Exposición de Andrei Grositsky "El orden de las cosas" Traductor traducir

La nueva temporada de exposiciones de la galería ARTSTORY se abrirá con la exposición de obras del clásico del arte contemporáneo ruso Andrei Grositsky, The Order of Things, que se llevará a cabo del 19 de septiembre al 10 de noviembre de 2019. El proyecto está dedicado al 85 aniversario del artista.

La atención del artista se centra en las cosas más comunes: artículos para el hogar, paredes descascaradas, viejos instrumentos musicales, llaves, cerraduras y, a veces, solo piezas de metal oxidado. Y aunque el modelo, como regla, es un objeto, sería incorrecto llamar a sus obras bodegones, porque Grositsky no "retrata" una cosa como es, sino que la transforma, dándole un nuevo significado, revelando su Belleza y esencia "secretas". Es importante tener en cuenta que para transmitir su visión del mundo objetivo que nos rodea, crea su propio lenguaje plástico: los visitantes de la exposición notarán de inmediato que algunas cosas "van más allá" del formato de lienzo habitual: todas las cosas viven en un vasto espacio, como si estuvieran apretados en un marco cerrado. Las pinturas, por así decirlo, se esfuerzan por convertirse en esculturas. Al mismo tiempo, "a pesar de las texturas ásperas que Grositsky usó como naturaleza para su trabajo, su trabajo está imbuido de una increíble ternura y compasión por el mundo que lo rodea", dice la curadora de la exposición Natalya Grositskaya.

A partir de estas imágenes vívidas, Grositsky construye un universo entero, cayendo en el que involuntariamente comienzas a ver el mundo de manera diferente, más fina, más brillante, más poética, como Mayakovsky dijo una vez: "¿Podrías tocar una noche en una flauta de tubos de drenaje?" ¿Una oportunidad? Al escuchar cómo es que sucede que los visitantes de la exposición “Andrey Grositsky. El orden de las cosas. "

A veces, este mundo se compara con el espacio ahora olvidado, nacido en el arte no oficial de mediados de la década de 1920 y llamado la "nueva materialidad".

La exposición mostrará obras de diferentes períodos, incluidas obras que nunca se han exhibido o que se exhibieron durante mucho tiempo y una vez. Entre tales obras están "Butaforia" (1984), "The Big Switch" (1991), "Espagnolette" (1995), "This Is Not a a Hat" (2004). Junto con esto, la exposición presentará obras que el propio autor consideró un hito para sí mismo y que ocupan un lugar especial entre sus obras: esta es "Familia" (1970-71) "Unidad No. 7" (1988), "Pintura roja "(1996) y, por supuesto," Objetos y cielo "(1980-81), sobre los cuales el famoso crítico de arte Vitaly Patsyukov escribió:" En una de sus mejores composiciones, uno podría decir programado, "Objetos y cielo", el El artista nos ofrece mirar los objetos como desde el punto de su valor absoluto frente al cielo absoluto, como una parte viva del universo. Todas estas cosas que están cansadas de trabajar: un sombrero, una jarra, un maletín, una vela, un violín, un teléfono, ya no necesitan su funcionalidad. Están iluminados por el resplandor especial de la eternidad, se conservan en nuestra memoria para siempre, se abre una nueva dimensión en ellos: la profundidad existencial. La cosa aquí no se usa como un objeto y no se interpreta como un signo, significa que existe, que existe y permanecerá así en la mente humana. "

Andrei Borisovich Grositsky (1934–2017) se graduó del Instituto Estatal de Arte de Moscú en honor a VI Surikova en 1959

1960 - El comienzo de la formación de estilística y una posición creativa entre los artistas del underground de Moscú, que incluía a I. Kabakov, E. Bulatov, I. Chuikov, Yu. Zlotnikov, B. Turetsky.

A fines de la década de 1960 y principios de la década de 1970, Grositsky llegó a la etapa más importante de su trabajo, enfocándose en el tema como objeto de estudio y comenzó a desarrollar su propio lenguaje plástico, que luego se convirtió en su "tarjeta de presentación". La obra del artista se ha convertido en una parte integral del arte del no conformismo doméstico. Un atractivo para el mundo de las cosas, su imagen metafísica, la transición a un color lacónico y generalizado, y la plasticidad característica de la imagen dieron razones para mencionar a Grositsky entre los fundadores del "arte pop ruso" e hicieron que su pintura fuera reconocible no solo en Arte ruso, pero también a escala mundial.

Las obras de Grositsky se encuentran en las colecciones más grandes del museo, incluido el Museo Pushkin, la Galería Estatal Tretyakov, el Museo Estatal Ruso, el MMOMA, el Museo Zimmerly (Nueva Jersey, EE. UU.), Una serie de museos regionales en Rusia y muchas colecciones privadas en todo el mundo.

Sobre Grositsky

V. Patsyukov:

"En una de sus mejores composiciones, uno podría decir programático," Objetos y cielo "en 1981, el artista sugiere que miremos los objetos desde el punto de su Valor absoluto frente al cielo absoluto, como una parte viva del Universo.. Todas estas cosas que están cansadas de trabajar: un sombrero, una jarra, un maletín, una vela, un violín, un teléfono, ya no necesitan su funcionalidad. Están iluminados por el resplandor especial de la eternidad, se conservan en nuestra memoria para siempre, se abre una nueva dimensión en ellos: la profundidad existencial. La cosa aquí no se usa como un objeto y no se interpreta como un signo, significa que existe, que existe y permanecerá así en la mente humana. "

E. Barabanov:

“En las biografías de cosas de Grositsky, la situación del ser es doble: el nacimiento creativo de lo previamente invisible está acompañado por la ilusión de lo conocido, advirtiendo de la desaparición de lo visible. La atención a esta dualidad, atención igualmente ajena tanto a la vanguardia como a la retrospectiva, impregna todo el arte del artista. Aquí, tal vez, hay un punto oculto de contacto con la perspectiva mundial de Rainer, Maria Rilke, para quien todos los mundos del universo colapsaron "en lo invisible, como en su realidad más profunda más cercana".

Ivan Chuykov:

“Desafortunadamente, no vi sus últimas obras en el original, o más bien, sus últimas exposiciones, solo obras individuales y, por supuesto, reproducciones. Lo que vi fue muy interesante para mí y me pareció muy importante en nuestro arte.

En primer lugar, lo más obvio es la elección de un objeto, un objeto tan insignificante, sin importancia, por así decirlo, una imagen indigna: un medidor eléctrico, un trapo, un cubo de basura, etc. Esto no es un regalo del cielo, ningún descubrimiento, Pero nadie ha hecho eso con nosotros. Tenemos más sobre lo sagrado, sobre los mitos: afirmar o exponer. Y, lo que es importante, Andrei no es tanto por razones ideológicas (aunque esta disminución en el motivo también es interesante e importante), sino por razones fundamentalmente formales y profundas. Andrei escribió estos objetos insignificantes, me parece porque su pintura era sobre pintura, sobre la esencia, el secreto de la imagen, sobre cómo aparece en el plano de la imagen. Y necesitaba penetrar este secreto, y no distraerlo con literatura, patetismo y la belleza de los objetos. Es por eso que la segunda característica del trabajo de Andrei son los objetos que salen del borde del lienzo y violan el formato rectangular de la imagen. Después de todo, el formato tradicional y tradicional es, de hecho, una pantalla en la que se proyecta una imagen desde un lado u otro, creando una ilusión. Cuando esta pantalla es destruida o cuestionada, cuando se ofrece material “pesado, grosero, visiblemente”, la base de la ilusión creada, entonces esta ilusión y realidad burda comienzan a equilibrarse, parpadear. El espectador debe decidir por sí mismo lo que está mirando: en el medidor eléctrico o en la imagen.

La imagen tradicional no ofrece una opción: miras el bosque de abedules, las olas del mar o las hermosas manzanas, sin mencionar a las chicas.

Pero de alguna manera esto no se cree realmente: una ilusión, una ficción. Pero sin hacer trampa, se hace así.

En todos los artistas, en cualquier caso lidiando con la imagen, este sentimiento de misterio, magia, brujería de la posibilidad de la imagen vive, y un artista serio y pensante tiene que lidiar con eso. Cada uno lo hace a su manera. Andrei encontró su camino y lo hizo maravilloso.

Puede, por supuesto, escribir más, explicándolo, pero aquí, desde mi punto de vista, lo principal. "

Nikita Makhov:

"Andrei Grositsky es el representante más brillante en el arte ruso de la época actual de la línea que a mediados de la década de 1920 se llamó la" nueva materialidad "o" realismo mágico ". Andrei Grositsky encarnaba lo que realmente era lo más valioso en la imagen de "nueva materialidad", que tiene el significado no solo de una imagen específica, sino del mundo entero. De hecho, tal pintura es una verdadera abstracción en el sentido conceptual paradigmático de la palabra.

El trabajo de Andrei Grositsky: los rostros de las cosas. Este es precisamente el fenómeno espiritualizado de una cosa, esa cosa detrás de la cual hay realmente una metafísica profunda, que de hecho solo puede expresarse en el arte figurativo y solo en el arte plástico. "

Natalia Pomerantseva:

“Grositsky tiene una perfecta sensación de material en cualquiera de sus transformaciones, ya sean superficies lisas o piezas de estaño frío rasgadas y puntiagudas. Tiene una amplia y variada gama de técnicas de textura, desde una sola mancha hasta parches de pintura áspera que crean un profundo contraste semántico. Utiliza los trucos de lo ilusorio, dando a las cosas un bulto tangible.

Reflexionando sobre el trabajo de A. Grositsky, uno recuerda las palabras del gran Leonardo, quien una vez dijo que es imposible desentrañar el mundo, solo puede inventarse. Y en la mayoría de sus obras, Grositsky hace un mundo para sí mismo y para el público. El mundo de los sujetos, que constituye el tema principal de las pinturas, generalmente se llama naturaleza muerta, pero la definición de este género no es aplicable al trabajo de Grositsky, porque su trabajo fue mucho más allá del género y el estilo. Podemos hablar sobre el estilo del propio Grositsky, ya que el artista abre nuevos caminos en el arte contemporáneo, hablando del mundo en un lenguaje que nadie habló antes que él.

Galería ARTSTORY: Moscú, Staropimenovsky per., D. 14 (metro Tverskaya, Mayakovskaya). Todos los días, excepto los lunes, de 12.00 a 20.00. Admisión por boleto (200 rublos; para personas menores de 18 años - 100 rublos; para niños menores de 7 años, pensionistas y categorías privilegiadas - gratis).