Exposición "El camino sin fin a ... Parte I"

El 8 de octubre de 2015, en el Museo de Arte Decorativo, Aplicado y Popular de toda Rusia, junto con EAST MEETS WEST GALLERY, se abre un proyecto de arte "The Endless Road to… Part I".

La galería del carruaje del Museo de Arte Decorativo, Aplicado y Popular de toda Rusia presentará las obras de la artista Natalya Zarovna, una destacada representante de la generación de la abstracción "geométrica" de finales del siglo XX - principios del siglo XXI.

Serie de sus obras "Punto", "Terminal. Amberes "," Nueva provincia "o" cobertizos de garajes "pueden atribuirse al tema" Arquitectura ", que el autor ha estado desarrollando durante mucho tiempo y de manera integral. Pero para ella, la arquitectura es más un signo simbólico, una "forma de conciencia utópica", más que un simple objeto de imagen. La dinámica y el ritmo de estas obras, su composición plástico-estructural, que se basa en la red, nos permite buscar y encontrar las fuentes formales de su trabajo en el constructivismo ruso y en las ideas filosóficas del suprematismo de Kazimir Malevich. Creando imágenes de signos de la vida material, también se eleva de lo material a lo espiritual y más allá al inconsciente superior. "Entiendo la abstracción como una oportunidad para cambiar el enfoque de la visión, para penetrar en la estructura de un objeto o fenómeno", Natalya Zarovnaya.

Esto es especialmente pronunciado en la nueva serie de trabajos de Natalia Zarovna "Transformers", 2015. Utilizando la filosofía y las capacidades técnicas del grabado, el autor individualiza cada trabajo, trabajando con diferentes tipos de papel, creando volúmenes internos de estructuras con doble y triple superposición de hojas, utilizando la técnica de grabado mixto, luego un collage que le da a cada nuevo trabajo sus características estilísticas únicas.

Las obras de Vladimir Peldyakov son más bien bocetos de plástico o pequeños modelos terminados de obras monumentales que son posibles en el futuro, pero que aún no han sucedido. La formalización del proceso de su creación se estableció por el tamaño de la obra y la simplicidad de los materiales elegidos por el autor (madera, cuerda, malla metálica). En dos obras, el autor utiliza diferentes direcciones del desarrollo de la escultura plástica, que se remonta al modernismo y a la vanguardia rusa de principios del siglo XX. El trabajo "Estructuras horizontales" se refiere más a la abstracción "geométrica", la escultura "Caminar" es un trabajo más ambiguo. Su construcción de plástico, que recuerda a una figura masculina, como diseñador, se ensambla a partir de barras rectangulares, dirigidas al espectador cada vez con caras nuevas. La figura cubista de "Walking" no parece estática, está en movimiento y se dirige hacia adelante, respondiendo exactamente al deseo del artista de romper más allá de un estilo.

La segunda parte de la exposición se encuentra en el área del parque del museo. Incluye el nuevo trabajo de Alexei Dyakov, creado especialmente para la VI Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú, y el proyecto de los escultores Olga Khan y Andrei Mitenev "Pianos preparados".

En el trabajo de Aleksey Dyakov, "El límite de lo posible": tres troncos de madera que se elevan hacia arriba es una alegoría simbólica de la vida de tres amigos, dos de los cuales "se agotan" en el camino hacia la perfección y la autoexpresión, sin alcanzar En la parte superior, y solo uno de ellos, alcanzando la meta, la expresión espiritual y física realiza su sueño y comienza a irradiar luz, iluminando el camino después de ir.

La idea del proyecto de Andrei Mitenev y Olga Khan “Pianos preparados” nació en 2013. Según los autores, por un lado, gracias al deseo de implementar una idea puramente plástica: crear una nueva escultura - un objeto de los fragmentos de un piano, diseccionándolo y diseccionándolo en detalles; Por otro lado, influenciados por su entusiasmo por la música experimental y nueva, especialmente las composiciones vanguardistas de John Cage y sus seguidores rusos.

Lo primero en esta serie de Piano es quizás sobre todo una escultura en el sentido tradicional de la palabra. Ahora, muchos artistas contemporáneos creen que son seguidores de Marcel Duchamp y llaman a sus obras objetos, por temor a que la escultura sea un concepto anticuado y anacrónico.

Andrei Mitenev tenía todas las razones formales para "escribir" la escultura recién recreada de un piano dividida en detalles en una cosa y convertirse en un "heredero" directo de las ideas de papá o neo-papá de Duchamp. Pero la figura de un pianista intoxicado por la música y las enormes manos simbólicas que alcanzan la cubierta crean una composición escultórica plástica integral, un símbolo de unidad, la fusión de un músico con un instrumento. Andrei Mitenev y Olga Khan logran aún más simbolismo y abstracción en el trabajo conjunto de Trio-1 y Trio-2. Los elementos estructurales en ambas esculturas son los mismos que en la primera obra, pero los elementos del patrimonio de vanguardia son más claramente visibles en ellos, como en las proporciones de la construcción vertical y horizontal de los elementos, así como en el Solución colorista de objetos.