posiblemente el mayor pintor de bodegones del siglo XVIII y Paul Cézanne del XIX. Los bodegones contemporáneos pueden contener una gama ilimitada de objetos modernos, desde urinarios hasta latas de cerveza.

El bodegón como forma de arte

Para los principiantes, las naturalezas muertas pueden parecer bastante aburridas en comparación con las pinturas históricas llenas de acontecimientos , los paisajes evocadores o los retratos emotivos . Sin embargo, algunos de los mejores bodegones contienen mensajes complejos (narrativas) encapsulados en el tipo de objetos expuestos y su disposición. Así pues, al estudiar la composición de bodegones, hay que tener en cuenta que los objetos expuestos pueden ser símbolos, lo que confiere a la imagen un significado simbólico. Aunque, al igual que el paisaje, la naturaleza muerta no suele contener formas humanas, es tan capaz de transmitir un mensaje político, moral o espiritual como los ejemplos más complejos de la pintura histórica. Esto contradecía «la línea oficial» de los defensores del arte académico, que situaban el bodegón en el nivel inferior de los cinco géneros, después de la historia, el retrato, el género y el paisaje.

Tipos de bodegones

En pocas palabras, los bodegones pueden dividirse en cuatro grupos principales, a saber:
obras de flores;
obras de desayunos o banquetes; y
obras de animales. Muchas de estas obras se realizaron únicamente para demostrar el virtuosismo técnico y las habilidades de dibujo del artista. O pueden haber sido pintadas para transmitir una visión particular del arte (como en el caso de los bodegones de Paul Cézanne) o para demostrar la emoción artística (como en los «bocetos amarillos» de Van Gogh).

A veces, sin embargo, el artista puede tener en mente un mensaje más complejo. De ahí el último grupo
Naturalezas muertas simbólicas. Se trata de una categoría más amplia que designa cualquier tipo de bodegón con una narrativa simbólica explícita, normalmente de carácter religioso o casi religioso. Un ejemplo concreto de este tipo de simbolismo es el conocido como Vanitas (tomado del Eclesiastés 12:8 «Vanidad de vanidades, dice el predicador, todo es vanidad»), que contiene imágenes simbólicas (por ejemplo, calaveras, velas apagadas, relojes de arena, relojes, mariposas) para recordar al espectador la fugacidad y banalidad de la vida terrenal. Sin embargo, la imaginería simbólica puede ser más abiertamente religiosa, incluyendo pan de una forma u otra, vino, agua y otras vagas referencias a la Eucaristía, la Pasión, la Santísima Trinidad o los Santos. Uno de los máximos exponentes de este género, que floreció entre 1620 y 1650, fue Harmen van Steenwyk (1612-1656), de las escuelas de Delft y Leiden.

Historia de la naturaleza muerta

El arte de la naturaleza muerta no era infrecuente en el mundo antiguo. Se han encontrado frescos de naturalezas muertas en numerosas tumbas egipcias (presumiblemente, los alimentos representados estaban destinados al consumo de los muertos en la otra vida) y en casas romanas excavadas en Herculano y Pompeya. Véase, por ejemplo, «Un jarrón transparente con frutas y jarrones» (ca. 70 d.C.) de un artista desconocido hallado en Pompeya). Además, el arte de pintar naturalezas muertas se menciona en la antigua leyenda griega de Zeuxis y Parrhasius. Sin embargo, en la Edad Media, tras la caída de Roma (hacia 350 d.C.), las naturalezas muertas desaparecieron por completo y sólo reaparecieron a principios del Renacimiento, pero simplemente como fondo de pinturas religiosas o como objetos en los interiores de Jan Van Eyck, no como género independiente.

La naturaleza muerta después de 1517: el Renacimiento septentrional y el realismo holandés

Los primeros bodegones de los que se tiene constancia son «Liebre» (1502) del pintor alemán Alberto Durero y «Pájaro muerto» (1504) del pintor veneciano Jacopo de Barbari, que trabajó en las cortes alemana y holandesa.

En 1520-1530, el artista alemán Hans Holbein el Joven (1497-1543) pintó una serie de retratos que también incluían bodegones, completados con mensajes morales y símbolos al estilo Vanitas. Véanse, por ejemplo, Erasmo de Rotterdam (1523), Dama con ardilla y estornino (1527-28); Mercader Georg Giese (1532) y Embajadores (1533).

El maestro indiscutible de la naturaleza muerta en estilo barroco fue el pintor de Amberes Frans Snyders, que creó obras maestras como «Escena de despensa con paje» (hacia 1617), «Despensa» (hacia 1620) y «Puesto de juego» (hacia 1625). La obra de Snyders fue desarrollada por varios pintores realistas holandeses de las escuelas de Utrecht y Delft, que perfeccionaron el género. La primera obra puramente floral fechada fue realizada en 1562 por el alemán Ludger Tom Ring .

Que todos estos acontecimientos tuvieran lugar en Flandes, Holanda y Alemania no es casualidad. Como consecuencia de la Reforma – la revuelta protestante contra la Iglesia de Roma (hacia 1517) – la pintura religiosa en el norte de Europa sufrió un grave declive, lo que favoreció el renacimiento del género del bodegón. La popularidad de la pintura al óleo sobre lienzo en estos países, que permitía una mejor elaboración de la pintura y, por tanto, un mayor detalle, también contribuyó al desarrollo del género. La pintura de bodegones alcanzó su apogeo en la pintura holandesa del siglo XVII en un estilo conocido como « Realismo holandés», que se considera la manifestación más realista del género. También proporcionó un medio para la expresión religiosa, ya que se introdujeron mensajes morales simbólicos que ampliaron aún más su atractivo. Una forma particular de bodegón simbólico ) Vanitas) consistía en una disposición de objetos simbólicos destinada a recordar al espectador la patética fugacidad de la vida en la tierra. Las naturalezas muertas en general y las obras de Vanitas en particular atrajeron mucho a la puritana clase media holandesa, y su creciente mecenazgo propició el auge del género, que luego se extendió a España y Francia.

Otros ejemplos de bodegones de artistas holandeses: «Vanidad de la vida humana» (1645) Harmen Stenvik ; «Vanitas» (1645) Pieter Claes ; «Desayuno con cangrejos» (1648, Museo del Hermitage, San Petersburgo) Willem Claes Hed ; «Bodegón con langosta, cuerno para beber y vasos» (c. 1653) de Willem Kalf ; «Babuchas» (1654) de Samuel Hogstraten ; «Bodegón con fruta» (c. 1670) de Samuel Hogstraten ; «Bodegón con fruta» (c. 1670) de Samuel Hogstraten. 1670) por Jan Davids de Heem ; «Flores e insectos» (1711) por Rachel Ruysch .

Naturaleza muerta después de 1600 en Italia, España, Francia

La naturaleza muerta siguió siendo impopular entre la mayoría de los artistas italianos y rara vez apareció en las bellas artes italianas, independientemente del tema, excepto, por ejemplo, una pequeña cesta de frutas Caravaggio . Otros ejemplos son las obras de frutas, flores y peces de la Escuela napolitana de pintura y barroca napolitana de los siglos XVII y XVIII (por ejemplo, Recco y Ruoppolo), y los Instrumentos musicales pintados por Bascenis.

En España el género fue más popular y artistas como Francisco de Zurbarán y Juan Sánchez Cotán pusieron dramatismo al bodegón más sencillo. Ejemplos de obras españolas son «Bodegón con limones, naranja y rosa» (1633) de Surbarán y «Bodegón con caza» (ca. 1602) de Juan Sánchez Cotán. Otros pintores de Stilleven (nombre holandés del género) fueron Sánchez y Meléndez. Un siglo más tarde, el elemento dramático español culminó en los bodegones de Francisco Goya «La cabeza de un ternero» y «El pavo desplumado».

En Francia, quizá debido a la influencia conservadora de la Academia de Bellas Artes de París, el bodegón tardó más en desarrollarse que en sus vecinos del norte. No fue hasta los siglos XVII y XVIII, cuando los aristócratas franceses empezaron a encargar suntuosos bodegones, cuando aparecieron ejemplos virtuosos del género en los cuadros de Moillon, Stoskopf, Oudry y especialmente Jean-Simeon Chardin, aunque éste abandonó «los objetos de lujo» en favor de los utensilios de cocina y las sencillas disposiciones de comida y bebida. Las exquisitas pinturas a pequeña escala de Chardin – «Naturaleza muerta con un frasco de aceitunas» (1760) y «Conejo, zorzal, paja» (1755) – son tan «reales» que uno quiere tocarlas. El rico realista-romántico francés Theodore Géricault también produjo algunas obras insólitas de este género, como «Detalles anatómicos» (1818).

Bodegones del siglo XIX

Durante el siglo XIX la pintura académica decayó junto con la influencia de las propias academias y su jerarquía de géneros. Como resultado, florecieron el paisaje y la pintura de bodegones. Henri Fantin-Latour se hizo famoso por sus bodegones florales, como «Rosas blancas y rosas» (1890.), así como por otras composiciones como «Bodegón con jarrón de espino», «Cuenco con cerezas», «Cuenco japonés» y «Taza y platillo» (c. 1880). Los impresionistas exploraron los efectos coloristas de las composiciones florales, mientras que Paul Cézanne dotó a sus bodegones y paisajes de una monumentalidad sin precedentes que pudo influir en la aparición del cubismo. Entre las obras maestras de Cézanne figuran «Peras sobre una silla» (1882), «Naturaleza muerta con cesta» (1890) y «Naturaleza muerta con Cupido de escayola» (1895). El pintor postimpresionista holandés Vincent van Gogh entusiasmó a todo el mundo con su uso de ricos tonos amarillos en sus famosos cuadros de la serie «Girasoles». En Estados Unidos, lejos de la restrictiva influencia de las academias europeas, los artistas norteamericanos pintaron bodegones durante todo el siglo XIX. Uno de los líderes del género fue el filadelfiano Raphael Peale (1774-1825).

Bodegones del siglo XX

Los fauvistas desarrollaron un enfoque colorista del género, como en «Naturaleza muerta con geranios» Henri Matisse (1910), mientras que artistas como Emile Nolde, miembro del destacado grupo expresionista alemán Die Brucke, produjo obras individuales como «Naturaleza muerta con bailarinas» (1914) y Amapolas rojas (1920). Mientras tanto, el Cubismo se ocupaba de ampliar las exploraciones geométricas de Cézanne en una serie de cuadros cubistas polifacéticos como: «Violín y candelabro» (1910) de Georges Braque, «Bodegón con silla de mimbre» (1912) de Picasso y «Bodegón con frutero y mandolina» (1919) de Juan Gris . Georges Braque continuó sus esfuerzos durante décadas, produciendo obras como «Estudio V» (1949). El género fue desarrollado posteriormente por el artista recluso italiano Giorgio Morandi, famoso por sus bodegones con objetos sencillos (por ejemplo, botellas) y una sofisticación casi poética.

En Estados Unidos, a principios del siglo XX, artistas de bodegones como William Harnett y John Peto se dieron a conocer por sus composiciones en trampantojo con objetos y collages de recortes de periódico. Posteriormente, el género fue explorado por una gran variedad de artistas, como el expresionista Marsden Hartley (1877-1943) inspirado por Kandinsky y Jawlensky, el cubista Stuart Davis (1894-1964) y la creadora de imágenes exóticas Georgia O’Keeffe (1887-1986). En el arte más reciente, la naturaleza muerta ha figurado en el Surrealismo y el Pop Art – por ejemplo, el cuadro de Roy Lichtenstein «Still Life with Bowl and Goldfish» (1972) (óleo y magna sobre lienzo).

- Para más información sobre los distintos tipos de pintura (retratos, paisajes, bodegones, etc.), véase: Géneros de pintura .